意大利文艺复兴盛期.doc

盛期文艺复兴是意大利文艺复兴的全盛时期，这时艺术走向成熟，新的古典艺术规范确立。佛罗伦萨城在15世纪末的政治动乱后已失去了它作为意大利经济和文化中心的地位，取而代之的是教皇所统治的罗马城和繁荣的北意大利商业城市威尼斯。 16世纪初，教皇为确立罗马在基督教世界的地位，招募了许多才华横溢的艺术家前来装点梵蒂冈宫殿和罗马城，创造了比15世纪更加宏伟的新艺术。人文主义思想的深入，使人们对自身更加尊重。15世纪的艺术家在很大程度上还被视为工匠，16世纪初已大大改变了这种看法。当时拥有自主权的各城市竞相聘请最伟大的艺术家，创作名扬千秋的作品，以增强自己城市的自豪感。这种城市间的相互竞争促进了大师们的相互竞争。艺术家不再满足于个人技巧和手艺，竞争激励他们在自然科学和文化艺术各领城中广泛探索，力争获取更大的成就。另一方面，艺术家若能应允这些城市或城中王公大人的订件，他们创作出的作品便成了流芳百世的纪念物。因此艺术家们勿须去迎合雇主，可以自由选择一些自己更喜爱的订件。他们不再是匠人中的一员，大多以学识渊博的多面手出现，往往被视为不朽的天才，艺术家的地位大大提高，个性得到前所未有的肯定。在相互激烈的竞争中，产生了一代博学多才的艺术巨匠。以达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、布拉曼特、提香为代表的一系列艺术大师。在前辈艺术家探索的基础上进行了概括和总结，使艺术在16世纪初达到了高度成熟完美的境界。不但题材从宗教内容扩大到现实生活，而且对自然景色也开始加以观注，他们塑造的形象更完美，更具有复杂的个性和心理待点。如果说早期文艺复兴艺术家主要探索透视、解剖等科学法则，那么盛期大师在把握了这些法则后不再受其限制，而是更强调视觉效果，探索作品的戏剧性和新的艺术语言。 罗马教皇朱理二世16世纪登位后，以文化的倡导者和庇护者自居，不惜花分大量钱财，招募意大利各地艺术家来罗马，对梵蒂冈宫廷和教堂进行大规模的建设。罗马成为艺术中心。以米开朗基罗、拉斐尔、布拉曼特为首的艺术家形成了“罗马学派”。达芬奇在米兰从事创作活动，形成了“米兰学派”。东北部的威尼斯在盛期形成了以乔尔乔纳、提香等人为代表的“威尼斯画派”。 这个时期在美术理论方面也有不少建树。达芬奇的绘画美学思想在他的笔记和言论中充分体现出来。瓦萨里的第一部传记美术史问世。这些理论著述反映了人们对文艺与现实关系的看法，认为艺术是现实的镜子，主张艺术模仿自然，强调艺术处理手法上难能可贵的技巧。盛期艺术家追求的美多是一种“绝对奖”的概念，他们把“最完美的比例”、“最美的线条”、“最温柔典雅的形象”视为普遍永恒的公式，创造了一种古典理想美的艺术典型。完美、准确、概括的写实绘画体系建立起来，盛期文艺复兴在美术史上写下了光辉的篇章。一、达芬奇（Leonardo Da Vinci 1452-1519） 列奥纳多达芬奇 （1）、是整个文艺复兴时期最卓越的代表人物之一，他的天才不限于艺术，在数学、机械工程、医学、地质学等方面都有所反映。他出生于佛罗伦萨附近的一个叫芬奇的小镇，早年到佛罗伦萨，在委罗基奥的工场学习。达芬奇在这儿不仅学会了绘画雕刻的技巧，还热衷于科学研究。 美术方面，达芬奇总结了15世纪艺术家的研究成果，在绘画构图、明暗、透视、色彩等方面都有所建树。尤其是他创立的明暗法，宪全抛弃了15世纪用呆板的轮廓线勾画形象的方法，而是用明暗烘托，让形象从明暗的背景中浮现出来，增加了画面的生动感和空间感。他研究大气与色彩的关系，发明了“薄雾法”(即空气透视法)，让远景沐浴在淡蓝的空气中，绘画的透视关系变得更正确更完善。达芬奇在美术理论方面也有许多卓越的见解。人们从他遗留的大量手稿笔记中整理绘画论，这本书集中体现了他的美学思想。书中提出著名的“镜子说”，认为绘画优于其他任何艺术，因为它包容了世间的一切，画家的心就象镜子一样能真实地反映这个世界，把普遍的自然变为第二自然。达芬苛还是一位崇尚古典艺术的人文主义者，在观察自然的前提下努力塑造理想化的人物形象，准确地再现自然。科学性和理想化是他创作的最高宗旨。以上所有一切构成了他的艺术基础，因此，在他的画笔下产行了代表盛期文艺复兴时代精神和审美理想的名作蒙娜丽萨和最后的晚餐。 （2）、代表作：最后的晚餐、蒙娜丽莎、岩间圣母、（3）、以写生为起点，观察、探索、思考所感兴趣的一切，素描画的很多，色彩却很少。明暗法：画面中出现柔和的阴影。 能够把空间与体积联系起来处理，同时又不牺牲15世纪末期风格的那种幽雅如画的美。岩间圣母 此画是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央,她右手扶婴孩圣约翰,左手下坐婴孩耶酥,一天使在耶酥身后,构成三角形构图,并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟,花草点缀其间,洞窟通透露光。此画虽属传统题材,然表达手法和构图布局皆表明达.芬奇的艺术水平之高深。人物,背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视,缩形等技术法的采用,表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。这幅画是标志达.分奇盛期创作开始的作品。局部小约翰身边对花草那逼真的描绘，都可以看出达芬奇对观察自然的深入最后的晚餐由于达芬奇经常变换他作为实验品的颜料，画创作未完成时已经有脱落的情况了，整个画面，占满了修道院食堂大厅的整个墙面，达芬奇挑选了一个关键时刻进行描绘。以耶稣为中心，左右各为两组人物，后有人的性格都生动地从他们的行动与手势中表达出来。耶稣处于正中央，在使每个人物均具有充分表现力的同时，不使画面凌乱、分散。在这幅画中，达芬奇通过象征真理的耶稣和象征邪恶的犹大之间的戏剧性对比，表达了自己对人生的看法。画面人物从右开始可分为5组，从他们的动作我们甚至可以听到他们的语言，正中的是基督，此时他正平静的说出那句惊人的话“你们之中有一个人出卖了我”这句话就像石头投入水中一样，激起了两旁使徒们的层层波动从右开始西门，犹德，马太，西门张开双手向是在倾听犹德所讲的“这从何说起”马太也随着犹德也倾向西门，可是他的双手却指向基督“真的有人敢出卖老师”年轻的菲利普双手按胸，向基督保证“我绝对不会干这种事”大雅格惊呼的撑开双臂，无意中把杯子带翻，在他身后的多玛竖起一个手指问基督“真有这样一个人？”而基督只是摊开双手，平静中略显悲怜约翰靠向后面听彼得的问话，而彼得左手按在约翰的肩上右手还拿着一把餐刀，使人想起后来他挥舞刀剑不让人们逮捕基督，犹大紧靠桌边，恐惧中仰向后方，右手还拿着出卖基督的一袋金币年老的安德烈震惊的举起双手，小雅阁好像在安抚他，同时左手从背后神像彼得，制止他急中生乱，最后年轻的巴多罗买从座位上站起来，俯身凝视事态的发展十三个人物只有犹大的脸侧影在阴暗中，增加了这个角色的阴险和卑劣，这里的每个人物都是冲现实人物中借鉴概括而成的，犹大的取材是一个告密的副院长，他给大公告密说达芬奇整天游荡，很少画画蒙娜丽莎 1503年达芬奇回到佛罗伦萨，并在这段时间内完成了名作蒙娜丽莎（15031506），这幅肖像画的意义在于通过一个普通市民女性的形象表达了人对于自身的肯定，及对美好的事物的向往。蒙娜丽莎以一个年轻女性温雅的微笑，揭起了人性觉醒的旗子，歌颂了生命的可爱，模特是一位官员的妻子，为了扫除她丧婴的哀伤，要乐队奏乐，在创作上不仅有许多间歇，还有心情上的变化，这充分的表现了达芬奇敏锐的观察和鲜明的视觉记忆，蒙娜丽莎的右手，被誉为美术史上最美的一只手，与现代摄影相比，这只手更有体积感，更有重量，更富有生命力，而它的微笑，之所以神秘 是由于达芬奇在一个个性非常具体的人物身上，创造出他理想化了的美的典型，要使瞬间即逝的面部表情，成为一种喜悦的永恒象征二、米开朗基罗（Michelangelo Bounaroti, 14751564）1475-1564，伟大的天才、诗人、音乐家、雕刻家、画家、建筑师。早年师从吉兰达约学习绘画，后到美第奇学园学习雕刻。受到新柏拉图主义的影响 。希腊雕刻对他的影响，解剖，各种角度与姿势。以及熟练的技巧和精美的表现，吸收古希腊雕刻中值得赞美的一切。晚期希腊风格中那种尽力追求富有强烈感染力的戏剧性效果的做法，对他影响极大。 作为雕塑家和画家的米开朗基罗走的是和达芬奇不同的艺术道路，他不像达芬奇那样充满科学精神和哲理思考，而是在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情。 米开朗基罗的艺术不仅标志着文艺复兴时代的最高潮，同时也标志着文艺复兴的收场。因为他是一位长寿的艺术家。他的创作期包括了一个充满了翻天覆地的、动荡的、范围广泛的历史阶段。 米开朗基罗受到当时流行的新柏拉囚主义思想的影响，认为人的精神与肉体是相对立的，躯体束缚着人的晃魂，成为灵魂的牢笼。他渴望把人体从顽石中解放出来以满足他精神上的追求。因此他往往在雕刻作品平静的动态中，赋予人的内心以紧张和驱动，这种灵魂和肉体无法调和的矛盾，使他的许多雕刻作品表现出特有的悲剧性。 在米开朗基罗的艺术里，人文主义思想得到了更加全面地、极度鲜明的表达。这是因为米开朗基罗从人文主义思想中吸取了它的原则和核心，吸取了最有价值的品质，即人的主动性与积极作用，人的奖励英雄功绩的能力。B：米开朗基罗（2）、代表作：大卫、晨、昏、昼、夜、哀悼基督 创世纪、最后的审判。大卫 他表现的是建功立业以发前的大卫，一个充满愤怒和力量的青年人。这种力量也是人文主义者向往的自由的人所具有的巨大潜力。也正因为这一点，这件作品成为文艺复兴时代英雄的象征。哀悼基督1494年法国进兵佛罗伦萨时，美第奇家族企图叛国降敌而被市民推翻，在萨伏那罗拉领导下佛罗伦萨建立了公社式的共和国。（主张不分等级，不计利害的自我牺牲）但这位僧人尽管同情穷人，可是在治国和建设方面毫无办法，他希望以狂热的信仰来解决吃饭的问题，很快就惨遭失败，在1498年被教皇下令逮捕处死，学者们都认为米开朗基罗以三年时间创作的哀悼基督正是在暗暗的悼念他所敬仰的这位献身的“圣者”，因为年少的米开朗基罗是不得志的，他对腐朽的教皇和美第奇家族是充满愤恨的，当萨伏那罗拉起来领导反抗的时候，米开朗基罗的思想由震动产生了崇敬，是并不奇怪的，哀悼基督第一眼看到的是一个慈爱的母性由于庄严和雄伟而显出更加崇高的美，死去的基督，好像熟睡了一样安卧在母亲的膝盖上，而俯首的圣母则张开双臂，似乎仍想护卫死去的儿子，尽管从外貌来看，他们的年龄相仿，但就玛丽亚的动作，神态来看，有的只是母亲的忧思和慈爱，这不免让人想到米开朗基罗的祖国，它承担着当时为反抗侵略人民的牺牲，这里不仅表现作为一个艺术家和诗人的米开朗基罗对人类情感把握得准确深刻，同时也表现了贯穿他终身的爱国主意精神大卫旧约神话 以色列古代的大卫王，少年时是个牧童，当菲利士人侵犯以色列时，大卫到前线给哥哥，敌方的巨人哥利亚凶旱异常，正当以色列人无法抵抗是大卫用甩石机杀死了哥利亚，过去的艺术家们多半表现大卫割下敌人的巨头，已经取得胜利时的情景，米开朗基罗表现的却是，大卫左手上举，握住搭在肩上的“甩石带”，右手下垂，似将握拳。头部微俯，怒目直视前方，处于迎接战斗的状态，从艺术效果上看，这种矛盾的高潮到来之前的状态更有吸引力，从思想效果上说，米开朗基罗似乎感到保卫共和国的艰巨，望人们不要放松了警惕摩西摩西是第一个率领以色列人从埃及出走，寻求建立自己国家的先知，也是一位古代的立法者，他曾与人民相约定下十条戒律，刻在石质的法板上，出走途中，有人因恶人引诱成了叛徒，摩西痛斥叛变者，还一怒之下摔碎了法版在米开朗基罗的作品中，这位圣书上传说中的神王，除去头顶上突起的两角象征其具有神性之外，整个身形和神态都由于细节的真实而充满了生气和力量，米开朗基罗并没有表现摩西摔法版或振臂高呼，而是表现他坐在椅子上，突闻事变时的一刹那间的神态，因为米开朗基罗深知艺术含蓄的美最后的审判圣经上说，世界末日来临时，基督要做一次最后的审判，以惩恶扬善。其目的当然是警戒信徒们要服从宗教统治，画里面布满了力士一般的裸体巨人，其中有受人敬仰爱慕的人，他们正升向天堂，也有受人痛恨的代表罪恶的人，正堕入地狱，其中有一个头朝下，身挂钥匙的人，影射的是开始推行“赎罪卷”的教皇尼古拉斯三世，表面上，天主教是以劝人行善为宗旨的，而教皇却可以发行“赎罪卷”，不论做过多少恶，只要有钱购买“赎罪卷”就仍可以进入天堂，也就是给有钱人的特权，中间的基督被画成一个既非君王，又非慈悲者的巨人，他举起右手即将发出最后的判决，他的母亲玛丽亚已经被这个风暴似的巨变所吓到，卷曲在基督肋下，在这里显示的不是慈悲和饶恕，而是铁面无情的善恶报应。基督左边是一群为信仰而殉难的圣徒，各自拿着受害时的刑拘向基督诉说着冤屈，巴托罗米欧提着他牺牲时的人皮，近代美术史家们研究出人皮上所画的正米开朗基罗的面孔，艺术家把自己列身于这些控诉这之中，说明他自己也像那些为信仰而牺牲的人一样在受难，这幅大胆的创作在未完成时就受到了许多人的攻击，但他却坚持完成了作品，“请告诉教皇，修改一幅画容易，用不着他那么操心，还是让他老人家把世界修改得好一点吧三、拉斐尔(Raffaello Sanzio 1483 - 1520) （1）、 14831520）出生于翁布里亚，早期在画家佩鲁吉诺的工场学习，后来他的画面上始终洋溢着的明净的色彩、柔和的光线和宁静而优雅的节奏感，都得益于他所受的早期教育。 （2）、描绘女性形象的大师，笔下的圣母形象是美丽的平民妇女形象，带有几分高贵的端庄和慈爱。 以诗一般的绘画语言体现了人文主义的理想，所确立的美的样式纯粹美（理想化的美）成为后来学院派古典主义的标准。 （3）、 代表作：雅典学院、西斯廷圣母优雅三美神 帕纳塞斯山 拉斐尔是意大利盛期文艺复兴三杰中最年轻的一位。他既不像达芬奇那样是一个智慧的天才，也不像米开朗基罗是一位超时代的巨人，他是一位头脑聪颖，性格温和，最善于吸取别人长处的杰出大师。他创造出盛期文艺复兴典雅、优美、具有高度技巧的艺术典型，这是现实美与理想美的统一，被后世奉为古典艺术的楷模。拉斐尔是一位非常善于描绘女性形象的大师，在他一生的作品中有相当一部分是以圣母子为题材的。在不同的时期描绘出来的圣母形象有不同的个性，但她们都表现出了女性慈爱、善良、温顺的高尚品质，引起人们对美好生活