再谈西方静物画—物的生命化.doc

天津美术学院 油画系毕业论文再谈西方静物画 物的生命化（申请学士学位）再谈西方静物画 物的生命化内容摘要：静物画经历了几百年的发展，在每一个历史时期它都以不同的面貌所呈现。十七世纪荷兰静物画描绘的细腻、华丽、精美；十八世纪以夏尔丹为代表的静物画表现出一种单纯、质朴的美感。十九世纪末的后印象主义开始进入了一个新的探索阶段，但是不管在哪个历史时期，也不管它有怎样的面貌，静物画以一种静止的状态呈现的不仅仅是我们眼睛所能看到的事物，它表现的是这个世界上可见事物背后的东西即精神内涵，这才是真实存在的。静物画引导观者从作品的精神层面去认识陈旧的、再熟悉不过的事物。从纯粹的视觉刺激进入到物质的剖析与理解。它代表着一个时代，一种情趣，一种精神。关键词：静物画 静 生命静物画，一个我们再熟悉不过的名词，一个从我们最初学习绘画就接触的画种，今天，当我们再回忆起这一简单平常的事物，那份熟悉参透了一种新的感触。 静物画是以日常生活中无生命的物体为主要描绘对象的绘画，它在西方绘画史上的地位一直不高，原因是人们通常认为静物画仅仅是一种对无生命图象的记录，而且通常认为这些事物的呈现无法表达任何高贵的意念。法兰西艺术学院把静物绘画归为整个古典绘画系统的最低层，依次而上的其他绘画种类为：肖像画、风景画、动物画以及以人物为中心的历史画。通常认为静物画所热衷的那些对象，远不如险要人物、历史事件和如诗的风景那样令人感发兴趣。在静物画上颇为集中的凝聚着价值方面的强烈偏见。 静物画在古希腊的古典时期就已经产生了，其萌芽甚至可以追溯到爱琴美术中，克里特的陶器彩绘如其中以独幅画方法描绘的花卉。在古罗马帝国时期，静物画可能已经比较普遍，在庞贝遗址留存的壁画中就有不少独立的静物画作品。可以说这是西方静物画的第一个发展时期，可惜的是这个时期没有能够延续下去。由于欧洲中世纪时期基督教美术的兴起，使作为独立绘画门类的静物画基本绝迹，只有某些静物形象作为宗教画中的象征物或背景点缀而存在。 十七世纪静物画作为独立的绘画题材，再度兴起并正式成为西方绘画重要样式。由于当时荷兰经济的迅速发展，商贸繁荣市井兴旺，人们对这种来之不易的安宁、富足的小康生活产生出的由衷的喜欢，于是他们对身边的生活表现出浓厚的兴趣，这一时期的静物画不仅题材多样，而且描绘的细腻、华丽、精美。 十八世纪下半叶，艺术的美化逐渐的让位与再现生活，以理性反对自由、放纵；以回返自然反对矫揉造作的风俗化，静物画取代了装饰画、历史画。夏尔丹将一种宁静的诗意赋予了人们司空见惯以至于不屑一顾的物品上，夏尔丹笔下的静物传递出一钟单纯、质朴的美感。 十九末的后印象主义开始，静物画进入了一个新的探索阶段，静物画跨越了现实与非现实的界限，从对自然模仿的地位中解放出来。塞尚开拓了静物画创作的新天地，并且启迪西方现代艺术，追求形式创新的新方向，开启了现代主义之门。 但我认为，静物画经历了几百年的发展，在每一个历史时期它都以不同的面貌所呈现。十七世纪荷兰静物画描绘的细腻、华丽、精美；十八世纪以夏尔丹为代表的静物画表现出一种单纯、质朴的美感。十九世纪末的后印象主义开始进入了一个新的探索阶段，但是不管在哪个历史时期，也不管它有怎样的面貌，静物画以一种静止的状态呈现的不仅仅是我们眼睛所能看到的事物，它表现的是这个世界上可见事物背后的东西即精神内涵，这才是真实存在的。静物画引导观者从作品的精神层面去认识陈旧的、再熟悉不过的事物。从纯粹的视觉刺激进入到物质的剖析与理解。 荷兰静物画派描绘的内容多是有关餐桌的盛着葡萄酒和鲜美水果的美丽器皿，或者其他诱人的摆布在可爱瓷器中的精致美味、堆积的山珍海味、餐后桌子上的狼藉我认为这种现象是对荷兰在摆脱西班牙影响后，在天主教的影响下社会、政治、经济繁荣的真实写照。例如这一时期著名的静物画家威廉卡拉兹赫达所作的静物，柔和的室内光让画家着意的聚焦在桌子上，高度的写实使所有的静物犹如后来才出现的摄影。吃的、喝的、用的摆放的随意，自然而紧凑。吃与喝虽然是所有生命的必须，但是惟有对于人则绝非仅仅止于生理的，而是同时关涉着肉体和精神，除了满足饥渴的欲求还有口舌之福，在吃喝的快感里还有心理的愉悦，人在这种快意的体味里也暗自认证着自己的富有和地位。荷兰静物画符合警世告诫的寓意，同时表现出对转换飘忽即逝的对象为永恒纪念物的关心，时下日益上升的生活水准和近乎逼真的写实记忆深深的打动了世人即提醒人们关注永恒生命的同时也满足了世人追求物质生活的虚荣，在画中感受到的已不是在吃喝而是在享用着家境的优越，吃喝变成了炫耀与排场。在满不在乎的挥霍浪费中告白着为富后的不仁。夏尔丹的静物是以普通市民日常用品为题材，与人们朝夕相处，因而感到十分亲切，画家以无限深厚的感情去描绘那些平凡而无声的朋友，夏尔丹将他们随意安放在画面上，给人一种自然、生动和活泼的亲切感觉，画家以娴熟的绘画技巧和多样的表现方法统一的色调，运用丰富的、光暗变化柔和的及其反射光所构成的微妙变化，充分表现了物象的形态整体感。他的静物画能引起热爱生活的人们的思想情感的共鸣。夏尔丹的画总是那么朴素、真诚，体现了画家的民主思想，他认为平凡的人与物不仅外貌美，内心也美，比起贵族和他们的奢侈生活要美得多。虽说取材平淡无奇，夏尔丹的画却格外情趣盎，引人遐想。他画的桃子鲜嫩饱满，犹如天使，一盘牡蛎或是一片柠檬可以引你食指大动，垂涎三尺。在他笔下一条开膛破肚挂在钩上的鳐鱼，可以让你遥想它还活着时肠游大海，开了的膛则五颜六色，深红的血，蓝色的经络，白色的肉，纷繁富丽如教堂的中庭。他的静物画亦自有一种和谐，画布上炉前地毯的浅红色衬着一只针线盒，一束毛线，彼此如同好友般融洽无间。这些画简直就象我们的生活本身，却显得如此不同寻常，奇妙诱人。夏尔丹那些充满魅力与悟性的画作通过赋予静物生命，而使最平淡无奇的生活焕发出光彩。烟具箱与饮水瓶是夏尔丹一幅出色的静物画，画中所描绘的对象都是生活中极平凡的器物，使人感到十分耐看，他们蕴藏着一种质朴之美，这类静物绘引导人们如何去发现并欣赏普通生活中所蕴藏着的美，他使人们联想起罗丹所说的一句话：“生活里到处都存在着美，就靠我们去发现”。有一位法国评论家说：“夏尔丹带给静物以生命”！ 塞尚在绘画史上是一位里程碑似的的画家，在他的作品中,所寻找的就是真实,即绘画的真实.由于他逐渐感到,他的源泉必须是自然,人和他生活在其中的那个世界的事物,而不是昔日的故事和神话.他希望,把这些源泉里出来的东西转换成绘画的新真实. 他的作品更多的注重画家本人的心灵感受，并有意识的将这一感受表现在画中。如果拿塞尚的作品与十七世纪荷兰的静物画相比较，塞尚的静物画显得如此笨拙，但他是“想使印象主义成为某种更坚实更持久的东西，像博物馆的艺术一样”。也就是用印象派明亮的色彩画出古典主义的恢弘、坚实和秩序。（举例子）作品中桌子从右向左倾斜下来，背景的衬布也顺着这个方向倾斜，白色衬布的衣纹像用铁皮卷成似的。塞尚一定是在寻找一种平衡，所以他在右侧画满苹果和水罐儿，试图压住向左倾斜的趋势，把苹果的色彩画的浓重饱和也是为了这个目的。他掀起桌面是让这些物体看的更清晰，如此画面才能获得一种坚实的结构。塞尚为了取得画面的平衡与结构不惜打破正常的素描与透视法，不惜放弃细节并对物体进行变形，他的这些绘画原则和实践在当时无疑是具有革命性的，足以引起艺术史的强烈震动，所以他被推为“现代艺术之父”。塞尚借静物颠覆艺术史，静物是画家表达自己感受的一种载体。达利是二十世纪著名的超现实主义画家，他的绘画的理论基础建立在他的妄想狂评论上，既出自梦境、梦想、记忆和心理学或病理学的变形的要素，创作一个梦想的现实。 面包是达利经常采用甚至情有独钟的题材，他曾经说：“我的目标是恢复那些过去的画家们失去的技艺，好成功的画出那些爆炸前的物体的静止状态。面包总是最古老的拜物教主题之一，我无法在我的作品中摆脱他，他是第一个也是唯一一个使我对他保持重视的作品。面包完全迥异达利的那些梦幻的、怪奇的、带有撕裂般残酷的作品，可以称的上是超级写实的范本，画中神圣的光辉看来是由物体本身散发出来的；以几乎是全黑的背景衬托出的戏剧性的光与一种更为细腻的引起视错觉的手法的结合，让人联想到达利正在效法委拉斯凯兹的同代人苏巴朗的静物画。画中薄厚不等的四块切开的面包，有三片依次错落，微微斜靠在篮子的一头，它记录着切放者当时的细心和认真，另一片最厚平放在另一端压在篮沿和盖布之上，而且与那三片呼应。达利以高度的技巧绘抹出面包烘烤抽的色彩，这静物在神圣中溢出他最世俗的含义，无论是布料的采用还是篮子的精巧，尤其是那面包三对一的摆放在有致中引透出家庭的一种内在的秩序和伦理，他简朴基本和节制，从而展现出生活常态的宁静和恬意并且回归到某种自律，它不像从前的一些有关餐室的画作，当社会生产过剩和暴富的商人志得意满，奢侈和炫耀就成为优越的证明，相当的静物画便是酒杯、果盘、银器、刀叉甚至洒在桌子上成堆的银币和金币，他使人想到消费的盲目和阔富之后失去约束的麻木不仁。此时它已经超越了需求界限而成为放纵。而达利的面包则既有审美的自足性和经济意义上的自足性，他如同在诠释着加尔文的伦理财富多了就会成为铺张浪费之母，而真正的财富乃是美德的回报，所以人应该适当知足。 在一些民族和国家里，面包是最普通和平常的果腹之物，它是每日的必须，它似乎远远离开了社会层面的宏旨，在最现实的餐桌上也很少有人从一块面包开始审美，它也的确与诸如伟大、崇高、庄严这些名词相差甚远，它最世俗的关涉着人的肠胃，所以与任何事物一样，面包无法剥离它“微小”的身份，但也恰恰在这“微小”的底线上征服了世界上所有的人，就如英国美术家诺曼布列逊所说：“食物它所提及和涉及的人的主体是无名的和生物性的，与壮丽奇异无关。所有的人都必须吃，伟大的人也是如此，抱负在生命不可越过的事实饥饿面前也是要让位的，这对所有人都不例外。”可见在面包背后透出的是人类的生计问题，单纯的物象之下隐含的是物质与精神的内涵。 莫兰迪是20世纪意大利具象绘画范畴沉思者中最杰出的画家之一。他的油画，是从静物出发、壶、花瓶、咖啡杯等并置，一再重复，以此主题描绘，探求他自己的形而上学。创造出一种静稳坚牢的独特画境莫兰迪的画关注的是一些细小的题材，反映的却是整个宇宙的状态.确实. 莫兰迪并非是某种痴迷于绘画的人.我个人认为他的画就是在反映每个人胸中的定律和宇宙的状态.试图用简单的物品来反映对宇宙的某种理解.那种似乎超越了的安静.轻轻的却充满着力量. 莫兰迪远离物质本身的组织结构，将物体作最大的单纯化，舍弃了所有的细节描绘，拿瓶子涂上颜色来取消物质感。除了瓶子还能识出它的形状外，其他物体几乎都是用几块长方形的木块，涂上颜色来组合静物的。即使在某些画面中出现过罐子的高光，也是出于形状的需要，并非在表达质感。在莫兰迪的静物画世界里，“没有什么比现实更抽象”。他从来没有离开过对瓶子的写生，但越来越超越瓶子本身，是让瓶子本身的形象来呈现它的意义。五十年代末六十年代初，莫兰迪已将瓶子的形状通过光与色、重叠与切割，进行分解和重构。有的瓶子外形被融化在背景中，有的重叠后幻化出另外的形状，有的仅仅勾勒出它的投影部分。一切都在莫兰迪笔下魔术般地变化着，谁都难以预料。如果说早期莫兰迪是通过光来加强主体与背景的反差，突出其形的话，那么后期则是利用光，将其漫射到整幅画面中，消解了明显的光感，却又使空气中弥漫着光的微粒。物体的形时而显，时而隐，与背景浑然一体。莫兰迪绘画中的空间不同于传统概念，它不是一个用透视关系来表达并可以存放物的空间，也不同于现代绘画中所表现的纯粹平面、抽象的空间构成。它不是既定的，受限制的被生空间，而是一个因物的聚合生成的空间，是不断在流变，开放的能生空间。 无论静物画在哪个历史时期，它总是以最简单的、平常的事物为载体，向人们诉说着一个时代，一种情绪，一种精神，在物质的世界里画家们自由的选择他们喜欢的事物，潜心的描绘，在及为“平淡”的事物中，寄予不平淡的情感，我偏爱静物画那种宁静洒脱的气质，这份“静”是一种伟大，是一种肃穆，它用最世俗的最微小的物触及人最深的精神层面，物之生命也就由此体现。在我的创作中，我钟情与对物的描绘，我认为物是一种最含蓄的载体，我在我的静物画世界里努力的寻找着一种“生命”的存在，我崇尚莫兰迪，他穷尽毕生的经历以不起眼的小幅静物画技压群芳，令人刮目相看，在他眼里