钢琴慢练毕业论文

浅谈慢练在钢琴中的重要性摘要：钢琴演奏的艺术学习是建立在技术学习基础之上，是一门重要技术课程。在这漫长而又艰辛的钢琴学习历程中，我总会遇到一些解决不完的问题，而这些问题在我的记忆当中总是被老师教的方法轻而易举的就解决掉了，训练过程中，老师强调我“慢练”方法，使我受益匪浅。怎么样才算是慢练，慢练能解决什么问题，慢练的目的意义是什么，慢练过了又能出现什么问题，怎样慢练才会恰到好处呢?关键词：钢琴 慢练 目的 难点 慢练是指：把一首曲子原有的速度放慢之后再进行练习的方法。这个“慢”绝对不是心理上的懈怠和情绪上的放慢,以及演奏状态松垮触键不正确、技术与艺术上无需要的随意练习。钢琴教育家约瑟夫加特曾经说过，慢练的目的在于纯技巧范畴，而纯技巧练习又是一种“不可缺少的恶事”，而且主张这种“恶事”控制在最小的限度。他认为，慢练会破坏乐曲的整体形象，因此，他非常反对人们将整首乐曲用很慢的，纯技术目的的慢速弹奏出来，这对于一个人的音乐思维是一种摧残。他提出的解决方案是，将技巧中那些和音乐关系不大的因素分解出来，有目的的进行慢速练习，一旦克服了技术上的困难之后，就应该将这部分融入乐曲进行完整的音乐思维。从头到尾慢的话，会很容易造成疲劳，让人失去对音乐的乐趣。一般来说在开始练习新的练习曲或者乐曲时，都应该适当放慢演奏者的速度，他可以保证练习活动的准确性及时发现错误和困难。任何技术上的困难和复杂的乐曲，只要放慢到一定速度，也就相对变得较为容易了，难度很大的乐句也会轻松、自如、准确的奏出。有时候慢练要花很长时间，但慢练能培养出手指的颗粒感。快练有时候会越弹越“糊”，越练越“滚”。慢练是克服所有练琴技术障碍之本。我的钢琴老师曾说“慢练好比放大镜，他能把乐曲中的一切细节都扩大化，使自己谨慎的注意到音乐的每一个细节。”慢练时首先要注意：笔者认为1.确定指法。最好按照书本上标注的指法，有些乐句有时会有好几种指法可以选择，这时应该按照自己的实际情况，参考不同版本中编者所注明的指法，再确定自己所要用的那个指法。只有在困难无法克服的情况下，才能更改指法使之“由难变易”。2.确定好分句。分句是音乐的语气、语调和呼吸。分句正确与否直接可以表现出演奏者音乐素养的高低。从视谱的这个阶段起，慢练的艺术要求和目的就是正确的划分乐句。变节奏练习也是非常有必要的，这样能使手指跑动的更快。3.确定动作的基本走向。慢练就如老师所说，像是在作慢的动作看慢的镜头，整个所有的动作都被夸张的放大了，这样可以促使演奏动作更加的连贯让演奏者更清楚的明白动作的走向，向上向下或者左右之间的弧度有多大等等，可以清楚的明白。通过慢练加强全身动作的配合一致，就像在做深呼吸一样，可以使音乐的气息变得更加绵延漫长。4.确定出困难片段的弹奏方法。对于有困难的地方，只通过慢练是达不到要求的，但是慢练在一开始却起着十分重要的作用。要有足够的耐心把一首飞快的肖邦高难度练习曲当作夜曲来弹奏，凡是有这种耐心把快速的艰难片段放慢八至十倍练习得人，一定会达到一个让人望之声畏的巅峰。5.演奏过程中的“放松”问题。演奏过程中的放松与紧张用力就如哲学思维中的对立统一的矛盾关系一样，例如：车尔尼849练习曲第25首第一段的右手是连续性的下行琵音旋律，“着力点音”的小指或无名指应该触键渗透有力，而右手边的虎口肌肉和拇指关节应该松弛的移动；贝多芬“月光”奏鸣曲第三乐章的主部主题，右手应该是激烈升腾的琵音弱起节奏上行，但句尾有力的和弦要有紧密的反弹点；贺绿丁晚会第2930小节右手的八度旋律，手腕要放松贴着琴键弹奏，手背与小臂要有相应的“支撑点”。6.双手完美的自然结合。双手的声部关系有：“复节奏”关系，如贝多芬第一奏鸣曲（Op2.No1）第四乐章第2633小节右手是八分音符的三连音，左手是八分音符的正常进行，双手是“二对三”的节奏关系。复调作品中声部句法走向与句逗终止不同步的组织关系，如巴赫创意曲曲中右手是“句法的呼吸”而左手却是正常的乐句进行，或者反之。双手不同的弹奏风格，如红头绳（江静编曲）第1525小节，右手是十六分音符的跑句(一气呵成)，而右手是“半连音”的旋律动机作低声部支撑。双手节奏中的“密点式”结合，如贝多芬的“热情”奏鸣曲中第三乐章第20小节主部开始，右手是十六分音符跑句（伴有十六分休止符），左手是跨小节的十六分音符与四分音符相结合的活跃动机。针对上述双手声部的结合关系，只有通过静心的耐心的“慢练”才能达到声部立体关系的准确流畅，形成生动感人的效果。7.视奏过程中的准确性以及完整性。如果当我们的视奏能力和技术能力都达不到初学一首作品而很快即可按照应有的速度完整、准确弹奏的程度时，就必须慢速练习不可，因为慢速可以使我们有时间把正确弹奏的所有因素都想清楚想准确，想清楚想准确才能弹得清弹得准。从这个意义上说，慢速虽然是为手的机械运动但实际上更是为脑思维运动的顺畅性，准确性；慢速可以使我们把对象观察的更仔细、更深入、更细腻、更深切，捕捉住在快速当中容易被忽略而又有艺术意义的细节；慢速可以将手指触键动作做的更充分，有利于发展手指的独立和力量，而只是灵活性的技巧。刚开始练习一首曲子的时候，不仅仅要弹准音符、音域与节奏，而乐曲的节拍、力度、表情、奏法、指法、指序等音乐速度之外的全部音乐的信息以及内容都要整体的关注。如贝多芬奏鸣曲中p与sf的特质力度；“暴风雨”(贝多芬)第一乐章始句中的Largo Allegro Adagio 三种表情风格，都应该在“慢练”中的初始过程中加以认识努力的去实践。“慢练”能够使大脑从容的把演奏的概念与艺术要求想的清晰正确而弹得比较理性准确。“慢练”适用于分手练习和分声部练习，主旨目标是听辨，体悟演奏者的着力感、松弛感和准确感。“慢练”的目的还应该放置在踏板运用上、追求好的触键、好的声音、好的和声效果等音乐内容的学习中。“慢练”的目标是为了清晰自然、完整流畅的按照乐曲中所标记的音乐速度“慢弹”表演。对于音乐作品的速度风格而言，“慢练”与“快弹”又是一个音乐“二度创造”。慢到何种程度练，快到何种程度弹，均需要技术与艺术的“度的把握”，两者是一个量变与质变渐次升华的习琴过程与艺术追求。怎么样慢速练习才算是正确的，假如为了弹好快速、流畅的练习曲或者乐曲，我觉得应该这样慢练：严格保持从手指到全身所有动作的连续性和连贯性。如同慢放镜头中的电影一样，除了速度按一定比例均匀变慢以外，一切都不改变。慢速中头脑的思维、注意力仍要高度集中，要避免任何因慢而带来感觉上的散漫并因感觉上的放慢而带来动作、姿势、衔接、节奏关系等方面的走样变形。这样的慢练，主要是为了寻找并巩固一条连贯的最佳动作“路线”。这条路认准了就便于顺利通过了，正是在这个意义上“慢就是快”。当在慢练中逐渐达到能够轻松自如、有把握不出差错的做到乐谱上（除速度外）的一切要求之后，就该稍微提高速度了。如此这般，速度不断提高，但始终应以弹得轻松自如、有把握不出差错为前提，直至达到乐曲应有的速度，这是个渐变过程而不是突变过程。在慢速练习中停留过久，会延误学生进度，向快速的转变过急，会失去自如的心态，也会顾此失彼。犹如快速音阶的慢速练习：音阶的弹奏是一项复杂的动作，也就是说，只有在逐个的分析弹奏音阶的各项单独动作的情况下，慢速练习才算是正确的。在音阶的弹奏中手指的工作是主要因素。手指的挥动在慢速练习中也必须借助和快速完全相对应的动作来完成，挥动的幅度随着速度的减慢而增大。在外向音阶中、拇指的挥动须分解成准备和弹奏两个过程。假如坚持使拇指在外向音阶中进行自由挥动，那么就如已经证明了的，会忽略准备工作的神经支配，会妨碍音阶的速度。在内向音阶中、拇指可以同其余各指一样进行适宜的自由挥动。拇指以大幅度的伸展为这种挥动进行准备，而大幅度的伸展又决定了它须从侧面弹奏。在音阶的慢速练习中手臂的移动不可能是均匀的，因为有节制的缓慢动作会造成手臂的僵硬、痉挛，手臂的移动与拇指的弹奏同时进行，因此在慢速练习中，每一个八度都可以分解为手臂的两个动作，这不会抹杀在快速中对音阶的统一性要求。“慢速练习”这种方法，在我的习琴生涯中已是不可缺少的一部分了，它在所有练琴方法当中我觉得是非常重要的环节，当然应该合理的安排好“慢练