美术鉴赏论文63101

精品文库美术鉴赏课程论文论文题目 时代对美术的影响 所在院系 专业班级 姓 名 学 号 成 绩 任课教师 于凤丽 提交日期 2016年6月 时代对美术的影响通过“文艺复兴先后圣母像的差异”浅析时代对美术的影响摘要：圣母像作为基督教艺术的代表，是西方绘画史上不可或缺的题材。本文主要从早期基督教壁画、中世纪基督教艺术，再到文艺复兴时期以及之后的近现代有代表性的圣母题材绘画作品的研究为基础，从艺术与宗教的关系入手，分析圣母像画在文艺复兴前后的社会文化背景、发展脉络、艺术特色及其演变过程，从中探寻时代对美术的影响。关键词：文艺复兴 圣母像 时代 人文主义 宗教正文1. 概述 14世纪到19世纪初，出于人们对基督教虔诚的信仰，圣母形象在美术史中充当了不可或缺的描绘对象。基督教发源于公元1世纪的巴勒斯坦，基督教的创始人耶稣的母亲即圣母玛利亚，圣母这一女神形象集正义与仁爱于一身，被众生所敬仰，同时也是一位温柔伟大的母亲形象。自公元1世纪基督教在巴勒斯坦出现以后，就成为艺术家热衷表现的题材。中世纪的圣母像艺术进一步发展，在文艺复兴时期达到顶峰，从19世纪以后逐渐淡出画坛。2. 文艺复兴前期的圣母像2 图2.1 圣母、圣子和圣徒中世纪壁画 目前所知的最早的圣母像可以追溯到3世纪中期的圣母子与先知，发现于罗马圣普里西拉地下墓室中。画面描绘温文尔雅的圣母怀抱着圣婴，圣母子和先知的形象是以典型的古典艺术手法表现出了圣母的人性化的情感和温暖。 公元5世纪至15世纪初期流行于罗马的是拜占庭美术。这一时期的美术总特点是遵循希腊模式，强调传统。如弯曲宝座上的圣母和圣婴画面总体感觉是严谨刻板，装饰意味浓重，严格遵循传统圣母图模式。圣母形象肃穆庄严，俨然就是基督教中的女神。从色调上讲，这幅圣母像色相单纯、颜色鲜明，这与当时著名的神学家圣托玛斯所倡导的美学思想是一致的。在中世纪颜色鲜明的东西是被公认为美的，他给鲜明所下的定义是一件东西(艺术品或自然事物)的形式放射出光辉来，使它的完美和秩序的全部丰富性都呈现于心灵，图中采用了黄，金碧辉煌的颜色衬托出圣母的威严，圣母衣着红色衣服更显高贵万分。红色为主色调。中世纪的艺术也被称作“基督教的艺术”，其基本特征是在人像的头部付诸一个个神圣的光环，以此将人与神区分开。中世纪时期的艺术作为宗教思想的附庸，完全服务于宗教，无论是绘画、雕塑还是建筑。现存的此时期的大量绘画作品都彰显着宗教性对于艺术性的压倒态势，如图2.1中中世纪中的圣母形象总是端庄而坐、面无表情、神情严肃，缺乏人情味的。3. 文艺复兴时期圣母像发生在14-16世纪的欧洲文艺复兴运动，其核心精神就是“以人为本”“强调人的自身价值”的人文主义。这种思想自然会反映在艺术领域。其突出的表现，就是中世纪圣母像的传统绘画模式发生了巨大变化。文艺复兴时期的圣母像，无论是从圣母的原型上，还是从构成要素以及表现内容上，越来越趋于生活化，凸显出强烈的人文主义色彩。拉斐尔作为文艺复兴鼎盛时期的代表，有机会吸收达芬奇和米开朗基罗等前人的优点，是一位具有些许结合（模仿）性的画家。一生的作品中有三分之一都与圣母玛利亚有关，包括这幅著名的金翅雀圣母。三角构图，画面稳定协调。圣母脱离了呆板的背景，走入了草地花园，连光环都变得图3.1 金翅雀圣母拉斐尔难以分辨。如果对圣经不够熟悉，甚至都不会认为这是一幅宗教画。其实，这幅画是在说一个圣经之中的虚构情景，依旧属于宗教题材。拉斐尔笔下的圣母神态优雅，注视着两个孩子，而约翰则捧着金翅雀，询问耶稣关于热情的奥秘。圣母温柔，圣婴深邃，约翰好奇，每个人的神态都得到了恰如其分的展现。所有的神都是按照人的形象来描绘的，所谓的世俗精神就在这里，拉斐尔未来的圣母像也基本都遵循了这个标准。文艺复兴时期意大利艺术家和文艺理论家一方面要求艺术模仿自然，另一方面要求艺术要对自然加工，追求理想化与典型化。他们强调虚构不等于虚伪，模仿不妨碍创造，艺术的真实不等于生活的真实(包括历史的真实)，所以，其观点基本上是现实主义的。这也相对体现了文艺复兴时期艺术家所持的一种矛盾观念，在提倡关注人类自身的社会文化背景下，虽在一定程度上打破了神学的束缚，但人们却不愿完全与上帝分裂。如达芬奇的岩间圣母，乍一看作品貌似源于生活来自于现实，但是仔细看来，即使是写实的作品在一定程度上也超越了自然的存在，正如画中的圣母形象虽来源于现实，但对现实形象的的描绘也充满了神性的光辉，比现实更加高贵典雅，很难在现实中找到原型，因为它融入了画家的理想和信念，源于现实而又高于现实。4. 文艺复兴后的圣母像 在16世纪末到17世纪初，与样式主义艺术和学院派艺术相对的是现实主义艺术，而这一时期最著名的代表人物是卡拉瓦乔，在他的参拜圣地人的圣母一画中，我们看到卡拉瓦乔的圣母最明显的变化是，所绘圣母不再是一个万能者，她和普通妇女一样，虽然同情那些向她参拜的人，可是她并不能普渡众生，因为她自己也是贫穷的人。这也表明了卡拉瓦乔不的现实主义艺术观忠实地描摹自然，并没有刻意强调圣母的神圣与荣光，这可以说是史无前例的。 19世纪的圣母像已经明显减少。在拉斐尔前派画家罗塞蒂作品圣母领报中，看似十分简朴却留有许多早期基督教艺术和象征主义的痕迹，力求单纯和真诚。他既不是让神处于高高在上的地位，也不像文艺复兴时期的画家把神世俗化，罗塞蒂笔下的神仙有人的感情，但比人的感情更纤细，含着图4.1 圣母领报 天真的喜悦或淡淡的忧郁。罗塞蒂喜用明亮的色彩，人物造型优雅。在圣母领报这个及其俗气的宗教题材在其笔下有一种与众不同的感伤主义的意味：白衣消瘦的圣母，眼神中流露出空虚，寂寥的神情。从圣母像构成要素来看，画面只出现了圣母与天使，周围场景生活自然。这说明此时的圣母题材已经趋向生活化了。5. 圣母像与宗教2圣母像伴随着基督教艺术从产生之日起，就开始孕育并逐步发展成了具有独立面貌的视觉艺术样式。从早期粗犷的墓穴壁画到中世纪的基督教艺术，再到文艺复兴时期以及之后的近代绘画，作为基督教艺术图像的代表，它的模式变化有一个清晰的变化过程。圣母像的模式诞生于基督教，在宗教神学观念的影响下表现圣母的神圣与崇高;然后在文艺复兴之后不论是从圣母原型上，还是从构成要素和表现内容上，越来越趋于生活化，注重强调人的价值，以人为中心的意识得以凸显。然而圣母像从19世纪以后却逐渐不再受到艺术家的青睐，慢慢地淡出了绘画题材的视野。随着科学技术的进步，人们逐渐从宗教中解脱出来，人们更加关注生活，关注人类自身;另外当代艺术思潮也不断发生变化，从古典主义到浪漫主义，从浪漫主义到现实主义，再到近现代艺术，各种艺术思潮风起云涌，因此圣母像这一宗教题材就逐渐减少了。 6. 文艺复兴时期美术的的进步6.1 社会意识形态的进步6 资本主义的萌芽是“文艺复兴”运动出现的根本原因，文艺复兴是人类历史上的一次思想大解放，它促进了文化艺术的繁荣和科学技术的飞跃。当时的欧洲正处于由封建社会向资本主义社会过渡的时期，新兴的资产阶级要求有为自己服务的社会意识形态，原有的利用宗教控制人们思想的做法己经严重阻碍了资本主义生产关系的发展，资产阶级希望建立一个新兴的社会，这个社会崇尚自然、科学，尊重人自身的价值。于是美术也就由为封建统治者服务的社会意识形态转变为资产阶级服务的社会意识形态，它不再充当上帝与教会代言人的角色，而是开始表达真实世界的美。如果说中世纪的美术表现的是神性，那么文艺复兴时期的美术就充分体现了人性的一面。达芬奇的蒙娜丽莎表现的就不是基督教的神，而是他同时代的一个妇女的形象。画中人物坐姿优雅，妇人面带微笑，又似乎略带忧伤，把一个内心世界复杂的少妇刻画得惟妙惟肖。画作背景不是庄严的圣殿，而是一派自然风光。这幅画充分体现了艺术家对自然和人本身的关注。对周围的人和事物的表现使得文艺复兴时期的美术充满了生命力，也为后世美术的发展指明了方向。 6.2 思想的解放 在中世纪，理想的人应该是自卑、消极、无所作为的，人在世界上的意义不足称道。文艺复兴时期提倡人文主义思想，肯定了人的价值和创造力，提出人要获得解放，个性应该自由;重视人的价值，要求发挥人的聪明才智及创造性潜力，反对消极的无所作为的人生态度，提倡积极冒险精神;重视现世生活，藐视关于来世或天堂的虚无飘渺的神话，因而追求物质幸福及肉欲上的满足，反对宗教禁欲主义。在人文主义思想的影响下，人们开始关注自身的价值，社会生活也逐渐世俗化，艺术家们的思想也得到了解放，开始热衷于表现一些异教的绘画题材，大胆描绘人体的美，注重人的感官享受。如威尼斯画派著名画家提香的名作乌尔宾诺的维纳斯是幅真人大小的裸体画，画中的裸女没有一点女神的超凡脱俗和不可接近，更像是日常生活中的普通少妇。提香借用了乔尔乔内的沉睡的维纳斯一画中的姿势，但对它做了一些微妙的更改，不仅将画中人物表现成清醒的模样，而且眼神中充满了企盼的神情。他将她从田野移进卧室，让她斜躺在床上，一只宠物狗蜷曲在她的脚边。这幅画不仅描绘了充满生命活力的肉体，甚至还充满了肉体的诱惑，表现出作者对于宗教禁欲主义的挑战。6.3 绘画工艺的进步 由于突破了传统的限制，画家们敢于进行大胆的尝试，因此不断出现了革新的绘画技巧和画法。透视法的运用，使画家可以在平面画布上表现三维的空间;画家们积极探索绘画材料的运用(比如，凡艾克兄弟实验用油调色，使颜色易于调和、便于运笔，并且绘画时可以层层堆涂，使画面透明鲜亮，还能保持经久鲜润和美丽的色彩，因此被称为是油画的发明者)，让画面更加具有感染力;独立的画风探索，形成了各种不同的艺术风格(比如，16世纪在佛罗伦萨出现的“样式主义”艺术风格，在绘制圣母像的时候，在人物造型上，特意拉长画中的人体比例，使画中的形象“纤长”“柔美”)，增加了艺术表现的多样性 所有这些创新的技巧也同样运用在圣母像的绘制中，因此也极大提高了圣母像的艺术表现力。正是从这个时候起，欧洲的画家不再等同于没有社会地位的工匠，他们得到了社会认同，成为被权贵追捧的“艺术家”。7. 文艺复兴后圣母像的衰退7.1 意识形态的改变致使圣母像的衰退 到了文艺复兴后期，意大利国力衰微，社会动荡不堪，人们对时局失去信 心，由于宗教改革运动的冲击和反宗教改革势力的影响使人们的理想和信仰上都出现了动摇和危机；一方面是对永恒不变的宗教理想的服从，另一方面是一种无论如何也打不到的全社会层面的自我反省，这时人们已经形成的世界观和艺术倾向发生了很大的改变，人们不再相信盛世能够长存，不再热衷追求理想的美，对圣母曾经寄予的希望也愈发渺茫。所以，在选题上，人们不再把灵魂的永恒和艺术的精神作为自已关注的目标，而注重现现实中享乐生活的表现。对于圣母形象来说，人们开始淡化以往为之推崇的母性主题，更注重的是形象的视觉感官效果，而远离了圣母本身的精神意义，寄托的也只是作者更加纯粹主义的个人态度，所以圣母的形象变成了后期的神秘莫测，飘忽不定。这是对圣母本质意义的一种消解，从此以后圣母形象便逐渐失去了在中世纪和文艺复兴时期的繁荣，从艺术上表现的主要角色沦为其他艺术题材的陪衬。7.2创作题材的多样化 文艺复兴运动后，随着科学的发展和人文精神的深入，人们对神人融合的关注逐渐移到对人自身的精神状态和生活环境的重视上来，从身边可见的的事物出发，描绘客观可干的事物成为了艺术发展的主流，如果说圣母形象的最初出现是为了宗教的需要而使用了艺术的手段，那么文艺复兴之后，艺术的题材不再限于宗教和神话的范围，而是扩充到了自然景色和人们的日常生活的各个方面。以往圣母所负担的多重意义在这里被分担给了世俗的母亲，女性的柔情的美貌也被定格为现实生活的个体。圣母画归尘世，使得非宗教艺术快速发展起来，并把真实的女人变成了自己注意的主要对象，人们因此有了更多的选择来实现自己的精神需要，艺术也能脱离宗教的依附具有了自由而独立的地位，正像黑格尔所说的“等到精神把自己放在自己所特有的生存条件下，即变成自觉的时候，他就完全脱离了情感的自然基础，所以脱离这种基础的精神和解就可以被视为唯一达到真实自由的道路”。8. 结语文艺复兴前后圣母像的变化、兴盛、衰落，无一不是当时的社会环境的折射。在早期的古希腊美术作品中,无限夸张的强调着性欲，当时的社会繁殖艰难，于是多生多育，这种功利性的目的构成了原始美术中人文主义的内涵;到了基督教政教合一的统治时期，认为人应该是有罪的，人也不能来表现。当时古希腊、罗马遗留下来的手艺非常高的匠人和艺术家是不敢画表现人物形象的，表现人物有罪，罪的严重要把手剁掉或者是杀头，没有人敢画画，因此古希腊、罗马的艺术就逐渐失传了，没有传人，这时的绘画作品就显得非常幼稚呆板，于此同时，出现了大量歌颂神的画作；文艺复兴后，画家们高举人文主义大旗，歌颂人性，反对禁欲，西方美术进入大发展大繁荣的时期；20世纪的西方美术，可以说是群雄并起，百花争艳。流派之繁多，令人眼花缭乱。那怪异的人体，荒诞的画面，无一不是对高节奏和物欲横流的西方现代生活的抗争与反叛，而人文主义的精神贯穿始终，是美术作品展现的永恒主题。但在不同的时期，由于社会环境的制约，作品中所表现出来人文思想的内涵是不一样的。参考文献1朱波. 文艺复兴时期的圣母像J. 中国宗教,2015,10:72-73.2包霞,周晨阳. 西方绘画中圣母像的演变过程J. 大众文艺,2011,06:37-38.3邹琼辉. 拉斐尔圣母像创作的美学特性研究J. 大舞台,2