浅谈声乐的情感演绎[2].doc

浅论声乐的情感表达指导教师：尹兆旭 作者：靳巍 我自幼喜爱音乐，热爱歌唱。从初中三年级开始正式学习音乐，学习美声唱法，到如今大学即将毕业，也有近八年的时间了。在这段时间里，我走过了一个由懵懂到了解，由热爱到钻研的过程。通过学习，我了解了音乐的很多知识，也系统的学习了美声唱法。在学习过程中，我体会到了声乐是音乐艺术的重要形式之一。美是艺术最本质的属性。艺术的表现目的是感动人，是传达思想、情感、情绪和描绘情景。无论是哪一门艺术，她的表现手段都是为内容服务的。钢琴、提琴、民族乐器、交响乐团队，所有音乐表演艺术的形式都是手段方式，用这些方式表现出社会、时代人的内心世界和情感世界才是目的。作为音乐表现形式之一的声乐，是人类社会最早诞生的艺术之一，在千百年的文化发展中，她逐渐抛弃了原初的实用性、功利性，成为能表达人们思想感情，反映丰富多彩的现实生活，并以其独特的技术方式和手段来创造的一种深受广大人民群众喜爱的艺术形式。但是，声乐与其他音乐艺术表现方式有明显不同。声乐必须建立在人们自身声音的基础上。首先训练声音，就好比首先要制造人声的乐器，然后在此基础上再表现精神内容。所以比乐器训练学习要更多一层难度。钢琴、提琴有质量的优劣，但这种优劣是制造业产生的。而声乐的乐器制作是在声乐教师的课堂进行的。声乐的声音要求包含本身的艺术审美，但仅仅是声音的美又不能代表声乐的全部艺术含义。在我们的声乐课堂里，往往会停留或纠缠在声音之中，仿佛追求声音的质量是唯一的目标，而没有认真的意识到声音的追求必须以艺术的表现和审美的需要为依据。因此，需要从一个更高的审美角度来理解和形成声音。在人与人的情感交流传递过程中，运用歌唱技术的各种技巧，产生与内容相符的声音，以声音的变化为媒介手段，传达美和情感，这才是声乐的真正意义。第一节 “乐感”的两个层面在刚开始学习音乐时，我就常常会听到“乐感”这个词。通过后来的学习，我明白乐感通俗讲就是一个人的音乐感觉。声乐演唱中的乐感，很大程度上是演绎作品的内容过程中产生的客观直觉上的感受。同时明白我们在感受某人的“乐感”好或差的时候应该有两层意思。那并不是全部由所谓的天生“感觉好”就能够简单地说清楚的，也不是表面解释为“音乐的感觉”就能够含糊其词的。“乐感”更多的是理智的、有理论依据的、有相应的专业表演技巧的情感表达过程。我们应该区分“浅层生理反应”和“深层审美表现”的差别，也应该仔细地分析“乐感”的本质含义。“乐感”有很多抽象的成分，但并不是完全抽象的。浅层的生理反应是指天生的律动感。这种律动感毕竟只能在初级的表现层面，比如孩子们在演出中表现出来的所谓“乐感”。而“乐感”中的主要部分应该是一种音乐审美的体现。是理解情感，通过技巧来准确地再现情感，准确表现风格、作品内容的艺术化手法，是一种综合文化素质的反映。因而“乐感”中主要部分似乎是人为的、理智的。理智的情感表现不同于盲目冲动的情感宣泄，是利用人声歌唱技术调节出来的实际感受效果。形成这种感动人心灵的效果的过程本身就是一个艺术的表现过程，并非是简单浅薄的，并不是什么都能用“感觉好不好”就可以包含的，它是建立在丰富的实践和广博的知识积累之上的表达。只有理解了，才知道如何通过艺术去表达。首先是自己被感动了，体会到了感动的程度和方式，才能够产生感动别人的表现方式。孩提时代的“乐感”大部分是律动感和生理反应或某种模仿，洋溢着纯洁可爱和天真烂漫。孩子们甚至还可以摇头晃脑的用许多外部形体动作来造成更好的气氛。但是这种流露在形体动作之上的“乐感”有时候也不是天生的。我们几乎在所有的儿童节目里都看到这个现象，许多教师在这样教导孩子们做这种千篇一律的、甚至是机械的表情动作。无论如何，这种“律动感”或“乐感”只能是初级的。他可能属于“乐感”的表面部分。这种“律动感”到了成人阶段就不能再延续了，成人的艺术表现就必须是艺术审美的高度“乐感”了。我们身边其实有不少这样的人，手的动作（俗称手势）、眼的神态、身段动作、兰花指，甚至许多动作是图解式的：唱到蓝天，就手指前上方，眼神就沿着手的方向迷迷茫茫；唱到绿水，就手心向下不断漂移，眼睛就看着地上。肤浅而庸俗，把“乐感”的意义简单化，庸俗化了。与“乐感”一样，声乐教学中的“乐感”常常是万能的，包罗万象的。几乎所有的是是非非全被涵盖其中。而事实上声乐中所有的“感觉”或“乐感”，都应该是由许多个确切的部分构成的，应该是清晰的。譬如气息的深浅、气流量的多少、喉咙的打开程度、身体的某个部位僵硬了等等。某位歌唱家演唱的很出色，我们把他的演唱加以分析，必然能找出整体“感觉”好的具体构成部分。譬如气息与声音的结合很自如，喉咙的空间很适合歌唱发声要求，咬字准确而有清晰，语言的昂扬顿挫很美，高音很漂亮，低音很丰满，风格把握很准确等等。虽然是一个整体性的总印象，但仍然是有据可查的，不会是说不清道不明的笼统含糊的。我们把“乐感”认识清楚之后，就能继续深入我们的话题声乐的情感表达。第二节 声乐的情感表达认识声乐表现人们的思想意识、精神世界，反映社会的意识和文化，不是简单的把乐谱语言拼装在一起唱出来就可以了。思想情感是声乐艺术的灵魂，是歌声和音符存在的目的。歌唱就是运用人声来充分体现这种思想和精神。声音是某种物质，作品的内容和思想情感是精神。物质存在是精神意识的基础，而精神意识是物质存在的目的。于是，我们是否可以这样认为：我们欣赏音乐的时候，听到的是“音”，留在我们心里的是“乐”。美好的声音在耳朵里引起共鸣，美好的音乐在心里引起共鸣。共鸣的位置不同，共鸣的层次和价值也就不同。声音的共鸣是物理现象，心里的共鸣是情感现象。歌唱发声本身包含了艺术审美意识，因为我们在训练歌唱发声的过程中，已经将声音本身融入了很高的文化、艺术含量。“歌唱的技巧就在于解决内和外的关系。内，在于练心，发挥主观情感的作用；外，在于练口，表现客观艺术的现象”，从重视技巧的追求到重视精神表现的追求是学习声乐质变的升华。聪慧的、善于动脑筋研究的学生往往能够运用声音来表现心灵，使每个乐句乐音都变成动人的诗韵；而迟钝的、不动脑筋的人往往只能钻研在发声方法里百思不得其解。因为歌唱发声方法受审美意义的制约。我们在学习过程中常常有一个误区，片面追求音量大和音高，无论是叹息还是倾诉，悲伤还是欢乐，莫扎特还是威尔第，教堂圣歌还是民间歌谣，都一味脸红脖子粗地挤压喉部肌肉，以求刺耳的响亮。在声乐演唱中，没有精神内容的响亮往往缺乏美感，而且带着几分愚昧和蛮横。响亮的声音不一定悦耳，有“声”不一定有“乐”。声音响不一定刚强，声音弱不一定软弱。有时候轻声同样可以蕴藏着丰富的内容。君不闻“此时无声胜有声吗”。但是无声是建立在有声的基础之上的。许多人片面追求高音，只论高度，不讲究美，甚至声嘶力竭面红耳赤。声乐的高音离开美的原则，就谈不上“乐”了。如果只论高低不论美的话，许多动物比我们人类叫的高的多，响的多。随着学历与能力的提高，我认识到我们可以从生活中敏感地体会到人声与文化审美的密切联系。最简单的声音可以显示出每个人的文化层次。譬如街头小贩的叫卖声音大多很响而且很刺耳，各种各样的奇怪声音都有，目的只是为了吸引对象。对他们来说，只要声音响就足够了，没有什么美不美的意识。我们不能想像大学教授们也用这种腔调在讲台上阐述学术理论。音色无意识的流露出受教育程度和文化层次，不自觉的反映出个人的文化修养和审美情趣。街头巷尾叫卖者和大学教授的喉咙、声带、呼吸器官等构造肯定是大致相同的，而他们的音色都不可能天生那样的，是在相应的环境里逐渐形成的，原因就在于文化素质所决定的审美意识的区别。因此，我们在学习中应该注重声音的表现力、声音的内涵精神、声音为内容服务的原则。声乐训练是为了让学生掌握全面的歌唱发声技术，掌握了全面的发音技术是为了表现思想情感，表现美。掌握了良好的发声技术，能够产生优美的歌声，就等于买了一架音质优美的钢琴，有了一件性能良好的乐器。而如何用好的乐器来表现音乐才是我们真正需要研究和追求的。声乐艺术用人声来表达情感，情感蕴藏在声乐之中。声音作品情感，在声音和情感之间，作品是一座艺术的桥梁。尽管我们有丰富的情感，有美丽的声音，还是要借助具体的作品来体现。而演唱好具体的作品是需要具体的技术手段来达到的。所以认真研究如何将作品演唱好，是声乐艺术的关键之关键。声乐的情感表达，就是要把一首作品演唱的美，让听众能够从歌唱者的演绎中感受到美。同前面我们讨论过的“乐感”一样，声乐的情感表现也是可以从具体的事例中找到依据，找到方法：一、歌词美歌词就是能作为歌唱的诗歌或唱词。一般由诗人、词作家或剧作家写成。歌词的美即它的结构形式、形象意境的美。“它的作用在于以言简意骇、形象生动并且适于歌唱的语言把歌曲中所要表现的生活内容，它的形象、意境和思想具体地揭示出来。它是歌曲美不可缺少的组成要素”，歌词是诗化的文学语言形态，又同时是作为可唱的意图去进行创作的，因此它必须凝练简洁、准确优美，以最精粹的语言去概括人的思想感情和反映现实生活。人类的一切社会生活都蕴涵着诗情，也是表现诗情的源泉。诗情的真实抒发也能将人们引入审美的意境。在“情思”与“意境”的交融中，达到动人心肺的艺术效果。二、旋律美旋律由不同音高的音符按一定的节奏组成。旋律的美在声乐的综合艺术美中起着重要作用。“它构成声乐艺术美的主体，用来集中的表达歌曲的情感与精神内涵，表达人们对现实生活的内心感受。”旋律虽说是音乐的灵魂、核心，并是构成声乐美的主体，但歌词的韵律、结构、内容、风格等等又制约着旋律的创作。因而歌曲的旋律美主要取决于美的歌词意韵。旋律是由音调、节奏组成的。音乐的音调是旋律美构成的基础。音调美体现歌词的情感情绪特征，体现不同地区和民族的独特的艺术风格，也体现了时代与个人的鲜明色彩。音调美的这些因素通过各种旋律发展手法，塑造出完善的声乐艺术形象。三、演唱美声乐艺术是歌唱的艺术、人声的艺术。只有当歌唱者进行演唱时，歌曲的旋律美和歌词美才会真正得以展示。因此，在声乐艺术美的总体构成中，演唱美就成了声乐美的主导因素。在歌唱艺术中音质是演唱美的基础。如果要塑造出有个性、有特征的声音形象，发挥人声的最佳艺术表现力，那么，音质的好坏是很关键的。同时，气息在声乐音质美的创造中发挥着主要作用。声音的优美、圆润等品质的形成也有赖于气息的控制等作用。另外，音质的美还要求演唱者的声音音色丰富，有较强的声音塑造能力。而独特的个性音色则能显示出独特的艺术个性和声音形象。因此，人声的音质美是构成声乐艺术美的物质基础。四、表演美表演在声乐艺术表现形式中指歌唱者的形体动作、面部表情、服饰仪表、气质风度等等。表演美是要求歌者无论自身还是所塑造的角色，所表现出的体态仪表都要富于美感，都一定要有美的造型要求。著名捷克歌唱家亨利-费尔迪南-曼仕坦说：“表情是歌唱的灵魂，因此只有当声音和表情同样完美时，歌唱才可以被称为艺术。”歌唱的表演必须面对众多的观众，并同他们进行艺术的情感交流。体型的优美与否，直接影响听众的审美视觉。而体态（即身体的姿态）则应根据不同声乐作品的体裁所表现的内容、情绪、情节的变化而变化。其表现方式，既不能墨守成规，也不能无节无度。体态所表现出的一招一式，举手投足，都要符合其特定的情感内容和表演美的创造规律。从歌唱者的体态、仪表可以看出一种性格气质来。歌唱者不仅要展现出自己的个性特点与艺术风格，而且还要深入角色，去准确的再现人物的性格特征和气质。第三节 声乐情感表达的方法我们已经了解了部分声乐艺术的美，那么我们就要努力向这些美的方面去研究和学习。必须认真的对待每一个乐句，每一个音符。仅仅了解到音乐的美还不够，还要从以下几方面来努力：1、乐句的分句、呼吸安排。无论是器乐还是声乐，音乐都是由许多乐句组合而成的。声乐除了音乐的乐句之外，还有诗词的分句。我们在前面也都了解了诗词美的重要性。乐句有长有短，就像许多娓娓动听的甜言蜜语，连绵起伏，画出一条条美丽的音乐线条。我们常常感觉到有些歌曲好听，有些歌曲不太好听。不太好听的原因往往就是乐句写的不够美，或者是我们在演唱的时候乐句划分不够合理，不能打动人心。也可能是歌曲的整体布局不合理。虽然某些乐句听上去还不差，但是不够连贯，使得歌曲支离破碎，零零落落，没有中心，没有高潮，也就很难打动听众的心。优美的乐句应该是流畅的、抒情的、连绵起伏的。音的高低强弱，音符的长短时值，渐强渐弱、渐快渐慢都是构成乐句的手段。一般情况下，我们应该忠实于歌曲的自然乐句和自然段落，不能随随便便地把乐句唱短。有时候学生不能圆满的完成乐句的长度，就要考虑在什么地方换气比较合适。最好能一口气将一句乐句唱完。当然也包括文学的因素，歌词不要唱出破句，更不能一个单词拆开来念。形成乐句的优美完整有很多的因素。强弱对比的安排，音乐线条的描画，音色的明暗等等。这些都是与正确掌握呼吸紧密联系的。根据歌曲的内容、乐句的划分、歌词的意思，精心设计好每一个换气的地方。因为乐句有的长有的短，有的需要很强而有的则要求细弱柔丝。因而每个换气点都有所不同。有的要吸得饱满，有的地方则要轻快。总之，呼吸是乐句连贯、优美的保证。乐句是歌曲的重要组成部分，是每首歌曲优美与否的话语，我们应该珍惜这些音乐语汇，并经过大家的努力使音乐更加娓娓动听、扣人心弦。切切不可肆意践踏、破头换面，使它们支离破碎，断不成句。2、速度节奏当我们开始学习一首作品时，速度是很关键的基调。速度定的不准确会使得整个作品走样，甚至面目全非。速度是声乐作品的心跳、脉搏，就像人的脉搏一样，不能乱跳，跳乱了就一定出大问题。音乐速度要稳定，不能随意变化，快而不抢，慢而不拖。这一点我深有体会。在大学三年级的期中考试时，我汇报的曲目是阿斯卡拉蒂的作品我多么痛苦。由于对乐曲速度的不了解，我在演唱时整整比原速快了一倍，因而作品面目全非。老师也当场给我耐心的指点出来。虽然唱错了，但给我留下了深刻的印象，在今后学唱新作品时，我都时刻提醒自己注意速度、节奏这些因素。3、音色与力度音色是表现歌曲情绪情感的基本定位。不同的歌曲需要有不同的音色来演唱。当然并不是说这首歌用美声唱法唱，下一首就换民歌的演唱方法。所谓不同的音色是指相对自己的固有的声音特点而言的变化。声音力度的变化是相对的，在每个人力所能及的范围内，根据歌曲内容的需要，采用合情合理的演唱。在一个人进行演唱的时候，力度的对比是本身声音的对比，不存在与别人的力度相比较的必要性。我在学习阿斯卡拉蒂的作品恒河上生起太阳时，没有