浅谈服装设计三要素.docx

浅谈服装设计三要素阚荣成服装设计同其它造型艺术一样，是现实生活在人们头脑中的产物，同时也是一种社会意识形态。它与政治、经济、文化和绘画、雕塑、建筑、音乐等艺术在某种程度上都有一种内在的多种关系。历来帝王在推行改制时，首先是从改制服装开始的。春秋战国的赵武灵王为了抵御北方匈奴的侵犯，便于作战，于19年推行“胡服骑射”，改长袍长裤为短装短裤，为此取得了“辟地千里”的胜利。孙中山为了顺应革命，把单层立领，三个暗袋的日本学生制服改为双层八字领，四个明袋的中山服，寓意革命，以至发展为“毛式制服”，直到八十年代，经久不衰。在日常生活，服装与人有着直接的密切关系。人类与动物有很多不同之处，其中人要穿衣服而动物不穿衣服是最大的不同点。人每天从早到晚都离不开穿着打扮，用心周到的着装可以看出一个人的职业、性格、爱好和文化修养。在这些方面服装都能恰如其分地充分表现出来。所以说“从服装中穿出文化，从衣着上看出修养”，不无道理。服装在衣着上还有一个给别人看的问题，古人对穿衣的合身度，衣仪风尚非常讲究，在“弟子规”中就强调“冠必正，纽必结”、“衣贵洁，不贵华”和“袜与履，俱紧切”。在着装上下意识让别人对自己有一个洗炼、精明、美好的印象，在某种意义上，穿着的目的就是为了让别人看。特别是年轻女性“穿为知已悦”，更为实出。穿着得体，衣仪讲究也是一个人事业成功的一个基点。俗话说：“不看丈夫妻，单看丈夫衣”，讲的也是这个道理。服装设计也是一门造型艺术，它不是一般的形式和内容的组合，而是在艺术构思支配之下，依照美的规律，运用造型法则，在色、形、质三要素的基本构成上来一番高度的艺术与技术再创造，创造出高于一般事物的，可视的，具有实体性视觉艺术形象。研究和掌握这些规律和法则，对提高设计者的设计水平和艺术修养极为重要。现就造型基本法则和色、形、质三要素基本构成以及服装设计若干问题，用美学观点，绘画理念，结合本人技术实践，进行一些粗浅的探讨，以供服装设计者相互交流和参考。一、设计基础设计一词适用于所有的生活领域之中，改造了人们的生活，更舒适更美观，而成为时代进步的动力。服装设计也是生活领域中的一门重要艺术，其意义是要人把衣服装饰在身上之后成立的。就是说要能适合穿衣人的条件和目的，而叫做服装设计工作，或叫做服装之计划。说到设计，人们总是把重点放在服装的缝制技术上面。但在现代社会的今天，在于比衣服本身更要重视人，就是必须把重点放在穿用衣服的人的身上，要使人更加舒适，更加美观的穿用衣服。因此，对设计本质没有正确的认识，一无所知，只是单纯的会画效果图，脱离其设计本质，只能是纸上谈兵。因为效果图只是一种绘画形式，只能起一种“导演说戏”的作用。要想有优秀的设计，必须掌握设计基顾知识，也就是设计前如何构思，设计中运用什么手法，设计后达到什么效果。在这个基础上发挥个人创造，取其最佳设计方案。1、什么是设计用记号来表现计划，或是用符号来表现计划就是设计，意匠就是设计，绘画艺术中意匠的手段就是设计。美化服装是人们的欲望，就象美化住宅，家俱，日用品一样，改造了人们的生活，供人们的生活更加舒适美观，这就是服装设计的动力。所谓设计，就是针对目的，事先在头脑中想象计划，就机能性提出设想方案，为达到既定目的而设想的计划，用记号或符号来表示。手绘服装效果图就是一种符号，但它不是一般的符号，而是在制造服装之前，经过构思，在头脑中描绘出计划或蓝图，绘制出想要制作的物体和实现目的物的一种行为。它包括从选择材料到制作全过程，作品完成之前和穿用之前，而表达的设计意图，直到心象的物品实体性的实现，才能成为设计。也就是说，人首先有一个制造物体的要求，根据物体的要求，产生物体的形象，再选择材料和研究制作方法，最后变成物体使用。如下表示：要求计划制作使用人制造物体的行为与动物制造物体不一样。人制造最粗造的屋要比蜜蜂筑的小巧玲珑的六角形巢高明的多。动物出于本能和生理上的需要。人除了生理上需要外，还要追求舒适和美观，既心理上的满足。所以马克思说：“人总是按照美的规律进行制造活动的”。八十年代初，笔者在中央工艺美术学院服装设计系进修，巧遇日本著名服装设计师小岛千枝讲立体裁剪。针对服装设计，她讲了一个道理：“当你为某一位小姐或女士设计一套服装，这位小姐或女士穿上你设计的服装走在大街上，人们说，这套服装好漂亮，那说明你设计失败了。如果人们说这位小姐或女士好漂亮，这说明你的设计成功了”。在这里她强调了人是第一位的，服装是为衬托人这个主体更加漂亮，不能“喧宾夺主”这就是服装设计的本质。衣服，首先它是物品，既然是物品，就必然有形状。要构成形状，就必须有衣料，而其衣料就必然有色彩，这就是色、形、质（衣料）三要素基本构成。当色、形、质三要素经过设计和制作成为浑然一体时，方能成为漂亮的服装。虽然组合了三要素而成的衣服，但只有衣服是没有意义的。衣服是必须有人穿用，才能活起来，而成为服装的。尤其是平淡无奇的衣服，只要巧妙得体的穿用，也能成为极其漂亮的服装。因此说服装设计，并不是只包含色、形、质三要素之三次元之造型，而是要加上身体、心灵、穿法以及动作等多次元的设计，是与人一体共存的。好的设计能为人增色，能体现人本身的天姿美。特别是女性，用服装来衬托女性的天性美，是服装设计的宗旨。2、用与美的意识在人类活动早期的木器，石器，铁器时代就有设计，直不过是设计靠技术高明的匠人来完成。社会发展分工，技术高明的人就成为匠人。如是泥匠、石匠、铁匠和裁缝就成为职业人。匠人可以根据使用者提出的要求，制造物体，与使用者有机地联系，最后成为使用物体。这个时代，设计意识和美观意识还不明了，被称为设计师的人还没出现，就只有“匠人”这一词。在生活中有各种各样的生活用具，因其用途不同而各具外形，在理论上称这些东西为造型体。为了使我们的生活过得方便、舒适，就要有房子住，有衣服穿，有被子盖，吃饭要有餐具。如果没有这些造型体，就不可能构成完美的人类生活。人类是这样，动物也是如此。鸟为了生存要筑巢，可是巢这种造型体，多少年来没有改变，即便是蜜蜂筑的精巧玲珑的六角形洞穴，从古至今，仍然没有变化。因为不论是鸟还是蜜蜂，它们巢的造型都不受意识支配，完全出于求生本能，始终如一，显示不出时代的变化。鸟只有本能而没有美的意识。但是人类能在生活本能的基础上有追求美的意识，爱美是人的本能之一。单从穿着方面，先是护身防寒，现在则要求有美的形状，漂亮的颜色，风味的质感，既合身又美观。人在满足穿用以外，还要追求心理上的满足。由此可见，人先有穿的意识，才能产生设计意识，随着设计意识形成，促成美的效果。如工艺品着重于美学艺术的观赏价值超过实用价值；服装首先注重穿用性，其次才是美观。如职业服注重实用，晚礼服侧重美观。所以说，服装设计是用和美融为一体的工作。美的意识促进设计的需要，用与美，二者缺一不可。3、美的本质在服装设计上，首先有一个问题要搞清楚，就是无论多么细小的技术问题，必须将设计本质联系起来去考虑。因为设计即不是纯理论性的工作，也不是纯技术的工作，不论侧重那一方面都容易脱离本质。在实际设计中，最先遇到的就是美的本质。罗丹说：“在雕刻某些人物时，为追求与真人相似，只分解表面寻求比例并非难事，单从表面去模仿，作为美来说没有多大价值。不要忘记艺术的高深性在于奖表面分解后，那锤在芯子上的三角锥和内在精神直接联系着。”罗丹所说的是外表和内在的精神要紧紧地联系在一起。内在的东西是无形的，但又是不可忽视的。比起表面的价值来，内在的精神价值更可贵。外在的东西是能直接看到或感觉到的。这是物质要素，内在的则是精神要素。服装的色、形、质是属于物质要素，用眼可以直接分辨出好坏。穿衣服的人就是靠这些外在的，物质性的东西显示优越感。“你的面料是上海的，我的面料是北京的”。这种说法的本身，是通过物质性的对比显示优和劣。如此相反，个性是从内在性中流露出来的。但内在性和外在性都不能单独构成个性。能使物质显示潜在本质的属于精神要素。“人不可貌相”，讲的也是这个道理。“美”是什么？这个问题从正面研究，难以说清。美的本质有史以来就是不容易理解的问题，不同时代，不同人种，对于美各有见解，至今也不明确其本质是什么。简单地说，从三个方面可以分析探讨美的本质：(1)、美无标准油画美，国画同样也美。山野的花和花园的都是美的，只是各有不同的特点。把瓜子脸形定为美的形象，圆脸形也不能说不美，各有特点，是不可比的。“大观圆”里的姑娘个个都标致，但美的不一样，各有各的相貌，各有各的风韵。“情人眼里出西施”，只是文化素养，性格爱好不同而已。傅抱石的山水画给人以气势美，李可染的山水画给人以气壮美，只是美的意境不一样。由此可见，美的标准是无法定型的，美不是一个单纯，简单的论断可以确定的。服装的流行美，也无定形，经常变化。长裙是美，迷你短裙同样美；西服给人以高雅美，中山服给人以庄重美。地域不同，民族不同，时代不同，对美的追求也不同。西方女性开放，以露上为美，大胆的坦胸露背的晚礼服给人以华丽性感美；中国女性含蓄，以露下为美。传统的长旗袍，紧颈裹胸，但下摆开衩高至大腿的根部，露出雪白如玉的双腿，向人们展示出一种丰胸细腰，含蓄隽求的东方女性曲线魅力。流行的服装也不是美的标准，适合你穿的式样，对于她也许不合适，这里有一个文化气质的差别。美没有一定标准规律，身材好，有良好体态的人固然美，个子稍矮的人也很漂亮。有的人圆脸也很可爱，有的人的脸虽然像舞台上化妆的脸谱一样，却平淡无味。这说明在不易区分美的标准方面，是存在趣味性和复杂性的。服装的流行也没有一定规律。不论你是追求时尚，还是表现自我，一个时代有一个时代的风尚。20年代，中西文化法交融，传统与时尚并存。西方晚礼服使中国传统旗袍雍容贵，大放异彩；男子中山服，西装，长布衫三分天下。60年代，女性“不爱红装爱武装”，女式军装、春装、学生装盛行；男子则是中山服、军干服、工人装，体现了那个特殊时代的风貌。关于美的本质，诗人沈宗骞说得好：“夫华者，美之外观者也，质者，美之内藏者也。然则华之外观者，博浮誉于一时，质之中藏者得赏音于千古。”芥舟学画编；这里的“质”是指一种精神气质，是对宇宙的观照和天人合一的思想体现。综上所述，解决美的本质问题，首先要知道美没有标准。（注：用晚礼服和旗袍配图说明）(2)、美要共认艺术大师罗丹说：“对于艺术家，自然中的一切都是美好的”。美要共认，就是大多数人所持见解相同，大家都认为美的东西才是真正美。只有美的事物和美的作品才能吸引人，感染人，鼓舞人，才具有生命力。爱美是人类的本性，人们通过观赏艺术作品，作出比较，使人感觉到作品里面包含着有对化，均衡协调等美的要素而产生好感，快感和美感，催人奋进，激发人们向往生活，热爱穿着打扮。比如某位画一幅画，自认为很美，但大家谁也没有感到美，这是自认为美。因为不是大家肯定的，所以不能说美。个性与个性美是有区别的，过分强调个性，忽视共认，就会自以为美，就会自然地把自己排除在“美”的之外。傅抱石山水一生的创造，表现了他本身刚直不阿和斗洒作画的个性，他从不迁就于人。但是他的散锋“抱石皴”和由“抱石皴”构成的那种天风海雨逼人之势，磅礴大气的山水画仍然被人们所共认，所肯定。这说明傅抱石“抱石皴”山水画的气势美不是独家自有的，而是大家供认的。(注：举傅抱石，李可染山水画为例说明。)(3)、美要可视和不可视词家写词，贵在清空，不在质实。画家作画，以力用笔，易质实；以意用笔，多清空。用力用意，只可神游意会，不可驻思而得。可视是直接用眼看得见或感触到的东西，或者说是表面，外在的东西。不可视是不可见的，是无形的，内在的领域。看得见是物质性的，看不见是精神性的。美的事物必然要从这两方面表现其姿态和风貌。我们看荷花，通过颜色和形状能感觉到美，但这是一般的外表观察。如能看到荷花“出淤泥而不染，濯清涟而妖”，花香的蕴藏，花的精髓，则涉及到了荷花清纯高洁的内在之美。如梅的傲骨，竹的高节，正在如此。“岂可忽视一枝花，其中蕴藏百花香”也是这个道理。我们看一个人，只注重外在的服装美，或是以貌取人是虚荣，是不完全的，要同时注重内心美才是全面的。俗话说：“鸟美在羽毛，人美在内心”。真正的美是相辅相成，表里如一。人们常说，整洁的衣服是一个人最好的介绍。这是指一个人内在心灵的爱好，性格和气质里通过服装的式样，颜色及穿着方式体现出来的。古人在“弟子规”中说：“冠必正，纽必结，袜与履，俱紧切，衣贵洁，不贵华”讲的也是这个道理。内在美是表达心灵的，虽然用眼不能直接看到，但别人能从你的穿着感觉到，所以不能轻视。因此，服装既体现为浅层次的“形式美”，又包含于深层次的“本质美”。服装的流行美是外在和内在的两个方面共同表现的产物。说到流行美，人们常常只是从颜色和式样等方面来看，实质上却表现着那个时代的思想和精神，这是第一性的。60年代初，三年自然灾害，国家经济困难，实行三票制，即粮票，油票，布票。其中布票每人只发1.6尺，62年才发3.2尺。因此，外国人笑我们中国人“两个人穿一条裤子”。因此，服装行业很不景气。60年代，是一个特殊的年代，在我国历史上人们生活的正常秩序受到冲击，连服装的色彩也受到限制，全国上下“黑，兰，灰”。但是人们仍然没有放弃对色彩美的追求，从总体来看，这种色彩的倾向也反映着时代的特征。外国记者们就很注意观察我国人民的服装颜色和穿着上的变化，认为色彩总的趋向明朗，鲜艳，丰富多彩。并且把这种现象联系到我国政治上稳定，经济和文化事业上的繁荣，从而体现人民生活上的提高。在80年代初，在上海举办19841985流行色丝绸时装的表演，日本记者就以“三中全会以后，从人民衣着看中国面貌的改变”为题，向日本转播了电视录像，这就反映了服装色彩的流行美与政治的关系。“人事有代谢，往来成古今”，新旧代谢是事物发展的规律，亘古不变。综上所述，美的标准非常复杂，是难以捕捉的东西。“喜新厌旧”是人的本性，但新的必须是美的，而美不一定都是新的。反朴归真，越古越时尚，越旧愈新潮。在古老的文化艺术中还具有民族传统之美。如西南少数民族的服饰元素就值得现代服装设计的借鉴。倒如图案的夸张使用，配饰的强调；缠裹纠结的方式与现代款式造型相结合；黑，白，红三色的强烈对比；面料的粗扩与工艺精致相对比的节奏之美等等，处处体现中华民族服饰文化中单纯对比的精神和强烈的时代感。（注：的配图用民族服饰设计说明）4、设计与艺术用的意识是科学的意识，美的意识是艺术的意识，设计是用的意识与美的意识的结合。设计和艺术又是有区别的。艺术产生于美的意识，从开始到结果，仅以美感为主，觉得用的在美中是多余的。因此，艺术仅是追求美的意识。但在设计中不能只考虑艺术的单纯美，重要的是应用美，因为美并不能单纯地，自由地不通过任何形式表现出来。艺术是把心中美的意识不加任何束缚地表现出来，如山水画家作画时把燃烧在自己心中的创作激情尽情的发挥到宣纸上，树可以更红，山可以更黑，只以自己构思的山水意境出发，去思考并加以表现，至于究竟有什么作用，画家认为这是没有必要考虑的。但是在服装设计中，这种单纯追求美的态度是不允许的，即便美的意识很浓，也不能不受到以穿用为目的地限制，也就是说“美”不通过“用”是无法表现出来的。例如，在室内装饰一件艺术品，给人以美的享受。但真正的生活是在把艺术品挂到墙上以前，必须把室内的东西整理好，待窗明几净以后。虽然窗帘、桌椅这些生活用具不是艺术品，但如果没有它们，生活就不圆满。当然生活用具不美观，室内色彩与艺术品不协调，生活的感受也不能说是愉快的。在我们一生的生活里，是受益于艺术品的时候多，还是受益于设计品的时候多？这个问题应该仔细思考。因为只强调美观而忽视实用，生活就不能进行下去。设计是在使用的基础上表现美的一项工作，在使用的目的上，美观要受到特定限制，这就是艺术和设计的区别。只有对此有了深刻的认识才能对服装设计的概念有正确的理解。所以说，服装设计者必须具备科学家的态度和艺术家的思想。5、设计与技术设计的根本是设想，是精神境界的东西。但完成设计之后必须求助于技术。因此，技术的高明与否，对完成设计作品成型又是一个关键。社会的发展，手艺精巧的成为“九老十八匠”，如石匠，铁匠和裁缝匠。意匠，在中国传统绘画观念上，一般只重文人画而鄙视工匠画。但在古代，就有“出于大匠之门”和“匠心独运”之说。意匠，“匠心”都是指最微妙超绝的设计。大概古人所谓的“匠”，必是精巧的技术。因为技术用得极精细巧妙，所以称为“大匠”，因为巧，所以就有“巧夺天工”的赞美之词。古代无论绘画，建筑，服饰都必有最有学问的人来领导。因为他有学问，又有特殊的聪明智慧，加以精密的思索，才创造出精妙的艺术和技术。服装设计是一门实践性很强的工作，会画时装效果图只是一个基础因素，不是决定因素。用时装画的语言表达服装的形态效果是一种基本方式，而设计者还需要有动手能力的真功夫，还要用材料，工艺和技术来体现自己的设计理念。服装设计的要领在于“得心应手”。要“得自于心”，就是培养自己艺术的眼力和感悟力。服装，特别是T字型台上的时装表演是视觉艺术，设计者的创作和观赏者的欣赏，都是以“看”为途经的，艺术感染力也从中产生。设计者的看，不光是用眼去看，更要用“心”去看，去读，去领悟，只有这样才能“得心”，而进入艺术构思和进入艺术的堂奥。巴尔蒂斯对中国传统的美学思想有很深的见解，他提出要创造出一种可以传递事物之神，并表达我所看到的现实之美的绘画，主张将自己化入自然，与自然中的生灵和事物合为一体，从而表达画家的“内心视象”。这实际上是中国“天人合一”，和“外师造化，中得心源”等哲学思想的体现。在服装界有一句行话，叫“捞花样”。国际上女礼服属于高级服装，一般用绸，罗，缎，绉，绒等丝质较好的材料设计制作。所以在我国服装行业中，缝制“软活”指的是专门缝制礼服的制作。由于女礼服的材料高贵，式样多变，有时前后左右大身造型还不一致，这就需要使用立体裁剪法，在裁剪与缝制技术上均属于高难工艺技术，故在服装行业中俗称在衣架上“捞花样”。要“应于手”，就必须熟纯自己的设计功力和手艺。业精于勤，熟能生巧，这是千古不变的手艺之道。艺术首先是一种匠人的手艺，艺术是从手艺中出发而提高形成的。这是一种极为科学的态度。作为一个设计者，或者是画家，应该老老实实地学艺，长功力。正如梵高所言：“我把习作看成是种子，播种越多，越可望丰收。”人类进化过程，经过漫长年月，制造物变成复杂的美，如我国古代建筑就比较复杂。这个时代没有设计师，只有技术精巧的匠人。从制造到完成都有一整套完整的格式，越完整就越不能打破这个样式格局。服装上也有这个问题，传统的服饰受传统观念影响，受格式左右，没有选择余地。女式大襟便装，从汉代至今，开襟在右，不能在左。一是传统的男尊女卑，男左女右的观念影响，二是在穿用上给小孩喂奶方便。古代男子是“上衣下裳”，裳是指裙子。直到北宋，为了抵抗匈奴侵犯中原，才改“上衣下裳”为“上衣下裤”，为的是骑马射击作战方便，这就是历史上“胡服骑射”成语的来历。设计者与画家不同，画家只是用笔墨和颜料直接去创作就行了；而设计者却要把设计效果图交给操作人去完成。服装对技术要求很严格，对设计者来说，精通技术很重要。只有设计与技术相结合，设计的东西才合理，才不会出差错，才有生命力。这里举二个例子：一是笔者在上海一品牌服饰设计中心做制板工作，该中心年轻设计师画的素描效果图非常漂亮，但是一接触制板实际，什么是交门，门襟，里襟，止口，钮距等专业术语都不懂，至于用多大的钮扣，多长的拉链全部由制板师来处理。二是巧遇一位来自英国60多岁的西服制板专家，在该公司担任技术总监。他那严谨的态度，高超的技术值得国人学习。从设计到西服成型的整个制作过程中，不允许有任何一项与效果对立的因素存在丝毫的差错。每一个细节都必须服从整体美。在与他的交流中，他讲了一个观点：中国的西装为什么长期以来落后于世界先进国家？造型不好是一个重要原因。他说，中国的西装造型由前后两个面构成体型，没有体现出体型特点，特别是女性。英国西装造型由前后左右四个面构成体型，显得合体，精神。经他设计，制板，缝制出来的西装，既高度合体，又活动自如，高雅别致，真是“天衣无缝”。产业革命前，艺术和技术是结合在一起的。如达芬奇是艺术家，同时也是技术者，在建筑科学上也有贡献。从教堂的外形结构，到内部的空间艺术，以及卫宾的服饰都得自已来设计和制作。设计 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技术作品。构成艺术性和深刻性的主要因素，一是设计上的精神自由，二是技术自由。因此设计者必须能运用技术，使技术与自己的设计结合起来。相反只强调技术性，而忘掉艺术性，制成的成品价值也不会高。所以“真正的设计是用最简单的技巧，最深刻的美来表现的。”6、设计与修养服装设计的原动力，就是人们的求新欲和爱美欲，爱美是人类的本能。人们就象美化住宅、家俱、日用品一样美化着自己的服装。追逐时髦，享受流行似乎是女性的天性。她们高雅的趣味，挑剔的眼光，高超的鉴赏力给服装设计师提供了最理想的创造环境，与设计师合作，共同寻求完美的式样和完美的艺术形式。我们在寻求完美的艺术形式中，还应该从隐存的内在美要素入手，以便于理解和培养提高内在美及其艺术修养。设计师与艺术家在某种意义上有相同性，同样是艺术修养越深，设计的作品越成熟。艺术修养的深浅，决定设计水平的高低。艺术修养高，能一眼看出服装的来历，是传统民间的，还是现代都市的；是西方实用的，还是东方装饰的。作品里面包含着什么样的文化元素，运用什么手法设计的，体现一种什么样的精神风貌等等，这些问题从道理上都能说得一清二楚。俗话说“会看戏的看门道，不会看戏的看热闹”。因此，设计者要具备科学性和实际性的素质外，还要培养艺术家的素质。艺术素质就是艺术家的修养。凡是艺术作品必须具有深厚的文化底蕴和较高的艺术品位，才有欣赏性和研究价值，而艺术要素就是作品里要表现出来的深度。艺术要素不是一般的理论和知识，而是超理论的，超知识的东西。为什么中国古代的文学，诗词，书法，绘画，建筑、服饰等艺术在今天看起来仍然很新鲜，很有生命力，具有很高的欣赏性和研究价值，以至不能超越，就是因为艺术作品蕴藏着很深的，超越时代的艺术要素和文化元素。它体现了不同历史时期内有着不同时代精神风貌和审美观念和由此而产生的鲜明的时代艺术特色。这些东西超越了时代，使欣赏者看起来回味无穷，难以忘怀。这就是艺术作品的作用力，生命力和艺术魅力所在。关于艺术修养，在这里再用二个例子说明：一是中山服。孙中山为了顺应世界革命潮流，请上海奉邦裁缝王远才师傅，在日本制服的基础上，从以下几个方面改制：一是把比较保守的单层立领改成开放的双层八字形小翻领；二是把原来单轴对称的三个暗袋改成双轴对称的四个明袋，上部小明袋袋盖的造型源于中国传统的山字形笔架的倒置，与孙中山的名字的“山”字有某种内在联系；三是把七粒钮扣改为五粒。整个造型，方中有圆，对称严谨，庄重大方，寓意革命潮流要遍及五大州，四大洋，故名中山服，以至发展成为60年代以后的国服，即“毛式制服”。二是大襟便衣。中国大襟便衣源于汉朝，这种在前面用斜弧线分开，左右襟下垂的衣服，为了穿用方便，使前面斜开襟掩合在一起，就能使腹部双层重合起来，用这种方法防止露出腹部，前襟必须加宽幅度，因此，前襟称大襟。在中国古代，汉族右手代表大手，所以又称为右大襟，左手代表偏位，叫小手，故称为左小襟。古代妇女为了给小孩喂奶的方便，习惯用左手伸向右大襟来解开衣服上的带子或布钮扣，所以就在前面用斜弧线从左至右分割成左小右大的两块开襟。正是这条斜弧线的分割具有优美感，才把“美”通过“用”充分体现出来了，以至成为中国女式旗袍和现代时尚设计的文化元素和体现东方女性美的魅力所在。正如黑格尔所说：“所谓优美的效果，是因为使用曲线才产生的”。在古代，少数民族以左为大，汉族以右为大，故胡服为左襟，汉装为右襟。随时代的变迁，“胡服骑射”的改制，才又有了男装门襟在左，里襟在右；女装门襟在右，里襟在左的“男左女右”之说。好的设计是来源于“内在”起作用的艺术修养和个人积累的丰富知识水平，现代设计追求原始，寻求新的款式造型，所以要从中国传统和西方文化以及其它艺术形式相互借鉴，吸取养份，以充实现代服装设计艺术，从而设计出既有鲜明民族特色，又有现代时尚风格的作品。高明的设计不是模仿人家制成的东西，而是自己的创新设计被人家模仿，这才是高级设计，才更有价值。为此，设计都要使自己经验更加丰富，必须善于欣赏好的艺术作品，对它进行解读，分析，研究，从而确定自己的创新设计思路，提高艺术修养和审美能力。因为构成艺术性和深度性的主要因素一是精神，二是技术。为什么古代的作品今天看起来仍然很新鲜，很有研究价值，使欣赏者看起来津津有味，就是创造这种奇特新鲜的东西是一种内在精神在起作用。例如当我们欣赏宋人范宽的山水画溪山行族图时，该画的严谨构图，崇山雄厚，巨石突兀，林木繁茂，显示出一种磅礴气势，给人一种强烈的艺术感染力。作品中所塑造的艺术形象，就会激起我们思想感情上的种种反映，或兴奋，或自豪。优秀作品至所以百看不厌，耐人寻味，其重要原因之一就在于它能不断激发起欣赏者再创造，设计者再设计的兴趣，使他每看一次都有一种新的发现和体会，从而达到艺术上赏心悦目的享受。人类生活是广阔的，生活内容是丰富的。但对于每个人来讲，不管他如何见多识广，也不可能观察和体验到社会生活的一切方面。然而，借助古今中外优秀的艺术作品，却可以使我们形象地接触到许多个人生活经历远远不能涉及到的领域。如上至千年前的彩陶，雕塑，绘画，书法，建筑和服饰艺术，直到现代满足人们艺术享受的各种艺术作品，都可以帮助我们开阔眼界，从中了解到许多从书本上和个人经历无法得到的生动而丰富的知识。在中国有百年老店，或百年名店之说，如北有“同仁堂”，南有“胡庆馀堂”。也包括服装行业的老字号名店，北京的“兰天”“红都”“造寸”，上海的培罗蒙等等。商场如战场，商业竞争，决定胜负的不是钱，而是百年老店，名店的德业传百年的精神内涵和经营者个人的经营艺术修养。马克思在政治经济学批判导言中说：“艺术对象创造出懂得艺术和能够欣赏的大众”。就是说按照美的原则创造出来的艺术品，反过来又会对人们起着美的教育作用，从而提高欣赏艺术的能力。这种欣赏艺术的能力的积累，就是人的艺术修养和审美能力的提高。对于艺术作品看得愈多的人就愈能鉴别和欣赏艺术作品。古代南北朝的文艺理论家刘勰说：“凡操千曲而后晓声，观千剑而后识器”，讲的就是这个道理。为了说明这个观点，他举了很多生动有趣的例子。他说：“风凰和野鸡，珠玉和石头是有很大区别的。但是有人把它们弄混，就是因为见识不广。”有比较才能有鉴别，多欣赏一些古今中外有代表性的艺术和服饰作品，是提高艺术修养和审美能力的重要途径。7、设计与风格设计技巧和创新风格有点像烹调艺术，技巧就像烹调的火候，刀功，调料等基本功，是你必须掌握的，舍此你是无法烧出好菜来的。但具有一定的设计技巧后，就如你掌握了烹调的基本功后，做出的菜是偏咸或偏甜，那就看你自己的喜好了，偏咸和偏甜大约就是自已的风格。前面讲的大多是设计技巧和美学方面的东西，现在谈一下风格的形成。如何形成风格，关键是取决于自己的审美观念，性格情趣，艺术修养三个方面。一般来说，只要你自己喜欢某种风格，或是含蓄高雅的，或是粗扩激扬的，或是叠层沉重的，或是简洁大方的，就不必考虑现在流行的是什么款式，什么色彩，只须不断完善，必然会形成自己一定的风格。不过喜好也是有一定的限度的，不能过头，不能勉强。不然就和做菜一样，你喜欢咸，但若咸过了头，也就不成其美味了，反而成了苦味。总的来说，形成个人风格并不是一件容易的事情，如果联系发展到个人，有特别爱好，完全是个性东西。如设计没有特异性，“和尚帽子平不塌”，就没有风格。就是说，并不是确认自己风格，要发现个人风格。比如法国设计师圣洛郎，在时装界被人们称为色彩大王，把男装风格用于女装设计，喜欢用黑色与红，黄，灰，白组合，立体的线条，夸张的比例，几何的造型，更加突出了服装的“型”和“轮廓”。男性化的女性形象似乎已经成为圣洛郎设计风格的代名词。风格是所学，所好的前提下形成的，因而除设计技巧外，风格本身并不具备可比性。正如烹调，咸的并不意味比甜的好，也不能因为甜的东西不咸而认为它不是美味。形成个人风格也没有现成的方法，即可能是基于长期的艰苦探索，也可能是由于刹那间灵感显现。而是在于自己对美的感受，总结出一套表现服装风格的方法，这样自然就形成了个人设计风格。事实上，服装造型的风格外貌的形成，又主要表现在立体结构上。如衣料的披、裹、叠、缠的方式不同，立体裁剪不同，造型风格也就不同。设计风格与格调也有相互关系。因为服装有一个给别人看的问题，或以文雅高尚，或以潇洒美丽，或以清韵秀丽等原则，让别人取得赏心悦目的美好印象。这里面就包含着设计格调这个问题。格调是衡量绘画艺术的标准，也是鉴赏服装设计水平高低的标准。所谓格调，就是透过作品形成风格，艺术语言价值，寓于美中的真与善的精神品位。“格调”所强调的是人品与艺术品的一致性。既艺术也要体现一种道德修养，这是人和艺术的本质所决定的。格调所强调的人品，是指人的气质，在精神上追求综合塑造的品格。人品的高下与设计技巧并无必然联系，但与设计技巧，色彩运用和设计风格一定相关。二、服装设计的造型美服装造型美是指服装构成的形态美，它是服装设计首先要解决的问题。现代造型艺术将线条，色彩，肌理列为三大要素，服装设计作为造型艺术之一，和其它造型艺术一样，主要是色，形，质（肌理）三要素在起作用。服装造型美的根本依据是人体所穿衣服的各个部位的形体特征，是以穿用者为对象，同时考虑其机能性，装饰性和社会性。服装设计的造型美应能驾驭生活的美，运用色彩，造型，肌理三要素都要以提倡时代精神风貌为准则，要使设计思想进入社会面貌和时代特征。服装造型美是处在一定环境的主体形象，是由各种复杂的点，线，面和色，形，质等造型因素的不同组合而构成的。凡是美的造型都是由各种美的因素综合构成，整体美是造型美的最终目的。它是用色，形，质三要素为主要形态语言，结合造型手段，使设想进一步明确化和实体化，是一种创造性的活动，是科学与艺术的结合，同样是以追求美为目的。因此，服装设计的造型美应当有如建筑，雕塑般的立体感，空间感，有如绘画般的艺术美。服装的外在形状，是以人体的圆柱型为基础的，所以决定了服装的外在轮廓造型。中国人喜欢服装合体，贴身，这样固然体现了人体美，但是新的造型美出现不了。尤其是柔软的面料，如丝绸，软缎是以悬垂飘逸表现其美感的。例如女性的体型是靠肩，胸，腰，臀来体现魅力的，所以在造型设计中要经常变化肩线，胸线，腰线，臀线的高低位置，才会出现意想不到的新的造型效果。中国服装为什么会落后于世界先进国家，其中造型不好是一个重要原因。服装是要包裹人体的物品，是物品就应该有形状，又因其包装的方法不同，而各具不同的外型风格。人体的形状又并非是单纯的圆柱体，而是非常复杂又微妙的主体，还要加上动作因素，因此又会产生复杂的造型形状。比如，有时候要顺沿身体而造出细长苗条柔软之形；有时候要依凸凹之体，给以宽松的包裹而呈现出别有风味的形状；有时候又会强调某一个重点，如突出胸部，收小腰部，表现女性的曲线风韵等等。只看衣长一项，也是各式各样的造型。有极端的迷你短裙成为流行而大众化；有拖地长裙而成为时尚。这些风格各异的造型，要说是那一位设计师设计制作出来的，不如说刚好是那个时代要求了它，而人们又接受了它更为恰当。然而就其造型手段又是千变万化的，随着时代变化和艺术思潮的发展，服装的造型美又各具风貌。服装的外在形状，就女装而言，从细长苗条的合身型，到宽敞舒畅的包裹型，它是随着时代发展而变化的。特别是构成女性体型之美的胸，腰，臀三个部位，在造型上是应该被作为重点来考虑而构成的。其代表的造型是依当时流行来决定的。同时，女性的魅力要突出胸，收小腹，扩大臀来强调，即使要设计表现男性化的风格也不能同线条坚硬的男装一样，还要隐现女性的体型美的特点。1、造型美的构成因素任何流派与风格的造型设计，都是由点，线，面和色，形，质这几个方面的形态因素构成的。由于不同时代与不同民族对这些因素的理解深浅不同，认识的角度不同，感受的层次程度不同， 才形成了服装设计发展过程中的不同流派和不同风格以及不同时代风尚和不同的审美趋向。服装是通过视觉艺术来传达设计理念的，将各种要素按一定原则有秩序地去组合，创造出适合目的的美好造型，这种创造过程就是构成。“构成”一词，早在30年代出于德国。所谓构成就是用人类思维方式，对已知要素的重构。文章是靠一字一词构成的；音乐是靠一个音符一个音符构成的；山水画是靠点，线，面，块，色构成的；人的知识结构是不断调整更新构成的。点、线、面和色、形、质这些造型因素，除了作为塑造艺术形象的手段外，它们还以其本身所具有美感，并借助人们的审美心理，来发挥它们对服装造型的组织结构功能和艺术感染作用。如何了解这些造型因素，并运用到服装造型设计实践中去，是学习服装设计的重要因素之一。(1)、点： 中国画中的“点”是中国画的灵魂，也是一切造型艺术的最首要的因素。点是什么？点是最小的基本形，是其它所有形状的起源。点是线的开始，点包含着面，点的本身代表一种物象。点，实际上是极短的线，也是极小的形。线是点的延长，面是点的扩大。因此，点、线、面这之间只是量的不等，没有质的差别。数学上的点只有位置而没有大小。从造型角度出发，点如果没有大小，便无法用于造型艺术。所以必须将点视觉化，即应具有相应的大小要素。点具有一定的面积，而且表现为各种形态。单独的点往往成为视觉的焦点，点越少则容易集中视觉；点的排列可以造成变化和节奏；聚集很密的点，远看则成为面。中国古建筑，如故宫大多为点对称形式，给人以庄严神圣的美，象征着强权统绐的根深蒂固，牢不可破；法国的爱弗尔铁塔，以万点归一的力量，拔地而起，直刺蓝天，使世人尽可以从它的风姿中饱尝人的创造精神和崇高理想。由于点的丰富多变，历来服装设计师对它的研究与运用都非常重视。从民国初年的服饰旗袍，汉装到20年代新式旗袍和西化旗袍的大放异彩，都是在衣领，开襟等处，运用钮扣的组织排列，安放点缀，增强了旗袍的层次感，审美感和艺术性，使女性更为有精神，有力量，有魅力。中西文化交融，传统与时尚并存。现代时尚运用点的审美造型，起到“画龙点睛”和“点到为止”的高度概括性，给人类带来不同的感官刺激和心里刺激，增强了视觉冲击艺术感染力，使设计的作品更富有韵味情趣的现代感。“点”在中国画和造型艺术中都具有普遍意义，因此“点”在服装造型上不仅仅是指钮扣的安放点缀，而是一个宏观的概念。（注：用“点”的服饰图例说明。）(2)、线： 线是对客观事物进行抽象的产物，线也是点的运动轨迹。线有直线，曲线，抛物线，具有方向性，象征性，感情性，具有极强表现力。造型中的线也往往是以形象的抽象形式存在的。如直立的人被感觉为竖直线；弯曲的河流被看作是一条曲线。各种不同的线在人的审美心理上，可以引起不同的感情色彩。线在造型艺术中可以发挥分割块面，制造面积，构成结构及表达感情的多种功能。如图1中树干形成的竖起线有力地表现了松树的高耸和挺拔；图2中不稳定的倾斜线加强了有力的动势和优美感；S形曲线使人想到生命的韵律感，如图3.巨浪呈现的波浪线具有强烈的律动感。（注：绘图说明）中国绘画艺术把事物或具体的形加以抽象，用线来表达，所以有人说，中国画是线条的艺术，可见线条在中国画中的作用与位置的重要。马蒂斯说：“如果线条是诉诸于心灵的，色彩是诉诸感觉，那你就应该先画线条，等心灵得到磨练之后，它才能把色彩引向一条乎合理性的道路”。在几何学上，线又是两个面的交界，具有面的意味，同时又是形的轮廓。服装设计应该注意对线条物象形式的概括能力。我们从直线中感到挺拔庄严；横线中感到平和安静，波状线中感到飞腾流动，线的变化给人一种形式灵感。线是服装造型构成的重要因素之一。比如直线的刚挺，比较理性，男性化，而多用于男装设计；曲线的圆浑润泽，温馨女性化而适合于女装设计。从线的性质可知，线在造型上具有十分重要作用，利用线的这些特性进行设计，从而能事半功倍，就得成功。（注：用线的造型服装举例说明）(3)、面： 面在造型艺术中，是块的一种不确定的形式，反之块又是面的肯定形式。面在造型艺术中主要有以下几个方面的作用：统一造型：协助线与块之间的关系；加强体积感，量感；而与点，面与线形成跳跃，从而产生节奏感；构成面与形，面与色之间的关系变化；产生视觉上的强弱，刚柔的对比效果。由于面积量的大小不等，所以在造型上给人的感受也不同。在视觉效果上，点，线，面之间相比，线的冲击力比点大，面的冲击力比线强。故宋人的山水画在块面上的大量运用，大块大点，线面跳跃，起伏迭宕，画面响亮，视觉冲击力大。因此，点，线，面在造型上变化量的多少，可以得到各种不同的视觉效果。（注：用宋画说明）现代时尚，以当代审美观念，追求原始，寻求新的款式结构，运用大块大面，块面分割，块面拼接，构成不同形状，不同面积，不同色彩的装饰变化，从而形成不同的风格。法国著名服装设计师皮尔卡丹的作品，就是把建筑艺术上的几何形的大块大面，造型上的大开大合，色彩上的大红大黑运用到服装设计上，给人一种强烈的视觉冲击力和艺术感染力。（注：用皮尔卡丹的作品说明）点、线、面的运用，应有所侧重，不可平均对待。或以面为主，或以线为主，或把点突出，不能样样都有，样样又都没有，杂乱无章，拼凑堆砌。(4)、形： 关于形状，是指物体的外在形状。如人类生活中各种各样的生活用具因其用途不同而各具有不同的轮廓外形。如人类居住的长方形房子，蜜蜂筑的六角形洞穴。造型中的形也多是以具体形象的抽象形态存在的。人的视觉经验倾向于识别构造简单和熟悉的形。因此，造型中的形要更集中，更完美，有助于揭示设计作品的主题。关于形在造型艺术中的作用，康德在判断力批判曾经讲到：“绘画，雕塑，甚至还包括建筑和园艺，只要属于美术类的视觉艺术，最主要的一环就是图样的造型。因为造型能够给人带来愉快的形状去奠定趣味的基础，而不是通过在感觉上令人愉快的色彩来表现。那种使轮廓线放射光彩的色彩起的是刺激作用，它们可以使物体增添引人的色泽，但并不能使物体成为经得起观照审视的美的对象。相反，它们都常因为人们对美的形状的需要而受到抑制。甚至在那些容许色彩刺激的场合，它们往往因为有了美的形状才变得华贵起来”。形是服装造型设计的基本要素之一。从视觉效果上看，由水平线，垂直线构成有棱角的正方形，在性格上有股力，有力量，给人以稳重感；三角形是由三条斜线或是二条斜线一条水平线相交的形，给人一种尖锐，积极向上的刺激感。埃及的金字塔以正三角的造型坐落在黄洋之上，给人以感召世记的神秘感，让人从中得到历史性的启发。由弧线构成的圆形是不分离形，不停运动的形，给人一种甜蜜圆满的感觉，象征“花好月圆”，“天方地圆”，正圆给人以稳健，快速滚动感；不规则的圆给人以魔力和颠簸感。在古代建筑，园艺，家具的造型上，大都采用方与圆，方与三角的造型。如方门方窗，方桌圆盆，圆桌圆盘等。在中国绘画艺术中，方圆的运用，特别是在南宋以后，从用笔到形体无处不方。明清以后，通体皆圆。这种从方到圆的演变，说明了审美风尚的变化，即由崇外张转为内敛。据此可知方圆及三角各自不同的性质和审美意义。在中国的古代铜钱，外圆内方，在布局虚实的结构上给人以平衡圆满的美感。铜钱为何采用外圆内方这一独特形式，大概有二。一是皇权思想和一统天下。古人认为，天圆地方，因而在钱制形式上将这种观念体现出来。外圆像天，内方为地，天地合于一钱之中，象征君临万方，万宇一统。所以秦始皇统一货币选用这一形制。二是方便使用。之所以采用外圆内方铜钱这一形制，是为了铸行的方便。圆形钱便于携带，同时还可减少流通的磨损。为了减少费工耗时，工匠将中央开个方孔，将若干圆钱贯穿一起修锉，可以提高工效。查理勃朗克说过：“形状和色彩的结合对于创造绘画是必需的，正如男人和女人的结合对于繁殖人类是必需的一样。但在结合中形状必须保持对色彩的绝对优势，不然的话，一幅画很快就会解体。”著名画家潘天寿喜欢用一大块方形的石块做画面主体，象一座楼的骨架一样，造型似钢筋铁骨，不求小巧，但得大体，因而归于完整。以方构成的中国印，配以红色，象征权力和诚信，都有一种内在的，求怪的造型法则在里面，显示出顽强悠悠的生命力。在服装造型上如何选形是个具体细致的工作。例如：同是圆脸人，一个丰满，一个漂亮。单从圆的面貌上配同一种领子即可。实际上，脸丰满的人，配三角形的衣领可以掩盖过于丰满的面貌，形成对立，这样能收到很好的效果。对于漂亮的脸型，为增其更加秀美的面貌，而采用圆领，这样反而能收到最佳的效果。在服装造型上，皮尔卡丹喜欢用大块的几何形，造型简洁，用色明快，花形图案，具有张力的风格魅力也在于此。因此，对构成服装造型的形，色，质三者之间的各种关系，如形与色，形与质之间产生的相互关系如何组合得更完美，从审美角度上，各要素在造型上起什么样的作用，是值得研究和推敲的。（注：用方、圆、三角等造型的服装实例说明）形与形的协调同类性质的形状组合在一起，不会产生不合理的效果。如在椭圆形里配圆形，因为圆与椭圆之间有相似的性格，相互之间如同性格相近，情投意合的夫妻，不是强行结合，因此平衡和谐。如果在椭圆形内配置一个六角形，因为性格相反，总有一种生硬拼凑的，不圆满的感觉。正方形和圆形是性格相反的对立形，虽然特性不一致，因为大小相近，却没有象在椭圆形内配六角形那样让人觉得别扭不舒服，反而使人安心凝视，协调如意，这是两个不同的形达到异质同构的原理，就象铁圆桌和木圆桌的异质同构。性格太相似的形状结合反而达不到协调的目的。同种形状并置在一起，感觉上觉得缺少变化，容易使人疲劳。因此，必须有一些对立的形状。比如在圆形的基础上结合方形，使圆中有方，或方中见圆，刚柔相济，达到异质同构的效果。一般纯方纯圆的形状不可取，在类方类圆，或方圆之间为好。古典绘画作品大多采用内方外圆的变换以求得“势”的既张且敛，既露又含的那种雍容大度，温文而雅的情感。中国古钱币的设计，就是寓意“天圆地方”。随着审美风尚的改变，现代设计师利用不同的性格，不同的组合，将方圆变化并竖在一起，大方大圆，上方下圆，或下方上圆，有张有敛，显示出强烈的时代感。（注：用方、圆不同组合绘图说明。）形的大小协调一首明快优美的曲调里靠音乐的强弱，音量的大小组成。形状的大与小的关系，在服装造型中是产生微妙效果的基本因素。如在服装的长短，大小确定之后，配多大的衣领，袖子，口袋，钮扣才合适，这些都属于形状大小的协调。同时要考虑用什么样的形状才好，因为大小与形状是默契相关的关系。（注：用形状大小组合服装实体说明。）(5)、色： 服装造型设计是理想工作，色彩运用是感性认识，起心理作用。色彩在造型设计中主要依靠自己的多种特性和相关性，在符合各种造型法则中的色彩结构中发挥自己的功能作用。关于色彩，在色彩构成里将详细讲述，这里只简要说明一下。如以明确而有秩序的色彩结构，造成造型鲜丽，沉着的装饰性效果，能烘托出女性谐调的内心世界和情趣；图10