钢琴 正确的手型.docx

手型的基本要点 1、手指自然弯曲、同手掌起构成一个半圆形，呈空握球状球状； 2、掌骨关节(通常称第三关节)及所有手指关节都应凸起。应避免和纠正最易出现的手指第一关节和第三关节(指掌关节)塌陷呈凹状； 3、手指应自然分开原则上刚好个指头对准个琴键； 4、整只手(从整个前臂到手)应以水平位置摆在琴键上、应使手指摆正，与琴键排列平行、大指应同样放在琴键上面； 5、手指触键的基本位置应取在白键与黑键距离的约三分之一处。当触按黑键时，整只手应向黑键位置前挪，手指应弹奏在黑键前端位置。 是的，我也是这个观点。在掌关节的机能没有训练出来的时候就强调“低手指”，一定会使手指很粘、没有爆发力。我自己弹奏和训练学生都有一个“高抬指”的过程、但这只是一个过程和方法、绝不是最后的目的。但：非常正确。抬手指这样的机能训练还有一个于“放松”的关系问题。手指要抬起来，必须依赖肌肉的收缩、这就是一种紧张。大家都知道，“做功”的紧张是必须的。所以“放松”不是绝对的、也不可能“一劳永逸”。每练习一个新作品，每遇到一种新技巧，每逢一种不同的键盘组合排列，都可能引起新的紧张。由音乐表现需要的力度层次、声音变化与控制也会产生种种紧张。但是懂得弹的原理，就能够找到调整放松的路子，去除种种由于不熟练而引起的紧张。我们必须要有一个明确的概念，“放松”只是针对多余的紧张而言。学会正确发音-学钢琴的重中之重(2011-07-06 22:08:39) 标签： 北京钢琴教学幼儿钢琴少儿钢琴教育分类： 学琴秘笈 俄罗斯著名钢琴家捏高兹说：“任何钢琴演奏总是以发出的声音、制造出声音为其目的，那么无论你弹的是练习曲还是；艺术作品，弹钢琴必然就是在声音上下功夫，说得更确切些，就是练习声音。”声音的问题既是如此重要，作为一个对学生负责的教师，必须把声音的训练放到一个重要的位置。从长远来看，要使学生成材，必须训练出好的技术，好的声音。作为一个钢琴演奏者，声音的好坏与质量是决定其水平和档次的一个重要标准。一、 从连第一个音开始就要学会“听”：钢琴的入门方法很多。从我国目前情况来看，从断奏入门是被广泛接受和采用的。断奏的开始虽以单音作为元素，一个个音的练习“落下去-手指站住-提起来”。但是问题在于大家同样都在练断奏，练法却有很大的不同。我认为需特别强调的是，练习的正确与否，必须通过声音来检验。学生从练第一个单音段奏开始就要去听，当手指触键，琴槌击弦时，听声音是否充分地发出来了；是否有良好的震动与共鸣；当手指保持在琴键上站立时，耳朵要倾听声音的持续和延长，并要学会辨别好听的声音和不好听的声音。在此基础上，让学会理解到不好听的声音是由于错误的弹法直接造成的。譬如说：敲砸的声音是由于过高过猛地向键盘冲去而造成的；闷暗的声音是因为下键的速度造成的；而挤压的声音是由于在钢琴发声后，手还继续对键盘施加压力而造成的。那么，正确的弹奏应该是手臂放松自然，离键不要太远，用物体自然下落的速度触键，一旦声音发出，手绝对不要在对键施加压力。就是说，这个音应是一触即发的，并且要去掉一切不必要的多余的动作。通过这样的要求，弹出好听的声音应是明亮、宽厚、具有共鸣的。教师应要求学生在一开始就要学会把正确的动作与正确的声音结合起来，懂得听什么和怎么听，这样的开端对以后的钢琴学习会受益无穷。当学生学会听一个一个的单音后、第二步就应从短小的乐曲里去听音与音之间的联系和倾向，听每组音的声音是否均匀，平衡。第三部在开始学习两个音的小连线时，要听两音之间是否声音连起来了，听小连线的第二个音结合重量下落是否在语气上达到了强调。第二个音作为尾音结合重量提起，声音是否比较柔和和委婉并在减弱。第四步，在学习几个音的连线和乐句连线后，则要结合句头、句尾、句中的语气、高矮、强弱等去听乐句的进行。总之，要学会听，要懂得如何去鉴别声音的好坏优劣，这是教师和学生的首要任务。这个概念必须在一开始学钢琴时就建立起来！二、自然重量的运用与调节是良好声音的基础和保证所谓自然重量，首先是指手臂的重量，进而是指对身体部分对重量的补充和结合。在弹奏中如不会使用重量，声音必然就会单薄、浮浅和缺乏表现力。对重量的运用与训练应有一个过程，首先是要学会能把手臂的重量全部放下去，弹出丰满、淳厚的声音。一般在教学中常常提到的“一滩到底”即是指把重量“放入”键盘，不要把重量淤塞在手臂、手腕的某个部位。而重量的调节必须建立在重量能全部自如放下的基础上，根据音乐所需要声音的强弱、厚薄给予键盘重量的变化/如果声音要强，可结合补充身体的力量；如果声音很轻弱，则可把重量控制到最小。譬如说，仅一个手指的重量，也是可以的。但需要特别强调的是，为了声音的通透，不论重量通过指尖“送”到键盘里去。唯有这样才能使最轻的声音清清楚楚地传到音乐厅最后一排观众的耳朵里去。综上所述，我在此提出的重量概念是包括全部的重量棗全部臂重并可加上身体所能补充给手臂的总和；也包括经过调节和控制的，哪怕是最微小的重量。由这样大大小小的重量，经过灵活自然的变化应用，给我们的声音变化提供了极大的可能。三、指尖的触键必须“弹到点”我提出“弹到点”这个说话，是一个触键的概念，我认为这是保证良好音质的必需。从钢琴的发音特点来讲，每个音不论强弱、厚薄都应该有一个最佳的发音点。这个点在触键时应多深多浅，力量应用得多大多小，下键速度应多快多慢都应根据声音的需要来衡定。我们可以肯定的是：无论何种声音都需由槌敲击琴弦才能发出该声音所需要的震动；这种震动一是压不出来，二是声音一旦发出来之后再用力也改变不了。哪怕是再深厚持续的声音也必须在发音的瞬间积聚好力量，使声音尽可能深沉有利地发出来，使其有最好的震动和延续。而在声音延续过程中我们保持情绪，保持手的稳定，保持自然重量继续在琴键上。我们在钢琴上“保持着”，这种感觉是绝对必须的。可是唯独有一点我们不能做到，那就是企图在发音完成后，我们在施加力量去改变这个已发出来的声音！在钢琴上我们只可能在一瞬间把我们所希望和追求的那个声音发好，其后声音延长得是好是差，在发音时就已决定了。所以我认为无论声音强弱，每个音的发音点都应在触键时感觉好。深厚的声音自然应该把琴键弹“深”；果断的声音触键时必须直截了当；歌唱的声音要让琴弦发出最好的共鸣和延长；轻巧的声音则要在触键的过程中找到它合适的位置，千万不要压。总之，我认为弹琴必须“弹到点”，这是符合钢琴这件乐器的特点的。在触键上找到每个音的最佳发音点，能提高手指的控制能力，加强手指触键的精密程度，增加演奏的把握性。而最主要是改善了声音的质量，发出真正符合钢琴特点的“钢琴化”的声音。四、变缺憾为优势当我们听好的歌唱家演唱或优秀的小提琴家演奏时，他（她）们的声音连贯和气息悠长，这是钢琴很难比拟的。的确，钢琴作为键盘乐器，要弹出好的连奏或歌唱性是太不利了。但是好的钢琴家们在钢琴上也能弹出非常动人的歌唱性乐曲，他们演奏出来的“钢琴化”的歌唱可以是如此的迷人。那么诀窍何在呢？在于他们掌握了钢琴这门乐器，充分发挥了钢琴的长处，并巧妙地掩盖了钢琴的弱点。钢琴的弱点在于其声音一旦发出，就只能靠其余震延续，声音很快地减弱。所以就某一个音来说，是不能作出渐强的。同时钢琴的声音只要发出，就不可再修正或改变，这一点也是大大地比人声和管弦乐器要不利。但钢琴也有它的发音特点。我们可以尽量发挥右踏板的延音功能来增加声音的共鸣并帮助声音的连接。在弹奏上应掌握并运用重量的传递和贯穿。同时要结合音乐中的渐强，渐弱、轻重缓急的处理，安排好句头、句尾、乐句中的高点，体会好乐句中的强调音、非强调音和语气，掌握好乐句中节奏的伸缩和变化，设计好种种音色的变化与层次。另外，还可用伴奏部分或其它声部进行烘托与陪衬，以这些方法来制造钢琴所独有的连奏和歌唱性，也正是高明的演奏者们所擅长的，其魅力也非管弦乐器和人可比的。再回到训练上来说，要让学生首先掌握连奏的弹法，学会用一只手臂的力量贯穿一条连线或一串音流。不要把一个个音都散了或弹得停滞不前，而要弹得向前流动，一气呵成。这需要手上的感觉，也需要内心的感觉。同时，要掌握好乐句的弹奏，对每个乐句的语气、起伏、句头、高点、句尾等等都要安排处理好。进而要分析、感受并做出乐句与乐句之间的关系变化和发展，调整好旋律、低音、伴奏几者之间的层次，逐步提高弹奏歌唱性的技巧，使其由浅入深，由底到高。我认为，只要用心去听，去想，去感受，就必然会取得成果。五、掌、腕、臂、身诸部位与声音的关系择要（1）手掌的架子作为力量的支撑点，是保证声音质量的关键部位。弹强烈的声音时，手掌架必须牢固，这是较易取得共识的。弹轻声时，更需强调手掌架的牢固，对这个概念还需加强理解和认识。弹轻声时，如手掌架懈软塌陷，声音必将无法清晰集中而变得模糊浮浅。哪怕是弹印象派最需要朦胧声音的作品，手掌架依然不能懈怠，而要保持有把握的控制。如不注意这点，也许声音就根本无法弹匀弹轻，使声音变成了混浊一片。在训练中常见的毛病是手掌塌陷，因软而无法支撑起来。由于手掌无法充当力量的支点，手腕只能拱起来代替掌部作为支点。随之而来可能引起端肩和手臂紧张。我们可以发现凡是手掌软蹋的弹奏，声音是无法深厚和集中的。因此手掌架的训练应在入门时就开始，在慢练时要尽量强调手型，在较快的弹奏或正式演奏时则不必刻意强调外型，而是凭内在的功夫和力量了。此时也许外表看来掌关节较平，但手掌不是软蹋的而是内部具有一定的支撑力。至于手腕拱起的毛病，单纯想从手腕去解决是不可能的。手掌架去解决才是可行的。手掌架立起来了，起到了支点作用，手腕自然就能放下来了。（2）腕臂的训练与声音的关系，手腕是手指与手臂之间承上启下的枢纽。手腕有许多上下，左右的动作方式，其中有些是手腕独立完成的，有些是和手臂结合起来协调完成的。在此我们不是去一一介绍这些动作的要领，而是要提出几个需要注意的问题。手腕的左右灵活调节，在教学中常被忽视，但是实际上是非常重要的。以手腕为主导的左右调节，是同时结合手臂左右调节的腕臂综合动作，指在对手指不断变化着的位置进行微调，并使得不论何种位置时，手臂的重量（或大或小）都能通过手指而全部送入琴键。此时的关键是要特别注意在用4、5指弹奏时，一定要把手调节到最佳位置，把力量“送进”琴键，使最高音（或最低音）的声音突出和通畅。这种调节使腕臂对手指充分起到了后方支援前方的作用，使得每个声音能自然。还需特别指出的是，腕臂的每种不同的动作都是为它特定的声音效果服务的。不论哪一种非常有用的动作，也不能不加分析，不分场合地处处滥用。以“落滚”式的手腕动作为例，手腕柔软提起和下落的动作，用来学习两个音的小连线是很好的。同时，作为优美、柔和的触键方式，用来做分句，呼吸等等都有十分良好的效果。但如在所有地方手腕都这么软，声音该挺立的地方都被软化了，那时祸害无穷的。在需肯定、果断、有力的地方，需生动、活跃、弹性的声音，尤是跳音类触键时，手腕应固定，手臂平行成一个整体，才能防止声音软化。（3）身体协调与声音。在弹琴时，从身体接触琴凳开始到手指接触键盘，应该是一个可以灵活调节的整体。当我们的身体处于自然积极状态时，声音必然会丰润宽厚，使人听起来顺畅，舒展。身体协调的关键在与腰骶部的力量能否调动出来。在弹最响亮、最丰满的声音时，只要身体挺立，用上腰骶的力量，不需多大的动作和力气，声音可以很自然和方便地弹出来。在此要防止的毛病是：要该掉弯腰的习惯，懒洋洋消极地把重心往后往下塌陷，重心的后倾下榻是协调用力的最大障碍。关于钢琴的声音是一个极为广泛和复杂的课题。本文仅就声音和技术的一些片面择要简述。要把钢琴弹的好听，还有许许多多的问题需要探讨，譬如，声音与节奏；与音乐表现；与不同风格；与不同作曲家的不同作品；与不同演奏家的不同个性都有密切的联系和丰富的研究内容。由于钢琴艺术的学问是如此广博，我们所需进行的努力是永无止境的。验最负责任的高层次钢琴教学，学钢琴不走弯路“世界上最高最纯洁的欢乐,莫过于欣赏艺术,莫过于欣赏自己的孩子的手和心传达出来的艺术！”-摘自傅雷家书但当钢琴教学变成中国特色的纯商业运作（非钢琴专业的投资者+几间琴房+ 频繁更换的打工教师+），离“负责任”和“艺术水准”就越来越远。如果你是初学的琴童，也许你一开始就在错误的道路上起步，于是你可能会在未来的学琴道路上或裹足不前，或半途而废，所谓的“童子功”也变成虚弱的肢体游戏，”走弯路”浪费了孩子的宝贵时间。你的琴龄可能长达3-5年或更多，你可能是8级以上的水平。但是也许你根本不知道钢琴应该发出什么样的声音才是真正意义上的钢琴声。你弹出的声音为什么和CD里的钢琴声总是有很大差距呢?即使你弹的是9级以上的大型曲目，但虚飘或僵硬的错误的发音方式，让你永远感觉不到音乐的美，不用说一流、二流了，你N多年的琴龄也许根本就没入流，根本就不对路子.欧洲百年的古典音乐教育实践证明,成功的钢琴教学及所有成功的艺术教学都是崇尚拜师学艺之路的,当奶奶爷爷带着孩子赶集式地大帮哄式的去商业机构追求所谓钢琴艺术时,当家长被拒绝进入琴房旁听时，艺术已经变味了.高层次，高起点钢琴教学与商业机构的教学有什么不同?中央音乐院校与地方音乐院校的钢琴教学路子有什么高下之分?科学的、高起点的弹奏方法（基于正确发音和重量弹奏法）与误人子弟的片面讲求“手型好看”的低层次的、伪专业的入门教学区别到底在哪里？“手抓鸡蛋”和“不科学的高抬指”对孩子的毒害有多深？错误的弹奏方法给孩子的身体和学琴进展造成的伤害和影响究竟有多大？手指跑不动、跑不快的原因在哪里？怎样摆脱僵硬的弹奏对你的长期困扰，能持久放松、事半功倍地学好钢琴？学琴很久却始终没有成效，总徘徊在初级阶段的原因何在？孩子学钢琴没兴趣怎么办？通过九级后怎样迈向艺术的更高峰？请看卓乐佳音的钢琴教学秘诀。不一样的高起点 不一样的新教材 不一样的基本功训练 不一样的兴趣培养1.不一样的高起点-掌握先进科学的弹奏方法，让孩子事半功倍，不走弯路，终身受益 钢琴初学阶段的教学到底有无高下之分呢？中央音乐学院与地方音乐院校的钢琴教学路子有什么高下之分？钢琴家弹琴既不费劲，声音又漂亮的奥秘在哪里？高起点的入门弹奏方法与误人子弟的片面讲求“手型好看”的低层次的入门教学区别到底在哪里？“弹奏方法”对孩子学琴兴趣的影响究竟有多大？怎样才能事半功倍地学好钢琴？跑赢第一步就已经成功了一半，杜老师帮你正方法，正路子，让每一位学生豁然开朗，获得质的变化和飞跃，并终身受益。基于正确发音的重量弹奏法:钢琴和声乐一样，也存在发音问题吗？为什么周广仁先生在全国各地讲学中强调“钢琴发音的好坏是检验钢琴弹奏方法正确与否的唯一标准？”。为什么李云迪的老师但昭义教授的入门教学中“断奏的训练”要持续一年之久？入门阶段对于放松与重量弹奏法的训练，关系到今后能不能弹得快、弹得清楚，能不能跨过一道道技术难关。断奏训练要求肌肉绝对放松、手臂抬起高度适中、触键的位置要靠黑键，要有一定的下键速度，以“自然下落”的动作完成力量的传导。敲、按、打、砸出来的虚、飘、僵硬的声音，都是错误的，哪怕是一个单音，在初学阶段也必须学会分辨什么是正确的发音。只有弹到“底”，弹到“点”的“沉、透、结实”的声音才是正确的。“高抬指”是过时的弹法吗？是贴键还是高抬指？为什么最好的钢琴家都用贴键的爆发力弹琴？高抬指与贴键的训练是相辅相成的辩证关系，高抬指练机能，贴键练爆发力和速度。但在实际的乐曲弹奏中，最省劲的，力量消耗最小的，弹出的声音结实、共鸣好，能保证快速弹奏下声音均匀、清晰的“快下放松”的非“高抬指”的、贴键的重量弹奏法才被世界钢琴界公认为是当今最科学的弹法。高抬指的训练必不可少，但只是过程，不是结果。连奏是只连起来就可以吗？手指不仅有竖的运动，还有横向的运动。手指触键的部位，抬指的时间、高度、速度，重量下沉的幅度和重量转移的感觉等对能不能弹好连音都有更精密的要求。应该怎样训练“爆发力”？“非连奏”和“歌唱性的连奏”应该怎样区分？多种系统的训练连音的办法，使你的连音既连又扎实，音色出来更漂亮。音阶、琶音弹好关键是大指转弯的时间大指的转弯时间(转弯与食指抬起同步)、触键部位（大指的外侧），重量的转移、触键的快慢（快下放松）、手指用力的方式（爆发力），手臂的微调（上下及左右的转动）等决定了你是否能弹好音阶、琶音。和弦怎样弹好？用手臂重力弹奏法、反作用力法等，合理用力才能不紧张地弹出任何复杂的和弦。所有敲击出来的和弦都是错误的。跳音怎样弹好？只有音质集中，动作简单的弹法才是正确的。手指跳音、手腕跳音、小臂跳音、大臂跳音等多种弹法，让你产生有变化的音色。什么是好的作品演绎？怎样分句，怎样表现不同风格的作品？不同作曲家的作品有不同的钢琴音响，并表现出不同的时代风格。古典派作品的颗粒性音质，浪漫派的丰满音响和力度对比，印象派的飘渺虚幻，爵士乐的砸琴，都要求学生用不同的弹奏方法表现出来。请高级别的学生请来这里领悟和揣摩作品的音乐真谛。如何练琴才能事半功倍。有什么诀窍？高效的练琴手段和练琴时间的合理安排，让你进步 飞速。2.不一样的新教材-摈弃传统教材的弊端，积极引进国际国内最新教学研究成果我们不用过时的拜耳，也不仅仅用汤普森入门.核心教材：美国最新幼儿启蒙教程快乐钢琴启蒙-针对5岁以下孩子注意力不集中专门设计。国际著名钢琴家李云迪的恩师但昭义教授编著的新编钢琴入门与进阶-国际国内公认的教学路子，科学的训练方法，显示李云迪成功的奥秘。李斐岚幼儿钢琴教程-扎根本土音乐，路子科学，曲调亲切，更让孩子有兴趣小钢琴家之路-中央音乐学院教授的集体结晶，各国钢琴音乐全面提高孩子的音乐素养。法国传统教材莱蒙钢琴练习曲-车尔尼599后的必弹教材不仅使用车尔尼599、849、740等经典教材，139、718、636等有价值的教材也加入我们的教学计划。3.不一样的基本功训练-更全面、更清晰的训练思路不仅仅用哈农练基本功，这里用李斐岚儿童钢琴手指练习、趣味钢琴技巧、钢琴天天练等教程全面提高学员的基本功，让钢琴技巧变得思路明晰而不枯燥。每次课，专门拿出1/4的时间上基本功课，其余时间检查作业。4.兴趣是学好钢琴的最大动力-童创佳音如何解决 “琴童学琴兴趣障碍”?正方法路子-孩子对学琴失去兴趣或半途中断,最大的原因是没有掌握科学的弹奏方法。由于初学阶段对于基本弹奏方法和读谱习惯的错误引导，孩子的手指越来越跑不动,声音越来越黯淡无光，再简单的曲子连孩子自己都不爱听,怎么会保持长久兴趣呢?稍高一些的级别,就觉得技巧怎么也跟不上,看谱子越来越困难，手越弹越僵,使孩子的兴趣和信心进一步受到打击。所以解决学琴兴趣障碍,最终还是要从根本的弹奏方法改起。而不是在教材上帖些小贴画，就能增加孩子的兴趣的。 讲故事，变花样-最简单的乐曲里都有一个生动的故事，最枯燥的基本功和练习曲都能弹出花样，不同时代、风格，不同国家的音乐有不同的味道，所以教师的文化底蕴和音乐造诣决定你的孩子所受音乐教育的长久性和优劣程度。 个性化指导-杜老师根据孩子不同的性格特点，制定不同的教学计划，帮助每一个孩子战胜学琴中遇到的各种困难，包括生理、心理、毅力等方面。只要家长和孩子配合的好，孩子会进步飞速。趣味教材-不只弹经典教材，杜老师会为你选择孩子们最喜爱的动画片插曲和耳熟能详的儿歌，并精选适合中国孩子的国际国内最新趣味钢琴教材，让弹钢琴变成一件最快乐的事情。即兴演奏不再是梦羡慕那些听到什么歌曲就可以随意在钢琴上演奏的人吗？童创佳音的课程在学习古典音乐基础的同时，曲目还会触及到各种音乐风格，包括爵士，流行。开放型的学习方式注重启发学生的创造力。很快，你会发现，音符在手下愉悦流淌的感觉，会为孩子或你的自信心增添一笔色彩。享受四手连弹与合奏的乐趣独生子女是孤独的，也许不缺少唯我独尊，但也许缺少配合别人的能力。一个处处SOLO的人很难在事业上取得成功。国外的中小学都有乐队，无论水平如何，作用是使得每一个学习乐器的孩子都能够体验合奏的美妙。童创佳音的钢琴四手连弹和器乐合奏课，就是希望为每一个学生提供一个合作的平台，当每个演奏者必须齐心协力去实现整体效果的时候，集体荣誉感会油然而生，自我价值的最大化便从此实现。5.不一样的考级教学-“不唯考级，只唯艺术真谛”杜老师的学生不仅保证100%的考级通过率，更有20%左右的优秀率。“学院派高端钢琴教学”对基本功系统、清晰的严格训练和对作曲家音乐作品的系统学习，更能让孩子学到真正的钢琴艺术。“不唯考级，只唯艺术真谛”是我们的教学宗旨。把考级曲目与学院派的正规教材以及兴趣化教材进行良好的结合，夯实基础，不偏食。鼓励学生逐级报考，基础更扎实。考级教材每一级的所有曲目都必弹，不只弹4首应试曲目，让学生学的更全面。除了弹国内考级教程，同时加入英国皇家音乐学院考级教程内容，与世界音乐考试潮流接轨。6.高考、比赛培训-启动本地区小钢琴家培养计划扎实的理论和技术功底，以及良好的音乐学院人脉，让六级以上学生有可能被保送至音乐学院附小。只让学生参加真正意义上的专业级钢琴比赛，并力求入围。正确认识和处理钢琴考级问题（一）为什么要参加钢琴考级现在存在一种奇怪的现象：一些家长为了让孩子参加考级才学钢琴，这真是一种本末倒置的做法。越来越多的人都认识到没有艺术的教育是不完全的教育，前面谈过让孩子学钢琴，主要培养孩子的艺术情趣、陶冶高雅情操、开发智力潜能等，这是值得推崇的。但为考级而学钢琴的做法在孩子的成长过程中却弊大于利。 钢琴考级曲目一般为四首，分别是：练习曲、复调乐曲、大型乐曲、小型乐曲。这样设计为的是考查学生的演奏能力。实践中，钢琴考级确实对普及和规范我国的业余音乐教育起到了积极的推动作用。 考级，实际上是为学习者提供一个接受专家鉴定与指导的机会，其目的在于检验钢琴教师的教学水准，规范钢琴的教学秩序，提高钢琴教学的质量。考级证书是学生钢琴学习历程的一个阶段性记录，是钢琴学习程度以及音乐素质与水平的一个见证，可以激发钢琴学生的学习兴趣，促进他们的学习热情。但实际上，有的学生刚刚弹完“599” 练习曲， 视谱弹奏“849” 都勉为其难，却直接报考十级，练了两三年勉强通过，过后就把乐谱束之高阁，再也不摸钢琴了。这样的结果真是令人啼笑皆非。 钢琴考级曲目大都是从拜厄到莫什科夫斯基程度逐渐递进的，也就是说应该系统地弹完这些曲子，才可以考过十级。但是如果没有系统地学习和掌握钢琴的基础技能，考级过程中几年的时间内只练几首曲子，不仅耽误了孩子学习钢琴的进度，也在无意识中扼杀了孩子的学琴兴趣。学习钢琴最忌讳的就是急功近利和强制要求。教师和家长对钢琴考级都要有一个正确、客观的认识，考级只是学琴过程中的一项实践活动，不要把考级作为钢琴学习的主要目标，只为考级而学钢琴的举措，实在是荒唐。（二）如何能够顺利通过钢琴考级钢琴考级在二十多年的时间里，经历了多次改革，如今的钢琴考级，已经是一个在音乐领域里逐渐完善走向成熟和规范的音乐活动了。其规范表现在不允许跳考级别，客观上，限制了钢琴考级不切实际的拔高和随意性。例如， 2008年中央音乐学院校外音乐水平考级简章规定：第四至九级原则上不可跳级，如属第一次参加考级或有能力要求跳级的考生，需加试前一级的重点曲目(自选前一级大型乐曲一首)。报考三级以上(含三级)的考生，报名时须出示“音基” （音乐基础知识） 测试一级合格证书(未满七周岁者可免，但报名时需带户口本原件)。“音基” 二级后方可报考钢琴等表演专业第七至九级及演奏文凭级。从现在的考级教材中，我们看到考核难度的变化进程都是循序渐进的。学生只要认真按照教材的进度认真学习、踏实练习，都是可以达到及格线的。顺利通过考级应该注意以下几点：第一，符合实际，切忌盲目拔高。报考与自己水平相近的级别。有些家长常常为孩子报考高于实际水平许多的级别，特别是低龄琴童，存在本身无法避免的生理劣势，更应该一步一个脚印，稳扎稳打。基础不扎实，能力达不到，演奏就会很吃力。过于功利与揠苗助长结果是一样，都是有害无益的。危害之一：弹奏的曲子超出实际水平很多，就很难保证演奏技术处理上的准确性，甚至会出现大量的错音和无法理解音乐的情况，形成顽固的错误习惯。危害之二：盲目拔高，势必赶进度，缩短了必要的学习过程。基础不过硬，音乐就很难完美的表现，正确理解和诠释作品的涵义、准确地表现音乐形象也就是一句空话了。学习的进度太快，不仅不利于音乐素养的积累和提高，还容易让孩子产生对钢琴学习的畏难情绪，最终因为厌恶而放弃学习。第二，脚踏实地，科学练琴。常规的钢琴学习和训练，一般是一条主线两条副线。主线是基本练习与练习曲的学习，练习曲教材以车尔尼系列作品为主，第一副线是复调，以巴赫作品为主；第二副线是大型作品及乐曲。准备考级时， 练习中特别要注意准确演奏， 无错音、 漏音，准确把握节奏和指法； 注意强弱，包括左右手的力度对比、强拍弱拍的对比、渐强渐弱的变化、各种力度标记等；每首曲子尽量做到流畅、完整、不间断； 把握作品风格，表情与乐思一致。第三，平常心态，克服急躁情绪。考级前要避免急躁是顺利通过的前提条件。钢琴学生要有计划地练习，避免手忙脚乱，导致急躁情绪的滋生。希望家长能够以平常心面对孩子考级，使孩子以一个平稳的心态去面对考级。总之，家长应该清楚地意识到：考级实际上是对钢琴弹奏水平的一种检测，是促进学生提高钢琴演奏技术的外动力。如果深陷于为考级而考级的怪圈，不仅会冲淡孩子学琴的兴趣，更违背了钢琴学习的规律，其结果将严重地妨碍孩子正常进步。父母在钢琴教学中的作用(2009-03-17 19:41:54) 转载标签： 杂谈分类： 学琴秘笈 学习钢琴，为的就是让孩子从孩提时代就开始培养他们具有高尚的情操和杰出的才能，这也是天下父母们共同的、热切的期望。为使孩子成才，父母每周要接送孩子上老师家学琴，回家后提醒孩子练琴。但如若父母没有参与到音乐教育中，那音乐的教学不可能完成，更不可能成功。因为学生一星期不过上一次课，其余时间都在父母的指导下。所以，父母应积极地参与音乐教育活动，他们也是家庭教师，这是孩子学习成功的一个重要因素。父母如何才能在钢琴教学中起到积极的作用呢？第一，父母最主要的任务是在教师教学时，注意听课并且记下每一个要点。每当我接收一个新学生，特别是三四岁的小孩时，我都会耐心地向家长说明小孩现在所处的年龄和心理特点，而这些特点又与小孩练琴时的情绪密不可分。家长在学生未上课前就要有准备，同时，讲明小孩在家的练习以及对听力的责任，留出充分的时间回答问题。教师对待父母如同对待小孩一样也要示范和解释每一个要点，实际上学生在初学时，教师在父母身上要花费更多的时间。拿学生的发展来讲，日本教育家铃木镇一博士经常指出家庭教育起着决定性的作用。虽然家长不能示范，但他们能指导，并知道根据教师的要求应当发出怎样的声音，一点一滴地帮助小孩去练习。第二，家长要求小孩每天按时坚持练习，正如每天要刷牙，梳头等不能疏忽。父母要求小孩养成一个认真的练习习惯是必要的，在课后将要点再练一下也很重要，因为此时会感到很新鲜。家长应当每天提醒小孩愉快地练琴，要认识到必须反复地练习才能弹好乐曲。一个人每天练习五分钟与另一个人每天练习一个小时比较，虽然他们都是练习，但结果距离是很大的，因为没有足够的时间练习就失去了应有的才能。第三，努力建立小孩的自尊心，要用最大的努力来培养小孩的成就感并促其达到最高的标准。教师要求学生在力所能及的范围内有所成就，当小孩达到所要求的目标时，就应该受到鼓励和表扬。家长应当经常鼓励学生，一旦发现有进步就应当表扬，即便还没有完全达标，也应当使学生感到高兴。我们必须记住这是一项远大的计划，需要长期的练习才能完成。不积跬步，无以致千里。教师每星期的目标也就是要求小孩尽最大的努力去完成它，如小孩和家长每天很好地练习，结果就会很圆满，这样在练习中就形成自信与热情。当孩子在练习时，家长不应有轻视、失望、粗暴的语气，可用父母在教母语时的正确态度给予鼓励。在练习中多用“你能否再试一遍，弹出比较优美的声音？”这样的言语，而不可以用刺激的语言如“你弹得太可怕！别浪费我的钱了！”等等。请天下父母们记住：多赞美自己的孩子会弹得更出色。第四，鼓励孩子评价自己。在练习时，将小孩经常为演出练的曲子用录音机录下来，以后将此录音带放给小孩听，要他用灵敏的耳朵听并评价自己的演奏。这样做是为了学会用他的听力去评价，学生自己说“我弹得太慢了”，这比家长说更有效。有时学生认为自己弹对了，其实不然。这时不要争论，只有将有问题的段落对照录音反复听，这样才可能解决问题。达到目的后家长必须继续鼓励学生怎样复习难点，怎样仔细地听自己的弹奏，怎样评价自己的演奏，怎样改正错误。在必要时才给予评价以及教学，你会发现小孩逐渐有经验，渐渐地很少需要指导，渐渐地培养孩子独立的能力。第五，创造良好的练琴环境。最理想的练习场所是安静的没有嘈杂声音的地方。如果只有一个可以放钢琴的房间，就需要家庭成员之间好好地合作，精心计划安排活动如将电视机放在另一处，或用屏风隔起来，减少冲突，以有利于练习。有些小孩不是把音乐放在优先地位，而主要是卡通片，这更要依靠父母的力量来教育孩子认识音乐的重要性，感到学音乐是一个愉快的活动。这一切单靠教师是不行的，因为小孩的生活受到家庭的支配，家庭的影响远远超过教师所作、所说的一切。钢琴教育家说：有三分钟的热情都是值得去练习的。如果说，每天能有十次的“三分钟”，那就更好。 ? 父母们如能清醒认识到最初让小孩学钢琴的目的不是培养演奏家，而是帮助小孩能弹奏优美的音乐，能理解音乐，让小孩顺其自然地发展，这样更能培养孩子对音乐的爱。孩子在演奏中的每一个进步，都与父母积极参与教学密不可分。 ? 愿天下父母和小孩都能分享音乐所带来的快乐。北京童创佳音钢琴艺术研习工作室（转载） 部分家长对孩子选择教师的问题上，存在这样一个误区，不少钢琴教育家对此也深表忧虑。有些家长认为，孩子在初学钢琴时，找个懂点儿钢琴的老师就行了，弹到中级以上水平，再请专业性较强、水平较高的老师来授课。其实这种想法是极端错误的，如果把这种想法付诸实践，会为孩子学钢琴带来相当大的麻烦。 现在家长的盲目，刺激了当前钢琴教育市场的畸形膨胀，许多对钢琴一知半解的人，也跑来滥竽充数。有的钢琴老师，自己只是会弹几首曲子，便打出招牌收学生。教学生时，指指点点夸夸其谈却不做示奏，一年下来，学生也会只弹那么五六首乐曲；也有的老师，只着重辅导孩子考级曲目，纵使孩子能通过级别考试，但基础技能掌握得不全面、不平衡、不扎实，实际演奏能力远远不及考过的级别，孩子的演奏水平，就可能被做成了“夹生饭” 。在钢琴家辈出的俄罗斯，教初学者的老师常常是钢琴界杰出的优秀人才。选择老师时，首先要考虑的是老师的专业资质、音乐素养和师德状态。这位老师自身是否受过正规的钢琴专业训练？程度怎样？综合音乐素质如何？即掌握的音乐基础知识、音乐背景知识如何？是否热爱自己的事业？对专业的态度是否一丝不苟严谨治学？能否善待学生，礼待家长？责任心如何？能否准时、认真地授课？有没有足够的时间和精力对待每一节课？其次，要考虑老师的教学经验，曾培养过学生的情况如何？这位老师的学生，钢琴的弹奏方法是否符合钢琴演奏的基本规律和要求？他（她）的学生在弹奏过程中，是否存在诸多的技术上不规范的问题？学生参加社会钢琴活动的情况如何？等等。再者，还要考虑这位老师是否适合教自己的孩子？老师的性格和心理品质如何？这里包括你和孩子与老师的性格是否相容？老师的教学方法是否适合自己孩子的特点？孩子是否喜欢这位老师？现实的普通中小学的教育中，就普遍存在这样一种情况：不少学生起初喜欢某一学科不是因为这一学科多么有魅力，而是因为喜欢任教的老师，这就是所谓的“亲其师，信其道” 。被知识吸引，而喜欢学某门学科，一般都是在老师引进门之后出现的，这种情况在当前独立意识很强的孩子中，体现得就更加明显一些了。所以，孩子对老师的情感因素也应该在考虑之内。 初学钢琴的孩子，对钢琴艺术还很陌生。在接触新事物的时候，先入为主的作用，往往是表现得十分突出。可以说，最先接触的钢琴老师，留给学生的印象是深刻而持久的，特别是低年龄的儿童，往往表现出很强的“向师性” ，百分之百地持有盲目崇拜的态度，认为老师的指导是绝对的真理，这不像有过学琴经历的人，经过一段时间的学习磨合，已经有了一定的主观见解和取舍能力。所以，如果启蒙老师的专业技术和理论水平较低，不仅不能准确具体、生动形象地解释和回答学生在学习、训练过程中产生的疑惑和问题，还会不可避免地把不规范的演奏方法传授给学生。我们设想，这样会产生怎样的结果呢？一开始就接受了不太正确或错误的东西并形成了习惯的话，是很难纠正过来的。孩子每天练琴，都在重复着错误和偏差，这样就“培养” 了孩子一些相对固定，甚至顽固的错误方法和不良习惯，要纠正他们的这些错误方法和习惯，可以说是相当的困难，经历过的人都知道，最终老师和孩子都要付出巨大的艰辛和代价。有经验的钢琴教师都认为，教这样的孩子，比教一个什么都不会的孩子还要难。因此我们说，跟着不合格的教师学钢琴，只能是越学越糟糕，因为钢琴是技术性很强的学科，不是仅仅靠看书本就可以看得懂、学得会的，就能够演奏了，钢琴学习基本不存在 “无师自通” 的可能，它是需要靠教师的言传身教，准确示范来完成的。因此，教师不仅要掌握相关的音乐知识，还必须具备很强的示范演奏能力。教师的示范弹奏（以后均称为“示奏” ）决不能千篇一律，应该是能够根据不同学生的特点差异，采用适当的方式，专门解决学生在弹奏训练中某一具体问题，也就是说示奏一定要有针对性，学生才能在模仿的基础上，掌握适当的弹奏技巧，经过理解和体会，准确地表达出来，示奏在钢琴教学中的作用是举足轻重的。也可以这样说：没有示奏能力的教师，是没有资格教授钢琴的。有的家长也许这样想，那就找著名的钢琴家做老师。如果有条件，你可以这样选择，但是决不能有这样的观念：演奏水平越高，钢琴一定就教得好。著名钢琴家叶菲姆布朗夫曼说：“年轻人和巨人学习永远是很危险的，差距太大，可能产生误解。 大师未必是好老师，我知道的几个最优秀的老师根本不是演奏家，跟塞尔金这样的人学琴必须有坚强的头脑，能够保卫自己，不然，他可以赞美你，也可以毁了你。塞尔金当然是伟大的音乐家，但是我跟他学时常常被他弄得不知所措，常常听不懂他在说什么不过也有好处，那时我19岁，那种年纪的人最容易自命不凡，的确需要塞尔金这样的人来泼泼冷水，提醒我没什么了不起。再听听著名钢琴家谈自己教学生的理由。美国钢琴家莱昂弗莱舍曾心怀坦荡地说： “我必须说，教学生是为了探索音乐。要我为每一个学生的前途操心， 那我就没法教了。 ” 由此可见，好的钢琴老师不能和优秀钢琴家划等号。所以说好的钢琴教师，不仅在技术训练上高人一筹，而且还要懂得学生，知道如何启发学生，能根据学生的实际状况和已有的学习、生活经历，有针对性地培养学生的音乐感受，就是我们通常说的“乐感” 。好的钢琴老师，在面对抽象静态的音符和其他音乐符号时，善于通过从学生的生活世界、情感世界出发创设学习的情境，给它们注入鲜活的灵性，以“情景” 吸引学生，激发他们的求知欲，激发他们的实践热情，为他们的成长和提高提供攀爬的支架，使学生在愉悦的情境中，在自信的心态下学习和训练，这样无论是识谱、音乐知识的学习和演奏技术的练习，都会有事半功倍的效果。由此可见，为初学钢琴的孩子，选择一位真正内行、具有良好的专业素养，较高师德水平的钢琴老师，显得格外重要。所以，孩子学琴初期选择老师时更应该谨慎，不能草率行事。尽管有些条件限制了我们在请钢琴老师时的选择，但家长一定要有这样的观念：初学者更应该选请一位专业素质高的钢琴教师。学会正确发音-学钢琴的重中之重(2011-07-06 22:08:39) 标签： 北京钢琴教学幼儿钢琴少儿钢琴教育分类： 学琴秘笈 俄罗斯著名钢琴家捏高兹说：“任何钢琴演奏总是以发出的声音、制造出声音为其目的，那么无论你弹的是练习曲还是；艺术作品，弹钢琴必然就是在声音上下功夫，说得更确切些，就是练习声音。”声音的问题既是如此重要，作为一个对学生负责的教师，必须把声音的训练放到一个重要的位置。从长远来看，要使学生成材，必须训练出好的技术，好的声音。作为一个钢琴演奏者，声音的好坏与质量是决定其水平和档次的一个重要标准。一、 从连第一个音开始就要学会“听”：钢琴的入门方法很多。从我国目前情况来看，从断奏入门是被广泛接受和采用的。断奏的开始虽以单音作为元素，一个个音的练习“落下去-手指站住-提起来”。但是问题在于大家同样都在练断奏，练法却有很大的不同。我认为需特别强调的是，练习的正确与否，必须通过声音来检验。学生从练第一个单音段奏开始就要去听，当手指触键，琴槌击弦时，听声音是否充分地发出来了；是否有良好的震动与共鸣；当手指保持在琴键上站立时，耳朵要倾听声音的持续和延长，并要学会辨别好听的声音和不好听的声音。在此基础上，让学会理解到不好听的声音是由于错误的弹法直接造成的。譬如说：敲砸的声音是由于过高过猛地向键盘冲去而造成的；闷暗的声音是因为下键的速度造成的；而挤压的声音是由于在钢琴发声后，手还继续对键盘施加压力而造成的。那么，正确的弹奏应该是手臂放松自然，离键不要太远，用物体自然下落的速度触键，一旦声音发出，手绝对不要在对键施加压力。就是说，这个音应是一触即发的，并且要去掉一切不必要的多余的动作。通过这样的要求，弹出好听的声音应是明亮、宽厚、具有共鸣的。教师应要求学生在一开始就要学会把正确的动作与正确的声音结合起来，懂得听什么和怎么听，这样的开端对以后的钢琴学习会受益无穷。当学生学会听一个一个的单音后、第二步就应从短小的乐曲里去听音与音之间的联系和倾向，听每组音的声音是否均匀，平衡。第三部在开始学习两个音的小连线时，要听两音之间是否声音连起来了，听小连线的第二个音结合重量下落是否在语气上达到了强调。第二个音作为尾音结合重量提起，声音是否比较柔和和委婉并在减弱。第四步，在学习几个音的连线和乐句连线后，则要结合句头、句尾、句中的语气、高矮、强弱等去听乐句的进行。总之，要学会听，要懂得如何去鉴别声音的好坏优劣，这是教师和学生的首要任务。这个概念必须在一开始学钢琴时就建立起来！二、自然重量的运用与调节是良好声音的基础和保证所谓自然重量，首先是指手臂的重量，进而是指对身体部分对重量的补充和结合。在弹奏中如不会使用重量，声音必然就会单薄、浮浅和缺乏表现力。对重量的运用与训练应有一个过程，首先是要学会能把手臂的重量全部放下去，弹出丰满、淳厚的声音。一般在教学中常常提到的“一滩到底”即是指把重量“放入”键盘，不要把重量淤塞在手臂、手腕的某个部位。而重量的调节必须建立在重量能全部自如放下的基础上，根据音乐所需要声音的强弱、厚薄给予键盘重量的变化/如果声音要强，可结合补充身体的力量；如果声音很轻弱，则可把重量控制到最小。譬如说，仅一个手指的重量，也是可以的。但需要特别强调的是，为了声音的通透，不论重量通过指尖“送”到键盘里去。唯有这样才能使最轻的声音清清楚楚地传到音乐厅最后一排观众的耳朵里去。综上所述，我在此提出的重量概念是包括全部的重量棗全部臂重并可加上身体所能补充给手臂的总和；也包括经过调节和控制的，哪怕是最微小的重量。由这样大大小小的重量，经过灵活自然的变化应用，给我们的声音变化提供了极大的可能。三、指尖的触键必须“弹到点”我提出“弹到点”这个说话，是一个触键的概念，我认为这是保证良好音质的必需。从钢琴的发音特点来讲，每个音不论强弱、厚薄都应该有一个最佳的发音点。这个点在触键时应多深多浅，力量应用得多大多小，下键速度应多快多慢都应根据声音的需要来衡定。我们可以肯定的是：无论何种声音都需由槌敲击琴弦才能发出该声音所需要的震动；这种震动一是压不出来，二是声音一旦发出来之后再用力也改变不了。哪怕是再深厚持续的声音也必须在发音的瞬间积聚好力量，使声音尽可能深沉有利地发出来，使其有最好的震动和延续。而在声音延续过程中我们保持情绪，保持手的稳定，保持自然重量继续在琴键上。我们在钢琴上“保持着”，这种感觉是绝对必须的。可是唯独有一点我们不能做到，那就是企图在发音完成后，我们在施加力量去改变这个已发出来的声音！在钢琴上我们只可能在一瞬间把我们所希望和追求的那个声音发好，其后声音延长得是好是差，在发音时就已决定了。所以我认为无论声音强弱，每个音的发音点都应在触键时感觉好。深厚的声音自然应该把琴键弹“深”；果断的声音触键时必须直截了当；歌唱的声音要让琴弦发出最好的共鸣和延长；轻巧的声音则要在触键的过程中找到它合适的位置，千万不要压。总之，我认为弹琴必须“弹到点”，这是符合钢琴这件乐器的特点的。在触键上找到每个音的最佳发音点，能提高手指的控制能力，加强手指触键的精密程度，增加演奏的把握性。而最主要是改善了声音的质量，发出真正符合钢琴特点的“钢琴化”的声音。四、变缺憾为优势当我们听好的歌唱家演唱或优秀的小提琴家演奏时，他（她）们的声音连贯和气息悠长，这是钢琴很难比拟的。的确，钢琴作为键盘乐器，要弹出好的连奏或歌唱性是太不利了。但是好的钢琴家们在钢琴上也能弹出非常动人的歌唱性乐曲，他们演奏出来的“钢琴化”的歌唱可以是如此的迷人。那么诀窍何在呢？在于他们掌握了钢琴这门乐器，充分发挥了钢琴的长处，并巧妙地掩盖了钢琴的弱点。钢琴的弱点在于其声音一旦发出，就只能靠其余震延续，声音很快地减弱。所以就某一个音来说，是不能作出渐强的。同时钢琴的声音只要发出，就不可再修正或改