人像摄影的三做三不作.doc

人像摄影的三做三不作-时尚画意：小身段 魔/SILVIA -人像摄影的三做三不作由于市场细分，现在摄影人分两类：职业的和非职业的。许多网友嘴里面“专业的”三字是对职业摄影师的统称吧，在很多杂志上也看到这种称呼，我一直觉得没这个必要。人像拍的好的并非只有职业人员，许多不是学科出身的摄影人往往拍的更好，其经验并不见得比职业的少。我是职业的，但这并非骄傲的资本，而是动力，需要付出更多的努力以求回报。开始入行的时候就是人像摄影，现在工作室的重点依然是人像，这里不谈什么技术类的东西了，讲下关于人像摄影的心得。一，做美工。做美工的前提是知道什么是美，也就是人像摄影拍摄的出发点，问自己一下：本次拍摄的目的是什么？我要凸现什么样的氛围？这种氛围需要什么样的道具？构图上应该如何配置画面这一步是构置故事大纲，作品的传达意图。这是必不可少的步骤，规划的越严谨，照片的氛围越浓郁，能够打动人的因素越多。当然，做美工也要因地制宜，花大价钱构置道具实不可取，但在能力范围内，把道具配齐，把控场景，做到拍前心里有数。上面这个原则，室内室外通用，在街上或野外看到一个场景，可以是古旧的，可以是苍凉的，奉劝各位，记下来！驻足琢磨下应该怎么用，应该怎样拍，先在脑子里形成一个大纲。在构画画面的同时，还要提前把拍片的目的和模特衣着想一想。不妨扩散下思维，我是要拍纵轴时间点上的某一场景呢，还是要拍横轴地域上的某一空间呢？当这两个点重合时，照片的氛围又是如何呢？当这一切逐渐成形，剩下的就是美工，也就是道具构置，拍摄元素罗列。二，做故事。有了场景有了年代，一个个情节会自动的在脑海中盘旋，需要表现的人物身份和状态会有所凭依，在这一刻，人物是鲜活的，是有生命力的！反观下市场，让人眼前一亮的好的人像照片无不是情景交融的产物，它们背后的故事也让摄影人称道。作故事并非让大家去考古，而是引发画面的兴趣点，单纯的模仿生活是毫无意义的。摄影人应该贴近生活感悟生活的点滴，一个合格的摄影人肯定是一个对生活充满热爱的人。故事可以是矛盾的，可以有哭有笑，有悲有喜，这都要靠摄影师和模特之间的交流，当一个角色在摄影师和模特之间酝酿成熟，引发共鸣时，相信我，这套片子的成功不远了。故事的情节可以是时尚的，也可以是怀旧的，如果大家曾经关注过HELMUT NEWTON的作品，肯定被其刻意安排的情节所震撼，照片中的故事或单人表演，或群体表演，已经不仅仅是时尚的演绎，而是由大小故事构架起来的宏篇。拉住读者驻足的，不再是短暂的因为美好事物的好奇，而是照片独到的氛围。三，做导演。平面瞬态拍摄局限于一隅静态画面，如何使画面产生流动性？如同使人置身其中？在这一点上，摄影不如摄像。但静态画面的传播和动态画面有本质的不同，不必妄自菲薄，静态画面传承的是瞬态，即使曝光2小时，对表现方式来说，还是一张相纸而已。瞬态的摄影离不开平面，所以摄影人应该着力研究下平面美学如果让人在画面中占最大面积，首选三角形，人的身体结构决定了POSS三角形的简便，许多有经验的摄影师让模特摆出双腿微曲，双臂微曲的姿势，就是因为这个姿势符合力学和美学结构。在时尚类拍摄中，这种三角形摆姿可以看到很多。作为最稳定的摆姿模式，摄影师可以在构图中寻求流动感，如斜角构图。另一个原则是主体所占画面的比例，在室外拍摄时，限制因素较少，道具较多，模特所处的位置可以用各种姿势遮瑕，使模特恰恰处于黄金点上不是什么难事。但在棚内拍摄时，模特和室外拍摄一样随意则会毁了整个拍摄，摄影师应当提醒模特，肢体应当占据画面最大面积，以求最佳画质。大部分的拍摄，几个禁忌是不能出现的：手心最好不要对着镜头、手肘不要对着镜头、身体最好不要成一直线。对于服装搭配，一定要和环境协调，可以参考一下电影人物的服饰，一些大片在这一点上做的比摄影人专业，创作人员会绞尽脑汁的配合场景定制服装，哪怕是单纯的模仿电影中的剧照，也会给摄影人带来好处。在拍摄角度上，也建议大家模仿下电影拍摄的手法，登高取更大视域，蹲低取更大空间。摇臂没有，可以站在梯子上。这种拍摄方式会比单纯站立拍摄更有吸引力，所以在对模特发出指令时，需要摄影师对画面有些预估，拍摄结果会给大家带来惊喜。好的视角有时会决定一幅摄影作品的成败。或许大家以为，拍前做这三项工作是根本没有意义的事情，只需要把照片拍清晰，拍的使客户满意就行了，其实对摄影人来说，这只是最最初步的要求。照片的引申义更加重要，使人像摄影作品不必靠时间磨亮光辉，靠的就是不起眼的几个小步骤。单纯的个人人像照片是不是要遵循以上原则呢？要做，而且要做的更加细致，如果要表现模特生活中的状态，那必须和模特进行沟通，知道她最喜爱的，最厌恶的，单纯的聊天可使彼此的隔阂消除。在镜头前，模特的压力大于摄影师，所以消除紧张感是必须的。三不作一、不作秀。很多作品是模特直视镜头的，在现实论的概念里，直视镜头的眼神最重要。这些照片给人的震撼是难以言表的，照片中的人们可以通过眼神传达内心的感想，在直视一双双眼睛时，读者往往会被震撼。这种拍摄方式在拍人文题材时往往会起到出其不意的效果，眼神或沧桑或迷惑或羞涩，相信大家看过很多农村题材的照片，也看过一些好莱坞明星的个人照片，那些直视的眼神在传达的是人物内心的表白。这就要求摄影师能够把控片场的气氛，能够使模特放下包袱，把内心的真实状态通过肢体和眼神传达出来。摄影师不能作秀，为赋新词强说愁的做法实不可取，打个比方，一个90年代的小姑娘，在没有了解朋克文化时，摄影师强求一种形似片子的失败是肯定的，并非任何人都认同朋克一族，强求这种视觉效果反而会适得其反。不能作秀的另外一个意思就是自己先理解拍摄的主题，不可不懂装懂，在模特面前丢面子是小事，拍摄失败是更不能容忍的事情。还原本真，适合的模特表演适合的角色，这是靠发掘，不能生搬硬套。二、不作伪。将人像照片PS的更加完美，是每个摄影师的必修课。在PS的过程中会运用很多的桌面图形编辑系统进行操作，这一步是在还原客户的梦想。如果让一位商业摄影师放弃PS，那无疑是让人家丢掉饭碗。这里的不作伪不是在说PS，说的是摄影师的本身，学习一种风格成熟的摄影作品是无可厚非的，在桌面系统软件的帮助下，每个人都有可能成为大师，捷径是没有的。一个成功的摄影师取得的成就无不是靠辛勤的汗水换来。剽窃一位摄影师的创意变得如此简便，甚至直接剽窃摄影师的作品，这种事让人心寒，许多事例就在我们身边，就不一一列举。对于拍摄人像的摄影人来说，不作伪显得尤为重要，有时候某种风格会出现两个或更多的摄影师，这是无可厚非的。但坚持自己的风格，并使之能够焕发活力，这是不是更加好一些？符合自己心意的风格，健康的创作态度，这是对摄影人最最重要的东西。提倡原创性并非任何参考都不能用，实际上很多创意元素被利用了无数次，如婚纱、红五星、绿军装和红肩章等。摄影元素可以重复，创意不可重复，和别人的重合，哪怕对方是位大师，也不值得沾沾自喜。关注下周围的人们，生活里的时尚元素和故事元素多的不胜枚举，原创性的照片才是真正有价值的。不必作伪，忠实于自己等同于忠实于别人。三、不作废将自己的想法付诸实施有时会遇到很多问题，在难关面前退而求其次，这是每个摄影人都会碰到的问题。我的办法是：把这个想法继续深化并寻求一切可能进行下去。毅力和信心在这个行当中是一比一的关系，拍摄人像与拍摄其他题材是一样的，摄影师付出的越多，得到的成就就会越大。这貌似是句空话，但当您沉浸在器材所带来的喜悦中时，对摄影技术和后期水平的提高是否越来越远了呢？拍摄不好怪器材，是每个摄影人早期都会有的心态，而实际的拍摄时用何种焦段来表现人像摸不到头脑。办法是：固定于某一焦段，努力适应这个焦段带来的视觉冲击，每个焦段的作用都是不同的，这种研究方式对初学者是很必要的，跑腿的同时，对这一焦段的理解会慢慢的理解：配合不同的光圈，不同的距离，获得不同的景深，这种在实际操作中获得的经验比死记硬背要来的实际些。另外一种心态是退堂鼓，总觉得拍摄计划漏洞百出，可又无法把漏洞补齐。最后拍摄的照片变成纯纪念式的留念照。每个喜欢人像的摄影人都碰到过这个问题，当看着一堆废片回想自己的拍摄创意时，哪个更加重要？是时间还是坚持？在这时，浪费时间的，恰恰是这个看似重要的拍摄过程。明知不可为而为，这是愚夫，但明知可为而不为，这是什么？和是否职业没有关系，和玩耍的心态有关系，在不尊重一个行业的情况下，梦想靠玩耍提高摄影的修养和技术，这根本不可能。摄影爱好者如同雨后春笋，但其中崭露头角的，无不是坚持的强者。作为一个摄影人，无论是发烧友和从业者，都是其中的一员。请把关注的目光从器材上挪开些，回到原点来，关注下自己作品的含金量，难道这是无的放矢的事么？创作态度越严谨，掌握的美学知识越多，赏片能力和摄制把控能力越强，PS的精准度也会越高。这是一个必须的过程，把主观的意识传达出去，比单纯的一张清晰照片更加有意义。心情偶语：貂蝉之碎花吟 魔/辣子 特意请貂蝉剧组的化妆师整的，包括服装，据称有考古学者认定：）画意怀古：貂蝉之碎花吟 对影三人 魔/辣子 公安同志 VIVA 画意怀古：貂蝉之琴瑟 魔/辣子 公安同志 画意怀古：貂蝉之钩子 魔/辣子 VIVA 历史上的高艺术摄影，主要指的是以英国摄影家所建立的早期受绘画中的拉斐尔前派影响的摄影流派，在1850年至1870年之间达到顶峰，画意摄影流派产生于19世纪80年代，到20世纪20-30年代早期终止。这一流派的产生主要是想打破高艺术派摄影家保守派的一统天下，主张各类艺术家要表现自己的个性和才华，不依附于刻板的传统模式。从表面上看，画意摄影流派也是强调美感比题材本身更重要。强调画面中的影调、线条、平衡等因素的重要性超过画面的现实意义，同时，为了表现美的效果，一切世俗和丑陋的题材都要避免出现。然而，和高艺术摄影的一个明显的区别是，画意摄影流派已经很少采用类似拼贴、叠合等方式产生类似绘画的效果，而是强调通过直接的拍摄或采用特殊工艺的制作手法，产生画意效果。比如为了消除和避免画面中不必要的细节，通常使用模糊清晰度和控制影调等方法来加以消除，因此获得了许多摄影艺术家的赞同。有趣的是，当制造商们煞费苦心，急于提高镜头的分辨北和干版记录细节的能力，改进印制照片的方法时，画意摄影流派的摄影家们却在力求达到相反的效果，比如有的摄影家在拍摄前，先把纹理很粗的干版表面曝光一会儿，以减少画面中的逼真效果。有的则在拍摄时采用针孔成像原理，或是干脆在拍摄时摇动三脚架，让画面产生轻微的模糊、柔化效果。当时的画意摄影流派的摄影家还很喜欢采用一种白金印相法（铂盐印制法），这种产生于1883年的方法不用传统的明胶，而是涂着一层感光剂和铂盐，它感光非常慢，加一些甘油就能在印相时对局部影调进行控制，而且画面影调丰富，没有表面光泽，非常适合印制在纤维纸上，产生合适的画意效果。比如当时的英国摄影家弗雷德里克伊文思（Frederick Evans， 1853-1943）就擅长这一印相法，并把这一方式看作是摄影艺术的最基本组成部分。后来，由于战争引起了白金奇缺和价格飞涨，在1916年，铂盐相纸停止生产，伊文思的信心因此受到打击，一度和其他几位摄影家放弃了摄影工作。同时引起画意摄影家兴趣的印相法还有碳素印相法、油彩印相法等，都在不同程度上推进取画意摄影的发展。除了制作工艺外，一些画意摄影流派的摄影家还不断从新的绘画流派中汲取养料，比如法国的印象派等。在19世纪末，日本艺术开始传入西方，它那奇特的构图和稳固而生动的形状结构，对西方艺术家产生了很大影响，他们在拍摄过程中精心使用光线和控制曝光，力求达到和日本绘画相似的效果。比如深受其影响的美国摄影家费雷德里克霍兰戴（Frederick Holland Day， 1864-1933），就是首先建议将摄影视为一种精美艺术的唯美主义者的倡导人之一，也是画意摄影流派的早期领导人。戴是一位杰出的人象摄影家、画家以及技艺高超的装潢、装帧和照片制作家，他拍摄的一些耶稣十字架等画面曾经引起争议，并一度与摄影分裂主义的领袖施蒂格利兹竞争，以画意摄影运动的代言人活跃于摄影界。可惜的是，1904年，一场大火焚烧了他的数千张照片、底片和素描，使他一蹶不振，退出了摄影界。安啦，上面的摘文只是胶片时代的英雄现在还是说说数码好了玩摄影的确越来越容易，吧嗒一下就是一张高清晰的片儿科技带来的后果就是拍摄越容易表现越困难一张得到好评的片子肯定是万里选一的好像在一堆石头里挑一颗珍珠一个样半年前开始接触画意派摄影的学说不可否认有一见如故的感觉可数码时代给俺出了个难题俺再没机会把胶片往地上踩弄出肌理感也不大有机会专门挑日子去意大利拍夕阳边上的斜塔大伙儿都知道现在的主流是啥俺就不多说啦PS你真正尊重她的时候就是她回报你的时候最近的一系列商业片接拍整的俺喘不过气来还得抽空整点美人照就说拍洋山港的时候碰巧大雾不想错有错着，整了一套仙境般的码头照后期下，感觉不赖还能交差画意十足的片子要么碰巧要么后期没别的办法俺认为画意的真正灵魂不是质感而是创意创意的核心是感动一种视觉的美在你眼前你可能打一激灵咋回事？你被感染了，被感动了，被拽到画面里了拍出这样的片子感染所有人调动大伙的情绪尝试着表达某种主观意识气氛和情绪溶解在画面里照片成为表达情绪的载体这就是俺想做的尝试拍商业片越多越要这样做把时间多花在构思上别花在机器上闲言碎语到这为止目的：说观念。宗旨：求同道。前提：交朋友。目标：能突破。很多时候，拍照者不知道为何而拍，被摄者不知道为何而摄至少俺一开始是这样的翻起原来的照片，又回头看了看以前的作品，心里甭提多郁闷了写点心里话，希望大家别走俺的老路。第一种情况：刚买了相机，心里激动，套上头子就兴冲冲，咣咣的一个劲掐快门，恐怕别人不知道自己有个机器，狠不能脑门上写仨字摄影师。这个阶段是亮搔期，不求有作品，但求有骚头，呵呵过了俩仨月，感觉不够骚了，去买，买更大的，买更猛的，买能镇住小丫头片子的，买能四座皆惊的。如此，折腾到没钱为止，所谓败家正是如此。偶的建议是：买你需要的承受范围内的最好的器材，人像头就那么几只，犯不上全要。等你把这只头琢磨透了，其他的头子也就理解了以尼康85MM/F1.4为例，偶一开始就是它，其他的偶也知道，就是不碰，玩了仨月，才刚刚理解所谓人像头的奥义：人像头的光学素质和操作性能无疑是最适合初学者的！第一，人像头的大光圈保证你在大部分光线情况下发挥自如第二，长焦段让你不由自主的把构图放在第一位，并远离被摄者第三，所谓人像头不过是统称，在合理的构图下，拍出一系列牛片是理所当然的第四，用过人像头，再买镜头时，比的是光学质量，不会再比什么亮骚啥的第五，省钱了你把狗头抛出去损的钱要比牛头更新换代损的钱更不值今儿先写这么些，明天再说，呵呵前头有波折，有激昂，还有瓶颈最烦人就是瓶颈祝各位不停进步，别跟俺似的整天磕拌摄影这玩意不是一天两天的事儿，大伙帮衬着点此贴不谈技术，只讲感觉，只讲观念，只讲潮流，也欢迎大家进行讨论，进行论证高手越来越多，此地是俺光圈儿的福地，也是学习提高的学府，先进的，另类的，前卫的都有。人像一生拍摄不完的课题，搞到现在，偏偏越来越不会搞，越来越惶惑如果说相机是表达观念的工具，观念则是表达主观意识的手段，可能这就是风格的界定吧解放自己的固有观念，突破些，再突破些，着急啊估计大家伙儿都是这个心思，俺的窍门是：睡大觉去。睡完构思个剧本，虚拟几个人物，表现一种矛盾，如警察与小偷，如绝地孤城，如碧海孤帆接下来是创意发想谁说摄影不要创意的？那么大家就琢磨啦，不就拍照么，不就拍美人么，不就靠灯光么。俺也曾经这么想的，可技术就那么几个花生米，你把它吃了就没了，接下来还想喝点儿俺现在就想喝点，醉了都成，玩个醉里挑灯看美人如何？时尚英文叫FASHION，这词现在特滥，但俺还想抓个尾巴时尚也是观念大观念。表现方式视觉元素，平面构成，古今对比，生活方式，情绪演绎等等那种都能诠释所谓的时尚观念，咋整？俺得说，这种观念都是唬人的，骗人的那位说了，你不是要抓尾巴么，不是拍时尚么？呵呵，还甭急，当你理解了30年代的美人为啥穿旗袍，当你理解了现代美人为啥都穿超短裙当你理解了麦当劳为啥存在，你就知道时尚是啥了随大流呗，即使您老不承认，还是随大流了这玩意就是时尚牛仔裤上的洞洞越来越多随大流。满口网络语言随大流。满大街黄发黑发随大流。满大街同牌服饰随大流。随便哪一事物，您能找出不随大流的么？俺觉的这些都不是时尚，或者说，成为某一品牌的奴隶，即使自认为是时尚的，也不是另一群体眼里的时尚俺所谓的时尚不是名牌满身，但合适到位，专属你自己个的没品牌还没听说查理王子的西装是啥品牌呢，呵呵摄影也是这个理，抛弃那些教条，抛弃品牌似的吆喝，突破出去，玩儿呗。这是俺认为的时尚，您呢？相机最近喜欢上一个6*9片幅的小家伙，名叫Alpa，用Leaf后背拍的片子，牛，真牛。还是以后再说，现在还是135 比较好，好用啊CN之战对摄影群体来说并不陌生，但为这个吵来吵去有啥意思？大家见到过云南竹筷子和四川竹筷子较劲么？专业很反感这个词，因为很多自称专业的人在拍烂片，还有一些自称专业的在骗人，在骗业务，看过一些职业的片子，烂的很。俺同意RAY的说法：职业的不一定专业，嘿嘿说远啦，那么职业的人像摄影师就得学习PS么答案绝对肯定！原因是你得防身啊，否则眼睁睁看着别人点钞票玩，自己的活儿一溜烟的飞跑了，郁闷不？受伤的不止自尊，还有钱包啊各位。悟道悟道，还没悟到啥，倒觉得拍的无所适从啦，一张烂片子在手里，PS的确可以起死回生，但你在PS上下的功夫越大，离实际的摄影越远！胶片摄影始终是光的游戏和暗房的游戏那始终是小众的好玩事儿而数码呢，在无数人拥有电脑的情况下，数码则使每个人都有可能成为大师反对PS的，别在俺这炸刺儿，您始终有反对的理由，俺也有坚持的原则并且，俺对于那些从不PS照片的敬业者，抱有最真诚的尊重不用PS就能拍出感人的作品，那是需要多深的功底啊！不是客气话儿，俺的老师SHUTTER就是这样的牛人如果你念念不忘白平衡对影像的影响，跳不出来，那算了白平衡是为了更准确的反映现实颜色的定义，相机拍出的颜色尽量能和咱们的肉眼靠近