设计到底是什么.doc

设计到底是什么？设计到底是什么，每一位设计师都在不停的寻找答案。设计是把一种计划、规划、设想通过视觉的形式传达出来的活动过程。人类通过劳动改造世界，创造文明，创造物质财富和精神财富，而最基础、最主要的创造活动是造物。设计便是造物活动进行预先的计划，可以把任何造物活动的计划技术和计划过程理解为设计。随着现代科技的发展、知识社会的到来、创新形态的改变，设计也正由专业设计师的工作向更广泛的用户参与演变，以用户为中心的、用户参与的创新设计日益受到关注，以用户体验为核心的设计的创新设计模式正在逐步形成。创新设计不仅仅通过视觉的形式传达出来，还会通过听觉、嗅觉、触觉传达出来营造一定感官感受。最简单的关于设计的定义、就是一种“有目的的创作行为”。日本的原研哉说，“设计，就是通过创作与交流来认识我们生活在其中的世界。好的认识和发现，会让我们感到喜悦和骄傲。”设计与艺术的区别黑格尔在他的艺术的目的一文提出“激发情绪说”。艺术家的任务与目的就在把一切在人类心灵中占地位的东西都拿提供给我们的感觉、情感和灵感。以上关于黑格尔对艺术目的定义是广泛被艺术家认可的。但是设计并非如此，没有一个设计师会说设计也是摹仿自然。从商业目的来说，设计将一些商业信息与理念传达给受众，使受众对这个产品或商业活动产生兴趣，最终起到传播的作用。那么设计师要解决的，是如何将商业的目的有效的传达给受众，并且促使受众主动的去接受。设计要考虑到的问题最少具备以下几点：一、了解商业的计划与目的，并从中寻找到能吸引受众的关键因素。很多时候，设计师要创造这样的因素。二、了解商业计划针对的群体，掌握他们的生活习惯、文化修养、认知力及审美。此点是设计中最重要的部分。三、根据以上二条确定用什么样的图形元素与表现手法（设计理念）来完成设计。从这里可以得出，设计的过程是建立在人类的文化概念上，并且使用这种文化概念来表现商业的价值，而不是像绘画艺术那样摹仿自然，是艺术家内心界的再现。设计师所运用的文化概念是不可以超出“普遍性”性要求。受众在这里是最主要的对向。而艺术家不同，他们完全不必考虑这些，尽管以自己的意识去描绘他眼中的自然，这完全是个人化的行为。艺术家的作品是挂在墙上在那里等着别人来欣赏与认可。而设计作品是送到受众的手上“要求”得到欣赏与认可。我们还可从动机上来区分艺术与设计的不同。真正的艺术家在从事创作的时候不需要、也不可以去考虑他的艺术作品以后处于什么样的处境，其次的他的行为不存在委托人，完全是出于自己精神上的需要。关于这点我们可以从凡高、高更等一批艺术家身上了解到。尽管凡高也期望他的画能够卖个好价钱，但他并没以此为主要目的。否则，他完可以跟着当时的流行时尚去画那些具有经济效益的画。但是他没有这样做，这是他的伟大之处。与艺术不同的是，商业设计是有委托人的。设计师必须考虑到他的设计能够为商家带来一定的效益，也必须考虑他的作品是否能够被受众接受，设计师在设计活动中扮演着一个次要的角色，受众才是最重要的。他表现的不是自己的主观意念，而是商业目的与受众的普遍性审美趣向。当这种目的无法达到，这种设计便失败了。从时间上来说，艺术作品所具有的生命力是我们无法评估与想象的。我们不知道达芬奇的蒙娜丽莎与凡高的向日葵什么时候会被人遗忘。王羲之的兰亭序直到现在还被书法爱好者视为至宝，而它却是一千多年前的艺术作品。与此相反，设计作品在达到目的后很快就被丢弃了，这个时间有可能短到几分钟。即使是一个企业的标志，也会随着企业的倒闭、分解而失去意义最终被丢弃。尽管有些设计作品印在书籍中出版得以较长时间的保存，但这里它转化为一种设计文化，而不是商业目的。艺术作品只所能被人类视为珍宝，最重要的原因在于，艺术作品是唯一的，不可复制的。如果大批量的复制只能成为商品摆在小画廊及地摊上，艺术作品原本的魅力荡然无存。本质上来说，商业设计在绝多大数的时候只是设计师用来谋生的手段，仅仅是一种工作，而非理想。当那些极少数设计师把设计当作一种理想时，设计的本质在他里改变了偏重于艺术与自我表现，这与商业设计的本质是背道而驰的。同时，设计也不可能像艺术那样，利用它所具有的魅力促使一个人舍弃一切为之献身。高更在从事绘画以前是一个证券经济人，在当时来说这一个相当不错的工作，有着较为丰厚的收入，完全可保证自己与家人过幸福的生活。可是为了艺术，高更放弃了这一职业，连同妻子儿女也抛弃了，二十年来对他们的命运漠不关心。，而高更自己也一直过着穷困潦倒的生活。为了艺术，高更选择了做一个不合格的丈夫与父亲。与此相反，现实中的许多设计师在这个行业得不到较好经济保障时，往往选择改行。或者只要可以得到更好的职业，也往往抛弃设计。现代设计的产生19世纪中叶，英国发生工业革命，机械化大生产给经济带来了活力，代表人类创作力精华的手工艺品被机械制品简单而肤浅的模仿了。不过机械化程度的落后让这些产品的造型不具备足够的美感，虽然生产速度惊人，但是出现的是大量的粗糙的产品。社会思想家约翰拉斯金和威廉莫里斯呼吁为那个失去节制的急促时代敲响警钟，让人们的审美意识不至于为工业机制所压制，现代设计的概念由此产生。设计进化论伴随工业革命的开始，近代都市的出现，人类社会迎来了标准化、机械化的大批量生产时代，这也迫使设计从制造业中分离出来，成为一种独立的职业。传统手工业时代的作坊主和工匠既是设计者又是制作者，甚至还是销售者和使用者。就拿中国传统的古玩来说，是没有专门的设计者来设计的，只是工匠在师傅传授和长期实践的基础上自行创作的。工业革命后，从制造业中独立出来的设计，经过再分工，形成造型与功能设计两部分。设计师担任外观设计，而产品的内在功能则由工程师负责。设计在后来的发展中逐渐成为了一门专门的学科。1877年，摄影技术发明后，人类社会进入到了一个大量复制时代。摄影对现实生活的逼真记录给传统写实主义艺术家们莫大的刺激和打击。为了摆脱传统写实主义手法的束缚，艺术家们奋力开创出现代派美术。从塞尚的艺术创作中，可以洞察画家放弃了对自然的完全模仿，他的作品几乎包含了20世纪所有的现代艺术要素。现代派美术的出现影响到艺术设计，使设计开始从传统走向近代，现代艺术设计概念也同时诞生。现代艺术设计的起源始于19世纪末，即英国工艺美术运动；从19世纪末到第一次世界大战则为现代设计的准备期；第一、二次世界大战之间的机械化时代是现代设计的青春期，它与现代都市共同发展，在经历了1929年的世界经济大萧条的洗礼后，现代设计更加合理化，并走向成熟。20世纪80年代，设计界出现了“后现代主义”这个词，代表设计进入了一个新时期。技术的进步固然能为设计带来新的天地，但设计师已经开始意识到另外一点，那就是在我们熟悉的日常生活中也蕴涵着无数设计的可能，并不是仅仅只有制造出新奇的东西才是设计，把熟悉的东西当成未知的领域再度开发也同样具有创造性。（塞尚的作品现在看上去可能感觉简单粗糙，关键点在于他放弃了自己本身长期训练后极强的写实能力，放弃当时已经成熟的风格，开宗立派。上次开编辑沙龙的时候，阮老师曾经提到，不知道毕加索是不是会画素描。其实毕加索的素描功底非常扎实，毅然放弃才更上一层楼的。）设计的流派 新古典主义新古典是指资本主义初期最先出现在文化上的一种思潮，在建筑和设计史上指18世纪60年代开始在欧美盛行的古典形式。18世纪前的欧洲，巴洛克和洛可可风格盛行一时，其繁琐的装饰与贵金属的镶嵌逐渐引起了人们的厌恶。（比如说中国，家具设计的最高点是明清两代。两个朝代都有物质极大繁荣的阶段，并以此为基础发展出了自己的风格。明朝家具设计简洁、造型优美典雅，清朝家具工艺讲究、技巧繁杂。但是从现代人的审美来看，简洁大气的明朝家具略胜清朝家具一筹，因为长期看复杂的设计，容易让人产生视觉疲劳。明朝家具的代表是交椅和圈椅。这两种家具的外形设计上遵循中国自古的哲学传统“天圆地方”，使用功能上表现为让人坐得不舒服，直腰，从而让使用者显得威严大气。）在探求新的设计风格的过程中，希腊、罗马的古典建筑成了当时的创作源泉。1750年，罗马庞贝遗址被发掘，在欧洲引起了研究古典艺术的热潮，人们认识到古典艺术质量远远超过巴洛克与洛可可，促成了新古典的产生与流行。新古典追求古典风格和简洁、典雅、节制的品质以及“高贵的纯朴和壮穆的宏伟”，其特点是放弃了洛可可过分矫饰的曲线和华丽的装饰，追求合理的结构和简洁的形式，构件和细部装饰喜用古典建筑式的部件。英国新古典家具的成就很大，其中涌现了一大批优秀的设计师，他们长于设计朴素、实用的形式，设计出来的产品成为了现代家具设计的代表。风格派荷兰现代主义设计运动，产生于20世纪初，是早期国际现代主义设计运动的重要组成部分。风格派本源于荷兰绘画艺术风格，但它对设计界的影响巨大，设计界的风格派被看做是现代主义设计中的重要表现形态之一。因风格派创始人、画家蒙德里安曾以“新造型主义”（Neo-plasticism）为题发表论文，以新造型主义来形容其创作风格，故人们又把风格派称为新造型主义。对于设计界来说，新造型主义这一名称尤为贴切。风格派主张从理性出发，用抽象的几何结构来表达宇审和自然的普遍的和谐与秩序，探索被事物的外貌所掩盖的规律，这些规律表现了科学理论、机械生产和现代城市的本质和节奏。包豪斯主义1919年4月1日在德国魏马成立的一所设计学院，是世界上第一所为培养现代设计人才而建立的学院。虽然仅存14年，但对德国乃至世界的现代设计及其教育的影响不可估量。它在理论和实践上奠定了现代设计教育体系，培养出大批优秀的设计人才，成为20世纪初欧洲现代主义设计运动的发源地。格罗佩乌斯把德文的建筑（bau）和房子（haus）两词合一而创造了“Bauhaus”（包豪斯），含意是新型的建筑设计体系，但其设计教育内容包括了以建筑为中心的所有工业设计。格罗佩乌斯亲自拟定了包豪斯宣言，确定其设计宗旨“艺术与技术的统一”。包豪斯在实践中探索，确立了现代设计的基本观点和教育方向：设计的目的是人而不是产品。设计必须遵循客观、自然的法则。其教育体系、设计理论与设计风格在实践中逐渐成熟、完善。包豪斯是现代设计的摇篮，其所提倡和实践的功能化、理性化和单纯、简洁、以几何造型为主的工业化设计风格，被视为现代主义设计的经典风格，对20世纪的设计产生了不可磨灭的影响。包豪斯虽然出现在建筑设计领域，但是它的辐射影响非常广，尤其在平面设计领域和版面设计领域，包豪斯的理念解决了之前长期无法理清的构成原理。简单的说，就是包豪斯风格的平面设计追求机械的几何秩序，对文字、色彩、图形的处理均体现了理性的原则，在编排上具有严谨的骨骼特征。在这个基础上，网格构成在20世纪50年代被完善了。网格构成是现在版面设计最重要的基础修养之一。作为一种行之有效的版面设计形式法则，它将构成主义和秩序的概念引入到设计之中，使得所有的设计元素字休、图片以及点、线、面之间的协调一致成为可能。网格构成设计特别强调比例感、秩序感、整体感、时代感和严密感，创造了一种简洁、朴实的版面艺术表现风格，曾对西文现代平面设计产生过广泛影响。随着版面设计的电脑化进程，网格构成设计越来越受到设计界的重视，已成为艺术院校平面设计的必修教程。流线型风格流线型原是空气动力学名词，用来描述表面圆滑、线条流畅的物体形状，这种形状能减少物体在高速运动时的风阻。但在工业设计中，它却成了一种象征速度和时代精神的造型语言而广为流传，不但发展成了一种时尚的汽车美学，而且还渗入到家用产品的领域中，影响了从电熨斗、烤面包机到电冰箱等的外观设计，并形成为20世纪3040年代最流行的产品风格。流线型作为一种风格是独特的，它主要源于科学研究和工业生产的条件而不是美学理论。新时代需要新形式、新的象征，与现代主义刻板的几何形式语言相比，流线型的有机形态毕竟易于理解和接受，这也是它得以广为流行的重要原因之一。美国的商业性设计商业性设计是20世纪四五十年代一个颇具影响力的设计流派。由于工业设计作为一种社会上公认的职业起源于美国，它是20世纪二三十年代激烈商品竞争的产物，因而一开始就带有浓厚的商业气息，而美国也因此成为了该流派的的典型代表。商业性设计的本质是形式主义的，它在设计中强调形式第一，功能第二。设计师们为了促进商品销售，增加经济效益，不断花样翻新，以流行的时尚来博得消费者的青睐，美国商业性设计的核心是“有计划的商品废止制”，即通过人为的方式使产品在较短时间内失效，从而迫使消费者不断地购买新产品。最能体现商业性设计的是当时的汽车设计，不仅如此，它也影响到了工业设计的其他领域。尽管其设计宗旨与现代主义的信条相背离的，但它在设计史中却占有不容忽略的地位。现代主义设计运动以工业设计为主的现代设计革新运动于20世纪初至30年代席卷欧美。它是在现代科学技术革命的推动下展开的，以大工业生产为基础并服务于整个工业社会，其所设计的简洁、质朴、实用、方便的全新产品，确立了现代主义设计的形式与风格，标志着产品设计进入现代工业化设计的时代。20世纪30年代初，由于经济不景气和德国纳粹政权的压制，现代主义设计开始在欧洲衰弱。1937年后，随着包豪斯大批精英移居美国，使欧洲现代主义设计风格融入美国设计体系，在美国雄厚的经济实力的依托下，现代主义设计运动以美国为中心继续开展，形成国际现代主义设计风格。二战后直到70年代，国际现代主义设计思想、原则和风格影响了整个世界。20世纪80年代，后现代主义艺术和设计思潮兴起，但现代主义的许多设计原则仍然适用，并将随着时代的发展，成为世界设计传统精华的一部分。有机现代主义有机现代主义是二战后到20世纪60年代，流行于斯堪的纳维亚国家、美国和意大利等国的一种现代设计风格，它是对现代主义的继承和发展。这种风格在造型常常体现出“有机”的自由形态，而不是刻板、冰冷的几何形，无论是在生理还是心理上给使用者以舒适的感受，而与此同时这些有机造型的设计往往又适合于大规模生产。这标志着现代主义的发展已突破了正统的包豪斯风格而开始走向“软化”。这种“软化”趋势是与斯堪的纳维设计联系在一起的，被称为“有机现代主义”。后现代主义设计兴起于20世纪60年代末、70年代初，是后工业社会、信息社会的产物。它发端于建筑设计并影响到其他设计领域，在设计宗旨、风格等方面向现代主义设计提出挑战。20世纪60年代，西方进入“丰裕社会”时代，人们的消费观念从讲究结实耐用转向求新求异。现代主义设计风格长期以单调、沉闷、冷漠的形式充斥城市，使人们渴望出现变化。随着经济发展，形式单调的产品已不能适应多元化市场的需求和商业竞争。后现代主义设计遂应运而生。后现代主义反对杰出的现代主义设计大师凡德洛的“少即多”的设计原则，并提出“少即烦”的观点，认为设计不仅要实现功能要求，还必须使形式表现出丰富的视觉效果，满足消费者日益精致和多元化的审美需求，其设计风格的总体特征，是重视形式、强调装饰。企图把良好的功能、科学的结构和古希腊罗马样式、哥特样式以及巴洛克、洛可可或维多利亚等各种经典样式的装饰细节相结合，追求独特艺术韵味和设计个性，并面向不同的文化群体与层面，从中汲取营养、激发创作灵感。波普设计运动一场风格前卫而又面向大众的设计运动，20世纪60年代兴起于英国并波及欧美。波普一词源于英语的“Popular”，有大众化、通俗、流行之意。它反映了当时西方社会中成长起来的青年一代的文化观、消费观及其反传统的思想意识和审美趣味。它受到美国20世纪50年代大众文化和20世纪60年代波普美术的影响，认为艺术不应仅供少数人享用，而应走向普通大众，进入每一个人的生活。因此要打破艺术与生活的界线，打破一切传统的审美观念。波普设计打破了二战后工业设计局限于现代国际主义风格的过于严肃、冷漠、单一的面貌，代之以诙谐、富于人性和多元化的设计，它是对现代主义设计风格的具有戏谑性的挑战。设计师在室内、日用品、家具、服饰和平面设计等方面的设计上，进行了大胆的探索和创新，表现出前所未有的形式：夸张、奇异、富于想像力的造型;色彩单纯、鲜艳;材料多选用塑料或廉价的纤维板、陶瓷等。其设计挣脱了一切传统束缚，具有鲜明的时代特征。其市场目标是青少年群体，迎合了现代青年的桀傲不羁、玩世不恭的生活态度及其标新求异、用毕即弃的消费心态。波普设计运动的代表人物和作品，在时装界有：英国的玛丽奎特所设计的迷你裙，在全世界风靡十几年;法国的古亥热的宇宙服，表现出最新科技观念而使当代人惊喜。家具设计有：科兰的廉价、鲜艳、奇异的家具，深受青少年欢迎;穆多什以英文字母为装饰图案的纤维板椅子和罗杰丁的如玩具般的吹塑椅子，都极受欧洲消费者青睐。在包装、书籍装帧、广告等平面设计上，也都出现了醒目的波普风格。装饰艺术运动19世纪20至30年代的欧美设计革新运动。在大工业迅速发展、商业日益繁荣的形势推动下，欧美的工业设计逐渐走向成熟。仍然经常留恋手工业生产的新艺术设