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合唱队特色教材第一节 乐理基础知识（一）音及音高(1)音如何产生，具有哪些性质？音由发音体振动而产生，根据振动规则与否分为乐音和噪音。音具有高低、长短、强弱和音色四种性质，它们分别取决于振动频率的大小、振动时间的长短、振幅如何以及发音体的材质、发音方法和泛音的多少。(2)什么是基本音级和变化音级？音名是音的名称，其读法就是该音名的唱名。乐音体系中具有独立名称的音级是基本音级，它与钢琴白键所发出的音相一致，名称用字母和唱名两种方式标记。在基本符号上面加一个小圆点，表示将该音声高一个音组。在基本符号下面加一个小圆点，表示将该音声降低一个音组。 依次类推，加两个小圆点就表示升高两个音组或降低两个音组。两个音之间的距离叫做音程，单位为“度”。1-1为一度，1-2为二度，依次类推1-5为五度，1-6为六度，1-7为七度。把八度内的音分为频率均等的十二个音叫做十二平均律。半音为十二平均律的最小单位，两个半音构成一个全音。除3-4和7到高音1为半音外其它为全音关系。同一小节的音如果没有碰到还原记号的，一律是和原来的升高还是降低的音一样。音的时值：不同的音符代表不同的长度。音符有以下几种：全音符、二分音符、四分音符、八分音符、十六分音符、三十二分音符、六十四分音符。“时值”就是音长。音没有加短横线的为1/4音符，在后加叫短横线为增时线，每加一条表示增加原时值的2倍，加一条为1/2音符，加两条为全音符。在下面加横短线为减时线。每加一条缩短原时值的1/2，加一条为1/8音符，加两条为1/16音符。（一）全音符 这个空心的白色音符叫“全音符”。它是音符家族的老大哥，其他音符的时值都比它短，而且要以它为准。依次分为两半。 （二）二分音符 这个长着身子（学名叫符干）的白色音符叫“二分音符”。它只有全音符的一半长，（它等于全音符1/2的时值）（三）四分音符 这个黑脸的音符叫“四分音符”。它比二分音符又小一半。（它等于全音符1/4的时值） （四）八分音符 这个黑脸的音符长出了尾巴，它叫“八分音符”它比四分音符还小一半。（它等于全音符1/8的时值） （五）十六分音符 这个黑脸的音符长着两条尾巴，它叫“十六分音符”。它比八分音符还要小一半。（它等于全音符1/16的时值）（六）三十二分音符 这个有着三个尾巴的音符叫“三十二分音符”。它比十六分音符又少一半。（它等于全音符1/32的时值） （七）六十四分音符 长着四个尾巴的黑色音符名叫“六十四分音符”。它是“三十二分音符”的一半。（它等于全音符1/64的时值）附点：在音的后面加一圆点表示。表示此音符一半的时值连音：在音的上面加连线表示，表示音长为连线间所有音加起来的时值 。休止符：为停止的音，用0来表示。将基本音级升高或降低叫变化音级。升高半音、全音分别用“#”、“”表示，降低半音、全音用“b”和“bb”表示。(3)各种变音记号如何应用？首先是作为临时记号，如#F、bG、F、bbB，其作用只对本小节内它后面的同高度音或跨小节以连线连接的相邻同位音有效。其二是作为调号应用。另一种变音记号“”，表示将已升高、降低半音、全音的音还原到原来的高度上。如：(4)八十八键钢琴的音域为，可分为哪几个音组？八十八键钢琴的音域为A2-c5，它几乎包含了所有音乐中使用的音。为了区分音名相同、音高不同的音而划分为九个音组：从中央c开始向上依次为小字一组、二组、三组、四组、五组；向下依次为小字组、大字组、大字一组、大字二组，其中大字二组和小字五组为不完全组。习题：按音组正确标出下列各音音高。(5)标准音a1的振动频率是多少？标准音a1振动频率为440次秒。第二节 乐理基础知识（二）作曲家创作乐曲，也象文学家写诗歌、小说一样，有一套表情达意的体系，那就是音乐语言。音乐语言包括很多要素：旋律、节奏、节拍、速度、力度、音区、音色、和声、复调、调式、调性等。一首音乐作品的思想内容和艺术美，要通过多种要素才能表现出来。【旋律】又称曲调，它是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条。它是塑造音乐形象最主要的手段，是音乐的灵魂。【节奏】各音在进行时的长短关系和强弱关系。由于不同高低的音同时也是不同长短和不同强弱的音，因此旋律中必须包括节奏这一要素。【节拍】强拍和弱拍的均匀的交替。节拍有多种不同的组合方式，叫做拍子，正常的节奏是按照一定的拍子而进行的。【速度】快慢的程度。为使音乐准确地表达出所要表现的思想感情，必须使作品按一定的速度演唱或演奏。【力度】强弱的程度。音的强弱变化对音乐形象的塑造也起着很重要的作用。【音区】音的高低范围。不同音区的音在表达思想感情时各有不同的功能和特点。【音色】不同人声、不同乐器及不同组合的音响上的特色。通过音色的对比和变化，可以丰富和加强音乐的表现力。【和声】两个以上的音按一定规律同时结合。和弦进行的强和弱、稳定与不稳定、协和与不协和，以及不稳定、不协和和弦对稳定、协和和弦的倾向性，构成了和声的功能体系。和声的功能作用，直接影响到力度的强弱、节奏的松紧和动力的大小。此外，和声的音响效果还有明暗的区别和疏密浓淡之分，从而使和声具有渲染色彩的作用。【复调】两个或几个旋律的同时结合。不同旋律的同时结合叫做对比复调，同一旋律隔开一定肘间的先后模仿称为模仿复调。运用复调手法，可以丰富音乐形象，加强音乐发展的气势和声部的独立性，造成前呼后应、此起彼落的效果。【调式】从音乐作品的旋律与和声中所用的高低不同的音归纳出来的音列。这些音互相联系并保持着一定的倾向性。而调性则是调式的中心音（主音）的音高。在许多音乐作品中，调式和调性的转换和对比，是体现气氛、色彩、情绪和形象变化的重要手法。音乐语言的各种要素互相配合，具有千变万化的表现力。旋律尽管是音乐的灵魂，但其它要素起了变化，音乐形象就会有不同程度的改变。在一定条件下，其它要素甚至可起重要作用。音阶我们把唱名：do/re/mi/fa/so/la/xi 按照音名来排列就是：C、D、E、F、G、A、B ，各音中的某一个音作为中心，由它开始从低至高（或由高到低）按顺序排列起来，这个音的序列由于象梯子一样，逐级向上或向下，所以叫音阶。下面的两个序列都是音阶，前者是大音阶（也称大调音阶），后者是自然小音阶（也称小调音阶）：大音阶：C D E F G A B 简谱：1234567 （唱：do/re/mi/fa/so/la/xi)小音阶 ：a b c d e f g 简谱：6712345 (唱: la/xi/do/re/mi/fa/so)全音、半音把C D E F G A B 这一组音的距离分成十二个等分，每一个等分叫一个“半音”。两个音之间的距离有两个“半音”的 ，就叫“全音” 。在钢琴、电子琴等键盘乐器上，C-D,D-E,F-G,G-A,A-B,两音之间隔着一个黑键，它们之间的距离就是全音；EF，BC，两音之间没有黑键相隔，它们之间的距离就是半音。自然音、变化音通俗地说，我们唱歌的时候，那些唱成1 2 3 4 5 6 7 的音，叫自然音；那些在它们的左上角加上#号（如#4、#1）或者b号（如b7、b3）的，叫变化音。#叫升记号，表示把音在原来的基础上升高半音；b叫降记号，表示把音在原来的基础上降低半音。乐音体系在音乐中使用的、有固定音高的音的总和，叫做乐音体系。乐音体系中的音，按照上行或下行次序排列起来，叫做音列。在钢琴上可以明显地看出乐音体系中所使用的音和音列。现在最大的钢琴包括有八十八个音高不同的音。除此之外的音在音乐中差不多是不用的。乐音体系中的各音叫做音级。音级有基本音级和变化音级两种。乐音体系中，七个具有独立名称的音级叫做基本音级。钢琴上白键所发出的音是与基本音级相符合的。基本音级的名称是用字母和唱名两种方式来标记的。钢琴上五十二个白键循环重复地使用七个基本音级名称。两个相邻的具有同样名称的音叫做八度。升高或降低基本音级而得来的音，叫做变化音级。将基本音级升高半音用“升”或“#”来标明；降低半音用“降”或“b”来标明；升高全音用“重升”或“”来标明；降低全音用“重降”或“bb”来标明。在德国体系中，用加字尾的办法来标明变化音级：is（升），es（降），isis(重升)，eses（重降）。但降E不用Ees而用es；降A不用Aes而用as；降h不用hes而用b。第三节 乐理基础知识（三）音的分组前面已经讲过，钢琴上五十二个白键循环重复地使用七个基本音级名称，因此，在音列中便产生了许多同名的音，为了区分音名相同而音高不同的各音，我们将音列分成许多个组。在音列中央的的一组叫做小字一组，它的音级标记用小写字母并在右上方加数字1来表示，如c1d1e1等。比小字一组高的组顺次定名为：小字二组、小字三组、小字四组、小字五组。 小字二组的标记用小写字母并在右上方加数字2来表示，如c2d2e2等。其他各组依次类推。比小字一组低的组，依次定名为小组、大字组、大字一组及大字二组。 小字组各音的标记用不带数字的小写字母来表示，如cde等。大字组用不带数字的大写字母来标记，如CDE等。 大字一组用大写字母并在右下方加数字1来标明，如C1D1E1等。大字二组用大写字母并在右下方加数字2来标明，如：A2B2等。音域有总的音域和个别的人声或乐器的音域两种。总的音域是指音列的总范围，即从它的最低音到最高音（C2-c5）间的距离而言。个别的人声或乐器的音域是指在整个音域中所能达到的那一部分，如钢琴的音域是A2-c5。音区是音域中的一部分，有高音区、中音区、低音区三种。在整个音域中，小字组、小字一组和小字二组属于中音区。小字三组、小字四组和五组属高音区，大字组、大字一组和大字二组属低音区。各种人声和各种乐器的音区划分，往往是不相符合的。如男低音的高音区是女低音的低音区等。各音区的特性音色在音乐表现中，有着重大的作用。高音区一般具有清脆、嘹亮、尖锐的特性；而低音区则往往给人以浑厚、笨重之感。谱 号前面已经讲过，在五线谱上音的位置愈高，音也愈高，反之音的位置愈低，音也愈低，但到底高多少？低多少？却无法确定。在五线谱上要确定音的高低，必须用谱号来标明。这种谱号记在五线谱的某一条线上，便使这条线具有了固定的音级名称和高度，同时也确定了其他各线上或间内的音级名称和高度。通常用的谱号有三种：G谱号 表示小字一组的g，记在五线谱的第二线上，叫高音谱号；另外有记在第一线上的，叫古法国式高音谱号。F谱号表示小字组的f，记在五线谱的第四线上，叫低音谱号；另外还有记在第五线上的，叫倍低音谱号。C谱号 表示小字一组的c，可记在五线谱的任何一线上。目前被采用的C谱号有C三线谱号（中音谱号）为中音提琴所用，有时也长号所用。C四线谱号（次中音谱号）为大提琴、大管和长号所用。其他C谱号一般较少应用。使用许多谱号的目的是为了避免过多的加线，以使写谱和读谱更加方便。 各种谱号可以单独使用，也可以连接起来使用，如高、低音谱号所组成的大谱表便是。五 线 谱用来记载音符的五条平行横线叫做五线谱。五线谱的五条线和由五条线所形成的间，都自下而上计算的。假使音乐作品是写在数行五线谱上，那么，这数行五线谱还要用连谱号连结起来。在五线谱上确定音高的位置-也就是音名位置的符号叫做谱号。谱号就象男女有别一样，在五线谱上看上去是相同的音，由于谱号的不同而代表着不同的音高，这些谱号分别有高音谱号，低音谱号，C谱号三种。在五线谱上标有高音谱号的叫高音谱表，标有低音谱号的是低音谱表，同样，标有C谱号的就是C谱表，亦叫中音谱表，或叫次中音谱表（后面要详谈）。一般用高音谱表的乐器大部分是属于高音乐器，象小提琴、二胡、高胡、长笛、小号、双簧管、笛子等等，还有包括人声的男女高音声部，通常高音谱表用得较为普遍，除了特殊乐器声部以外，大部分用高音谱表来标写。使用低音谱表的一般是一些低音乐器和人声的低音声部，比如象大提琴，大管、大号、低音黑管等等。而C谱表则多用于中音提琴等等 低音谱号（F谱号） 高音谱号（G谱号） C谱号 连谱号包括起线（连结数行五线谱的垂直线）和括线（连结数行五线谱的括弧）两个组成部分。括线分花的和直的两种。花括线为钢琴、风琴、手风琴、竖琴、扬琴、琵琶等乐器记谱使用。直括线为合奏、合唱、乐队记谱用。在总谱中用直括线来连接同为乐器，把它们分成完全的或不完全的乐器组。有时在直括线之外还加上辅助括线（花的或直的）来连接同种乐器。在总谱中，独唱独奏声部如果只包括一两行五线谱的话，左边只画一条起线，而不加括线。为了标记过高或过低的音，在五线谱的上面或下面还要加上许多短线，这些短线叫做加线，在五线谱上面的叫上加线，下面的叫下加线。由于加线而产生的间，叫做加间，在五线谱上面的加间叫上加间，下面的叫下加间。加线和加间的计算方法是：上加线和上加间，由下向上计算，下加线和下加间由上向下计算。音律乐音体系中各音的绝对准确高度及其相互关系叫做音律。音律是在长期的音乐实践发展中形成的，并成为确定调式音高的基础。在历史发展过程中，曾采用过各种各样的方法来确 定乐音体系中各音的高度，其中主要的、为大家所熟知的有纯律、五度相生律和十二平均律三种。目前被世界各国所广泛采用的是十二平均律。但纯律和五度相生律在音乐生活中仍继续发生着影响并具有重大的意义。第四节 乐理基础知识（四）十二平均律将八度分成十二个均等的部分-半音-的音律叫做十二平均律。十二平均律早在古代希腊时便有人提出了，但并未加以科学的计算。世界上最早根据数学来制订十二平均律的是我国明朝大音乐家朱载（土育）（1854年）。半音是十二平均律组织中最小的音高距离。两音间的距离等于两个半音的叫做全音。八度内包括有十二个半音，也就是六个全音。在音列的基本音级中间，除了E到F、B到C是半音外，其余相邻两音间的距离都是全音。在钢琴上，相邻的两个琴键（包括黑键）都构成半音，隔开一个琴键的两个音则都构成全音。五度相生律根据复合音的第二分音和第三分音的纯五度关系，即由某一音开始向上推一纯五度，产生次一律，再由次一律向上推一纯五度，产生再次一律，如此继续相生年定出的音律叫做五度，产生再次一律，如此继续相生所定出的音律叫做五度相生律。例如五度相生律所订出的七个基本音级间的音高关系，和十二平均律中七个基本音级的音高关系是不同的。虽然EF、BC之间亦为半音，但比十二平均律中的半音要小。其余相邻两音级之间虽然亦为全音，但比十二平均律中的全音要大。这种音高的差异就是由于定律方法的不同而产生的。纯律纯律是于五度相生律用以构成的第二分音和第三分音之外，再加入第五分音来作为生律要素，构成和弦形式。这样便产生了七个基本音级。根据纯律相生律中的基本音级的音高关系，又不同于十二平均律和五度相生律中的基本音级间的音高关系。它的EF、BC之间的半音比其他两种律制的半音要大。全音的情况有两种：CD、FG、AB为大全音，和五度相生律中的全音相等，比十二平均律中的全音大。ED、GA为小全音，比其他两种律制的全音都小。前面简略地谈到了各种律制产生的方法和结果，但为什么用不同的方法定律就会产生不同的结果呢？为了说明这一问题，现以e1为例，用纯律和五度相生律的定律方法来进行一次计算。我们已知纯律是以复合音的第二分音、第三分音和第五分音作为生律要素的，也就是说纯律大三度的振动数比应是5/4。已知振动数比，再由振动数比求得音的振动数是很容易的。五度相生律是以复合音的第二分音和第三分音为基础，按照纯五度（3/2）的关系连续相生而得。关于十二平均律，我们已知它是将八度分成十二个均等的部分而成，因此，除一度和八度外，其他各律的音高与纯律和五度相生律皆不相同。三种律制在实际的应用上各有长处，五度相生律是根据纯五度定律的，因此在音的先后结合上自然协调，适用于单音音乐。纯律是根据自然三和弦而定律，因此在和弦音的同时结合上纯正而和谐，适用于多声音乐。但随着多声部音乐的发展，转调的频繁，加上键盘乐器在演奏纯律上的困难，因而受到很大限制。十二平均律在音的先后结合和同时结合上都不是那么纯正自然，但由于它转调方便，在键盘乐器的演奏和制造上有着许多优点，因此近百年来被广泛采用。自然半音和自然全音 变化半音和变化全音两个相邻的音级构成的半音叫做自然半音。自然半音可以由基本音级形成，也可以由变化音级形成，或由基本音级与变化音级形成。由相邻的两个音级形成的全音叫做自然全音。自然全音和自然半音一样，可以由基本音级形成，也可以由变化音级形成，或由基本音级别变化音级形成。由同一音级的两种不同形式所构成的半音，叫做变化半音。变化半音可以由基本音级和变化音级形成，也可以由变化音级形成。由同一音级的两种不同形式或隔开一个音级所构成的全音，叫做变化全音。变化全音可以由基本音级和变化音级形成，也可以由变化音级与变化音级形成。自然半音和变化半音、自然全音和变化全音，是两种性质完全不同的半音和全音，不应有所混同。纯律是于五度相生律用以构成的第二分音和第三分音之外，再加入第五分音来作为生律要素，构成和弦形式。这样便产生了七个基本音级。根据纯律相生律中的基本音级的音高关系，又不同于十二平均律和五度相生律中的基本音级间的音高关系。它的EF、BC之间的半音比其他两种律制的半音要大。全音的情况有两种：CD、FG、AB为大全音，和五度相生律中的全音相等，比十二平均律中的全音大。ED、GA为小全音，比其他两种律制的全音都小。前面简略地谈到了各种律制产生的方法和结果，但为什么用不同的方法定律就会产生不同的结果呢？为了说明这一问题，现以e1为例，用纯律和五度相生律的定律方法来进行一次计算。我们已知纯律是以复合音的第二分音、第三分音和第五分音作为生律要素的，也就是说纯律大三度的振动数比应是5/4。已知振动数比，再由振动数比求得音的振动数是很容易的。五度相生律是以复合音的第二分音和第三分音为基础，按照纯五度（3/2）的关系连续相生而得。关于十二平均律，我们已知它是将八度分成十二个均等的部分而成，因此，除一度和八度外，其他各律的音高与纯律和五度相生律皆不相同。三种律制在实际的应用上各有长处，五度相生律是根据纯五度定律的，因此在音的先后结合上自然协调，适用于单音音乐。纯律是根据自然三和弦而定律，因此在和弦音的同时结合上纯正而和谐，适用于多声音乐。但随着多声部音乐的发展，转调的频繁，加上键盘乐器在演奏纯律上的困难，因而受到很大限制。十二平均律在音的先后结合和同时结合上都不是那么纯正自然，但由于它转调方便，在键盘乐器的演奏和制造上有着许多优点，因此近百年来被广泛采用。第五节 乐理基础知识（五）常用记号等音、增长音值的补充记号音高相同而意义和记法不同的音，叫做等音。 等音是根据十二平均律而来的，因为只有在半音相等的情况下才有可能产生等音。除去#G和bA两个音级外，其他每个基本音级和变化音级都可能有两上等音，连它本来的共有三个。而bA和#G只有一个等音，连它本身共有两个。增长音值的补充记号在记谱法中，除了应用基本音符时值以外，还应用其它的一些增长音值的符号，这些符号有：附点是记在符头右边的小圆点，带有一个附点的音符，增长原有音符时值的二分之一；带有两个附点的音符，增长原有音符时值的四分之三。符点也同样适用于休止符。附点音符的符头若在五线谱的间内，附点写在符头的旁边，若在线上，附点则写在线的上面或下面。延音线用在音高相同的两个或两个以上的音符上时，表示它们要唱成一个音，它的长度等于这些音符的总和。在单声部音乐中，连线永远写在和符干相反的方向。假使一行五线谱上记有两个声部时，则高声部连线朝上弯，低声部的连线朝下弯。要是多于两个声部时，连线则分写在两边。延长号它的记号是在半圆形中间加一圆点，在单声部乐曲中它写在音符和休止符的上面，表示按作品的风格、演奏者的意图可自由地增长音符或休止符的时值。在多声部音乐中延长号也可以记在音符或休止符的下面。延长号也可以记在小节线上，表示小节之间的片刻休止。记在双纵线上的延长号则表示乐曲的结束或告一段落。变音记号用来表示升高或降低基本音级的记号叫做变音记号。变音记号有五种：升记号（#）表示将基本音级升高半音。 降记号（b）表示将基本音级降低半音。重升记号（）表示将基本音级升高两个半音（一个全音）。 重降记号（bb）表示将基本音级降低两个半音（一个全音）。 还原记号()表示将已经升高或降低的音还原。变音记号可以记在五线谱的线上和间内；可以记在音符的前面和谱号的后面。记在谱号后面的变音记号叫做调号。在未改变新调之前，它对音列中所有同音名的音都生效。如果在乐曲中间要更换调号时，可能有三种情况。更换调号如果发生在一行乐谱的开始处，这时应该在前一行乐谱的末尾处将所要更换的调号予先记写清楚，并将最后一条小节线向前移，以便记写新调的调号。增加原有升号或降号的数目。这时只要在更换调号处的小节线右边写出新调的调号便可以了。减少原有升号或降号的数目。这时需要在更换调号处的小节线左边将多余的变音记号还原。在小节线的右边写出新调的调号。升号变降号或降号变升号。这时需要在更换调号处的小节线左边将原来的变音记号还原，在小节线的右边写出新调的调号。直接放在音符前的变音记号叫做临时记号。临时记号只限于同音高的音有效，而且只到最近的小节线为止，在多声部乐曲中临时记号往往只对一个声部有效。为了提醒废除前面所用的临时记号，有时在小节线后面加上另外的临时记号。为了读谱和写谱的方便简化，可以应用各种省略记号：移动八度记号用8-记在五线谱的上面，记在五线谱的上同，表示虚线范围以内的音移高八度；用8-记在五线谱的下面，表示移低八度。重复八度记号用数字8记在音符的上面或下面，表示该音要高八度或低八度重复。假如在较长的时间内重复八度时，则用Con8-记在音符的上面或用Con8-记在音符的下面，是表示虚线以内的音要高八度或低八度重复。长休止记号 在五线谱的第三线上记以长休止符，并写出所要休止的小节数。震音记号表示一个音或一个和弦，两个音或两个和弦迅速均匀地交替。用斜线标记。斜线的数目和符尾的数目相同。一个音或一个和弦迅速均匀地交替时，斜线的记法如下：全音符的震音，音符在三线以上，斜线记在三线以下，反之则在三线以上。比全音符小的震音，斜线横穿符干，如果符干还有符尾，斜线则和符尾平行，这时计算斜线的数目应包括符尾的数目。震音的总时值与音符的时值相等。两个音或两个和弦迅速均匀地交替时，斜线记在两个音或两个和弦之间靠近记写符尾的地方。震音的总时值等于两个音或两个和弦中的一个。反复记号乐曲部分或全部重复时，可使用反复记号。演 奏 法 的 记 号演奏方法的记号有以下几种：连音奏法它是用连线来标记的，表示连线内的不同音高的音要奏（唱）得连贯，连音奏法的连线大都记在五线谱的上面，很少记在下面。断音奏法有三种。分别以圆点（）、三角（）及圆点加弧线来标记，表示某些音或和弦要断续地弹奏。在单声部音乐中，断音记号通常记在符头那边。在一行五线谱上记有两个声部并不用相同的符干时，则分别记在相反的方向。持续音奏法持续音奏法有两种：一种是用短横线来表示，一种是用短横线加圆点来表示，前者表示该音稍强奏并充分保持该音的时值，后者表示该音稍强奏，同时各音稍分离。持续音记号和断音记号一样，在单声部音乐中，通常记在符头那边，在多声部音乐中也可以记在相反的方向。滑音奏法在民间音乐的演奏演唱中，滑音的奏法是很有特色的，它的记号一般用曲线或箭头来标明。曲线或箭头向右上斜表示向上滑，曲线或箭头向右下斜表示向下滑。琶音奏法将和弦中各音由下而上很快地分散弹奏叫做琶音奏法，用垂直的曲线放在和弦之前来标记，有时也用小音符来标记。为了读谱和写谱的方便简化，可以应用各种省略记号：第二章 声乐基本理论知识第一节 现代声乐教学法声乐技术的内在含义人的任何行为都是包括物质的（可见）和精神的（不可见）两个部分的。物质部分是指可以观察到的，具体的动作、肌肉收缩等等表面的变化，而精神部分是指在行为的内部能够感觉到的情绪、心理等方面的变化。我们现在的所谓科学性是很重视具体证据的，由于我们科学的局限性，目前还无法通过科学的方式有效的证实情绪等精神变化的科学依据。1、 开喉咙的练习-内在原因和目的：学生在发生过程中极易出现追求声音状态的现象，这种追求的结果使口腔的咬字状态不正常，肌肉紧张，张不开嘴，咬不住字，使声音变得挤压。而打开喉咙的目的就是使肌肉放松，取得正常发音的效果。实际上只要练习正常的口腔咬字，就可以取得和打开喉咙一样的效果。2、 喉头的稳定-内在原因和目的：在音高发生变化时，演唱者容易出现随着音高的变化，口腔肌肉的力量、咬字等方面也在变化，这样观众的听起来使就觉得声音一直在变，甚至连字的发音都不准了。而练习喉头稳定就可以达到稳定声音的作用，也就是通常声乐教学中提到的稳定位置。实际上只要在练习时多注意音乐的变化，让学生认识到音高的变化实际上就是情感的变化，保持咬字的状态不变，随着音高的起落，注意音乐情感的起落，就可以取得同喉头稳定一样的效果。3、呼吸-内在原因和目的：学生在发生时比较容易只注意到声音的状态而忽视情感的加入，这是声音就显得比较干，尤其是在高音区就容易形成喊的状态，这时教师就自然会提出呼吸的支持作用。实际上有一句话是声乐学习中最重要的：以情带声，声情并茂。这句话的意思就是说：用情感引导发出声音，声音和情感共存。实际上不仅是呼吸的问题，有学多老师提到的起音通气，高音吸气等方法就是一种情绪状态的形容，只要找到那种情绪就可以实现声音的效果，而情绪状态的前提就是用情来发出声音，这样的发声就不用练习呼吸了。衡量演唱技术是否正确的方法1.观众听着是否舒服，自己唱得是否舒服。是否唱得很累。 2. 声带是否经常出问题，如果是方法正确，演唱时声带是很舒服的，即使刚起床，不用发声也可以唱得很好。 3呼吸是否正常。你可以试一下给气球放气，口开大了气一下都放跑了声音也不好听，而口开得太小声音就紧也难听。4唱高音是否很容易,中高声区是否统一。 5是否进步很快。 6情感是否很容易就能融到演唱中。在音乐教学法中也提到了也些专业发展和专业标准的问题，而声乐演唱法就是以这些为基础的。现代声乐演唱法主要是以调整性格、控制情绪为基础，以自然、真实为方法，以具有纯净、穿透力、自如、质地和共鸣腔体的声音为目的的。下面简单的介绍学习的方法一、自然的咬字和吐字。练习自然的咬字状态，并使口腔形成习惯，注意要以平和的态度练习，要避免懒散或急躁的状态。因为在懒散的状态时咬字，口腔的位置容易偏小，处于不正常的状态。而在急躁的情绪下咬字，口腔的位置容易偏大，同样处于不正常的状态，而咬字在演唱中是很重要的。对于一首声乐作品来说，就是一首带有音调的诗，而歌唱就是带有音调的朗诵，这一点我们必须要明确。歌曲的歌词和音乐一样，影响着歌曲的风格。有一句话叫：一方水土养一方人，一个民族有一个民族的特点，一个地域有一个地域的风格，而语言同民族和地域有相当密切的关系。包括音乐也是在语言基础上的再发展，所以咬字和发音对演唱风格又很大的影响。另一方面，在演唱中遇到比较难的地方时，难免会产生紧张的情绪，而紧张的情绪的演唱的最大影响就是改变正常的、自然的演唱状态，其中就包括口腔的咬字和吐字，练习并稳定咬字的口腔状态就可以起到稳定情绪、稳定演唱状态的作用。二、情绪控制。实际上声乐就是通过歌唱来表达感情，而声乐的训练就是围绕着咬字、吐字和表达感情这两个方面进行的。说到情感就又涉及到性格问题，我们的演唱过程就是真实表达歌曲作者情感的过程，不能加入过多的个人色彩，尤其是一些无意识的、偏执的色彩。比如一个性格急躁的人，其演唱的作品就大多带有急躁的情绪，而其作品的音乐内容有可能与急躁一点关系都没有，这样就没有准确的表达音乐的内容。另外，性格的偏执也容易造成声音的技术问题，性格急，声音紧；性格懒，声音跨。而且我们要分清急躁和兴奋的区别，急躁是过于兴奋的状态，懒散是不够兴奋的状态，我们在演唱中所追求的共鸣、高音、技术等等同演唱中的兴奋状态都有密切的关系，所以在学习中要极其注意情绪的调整和控制。 我们所进行的技术训练主要集中在发声技术上，如何能取得好的声音是衡量演唱水平的标准，我们现行的声乐教学，过于侧重肌肉的训练，比较忽视情绪的控制训练，要知道控制肌肉的是情绪，如果情绪不稳定，既使肌肉的训练很正确和稳定也不行。实际上经过常年的肌肉训练是可以达到一定的稳定程度的，并且也可以达到控制情绪的作用，但这需要相当长的时间和精力，需要经过不停的调整才能实现。实际上在现行的教学方法中，对声音的要求并没有错，关键是以什么角度去看，比如：先通气后发声：就是要小心的情绪状态。闻花的状态：就是要兴奋的情绪状态等等。三、总论。实际上声乐的要求就是一下这三点：1自然、正常的咬字和吐字状态。 2小心、兴奋的情绪状态。3对不同风格歌曲的把握。 演唱过程中所出现的问题都可以通过以上的方法解决。呼吸不好的原因是因为不正常的咬字状态，一般都是在做打开喉咙的要求后出现这个问题的，由于忽略了正常的咬字状态，在咬字是声带过于张开，造成用气过多，是呼吸出问题的。这一点通过吐字的状态就可以证实，呼吸不好的，咬字大多不清楚，向嘴里含着东西一样。实际上呼吸是不用练习的，我们平时的确存在呼吸较浅的问题，其主要原因是由于情绪的影响，要解决这个问题就要从稳定情绪入手，根据学生的性格，性格急躁的，要通过轻声、慢速的发声练习来平和情绪，性格散漫的，要通过大声、兴奋的发声练习来提起情绪。当情绪处于平和的状态时，呼吸就自然深了。一般来说性格急躁的呼吸较浅，声音易浮。性格懒散的，呼吸过深，声音易沉。调整的结果就是以声音为标准的，就是要那种平衡的声音。换声点的问题实际就是心理承受力的问题，人对自己不熟悉的事情都会产生一定的心理紧张，高音的问题也是一样。换声点后的发声方法的变化，就像是一个不会游泳的人下到水里一样，水越深约急就越紧张，也就越使劲地抓住周围的人，可只要是不松手，就永远学不会游泳。所以，在演唱中不要考虑换声点的问题，最好的歌唱状态是从底到高音色的统一，不能中声区因个音色，到高声区就换成另一个音色。共鸣的问题也是很简单的，就是震动的问题，从物理学上讲，任何物体都是有自身的频率的，当然包括人体的骨骼和腔体。而共鸣就是指当发出声音的频率同腔体一致时产生的共振，这需要两个条件：一是频率一致，二是放松。我们可以试一试，用筷子敲碗，如果我们用手摁住碗再敲，声音的共鸣就很弱，如果我们握紧筷子敲，就没有放松握筷子的敲击声音好。以上的实验可以证明，腔体紧共鸣差，声带紧音色差。所以，声乐练习中，小心的状态是为了取得优美的音色，兴奋的状态是为了取得较好的共鸣。以上的介绍的是一种能很快见效果的方法。一般学生通过几节课的训练就可以在音色、共鸣和音高上取得较明显的进步。因为效果较好，才把这个方法介绍给大家，不过要注意的是，一定要准确的判断性格，还有就是小心和兴奋的情绪状态一定要真实，一定要动心，不动心的小心和兴奋的状态是没效果的。第二节 歌唱呼吸的训练方法训练腹部的对抗力量，即气息的保持力量和气息的支持力量也称气息的控制。换句话说，就是根据表现和声音大小、强弱等，有计划的运用气息。这是重点介绍几个不发声的歌唱呼吸训练方法： 倒灰式呼吸法我们大家都有这个常识，如果你端着一撮子灰，直着腰一下把灰倒在地上，结果会是什么样呢？铺撒到地面的灰，会马上形成一股气柱向上升。我们借助这种倒灰的感觉，吸气要像灰一下子倒在地上，吸得又深又广。哦民，则像从地上反弹回来的那股气柱，保持住吸气的感觉，成倒T字拧成一股气柱向上钻出。每个乐句都要如此，形成良性的呼吸循环，这样在歌唱中就可以克服气浅、气僵的问题了。吸的气浅而僵，就不会得到好的声音效果。下支点吸气法下支点是在横膈膜处，也是我们指的腹式呼吸的位置。在吸气时，感觉直接在下支点处吸，好像气没有通过鼻、口、气管似的，每次吸气都要这样做，就可以做到腹式呼吸的吸气状态了。当然我讲的只是感觉，而并不是真的是那样，吸气怎么可能不通过鼻、口、气管的呢？这里只是用感觉、假设和比喻，来启发学唱者掌握科学方法。溶化式吸气法这种吸气的方法是在歌唱者处于比较紧张的状态下应用的。因为溶化式的吸气方法容易吸得深，没有声音和明显的动作，也容易体会和掌握，只是在感觉四肢都在溶化的时候，腰椎和颈椎不要放松。吸气的进修，不要嘴闭得太紧，这样会影响进气的速度和灵活性。在吸气的同时，嘴要自然地张开，与鼻子同时吸气为最佳。高位置吸气法怎么吸就怎么唱，吸的状态，在吸气的过程当中，气息似乎是通过鼻子和口腔中的上牙、上腭到横膈膜这个地方，这是一个抛物线角度，是高位置。所以在演唱时可以按吸气状态去唱，就能达到高位置和深的气息为一个整体的声音。如果在吸气的时候放得很低，气似乎是通过下牙、舌面，只用口腔来吸气，那么，气必然就吸得浅，还会有动作，有声音，用这样吸气的方法唱出来的声音，肯定是横、白、浅、紧，音域狭窄，很难解决唱歌中的高音问题。射击瞄准时保持气息法在歌唱时，里声音向外唱的同时还要保持吸气的状态，形成内外对抗，它不仅可以保持吸气的深度，又能使歌唱时气息均匀、流畅、持久。用射击瞄准时吸气状态练唱，这也只是一种感觉，这种状态当过兵的人都很熟悉，易于体验。借此达到在歌唱中保持气息平稳的目的。在练唱的过程中，气息越是不够用，就越是保持向里吸气的状态，问题就可以缓解下来，使别人听起来气息有用之不竭的感觉。以上几种无声歌1唱呼吸训练法，便于在各种情形下自我训练。呼气时，如能再加上S的音，由10秒一直到20秒，再坚持到30秒钟的时候，便是很好的成绩了。第三章 合唱第一节 合唱的声部合唱中最基本的组织单位是声部，它是根据人声的类别组合而成，因此各声部都具有自己独特的声部特征。第一女高音（S1）这个声部的特点是以声音明朗、轻盈、柔和为主。因为它是合唱中的最高声部，所以常担任主旋律的任务。它常用的音域是：第二女高音（S2）这个声部的特点是：较第一女高音有力、宽广、圆润，有着女高音声部中比较偏低的有力而浓厚的音域，常担任辅助旋律。它常用音域是：第一女低音（A1）这个声部的特点是声音充沛，坚实而圆润。它常用的音域是： 第二女低音（A2）这个声部的特点是声音浓厚、温和而结实。它常用的音域是： 第一男高音（T1）这个声部的特点是柔和、明朗和清晰。它的特征与第一女高音极为相似，不过，较第一女高音低一个八度，在演唱传统性的混声合唱作品时其音质作用较大。它常用的音域是：第二男高音（T2）这个声部的特点是较第一男高音的音质充沛而坚实，在男高音偏低的音域中，它起着主要的作用。它常用的音域是：第一男低音（B1）这个声部的特点是刚健有力、饱满、充沛而响亮，担任和声性的任务较多。它常用的音域是：第二男低音（B2）这个声部的特点是坚实有力，充沛而宽厚，担任合唱的基础音。它常用的音域是： 此外，还有一种下男低音，它主要的作用是第二男低音低八度的从属声部。但因这种声部的人选罕见，因此一般就部追求这种声部的效果，很少采用。在合唱中各声部既要保持自己声部的特点，又要与其他声部合作，共同创造合唱的整体音响。第二节合唱队的训练内容合唱艺术是人声的艺术，很多人虽然喜欢唱歌，但大部分人没有受过专业训练，所以很多人虽然想唱好，但心有余力不足。学习科学的发声方法尤为重要，因为每一个合唱队员的演唱能力直接影响到合唱团的演唱水平。因此，通过训练来提高合唱队员的演唱能力是非常重要的。合唱训练的内容很多，有呼吸、起声、共鸣、音准、咬字吐字，以及视唱练耳等等。提高演唱能力，可以从以下几个主要方面来进行训练：（有些内容可以互相结合、穿插，可结合歌曲的排练来进行）一、呼吸训练 气是声之源泉，有了正确的歌唱呼吸方法，才能唱出具有气息支持的好声音。 呼吸是人的本能，但歌唱呼吸不同于平常的说话呼吸，它支持的声音是更宽的音域，各种强弱不同的音高，在声音的力度、高度、时值上都比一般说很复杂得多。 为了达到这一目的，在歌唱中就必须运用腹式呼吸，以避免胸式呼吸所造成的喉头声带不必要的紧张而影响发声能力。 有些人，在歌唱时往往就是用胸式呼吸，胸的上半部很紧张，肩膀都抬起来，这样就会引起喉头、脖子紧张而影响发声。同时他们缺乏对气息的控制，演唱时就像皮球泄气一样，整个胸部塌陷，每唱一句要换好几口气。 为此建议大家，先学习有意识的腹式呼吸。腹式呼吸很容易体会，只要你静静平躺在床上，自然地进行呼吸，这时你用手抚摸，就可以感到腹部的一鼓一息，吸气时肺的下半部在向四周扩张，而上半部基本不动，这就是最自然的腹式呼吸。当你有了感觉和体会后，就可以在床上进行有意识的控制呼、吸气练习，步骤是开始慢慢吸，保持两三秒不动，再慢慢呼出。下一步，逐渐加快吸气速度，仍保持两三秒，再慢慢呼出，开始是用鼻子吸，逐渐加用口腔吸，最后以口腔吸为主。当你在床上练习会控制后，就可以坐在椅子上进行练习，尽量使自己的感觉保持和床上呼吸一样；最后是站立进行腹式呼吸练习，过程与前面相同。这三种练习做完，你就知道什么是腹式呼吸了。如果你在这个基础上把吸气量增大一些，这时肺的上部也会参加活动，略有扩张，这是正常现象。当你掌握了腹式呼吸的要领，这只是基础，因为歌唱时的呼吸是有控制的腹式呼吸，所以你就必须不断地练习，以增强肺活量和控制力。具体做法如下：第一步，吸气完成后，当你慢慢呼气时，必须使肺的上部和下部，保持吸气时的扩张状态，仅仅用小腹慢慢往里收，直到小腹收缩完，胸部再慢慢收缩，直到吐完一口气；第二步，吸气过程同上，在呼气时用舌面轻轻抵住上颚，使气流慢慢流出，发出轻轻的嘶嘶声，这时你可用耳朵倾听声音大小是否一样，也就是呼气的控制力是否均匀；第三步，吸气过程同上，呼气时用一句短语，如“一个葫芦一个枣”或从一数到十，连续不断、反复地说，用平常说话的声调，并可计算时间，在不断的练习中会逐渐增强自己的肺活量（读秒越来越长）；第四步，吸气过程同上，呼气时闭口唱哼鸣（hum）,声调不要太高，同说话音调差不多。下巴放松，嘴里含了一小口水一样，上下牙齿略分开，双唇轻合。吸气时的姿势：两腿直立，立腰挺胸，双肩放松，双手自然下垂，脖子、下巴、牙关放松，眼睛平视，两脚稍分开。吸气时口鼻同时吸气，腰部、肺下部包括后背要有扩张感，呼气时有控制地收紧腹肌，形成与下沉扩张的横膈膜相对抗，自始至终保持这矛盾的紧张状态。呼吸训练必须注意以下几点：一、基本掌握要领后，可结合发声进行训练，在发声过程中注意掌握、控制呼吸；二、每次呼吸不要过饱，以免引起身体过度紧张，影响气息控制;三、呼吸训练必须持之以恒，只有长期训练，才能获得扎实的基本功；四、必须正确掌握发声方法和共鸣、吐字等技巧，呼吸才能真正运用自如；五、每次练习时间不要太长，大概五至十分钟。二、发声训练（一） 为什么需要进行发声训练歌唱训练的目的在于充分发挥人的发声器官的功能，以获得最美的音色和最宽广的音域，最大幅度的音量以及表达作品各种感情的演唱技巧。因此发声训练是一项非常重要的训练，但也是较复杂的训练，因为人体的很多器官在内部，看不见、摸不着，所以发声训练主要依靠老师的正确指导。发声训练也是合唱训练中重要的训练内容之一，特别是对于一个大部分队员没有经过专业学习的合唱团来说是至关重要的。因为合唱团个人的歌唱能力直接影响到他所在声部的演唱能力，而声部的演唱能力又影响到整个团的演唱的水平（包括音色、音域、音量、音准等等）。因此对团员进行长期的，有计划、有步骤、有耐心的声音训练，是提高中老年合唱团演唱能力和水平的非常重要的工作。一个合唱团声音的和谐，和音色的统一是密切相关的，而音色的统一又和发声方法有关，目前很多训练有素的合唱团，其合唱队员的歌唱方法，大多以意大利的美声唱法（bel cento）为基础的。美声唱法是训练合唱队声音获得统一、和谐音色和提高歌唱能力的最好方法。（二） 什么是美声唱法美声唱法中科学的发声方法是欧洲声乐艺术家们几百年的经验总结积累，并为实践所证明了的，它通过正确的训练，使人的歌唱能力得到充分发挥。表现在以下几个方面：1.腹式呼吸主要用相同膈膜控制，通过练习增强膈肌、腹肌、胸肌的力量，增加了肺活量，使气息运用自如。它的用力部分与颈部的距离较胸式呼吸远，避免了喉头不必要的紧张，使下巴放松，气息畅通。强大的、运用自如的腹式呼吸的能力，使声音获得有力的支持，为正确的歌唱获得了基本条件。2.整体共鸣的运用：人体有许多不同的共鸣区，由于生理条件的先天差异，每个人的发声器官长得不同（主要声带的长短、宽窄、厚薄）加上每个人的头腔、口腔、鼻腔、咽腔、喉管、胸腔等等，都会有所不同。一般人在歌唱时，这些共鸣区的运用处于自然状态，所以个人的角色相差很大，产生了所谓的声音的“个性”，有的亮、有的暗、有的粗有的细、有的沙哑浑浊、有的透明清澈 这五花八门的音色，对于独唱者来说是没有问题的，可是对于需要音色统一，讲究声音共性的合唱来说，这可是大忌。而美声唱法训练声音，要求打开喉咙，训练人的各个部位ideas共鸣，发挥人的整体共鸣（唱高音时保持最大程度的胸腔共鸣，唱低音时，保持尽可能的头腔共鸣-即所谓的高位置），以产生最大的音量，最多的泛音（一个物体震动时泛音越多音色越好听），尽可能圆润、优美的音色。这种音色恰恰是合唱时最适合的音色。3.科学完善的发声方法：美声唱法在欧洲经历了四五百年以上的经验积累，加上近代得到各种科学仪器的测试、辅助，总结了一套完善的训练方法，使人的声音在歌唱能力上得到最大程度的发挥，获得了个人生理条件下最优美的音色、最宽广的音域、坚强有力的气息支持、音量强弱控制自如的能力，声带长时间歌唱而不会吃力、嘶哑。这是美声唱法的主要优点，也就是每一个合唱队获得统一、优美声音的基础。(三)发声训练中女声部的假声训练 有的合唱团在排练合唱时，会出现以下问题：1、声音很杂，特别是女声，很多人用“大本嗓”歌唱，个性很强，所以音色很难和谐；2、高音唱不上去，唱什么曲子都要降调，但降了调以后低声部又低不下去，经常产生这一的矛盾。为了解决这个问题，女声就应该学会用假声来歌唱。假声发生时，声带边缘震动，声门有一条缝隙，发低声时，裂隙几乎等于声带全长，随着声音的提高，声带的缝隙变短，震动的范围变小，由于震动范围