西方美术史新.doc

西方美术史名词解释部分希腊瓶画中的黑绘式和红绘式黑绘风格指在红色或黄褐色的泥胎上，用一种特殊黑漆描绘人物和装饰纹样的陶器。红绘风格与黑绘风格相反，即陶器上所画的人物、动物和各种纹样皆用红色，而底子则用黑。故又称红彩风格。流行于公元前6世纪末到公元前4世纪末。这种风格优越处在于灵活自如地运用各种线条刻划人物的动态表情，充分发挥线条的表现力。据说这种风格是由阿提卡的安杜基代斯完成的。古希腊建筑的多利克柱式和爱奥尼亚柱式多立克柱式特点是比较粗大雄壮，没有柱础，柱身有20条凹槽，柱头没有装饰，多立克柱又被称为男性柱。著名的雅典卫城的帕提农神庙即采用的是多立克柱式。 爱奥尼柱式的特点是比较纤细秀美，柱身有24条凹槽，柱头有一对向下的涡卷装饰，爱奥尼柱又被称为女性柱。爱奥尼柱由于其优雅高贵的气质，广泛出现在古希腊的大量建筑中，如雅典卫城的胜利女神神庙和伊瑞克提翁神庙。文艺复兴的威尼斯画派产生于十五至十六世纪的意大利威尼斯。威尼斯画派的艺术家们对色彩特别敏感,追求色彩的热烈明朗与辉煌灿烂。他们的题材从宗教转向世俗,多描绘美丽的自然风光,作品带有一种享乐主义的情调。从绘画的体裁上看,由于威尼斯气候潮湿,不适合壁画的创作,他们发展了油画的创作。其主要画家有乔凡尼贝利尼、提香等。形成与15世纪后期，繁荣于16世纪，开创者是贝里尼。色彩是威尼斯画派的灵魂，一代色彩大师提香的作品，画面绚丽、人物健美，在西方艺术中树立了新的典范。 威尼斯画派特征：色彩大体上趋于饱满、丰富和多调子,并具有一种抒情的意味；也能更加灵活的表现画面上的光线、色彩与空间的细小差别；并能够更加柔和、明确地塑造人物形体。 其偏重色彩、注重感觉的特点，对日后一切具有浪漫主义倾向的艺术家都具有启发意义。代表画家：提香，代表作：天上与人间的爱 乔尔乔纳，代表作：田园合奏什么是巴洛克巴洛克(Baroque)一词本义是指一种形状不规则的珍珠，在当时具有贬义，当时人们认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低，但现在，人们已经公认，巴洛克是欧洲一种伟大的艺术风格。产生于16世纪末的意大利。包含有奇形怪状、矫揉造作之意。无论是建筑、雕刻、绘画都强调运动感、空间感、豪华感、激情感，有时还带点神秘感。雕刻和绘画多表现宗教题材。巴洛克艺术有如下的一些特点：首先是它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；二是它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力三是它极力强调、运动；四是它很关注作品的空间感和立体感；五是它的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段；六是它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位；七是大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向，波伦亚学院波伦亚学院是世界最早的美术学院，约1590年产生于意大利,。该学院由卡拉奇三兄弟创办。他们的功绩在于结束了古老的行会师徒式的学习方式。卡拉奇兄弟创办的美术学院，开始了开始了造型基础的训练，尤其是在学院里把风景素描作为主要课程来上。这样，波伦亚学院对於推动欧洲风景素描的发展，起着举足轻重的作用。作为美术史上的学院派，起源于十六世纪的意大利，而后流行于欧洲，盛及到十八、十九世纪的各个美术学院。意大利文艺复兴后期，美术在出现了明显衰落现象的同时，又受到巴洛克艺术的冲击。为了捍卫文艺复兴已有的艺术成果，反对巴洛克艺术对古典艺术的取代以及世俗化的倾向，在官方的支持下欧洲出现了许多“学院”，其中最具影响的是 1580 年由意大利的美术世家卡拉齐家族的卡拉奇兄弟在波伦亚建立的卡拉齐学院。因其建在波伦亚故又称波伦亚学院。这些学院在授徒方面，十分重视基本功训练，要求极为严格。既要求把古代作品的形式规律和文艺复兴大师的艺术视为永恒的不得稍加超越的规范，又要反对巴洛克艺术对形式的追求。但由于本身的顽固不化和反对革新，结果走上了脱离社会生活，缺乏生气的程式化道路。因而学院派意味着严谨和规范，也意味着因循保守。波仑亚学院的功绩在于结束了古老的、行会师徒传艺的、手工作坊式的教育，而使整个美术教育向前大大提高了一步。其后的美术学院强调要继承文艺复兴时的古典艺术，追求形式的完美和内容的典雅。重要的代表画家有卡拉奇、列尼、布朗、布格罗、大卫、安格尔等等。洛可可洛可可形容造型艺术中那种善用曲线的线条和繁复装饰的风格.洛可可装饰的特点是：华丽，轻快，追求柔媚细腻的情调，常常采用不对称手法，喜欢用弧线和S形线 洛可可的绘画以风 俗画为主。这些画用色清淡、甜美，充满了幽雅、华丽的感觉。洛可可的绘画题材，除了豪华的贵族生 活以外，还有肖像、风景、神话以及平民生活等。以法国画家华托为代表。18世界法国宫廷绘画风格。该绘画标榜的对所谓“纯美化”的追求，以呈现肉感的裸体、艳丽的色彩为目标，甜腻、繁琐、娇媚的画风是其普遍特征。因其产生路易十五统治时期，故又成为“路易十五式”。代表画家有华多、布歇等。新古典主义兴起于18世纪的罗马，并迅速在欧美地区扩展的艺术运动。新古典主义，一方面起于对巴洛克和洛可可艺术的反动，另一方面则是希望以重振古希腊、古罗马的艺术为信念。新古典主义的艺术家刻意从风格与题材模仿古代艺术，并且知晓所模仿的内容为何。新古典主义（英语Neoclassicism），兴起于18世纪的罗马，并迅速在欧美地区扩展的艺术运动。新古典主义，一方面起于对巴洛克（Baroque）和洛可可（Rococo）艺术的反动，另一方面则是希望以重振古希腊、古罗马的艺术为信念。新古典主义的艺术家刻意从风格与题材模仿古代艺术，并且知晓所模仿的内容为何。浪漫主义浪漫主义是文艺的基本创作方法之一，与现实主义同为文学艺术上的两大主要思潮。作为创作方法，浪漫主义在反映客观现实上侧重从主观内心世界出发，抒发对理想世界的热烈追求，常用热情奔放的语言、瑰丽的想象和夸张的手法来塑造形象。浪漫主义作为一种主要文艺思潮，从18世纪后半叶至19世纪上半叶盛行于欧洲并表现于文化和艺术的各个部门。浪漫主义宗旨与“理”相对立，主要特征注重个人感情的表达，形式较少拘束且自由奔放。浪漫主义手法则通过幻想或复古等手段超越现实。法语的浪漫一词意味着感情丰富、多情善感。浪漫主义起源于中世纪法语中的Romance（意思是“传奇”或“小说”）一词，“罗曼蒂克”一词也由此音译而来。浪漫主义是文艺的基本创作方法之一，与现实主义同为文学艺术上的两大主要思潮。作为创作方法，浪漫主义在反映客观现实上侧重从主观内心世界出发，抒发对理想世界的热烈追求，常用热情奔放的语言、瑰丽的想象和夸张的手法来塑造形象。浪漫主义的创作倾向由来已久，早在人类的文学艺术处于口头创作时期，一些作品就不同程度地带有浪漫主义的因素和特色。但这时的浪漫主义既未形成思潮，又不是自觉为人们掌握的创作方法。浪漫主义作为一种主要文艺思潮，从18世纪后半叶至19世纪上半叶盛行于欧洲并表现于文化和艺术的各个部门。浪漫主义宗旨与“理”相对立，主要特征注重个人感情的表达，形式较少拘束且自由奔放。浪漫主义手法则通过幻想或复古等手段超越现实。法语的浪漫一词意味着感情丰富、多情善感。巴比松画派19世纪中叶法国写实主义画派，因枫丹白露森林区的巴比松村而得名。该派画家厌恶都市生活、向往回归和赞颂大自然，采取“对景写生”的方式，再现自然景色，作品流露出率真、质朴之情。代表画家有卢梭、杜比涅等。巴比松画派是法国19世纪的风景画派。19世纪3040年代，一批不满七月王朝统治和学院派绘画的画家，陆续来此定居作画，形成画派。它不仅以写实手法表现自然的外貌，并且致力于探索自然界的内在 生命，力求在作品中表达出画家对自然的真诚感受，以真实的自然风景画创作否定了学院派虚假的历史风景画程式，揭开了19世纪法国声势巨大的现实主义美术运动的序幕。他们厌倦都市活动，信奉“回归自然”。卢梭为其领袖。柯罗与米勒与此画派关系密切。巴比松画派的画家们反对学院派画家在室内画风景画，主张走出画室在自然光下对景写生，然后以写生稿为基础，进行风景画创作。他们的创作经验，特别是对景写生，以求获得真实新鲜的感受和使画面色调响亮起来的艺术主张和实践，给欧美风景画家，包括印象主义画家以重要启示。印象主义印象主义于19世纪6070年代以创新的姿态登上法国画坛。他们反对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。印象主义吸收了柯罗、巴比松画派等的艺术营养,在十九世纪现代科学技术的启发下,注重在绘画中对外光的研究和表现。印象主义画家提倡户外写生,直接描绘在阳光下的事物,并根据画家自己的观察和感受,表现微妙的色彩变化。其代表画家有:莫奈、雷诺阿等。19世纪后半期20 世纪初期流行于法国、欧美乃至世界的一种艺术流派和文艺思潮。19世纪後后半期形成于法国的一个重要的绘画运动，包括18671886年期间一批持有相近的观点和采用相近技巧的画家的活动。这些画家个性十分鲜明，非常讲究实际，没有确定的共同遵守的具体原则。但印象主义最明显的特点则是，力图客观地描绘视觉现实中的瞬息片刻，主要是表现纯粹光的关系。主要的印象主义画家有莫内、马奈、毕沙罗、雷诺瓦、西斯莱后印象主义后印象主义也称“印象派之后”或“后期印象派”，是法国美术史上继印象主义之后的美术现象。后印象主义一词是英国人和美国人用来描述文森特梵高、高更和保罗塞尚等为代表的一群画家以及画风的。所谓后印象主义是指塞尚、凡高和高更的艺术观念和艺术创造。他们都认为绘画不能仅仅像印象主义那样去模仿客观世界，而应该更多地表现画家对客观事物的主观感受，他们虽有共同的创作倾向又有各自鲜明的艺术个性：他们三人共同开启了现代艺术的大门，在他们的创作思想、艺术观念影响下产生了野兽主义、立体主义、表现主义、抽象主义等，是他们彻底地改变了西方绘画面貌，由客观再现走向主观表现，并使之走向现代。后印象主义是继印象主义之后存在于19世纪80至90年代的美术现象，并不含有风格意义。这些艺术家既不同于印象派狂热地追求外光和色彩，也不同于新印象派对光色进行分析和运用逻辑思维进行艺术创作。他们主张重新重视美术中形的观念，重视作者的主观个性，注意在作品中表现作者的主观感情和情绪，注意形式的 表现力。通常被称作后印象主义的画家是塞尚、凡高和高更。拉斐尔前派19世纪中叶出现于英国的画派。该派受罗斯金文艺观的影响，崇尚浑厚、扎实的写实画风，厌弃浅薄的实用主义艺术时尚，注重油画的精神内涵和中古时期的情调。作品多有一种感伤和富于神秘意味的风韵。代表画家有亨特、罗塞蒂、米莱斯等。拉斐尔前派（Pre-Raphaelite Brotherhood），又常译为前拉斐尔派，是1848年在英国兴起的美术改革运动。这个画派的活动时间虽然不是很长（约持续三四年的时间，1854年后他们便分道扬镳了），但是对于19世纪的英国绘画史及方向，带来了很大的影响。拉斐尔前派最初是由3名年轻的英国画家（即：约翰埃弗里特米莱斯、但丁加百利罗塞蒂又译丹特加布里埃尔罗赛蒂和威廉霍尔曼亨特）所发起组织的一个艺术团体（也是艺术运动），他们的目的是为了改变当时的艺术潮流，反对那些在米开朗基罗和拉斐尔的时代之后在他们看来偏向了机械论的风格主义（Mannerist）画家。他们认为拉斐尔时代以前古典的姿势和优美的绘画成分已经被学院派（Academic art）的教学方法所腐化了，因此取名为拉斐尔前派。他们主张回归到15世纪意大利文艺复兴初期的，画出大量细节、并运用强烈色彩的画风。拉斐尔前派常被看作是艺术中的前卫派运动，不过他们否认这种描述，不过，拉斐尔前派毫无疑问将自身视为艺术界的改革运动。 19世纪中叶出现于英国的画派。该派受罗斯金文艺观的影响，崇尚浑厚、扎实的写实画风，厌弃浅薄的实用主义艺术时尚，注重油画的精神内涵和中古时期的情调。作品多有一种感伤和富于神秘意味的风韵。代表画家有亨特、罗塞蒂、米莱斯等。现代派的立体主义西方现代美术流派之一，1907年产生于法国。该派要求从画家的主观意念中，打破物象的自然形态，再进行重新的组合、装配。代表人物有毕加索、勃拉克等。立体主义是西方现代艺术史上的一个运动和流派，又译为立方主义，1908年始于法国。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。艺术家以许多的角度来描写对象物，将其置于同一个画面之中，以此来表达对象物最为完整的形象。物体的各个角度交错迭放造成了许多的垂直与平行的线条角度，散乱的阴影使立体主义的画面没有传统西方绘画的透视法造成的三度空间错觉。背景与画面的主题交互穿插，让立体主义的画面创造出一个二度空间的绘画特色。西方现代美术流派之一，1907年产生于法国。该派要求从画家的主观意念中，打破物象的自然形态，再进行重新的组合、装配。代表人物有毕加索、勃拉克等。野兽主义西方现代美术流派之一。1905年产生于法国。该派画家不满于如实地描绘对象的传统画法，更多地追求自我体验和表现上的单纯化、概括性，注重表达对象的内在精神。代表人物有马蒂斯、鲁奥等。野兽主义(Fauvism)是自1898至1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。它虽然没有明确的理论和纲领，但却是一定数量的画家在一段时期里聚合起来积极活动的结果，因而也可以被视为一个画派。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，往往用直接从颜料管中挤出的颜料，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。代表人物有高更，马蒂斯等。超现实主义超现实主义者的宗旨是离开现实，返回原始，否认理性的作用，强调人们的下意识或无意识活动。超现实主义致力于探索人类经验的先验层面，力求突破合乎逻辑与真实的现实观，尝试将现实观念与本能、潜意识与梦的经验相揉合，以展现一种绝对的或超然的真实情景。超现实主义运动以其充满幻想色彩和异国情调的奇特风格，对20世纪美学产生了重要影响。超现实主义（surrealism）是在法国开始的文学艺术流派，源于达达主义，并且对于视觉艺术的影响力深远。于1920年至1930年间盛行于欧洲文学及艺术界中。探究此派别的理论根据是受到弗洛伊德的精神分析影响，致力于发现人类的潜意识心理。因此主张放弃逻辑、有序的经验记忆为基础的现实形象，而呈现人的深层心理中的形象世界，尝试将现实观念与本能、潜意识与梦的经验相融合。它的主要特征，是以所谓“超现实”、“超理智”的梦境、幻觉等作为艺术创作的源泉，认为只有这种超越现实的“无意识”世界。才能摆脱一切束缚，最真实地显示客观事实的真面目。超现实主义给传统对艺术的看法有了巨大的影响。也常被称为超现实主义运动。或简称为超现实。简答题部分希腊雕塑和罗马雕塑的区别希腊雕塑和罗马雕塑是一脉相承的，都是追求人体唯美的雕塑。希腊和罗马雕塑发展期间逐渐产生了7头比例到8头比例，及雕塑的双腿重心站姿到单腿重心站姿也就是后面惯用的站姿雕塑的样式。多纳泰罗的大卫包括米开朗琪罗的大卫都是很好的例子。 论其区别还是有的，在希腊社会的审美上，人们追求的是理想中的完美，做出来的人物的身体和面庞都是理想中的美的极致。雕塑家一直在寻找更加好的样式和方法来塑造自己理想中的美。但是到了罗马时代，一个落后的民族即使征服了先进的民族最终也会被慢慢同化，罗马也正是这样，但是罗马的雕塑更追求现实性，关注更多的并不是理想中怎么样，而是现实中的活生生的人，特别是在头像上，都是真实的再现了对象的特征和神态甚至心理，尤为值得注意的是，罗马上层社会有一个习俗，当人死了以后都会在死者脸上用石膏翻下死面像如同家谱一样在家中陈列展示。关注自身美化自身的出发点是罗马的特点。 由于出发点的不同导致罗马和希腊的雕塑有本质上的区别，还是很容易辨认。但是大致上相同主要是因为雕塑的样式，比例，动态，材料等一脉相承而已。为什么说后印象主义开启了20世纪现代主义的大门后印象主义是指塞尚、凡高和高更的艺术观念和艺术创造。这三位画家都是在去世后很久才得到社会的承认，他们三人共同开启了现代艺术的大门,在他们的创作思想、艺术观念影响下产生了野兽主义、立体主义、表现主义、抽象主义等，是他们彻底地改变了西方绘画面貌，由客观再现走向主观表现，并使之走向现代。画家的风格特点：拉斐尔：拉斐尔是意大利杰出的画家，和达芬奇、米开朗琪罗并称文艺复兴时期艺坛三杰。他的作品博采众家之长，形成了自己独特的风格，代表了当时人们最崇尚的审美趣味，成为后世古典主义者不可企及的典范。其代表作有油画西斯廷圣母、壁画雅典学院等。拉斐尔潜心研究各画派大师的艺术特点，并认真领悟，博采众长，尤其是达芬奇的构图技法和米开朗基罗的人体表现及雄强风格，最后形成了其独具古典精神的秀美、圆润、柔和的风格，成为和达芬奇、米开朗基罗鼎足而立的文艺复兴艺坛三杰之一。拉斐尔是比较女性化的一个艺术家，他是一个很乐观并且很细心的人。他怀抱着新柏拉图主义，以洗练的画技，将文艺复兴的人文主义发挥到极致。他的艺术作品典雅和谐、秀美诱人，是在追求一种人间真善美的心理整合。这种心理整合，是人们认知状态的高度协调与人格状态的高度完善，是一种天堂的体验。虽然他留下的作品不多，但其作品所展现的光华影响后世甚远。他的作品相当的柔美，而他的圣母像是当时无人可比的。鲁本斯：他特别注重带有旋转的运动感的结构来表现激动人心的场面，他善于运用对比的色调，强烈的明暗和流动的线条来加强这种画面的运动感。其间所作一批以宗教和神话为题材的油画复活、爱之园、强劫留基伯的女儿、末日审判等，笔法洒脱自如，整体感强，表明其艺术创作已进入鼎盛阶段。特点是将文艺复兴美术的高超技巧及人文主义思想和佛兰德斯古老的民族美术传统结合起来，形成了一种热情洋溢地赞美人生欢乐的气势宏伟，色彩丰富，运动感强的独特风格，成为巴洛克美术的代表人物。把意大利艺术的优雅完美融入自己的风格中,创造出既有夸张的形体,多变的线条、鲜明的色彩、精湛的细部刻画、洒脱的用笔,又不失正确比例和优美造型的艺术.他的作品渲染宫廷的富丽堂皇和歌颂帝王权贵的势力,因此人称为巴罗克绘画大师.油画技法一般是一次完成,用笔奔放,色彩明快鲜艳.生气勃勃.不过某些形象过分健硕夸张,显得浮华缺少内在的气质.对浪漫主义艺术有着直接而深远的影响.普桑：普桑的作品大多取材神话、历史和宗教故事。画幅通常不大，但是精雕细琢，力求严格的素描和构图的完美，人物造型庄重典雅，富于雕塑感；作品构思严肃而富于哲理性，具有稳定静穆和崇高的艺术特色，他的画冷峻中含有深情，可以窥视到画家冷静的思考。如果说法兰西民族绘画形成于17世纪，那么普桑可谓“法兰西绘画之父”。普桑艺术的主要特点是：一是无君的思想。他崇拜的是人类与大自然而不是君王，希望世界是和平、宁静与幸福的，不再有压制、暴力和狡诈。二是理性高于一切。普桑创作的阿卡迪亚牧人（16381639）就是一幅表现理性主义思想的作品，画家好像探索着人的生死荣辱的问题,这幅画唤起人们的理性与良知，要人们在命运的打击下“站得稳定和不屈”（普桑语）。普桑虽然在艺术上继承了古典主义和文艺复兴艺术的传统，但他师古而不泥古，仍然是一位颇有独创性的画家。他创作了大量风格典雅清新的主题性绘画、肖像画、风景画。克洛德洛兰是宫廷外古典主义的风景画家。在气质上，他更像一个诗人，他的风景画有着浓郁的抒情味和传奇色彩。凡高：他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在时代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。向日葵就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到梵高丰富的主观感情中去。总之,梵高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。 他的作品如此美丽、有深度.看似幼稚不规范如孩童描画的线条可见梵高有着不老的童心和不安分的创作欲，苍劲有力而有多变瓢泼的笔速让人感到他内心无比疯狂、热烈，好像冰山下已在画中爆发的火种。是的，梵高的画总是充满灵气的！凡高摒弃了一切后天习得的知识，漠视学院派珍视的教条，甚至忘记自己的理性。在他的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。他视天地万物为不可分割的整体，他用全部身心，拥抱一切。 毕加索：毕加索一生中画法和风格几经变化。也许是对人世无常的敏感与早熟，加上家境不佳，毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁。早期画近似表现派的主题；在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，而产生了象第一次圣餐式这样以宗教题材为描绘对象的作品。德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。在嘉列特磨坊、喝苦艾酒的女人等画作中，总看到用罗特列克手法经营着浮动的声光魅影，暧昧地流动着款款哀伤。毕加索十四岁那年与父母移居巴塞罗那，见识了当地的新艺术与思想，然而正当他跃跃欲试之际，却碰上当时西班牙殖民地战争失利，政治激烈的变动导致人民一幕幕悲惨的景象；身为重镇的巴塞罗那更是首当其冲。也许是这种兴奋与绝望的双重刺激，使得毕加索潜意识里孕育着蓝色时期的忧郁动力。 迁至巴黎的毕加索，既落魄又贫穷，住进了一处怪异而破旧的住所“洗衣船”，这里当时是一些流浪艺术家的聚会所。也正是在此时，芳华十七的奥丽薇在一个飘雨的日子，翩然走进了毕加索的生命中。于是爱情的滋润与甜美软化了他这颗本已对生命固执颓丧的心灵，笔下沉沦痛苦的蓝色，也开始有了跳跃的情绪。细细缓缓地燃烧掉旧有的悲伤，此时整个画风膨胀着幸福的温存与情感归属的喜悦。 玫瑰红时期的作品，人物表情虽依然冷漠，却已注重和谐的美感与细微人性的关注。整体除了色彩的丰富性外，已由先前蓝色时期那种无望的深渊中抽离。摒弃先前贫病交迫的悲哀、缺乏生命力的象征，取而代之的，是对人生百态充满兴趣、关注及信心。在穿衬衣的女子中，一袭若隐若现的薄纱衬衣，轻柔地勾勒着自黑暗中涌现的侗体，坚定的延伸，流露出年轻女子的傲慢与自信。鬼魅般地流动着纤细隐约的美感。整体气氛的传达幽柔细致，使得神秘的躯体在氤氲中垂怜着病态美；拼贴艺术形成的主因，源于毕加索急欲突破空间的限制，而神来一笔的产物。实际上拼贴并非首创于毕加索，在19世纪的民俗工艺中就已经存在，但却是毕加索将之引至画面上，而脱离工艺的地位。首张拼贴作品藤椅上的静物与1913年的吉他，都是以拼贴手法实现立体主义的最佳诠释。 后期画注目于原始艺术，简化形象。1915-1920年，画风一度转入写实。1930年又明显的倾向于超现实主义。第二次世界大战时，毕加索作油画格尔尼卡抗议德、意法西斯对西班牙北部小镇格尔尼卡进行狂轰滥炸。这幅画是毕加索最著名的一幅以立体主义、现实主义和超现实主义手法相结合的抽象画，剧烈变形、扭曲和夸张的笔触以及几何彩块堆积、造型抽象，表现了痛苦、受难和兽性，表达了毕加索多种复杂的情感。晚期制作了大量的雕塑、版画和陶器等，亦有杰出的成就。毕加索从十九世纪末从事艺术活动，一直持续到二十世纪七十年代，毕加索是整个二十世纪最具有影响力的现代派画家。毕加索的作品对现代西方艺术流派有着很大的影响。 毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进康定斯基：康定斯基于1911年脱离慕尼黑新艺术家协会，而成立青骑士社。“青骑士”一词，产生于这年初冬康定斯基与马尔克的一次闲谈。康定斯基曾在其自传中回忆道：“我们都喜欢蓝色。马尔克喜欢马，骑士则是我的主题。我们两个很自然地说出青骑士的名称”。在青骑土社中，康定斯基是最核心的人物。他是一位学识渊博的艺术家，早年曾在莫斯科大学攻读法学和政治学，曾受聘为俄国一所大学的法律教授，也从事过业余的人种志研究。他精通音乐，还系统钻研过西方现代哲学，尤其信奉通神学和通灵术。让人不可思议的是，这位貌似斯文冷静而性格内向的俄国人，竟象凡高一样，内心总是燃烧着炽热的感情之火。这位极度敏感的艺术家，能在那赤橙黄绿青蓝紫的五颜六色之中，看见音乐的节奏与旋律。这使人油然想到诗人兰波兰波能在字母A中想象出黑色的苍蝇。康定斯基的绘画，在1910年转为彻底抽象之前，主要趋于野兽主义的风格。 他1896年从莫斯科来到慕尼黑之后，便全身心投入前卫艺术运动中去。他曾在巴黎渡过数月，在那里接触到印象主义、象征主义、野兽派及立体派的绘画。这对于他日后抽象绘画的形成与演化提供了必要的启示。 他认识到色彩在绘画构成要素中占有首要地位。他发现高更和凡高的画尤其将色彩的表现放在首位；在这两位画家那里，把草地画成红色，要比将房子或人体变形容易得多。他还领悟到，色彩与线条具有象征性的意义。 他也许对修拉在此方面的观点有过专门的研究。事实上，修拉的有关绘画不同要素(色彩、线条、调子、构图、节奏等)的理论，几乎预示着某种抽象艺术。因而，康定斯基在他早期的绘画中，特别强调色彩的表现力。他以浓重而明亮的色彩来表现自然风光，表现俄罗斯的民间故事，抒发其浪漫、诗意的情怀。在他的绘画中，我们还能感觉到一种如同音符般的因素存在，有一种与音乐相通的气质。他认为现有的绘画方式无法表达他内心的感受，他需要一种纯绘画，看时应像听音乐一样具流动性。当绘画从具象走向抽象，光靠绘画本身是不能为大家接受的。新的画风应该有新的欣赏标准。这时候理论与创作就起到同等重要的作用。他曾说过： “ 一张纸上盖满按照某种次序排列的色彩与线条，在不懂的人的眼里，等于是一张白纸。 ” 他必须说出这么一幅作品创作的缘由。他开始借音乐标题的方法来提示自己的潜在意图，如 “ 构图 ” 、 “ 即兴 ” 、 “ 抒情 ” 等，即与音乐相类似。通过线条、色彩、空间和运动来传达艺术家的感性意识，不再参照自然物。康定斯基在 1910 年创作了第一幅抽象水彩画作品，此画被认为是抽象表现主义形式的第一例，标志着抽象绘画的诞生。在这幅画中，我们看不到可以辨认的具体物象，画家摒弃了绘画中一切描绘性的因素，纯粹以抽象的色彩和线条来表达内心的精神。这是康定斯基与其他画家的不同之处，也是他用一种新的创作方法试验的第一幅作品，不同于以往他所创作的任何作品，成为他创作的新起点。他认为艺术创作的目的不是捕捉对象的外形，而在于捕捉其内在精神。因此，他一直努力试验摆脱外形的干扰，尝试用水彩和钢笔素描的效果来揭示对象的精神。这幅画就是他试验的结果。在画面中，除了一团团大大小小的色斑和扭曲、激荡的线条以外，我们几乎看不到其他东西。画家还用淡淡的奶油色打底，造成了一种如同梦幻般的效果，而笔触又是轻盈和快乐的，一切都没有规则性，似乎是在精神世界中一闪而过的东西却又无法清晰地辨认出来。 在他的绘画中，我们还能感觉到一种如同音符般的因素存在，有一种与音乐相通的气质。他认为现有的绘画方式无法表达他内心的感受，他需要一种纯绘画，看时应像听音乐一样具流动性。当绘画从具象走向抽象，光靠绘画本身是不能为大家接受的。新的画风应该有新的欣赏标准。这时候理论与创作就起到同等重要的作用。他曾说过： “ 一张纸上盖满按照某种次序排列的色彩与线条，在不懂的人的眼里，等于是一张白纸。 ” 他必须说出这么一幅作品创作的缘由。他开始借音乐标题的方法来提示自己的潜在意图，如 “ 构图 ” 、 “ 即兴 ” 、 “ 抒情 ” 等，即与音乐相类似。通过线条、色彩、空间和运动来传达艺术家的感性意识，不再参照自然物。 康定斯基在 1913 年创作的构成第七号可以称为是一支音乐狂想曲。这是他作品中画幅最大的一幅，也是超越他以往其他作品的杰出成就的作品之一，因此用 “ 狂想 ” 来形容也不为过。初看这幅画时，给人的感觉是异常迷乱，同时也可以感受到康定斯基构图的技巧，因为画面中有着无数的重叠和变化的布置。并且每一个形体都有着自己的法则，每一个法则又在这个整体中发挥着强大的冲击力，使画面本身充满着律动感，又如同一部伟大的交响乐。在画面中较为突出的是，画面中央出现的黑色的点和线，像旋风一样牵动着整个画面的色彩，具有强烈的倾向性。版本一黑绘式：希腊古风时期陶瓶艺术的一种重要装饰风格。是将瓶体赭红色留作底色，用黑漆涂绘人物等形象，然后用尖细的划刀刻线来表现细节或突出轮廓线，常常产生剪影式的效果。红绘式：希腊古风时期陶瓶艺术的一种重要装饰风格。它恰好与黑绘风格相反，是在背景上涂上黑色，留下主体部分的赭色，人物细部用线来描绘。多力克柱式：希腊古典建筑三大柱式之一。 特点是列柱粗壮，没有柱基，柱间距狭小，柱头没有装饰，。多力克式神庙庄重、坚实，有阳刚之气，又被称为男性柱。雅典卫城的帕提农神庙爱奥尼亚柱式：古希腊三大柱式之一。纤细、秀丽，代表了女子阴柔之美，又被称为女性柱，柱身有24条凹槽，柱头有一对向下的涡卷装饰，通常竖在一个基座上。优雅高贵的气质，如雅典卫城的胜利女神神庙和俄瑞克忒翁神庙。威尼斯画派文艺复兴时期16世纪以威尼斯画家乔尔乔涅和提香为代表的绘画流派，他们吸收了文艺复兴鼎盛时期画家的精华，但大胆在色彩上创新，使画作更为生动明快。威尼斯画派对其后产生的巴洛克时期画家有很大影响。巴洛克：17世纪产生于意大利等国家的具有明显煽情效果的一种美术风格，抛弃了单纯、和谐、稳重的古典风范，致力于繁复夸饰富丽堂皇、气势宏大富于动感的艺术境界，作品具有强烈的动势 纵深感 戏剧性 光影对比效果 空间幻觉 重色彩轻素描。以雕塑界贝尼尼和绘画界鲁本斯为代表。波伦亚学院：波伦亚学院是世界最早的美术学院。从此美术教育结束了古老的师傅带徒弟的作法。走上了有组织有系统地教授理论和技能的道路。这样的方式深深的影响着美术的发展。波伦亚学院对于推动欧洲风景素描的发展，起着举足轻重的作用。洛可可是法国18世纪的艺术样式，是当时法国上层社会生活在艺术上的体现。洛可可风格奢华、纤巧、繁琐，极尽华丽、轻快之能事，追求一种珍奇、雅致、轻艳、细腻的感官愉悦，摒弃浓重饱满，多用银灰、不鲜明的金黄、白色来构成轻艳柔和的银灰色调的洛可可风格，主要代表人物：华托、布歇。新古典主义产生于18c后期兴起的以 复兴古希腊罗马艺术为旗号 的艺术活动，新古典主义艺术模仿古典艺术，以历史画代替风俗画，强调理性，轻视感性和激情，强调普遍，反对个别、奇特，形式及绘画语言上追求构图及造型单纯简洁明确有力，强调线性描绘和严谨外形，重素描轻色彩，排斥涂绘性自由笔法。代表人物:大卫，安格尔。浪漫主义十九世纪初叶，资产阶级民主革命时期兴起于法国画坛的一个艺术流派。这一画派摆脱了当时学院派和古典主义的羁绊，偏重于发挥艺术家自己的想象和创造，创作题材取自现实生活，中世纪传说和文学名著，有一定的进步性。画面色彩热烈，笔触奔放，富有运动感。代表作品有籍里柯的梅杜萨之筏、德拉克洛瓦的自由领导人民巴比松画派法国19世纪的风景画派。以卢梭、杜米埃为代表的一批风景画家，生活和工作在巴黎东南方枫丹白露附近的巴比松村，专心描绘平凡的法国乡村风景，强调户外生动自然的效果，开创了欧洲风景画发展的新阶段。他们强调回归自然，对景写生，反对学院派历史风景画程式。印象主义始于19c60s兴起的追求表现光影色彩的光色变幻的绘画流派。由莫奈的日出印象而得其名。印象主义绘画，用光源色和环境色代替固有色，强调整体描绘，放弃细部刻画，形体似乎完全融化在光色的雾气中。脱离了讲述故事的传统方式，离开画室，以写生的方式捕捉生动印象。代表人物：莫奈、雷诺阿。后印象主义19c末，一些曾追随印象主义的画家开始反对印象主义，这些艺术家们不满足于刻板片面的追求光色，强调作品要抒发艺术家的自我感受和主观感情，于是开始尝试对色彩及形体表现性因素的自觉运用。代表人物塞尚、高更、梵高。他们没有共同的美学纲领和宣言，画家的风格千差万别拉斐尔前派又称为前拉斐尔派，是1848年开始的主张回归到15世纪意大利文艺复兴初期风格的艺术团体。他们的目的是为了改变当时的艺术潮流，反对那些在米开朗琪罗和拉斐尔的时代之后在他们看来偏向了机械论的风格主义画家。代表人物：亚瑟休斯、弗雷德里克桑迪斯、伊芙琳摩根立体主义 对20世纪艺术的发展方向造成最重大影响的艺术运动，是视觉艺术中一场最彻底的革命，它的意义在于空间处理的新观念。它通过对物体的分解和多角度描绘，使物体呈现出多视点观察和多时态并举的效果，对时空特性的表达做了巨大创新。代表人物毕加索野兽主义20世纪初第一个主要的欧洲前卫艺术运动，鲜艳、明亮、狂放是野兽派艺术家们的标志，用色完全抛弃了古典传统理论和技巧，而融入了艺术家个人的主观体验。野兽派在色彩和情感上的交织和迸发，深刻影响了后来的表现主义等流派。代表人物：马蒂斯、德兰超现实主义 超现实主义是20世纪法国作家安德烈布勒东领导的文学和艺术的运动，它着力表现“荒诞”是一种不可思议的甚至绝望的情境，这个艺术思潮的目标在于释放出潜意识的创造力。不受理性的任何控制，而且没有任何审美的或道德的偏见。代表人物：卢梭、米罗、达利、恩斯特、马格利特 版本二公元前6世纪上半叶，希腊瓶画上出现的所谓黑绘式,是一种端庄朴实的风格，以陶瓶的赭红色作底，用黑色涂绘形象，使形象具有剪影般的效果。黑绘式瓶画上，还没有透视画法和景深的迹象，仍沿用古代绘画的表现程式，如：眼睛被表现为正面，而整个面部却画成侧面。形象的内部结构及衣衫、发髻等以刻线的手法表现，有时还使用白色和紫色描绘细部。内容多与神话、战争、狩猎、葬礼等有关。在经过了随意而漫不经心的东方化风格之后，黑绘式把希腊瓶画重新带回到严谨和规整上来。 公元前5世纪出现的红绘式,在技法上与黑绘式恰好相反。它将背景涂成黑色，使形象从陶底子上留出来，成为陶土本身的赭红色。明亮的赭红色图象在黑色背景的衬托下，具有富丽堂皇的效果。红绘式图象上轮廓及衣纹线，是用黑色或深赫色线条自由地勾画出来。线的画法与黑绘式的刻线法有所不同，主要的结构线都是用注射器式的工具挤出黑釉料而获得的立体浮雕线，而细部线条则用“稀释釉”（以水稀释的釉底料）来描画，多以细笔勾勒。比起黑绘式来，红绘式的表现显得流畅自由、丰富多彩。在红绘式瓶画上，还出现了一定程度的透视画法，因而有了三度空间的立体感。不过，这与文艺复兴时期的透视法还有所不同。实际上希腊瓶画上的这种透视法，只是一种固定的因袭画法，即通过把较小的图象画在较大的图象之后，或者用背景上的曲线来表示空间深度，创造立体的错觉。巴洛克(Baroque)最早出现在意大利，并很快风靡于欧洲各国。这一称谓源于16世纪所流行的两个名词，一是意大利语barocco，意为中世纪的一种繁缛迂腐、缺乏辩证的神学辩论，一是葡萄牙语barocco，意为不规则的、奇形怪状的珍珠,二词皆含悖理怪奇之意。18世纪古典主义的艺术评论家用该词形容17世纪的西欧艺术是含有贬义的。在他们看来，那个时期的艺术风格具有反常、怪诞、不规则与非理性的特征。19世纪后期以来，这一名称渐渐失去了贬义，而单指17世纪那种繁缛的艺术风格。瑞士艺术史学者沃尔夫林(HeinrichWolfflin)及其追随者，将巴洛克艺术风格的特点归纳为：强烈的动势、纵深感、光影对比效果、戏剧性、空间幻觉，以及建筑、绘画、雕塑等多种形式要素的融合。尽管巴洛克画家们宣称自己是文艺复兴艺术的继承者，然而，事实上他们的艺术无论在精神上还是在形式上都背离了文艺复兴的艺术准则。文艺复兴意味着平衡、适中、庄重、理性与逻辑；巴洛克却意味着运动、激越、放纵、混杂与非理性。它追求新奇，热衷于各种艺术形式的大胆融合，展示了热情奔放、豪华富丽和对比夸张的艺术效果。如果要把整个巴洛克艺术的特点归纳为一个词，那么最可能的选择便是“动感”。为表达动感，画家们充分发挥形式因素的作用，例如，采用斜线或对角线构图，夸张透视线的角度及形象近大远小的比例，加强空间深度的幻觉。激烈的动态在巴洛克绘画中很常见，画家常常用本身就极富动感的S形曲线来塑造形象，画中前景人物很大，甚至越出画框，从而产生画中人物与观者处在同一空间的幻觉。巴洛克画家重色彩而轻素描。较之注重线条的文艺复兴画家来，他们更热衷于用明暗造型，并使形象的轮廓线与阴影及背景相融合，轮廓的这种模糊性处理导致用笔的挥洒自如、纵横不羁。所有这一切，都从不同方面在画幅中构成视觉上的动力，产生运动的美。在柯尔托纳的壁画、佛兰德斯画家鲁本斯的画中，我们可以看到巴洛克绘画的典型风貌。18世纪初的西方画坛上，洛可可风格盛行一时。洛可可Rococo一词，起初是室内陈设中的一个术语，据说它是由三个词中的音凑合而成，即用岩石式Rocailles的“洛”音、羽毛式Caquilles的“可”音和巴洛克的“可”音合而为一，相配而成。因而，洛可可便意味着一种带岩石式与羽毛式特征的巴洛克风格。事实上，这种风格也的确是由巴洛克风格发展而来。17世纪末的法国画坛上曾经掀起一场“要鲁本斯还是要普尚”的争论，最终鲁本斯派获胜，其结果，便是洛可可风格的兴起。18世纪的初叶和中叶，法国、英国、意大利等国的画家，均不同程度地表现出了对于洛可可风格的热中。与此同时，写实主义也在不同国家得到进一步发展，在西方美术史上产生广泛和深远的影响。18世纪，法国成为西方艺术的中心。其上流社会推崇轻快、奢华、纤巧的审美趣味，从而导致了洛可可风格的产生。洛可可风格流行于“摄政时期”和路易十五时期。其特点是，极尽华丽、纤巧、轻快之能事，追求一种珍奇、雅致、轻艳、细腻的感官愉悦。从体裁上看，洛可可绘画大致有风俗画、历史画和肖像画三类。在风俗画中，主要是描绘爱情、娱乐的情节。布歇、弗拉戈纳尔的那种寻欢作乐、放荡淫逸的场面描绘，显得妩媚轻薄，矫揉造作；而华托那种所谓“牧歌式风情”的描绘，则在悠闲生活的场景中渗溢着“夕阳无限好，只是近黄昏”的淡淡哀愁。在历史画中，画家们实际上只关注于通过古代的神话，来表现一个个纤柔、娇弱的裸女，“给性感披上优雅外衣”。而那些描绘宫廷显贵的肖像画，则都显得矫揉造作和脂粉气十足。从形式上看，洛可可绘画虽然追求活泼、轻快的画面气氛，但是其动感却不像巴洛克绘画那样强烈，而显得平稳静雅。其构图及人物动态单纯活泼，明暗对比并不显著；画家们在色彩上摒弃浓重饱满的颜色，而惯用银灰、不鲜明的金黄、白色，构成轻艳柔和的银灰色调。新古典主义NeoClassicism产生于18世纪后期。当时人们对于罗可可绘画的那种过分雕琢与病态娇柔开始感到厌倦，普遍希望有某种富于力量感的新风格取而代之。另一方面，从18世纪中叶起，不同的考古发现将古代艺术的真实面目展示给人们。古代艺术那种明确有力的形式，与罗可可繁琐纤巧的趣味形成鲜明对照，从而唤起人们对于古典艺术的新的热情。而温克尔曼等一批学者对于古代雕塑所作的深入研究，则大大激发了这种尚古热情。新古典主义由此而产生。新古典主义绘画，无论是在主题或风格上都强调模仿古典艺术。画家们主张以历史画代替风俗画、风景画和静物画，强调选择严峻和重大的题材，尤其强调在古希腊罗马的历史事件中选择具有重大教育意义的题材。在艺术表现上，新古典主义强调理智与理性而轻视感性和激情，强调普遍与一般而反对个别与奇特。在形式及绘画语言上，画家们努力追求构图及人物造型的单纯简洁与明确有力，而排除一切多余的细节和含糊的动作描绘。他们重视素描而忽视色彩，强调线性的描绘和严谨的外形，排斥巴洛克的那种涂绘性的自由笔法。这种风格充分反映在法国新古典主义画家大卫和安格尔的绘画作品之中。浪漫主义Romanticism是对新古典主义艺术的反叛。其的思想基础，与18世纪启蒙主义学说具有密切的联系，即追求自由、平等、博爱和个性解放。这在艺术创作上，表现为重视个性与精神世界的表现。浪漫主义坚决反对新古典主义崇尚理性与静穆的艺术趣味，而主张将艺术家的感情因素提高到首要地位，强调抒发激情，表现动的精神。在表现题材上，浪漫主义画家反对古典主义将历史神话奉为最高的题材，而主张将题材范围转向激动人心的领域，如特殊的性格、异国情调、生活悲剧、异常事件等。他们往往在中世纪骑士故事、基督教传说，以及莎士比亚、拜伦、歌德等文学家的作品中寻找题材，表现亢奋的激情和幻想的境界。浪漫主义强调个性化的表现，主张以丰富多变的“个性美”来代替古典主义唯一而绝对的“理想美”。在艺术形式上，浪漫主义反对古典主义重素描轻色彩的观点，反对搞单线素描，而是强调素描与明暗相结合，以色彩气氛统帅画面。画家们善于利用对比的色彩来创造辉煌、强烈的画面效果。他们并不拘泥于画面细部的谨严描绘，追求整体画面效果的创造。画中的形象虽然寥寥数笔，却形神兼备，富于魅力。比起古典主义那种细腻而拘谨的画风来，浪漫主义绘画显得生机勃勃，充满活力。浪漫主义流行于19世纪的二十至四十年代，三十年代则是其鼎盛时期。它以法国为中心，波及德、英等其他欧洲国家。其最具代表性的画家是法国画家藉里柯、德拉克洛瓦，以及西班牙画家戈雅。 1585年，卡拉奇三兄弟在意大利北部城市波伦亚创办了欧洲历史上的第一所美术学院波伦亚美术学院，揭开近代美术教育史的序幕。卡拉奇兄弟确定的基础课程有素描、构图、透视学、解剖学等。他们要求学生从研究古典典范作品，临摹大师原作入手，并进行各种写生训练，获得敏捷的造型能力。波伦亚学院的基本主张是：要保持古代和文艺复兴大师艺术的永恒性。“印象主义”Impressionism，指19世纪中后期流行于法国及欧洲诸国的一个绘画倾向。它得名于一次画展上画家莫奈的一幅题为日出印象的油画；评论家路易勒鲁瓦借该画的标题，称这次画展为“印象主义”。也许连勒鲁瓦自己也没有想到，这一充满戏谑意味的名称，竟被那些青年画家们接受了，从此传播开来，并被永久地载入美术史册。印象主义热衷于表现自然的光色变幻。对于该派画家说来，画中的景物是不重要的，一个干草堆和一片壮丽的山川景色，具有同样的意义。只要能藉以表现光色变幻，任何物象都可以充满无限的魅力。在印象派的画中，光源色和环境色代替了固有色，物体因受到不同光线照射和周围物体的反光，其色彩也相应地有所改变；景物的