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数字媒体艺术论文数字媒体技术论文数字媒体概论论文计算机作为设计工具的数字媒体艺术摘 要: 本文介绍了数字媒体艺术、数字媒体艺术设计和数字媒体艺术设计工具三者在数字时代的状况和表现形式，及相互联系和作用。关键词: 数字媒体 媒体艺术设计 表现形式 创作工具科学与艺术是人类文明发展中的两大支柱，艺术从来都必须通过技术媒介得以表现。随着计算机应用技术的不断发展，艺术对计算机技术的利用也更加普及和深入，特别是计算机数字处理技术的发展和应用空间的不断扩大，很多新型的艺术样式也随之迅速涌现，数字媒体艺术的成为文化传播重要方式之一。在现实世界和虚拟空间的交互、传播过程中，数字媒体艺术设计成为艺术家和计算机工作者创作互动和交融的一部分，也改变着大众群体的生存状态和思维观念。本文介绍了数字媒体艺术、数字媒体艺术设计和数字媒体艺术设计工具三者在数字时代的状况和表现形式，及相互联系和作用。一、数字媒体艺术艺术是社会的镜子，艺术反映了人们的意识形态和社会现实。随着计算机技术广泛应用和各种科学技术的发展，视觉艺术工作者开始用计算机和数字科技进行辅助设计，一些数字媒体作品，如文本、图片、计算机图形、动画、声音、视频的任何不同的组合产品应运而生，被视为以数字媒体为基础和核心促进因素的新艺术形式，即数字媒体艺术。严格地说，“数字媒体艺术是一门基于数字媒体的艺术，是以数字技术作为必要的创作手段，以数字媒体为传播途径，以数字媒体用户为传播对象的艺术。是视觉艺术、影音艺术、设计艺术、计算机图形图像学和媒体技术等相互交叉、融会的学科。同时，它也具有大众文化和社会服务的属性。”在20世纪末数字媒体以其丰富多样的表现获得了迅猛发展，运用到数字技术的媒体已有电影、电视、资讯、传播、艺术设计、建筑、电信、旅游、动漫设计等领域。衍生的各式新产品，如：“电子书籍”、“电子杂志”、“电子报纸”等，同时，还出现了一批新的数字媒体，如：互联网媒体、触摸频媒体、数字通讯媒体（比如智能手机等）、多媒体光盘等。在形形色色五花八门的广告中，利用数字电子媒介制作的广告光彩夺目、广告创意及表达方法，使人们在轻松愉快的同时心甘情愿的掏出腰包，这是数字媒体艺术的魅力；在丰富多彩的网络的娱乐中，网络游戏占据半壁江山，游戏玩家沉浸在“虚拟的世界”中，人们在扮演游戏世界的不同角色，为“荣誉”而战，不惜时间、不惜金钱，这也是数字媒体艺术的魅力；在电影、电视制作中，漂亮的画面、优美动听的音乐，静态与动态的变幻莫测，出现了大商业片，唯美的艺术片，有相当的群体成了影视作品的俘虏，这还是数字媒体艺术的魅力；在互联网中，可以读书，看报，能够在线收听广播，收看电视、观看电影，还能够通过互联网来进行购物，芸芸众生被“一网打尽”，这仍是数字媒体艺术的魅力。数字媒体艺术改变了人们耳朵听，眼睛看，以及文字的读解的方式，加上人机的交互方式的便捷，在数字化世界人们“感知”显现充分地“立体化”；数字媒体艺术让人们感觉到了一种美的享受，并以一种很放松愉悦的心情，来接受和传递信息。数字媒体艺术作为一种新的艺术形态，不但成为当代前卫艺术的新宠，也是未来艺术发展的主要趋势。按形态数字媒体可分为四大类，一是传统艺术作品的数字化产品，这是数字媒体艺术的初级阶段；二是借助数字技术创作的艺术品，如数字图像等；三是网络多媒体艺术作品，如网络动画等；四是宽带交互式多媒体艺术作品，如网络视频游戏等。二、数字媒体艺术设计数字媒体艺术设计是运用数字图形、图像、影像，声音等数字信息元素进行艺术设计，交叉覆盖了数字、媒体、艺术，设计等领域，计算机作为创作工具为其设计提供了相当便捷的手段。数字媒体艺术设计包括：（1）数字平面媒体设计：策划创意、拍摄图片、创作插画、排版设计、对产品的宣传和推广等；（2）影、视和影视广告设计：创意策划、脚本设计、拍摄、数字特技（包括特效布景、特效角色创建、特效动态、特技音效创作等）、剪辑、配音、配乐、合成、产品宣传和推广等；（3）数字动画设计：创意策划、脚本设计、角色造型设计、场景设定、画面绘制、剪辑合成、产品宣传和推广等；（4）数字游戏（包括单机、网络、手机游戏等）设计：创意策划、游戏角色造型设计、道具设计、场景设计、特技音效、配乐、产品宣传等；（5）网站咨询服务设计：策划、界面设计、插画及特效动画的创作、产品宣传推广等；（6）多媒体内容（包括多媒体课件设计、多媒体展示作品、多媒体光盘、多媒体导视系统和咨询系统等）设计：策划、页面规划、界面设计、影音动画设计、产品宣传推广等；除上述数字媒体设计外，工业产品设计、建筑设计（建筑漫游和环境设计）、人居环境设计和教育等行业也离不开数字媒体艺术设计。数字媒体艺术设计七分创意三分设计。一个创意，一个想法，一个构思，和最终的设计实现，其目的就是为了让人们在获取信息的过程当中，越来越方便，越来越轻松愉悦，在实现一定的文化传播的同时，也获得一种美的享受的一种环境。就数字媒体艺术设计来讲，可能更注重的就是数字的图形，图像、影像、声音这些方面的的整合与设计。这就要求设计者要先掌握绘画能力，造型能力，这里面就有素描训练，色彩训练，还有就是构成训练（平面构成，色彩构成，立体构成）；同时也要掌握图形图像的基本软件的应用，因为要靠这些专门的软件去设计和实现数字媒体产品；设计者还要掌握这些计算机基本工具的使用方法，掌握网络设计方法与技术，掌握Flash设计方法与技术，掌握虚拟现实建模设计方法与技术，以及技术部分和艺术部分的互渗整合。数字媒体艺术创作与设计的核心，是艺术创作和设计，与计算机科学与技术的交叉整合。因此，数字媒体艺术设计学的重点是如何运用数字艺术创作工具（如数字图形、图像、音频等采集、制作工具和软件等），根据人们的使用需要、审美需要，以及艺术创作和设计规律，来创造具有艺术美感的作品和服务型产品。同时数字媒体艺术也同计算机科学、信息科学、媒体科学建立密不可分的联系，计算机及其技术与艺术聚合为一个整体。三、数字媒体艺术设计创作工具数字媒体艺术使艺术家不再以笔墨纸砚等传统材料为主要媒介，而是利用以计算机为核心的数字信息处理设备，通过构建在数字信息处理技术基础上的创作平台，对自己的创作意念进行描述与实现，最终完成基于数字技术的艺术作品，并通过各类与数字技术相关的传播媒介(以互联网和无线通信为主)将作品向欣赏者群体发布，供欣赏者以开放的方式进行欣赏。针对现在网络媒体需要，这些数字媒体艺术作品，有数字图形，数字图像影像，还有数据声音。这一部分呈现，是利用计算机新的媒体设计工具进行艺术作品的设计和创作。数字媒体艺术设计创作人员要能熟练掌握各种数字媒体制作软件，具有较好的美术鉴赏能力和一定的美术设计能力，也必须有与计算机相关的学科知识。进行数字媒体艺术作品开发，需要具备一定的软件设计本领，要有程序设计语言编程，素描，动画设计，数字平面艺术，数字色彩艺术，数字立体艺术，三维图形设计，数字媒体技术及应用，图像处理技术，计算机图形学，计算机网络技术及应用，数据库技术及应用，场景设计与表现，软件工程技术，CAD技术及应用，景观表现技术，动画运动规律，计算机动画原理与技术，虚拟现实技术，视觉传达设计，游戏程序设计，网页设计，数字媒体后期制作等技术支撑。尽管我们掌握了一些软件的工具，也不一定能够进行艺术设计，必须通过分析用户或问题需求，确定设计理念，采用娴熟技术，必备的艺术修养和美术表达的能力，综合其全部技能方可完成设计和制作产品。数字媒体艺术在技术方面，会涉及计算机图形图像、人工智能研究、软件技术研究、网络技术、多媒体技术、数字影音技术等，这些可以看作该学科的技术外延。从艺术方面外延，主要涉及艺术创意与表现方法、美学、艺术心理学、艺术史、艺术语言以及摄影、摄像、动画、电影、剧作等不同学科的研究领域。此外，作为媒体艺术、商业艺术和大众娱乐艺术，还与媒体技术、传播学、社会文化学等相关学科的研究领域发生联系。由于带有综合性和多媒体的特点，因此，它的艺术、技术和媒体传播是相互融合、相互渗透的，其并不存在十分明晰领域和界限。在数字媒体艺术产品开发与运用的过程中，必须根据项目的具体需要，将上述相关领域的知识，综合性加以灵活运用，才有可能创作出受到观众和用户欢迎的作品。数字媒体艺术的发展，为艺术创作和应用提供了更加丰富的手段、更加高效的传播途径和更加广泛的传播空间。艺术创作与设计，变得更加高效与便捷，同时内容也更加丰富多样、更加大众化、平民化与个性化。随着和数字媒体艺术相关技术的不断发展和延伸，数字媒体艺术的应用领域和表现手段也必将变得更加丰富，人们的物质、文化生活也必将因此而变得更加丰富多样和精彩纷呈。参考文献：（1）、李四达.数字媒体艺术概论清华大学出版社2010年版，第5页。摘要本文对创新型数字媒体艺术人才培养模式进行了较深入的探究，并提出了新的教学模式及可行性方案，以为这一新兴学科的专业教学改革提供有益的参考。 关键词教学模式培养模式媒体技术艺术 数字媒体艺术是顺应数字信息社会的发展而兴起的一个新兴应用型学科，它借助于数字科技的发展成果和全面支持表现出独有的特征。根据高等教育的人才培养模式与特点，在建设创新型国家的时代背景和国际人才竞争的大格局下，应该把培养具有创新意识、创新精神、创新思维、创新能力并能够取得创新成果的高素质创新型人才作为重点，制定课程建设的规划思路，通过修订教学计划，更新实践教学内容，形成提升课程教学质量的方案。 一、创新型数媒艺术A才的素质要求分析 数字媒体是一个新兴的和科学技术密切相关的产业。它涉及到许多相关的传播媒体，数字影视、特效；多媒体网页设计、电脑游戏与电脑动画；卡通漫画、数字插图与数字艺术设计；数字音频、虚拟仿真等等也渗透在我们生活的各个方面。 数字媒体艺术源于文化、艺术和技术的交叉、融合，在这一科学技术与艺术创意高度结合的学科，知识的更换速度对媒体创作人员和教学人员的考验是严酷的，创作者随时可能因技术的更新而落后。随着数字技术的发展，它向我们提出了媒体艺术创作和发展教育的新使命。因为面临的将是全新的学科，无法照搬与沿袭传统的艺术样式。数字技术在设计过程中留给创作者更大的发挥空间，同时也受到技术标准等多种因素的制约。如何表述数字时代全新的艺术语汇，很多是未知的空间。数字媒体人才是复合型人才，除了要求从业者有熟练的操作技巧之外，更要求从业者有良好的艺术素养和独特的个人创意。这就需要数字媒体人才具有“多才多艺”的才能。它对原先媒体的承传性造成该专业对美学素养的需求，它作为高科技的时代产物从各个方面与艺术的结合更加密切。 技术教育应与文化、艺术融合。正如厉无畏先生在其著作创意产业导论所说：“在获得知识和操作技能基础上突破前人模式的独创思维和创造能力，是创意人才必备的首要素质”。创新型数媒艺术人才要求数字制作相关人员既要具有人文艺术修养。又要能够运用最新的数字制作技术手段。因此，真正具有人文艺术修养和专业基础知识、掌握数字制作技术的数字制作、创新、创意人才能够成为符合这个行业要求的高素质人才。 数字变革时代的媒体艺术创作涉及到的并不仅仅是技术层面，它要求完善合理的知识结构，全新的认知与判断方式，既要有强烈的创新意识、较高的技术素质，也要具备深厚的文化底蕴和百折不挠的意志。更需要掌握综合运用科技手段进行创新的才能。也就是说能将自身的创新素质合理地与其专业领域相结合。 在这一领域里，专业的技术操作需要协调与沟通，团队精神非常重要。现在重要的创新活动已经很少靠个人单打独斗，在国内外很多高校都非常关注培养大学生的团队精神。更多的是跨学科“集群”式的创新，没有团队精神，协同攻关，集思广益，就很难产生很大的创新成果。个人只有融人到集体之中，才会有个人的全面发展。 创新型人才的基础是创造个性，没有个性就没有创造性，没有人才。个性是素质教育的灵魂。人是有思维、感情、个性和丰富思想的。传统的大学教学把学生当成被动接受知识的灌输对象，在很大程度上束缚了大学生独立人格的发展和个性的张扬，使学生形成千篇一律的思维方式，扼杀学生的创新精神。在教学的全过程，一切要以学生为出发点，一切以学生为归宿点，一切以促进学生综合发展为目标。要重视培养学生的人文精神，鼓励学生独立思考，怀疑批判，探索创新。尊重和保护学生的独立人格和个性思维，把学生的头脑作为开发的对象，而不是作为灌输的对象来进行教育培养。鼓励学生敢于向传统的教育教学观念和传统的思维方式挑战。只有摆脱传统观念的束缚，创新素质才能逐步形成。另外，这一领域的人才培养需要的不是单一的教学，而是创新的复合型教育。数字媒体艺术专业的目标应该是培养拥有艺术创意和审美能力，又能掌握新媒体技术的高级复合人才。 二、创新型数字媒体艺术人才培养理念分析 教育理念决定教育模式，决定人才培养质量。著名教育家苏霍姆林斯基说：“领导学校首先是教育思想的领导，其次才是教育行政的领导。”可见教育思想、教育观念在人才培养中所起的作用。可以说理念是人才培养的灵魂。 创新型数字媒体艺术人才培养理念首先它应该体现教育的本质和目的。就是要塑造学生专业知识、实践能力与独立自主人格三者的统一，其本质和根本目的是实现适应知识经济与信息时代需要的有创造力专业人才人的全面发展。 1高校素质教育理念 高等院校更应该强调素质教育，很多高校教育在方法上重灌输而轻启发、重复制而轻创新，影响了学生的思维活动，压抑了学生的创造精神。因此，所谓素质教育，不仅是教育理念的革命，而且是教育内容、方法和思路的变革。 高等教育学校是正规的学历教育，具有自身的发展规律和特点，它与社会机构的各种相关专业培训相比。人才培养的周期要长很多，整体综合素质要求也更高。“3个月培养一个数字媒体制作精英，是不可能实现的。一些办学机构面对毫无专业基础的学员，在极短时间内恶补各类专业软件技巧，很难达到高端人才培养的真正效果，其对口就业率往往不到10。”另外“社会人员太复杂，层次参差不一，大学生素质就高一些”。 所以。一定要坚持素质教育的理念，把教育的社会功能和本体功能有机地结合起来，通过素质教育向着更加高度综合化和专业化发展。 转贴于 中国论文下载中心 2开放性教育理念 素质教育要求教育时空的开放性，注重激活学生的心灵，开发人的心智，发展人的个性。21世纪并不意味着掌握了知识和信息就一定具有了竞争力，还必须要培养学生灵活运用知识和信息的能力，因此，要转变单纯以传授专业知识为中心的继承型教育观念，培养独立自主的人格和求实创新的能力就显得十分重要。当今社会，科技发展日新月异，社会发展变化令人目不暇接，只有不断提高学生的创新能力，才能使整个社会的创新能力和竞争能力不断提高。 社会实践表明，独立人格的养成，正是素质教育最根本的方面。正因为如此，马克思才把“每一个人的全面自由的发展”作为未来社会的基本原则。 3个性化教育理念 个性是创造的基础，个性化教育是一种以学生个别差异为出发点。以学生为主体积极参与教学或教育的过程，从而达到发展学生个性、培养学生创新意识和促进学生素质提高的教育模式，是当今世界教育改革的重要趋势。培养学生良好的个性是实施以创新精神和实践能力为核心的素质教育的需要。 由于历史和社会因素的影响，我国的传统教育更多地强调统一，个性发展得不到充分的重视，在教育机制上缺乏合 理完善的个性培养运作模式，影响了学生个性特长的发挥、创新精神的培养、以至于影响到学生身心的健康成长。这种状况必须改变。 三、创新型人才培养方法的实践方向探索 1招生中生源素质结构的思考 招生的生源质量是高校人才培养的重要一环，改变中国高校招生管理体制和教育模式，将目标锁定在具有创新和潜力的人身上。改变不适时宜的传统分数录取制，按人才培养的专业学科发展目标要求吸收人才，培养人才。将考试分数与人的整体素质相结合，对学生的脑力和身体素质、思想品德、潜在的智力发展进行综合评判，招进人才。以创新为先导，发展多元化办学模式，把我们的教育理论转化为能动的实践。 在高等教育界要推动学科交叉，打破技术科学与艺术科学之间存在的种种壁垒，联合培养相关人才。目前，我国数字媒体教育存在着两大问题。一是相关潜质人才的短缺。这是由基础教育开始的文理分又、艺术学习与文化科目学习分叉造成的。这种分叉导致学习艺术的学生知识结构不合理，知识面不开阔普遍存在着文化知识短腿的毛病这一问题需通过加强通才教育来解决；二是人才培养模式的简化，这是由高等教育中技术科学与艺术科学问学科壁垒森严等造成的。在这种学科分立的情况下艺术类的学生只会学习如何更好地使表现形式好看，而忽略这种形式表现所需要的技术是否可行成本是否过高，是否会带来安全性问题；技术类的学生则追求技术的先进，而不管这种技术是否能与艺术很好地结合，会不会因技术手段的限制而带来美学意义上的不足。所以，确定招收的生源结构是数字媒体创新型人才培养非常重要的一环。 2以实践为核心的专业课程项目组合 在课程结构和教学内容上，以应用性为主，加强理论与实践相结合，注重教学过程的实践性。以真实课题来强化教学过程之实践性内涵。可以采取项目化课堂作业方式推进教学，强调以“探究”为特征的教学策略与方法。同时，积级倡导“以项目为中心的学习”。和“以问题为中心的学习”。学生要研究一个具有多种解决方法，开放性的项目或问题。其目的是让学生通过参与与专业实践相关的学习任务来提高他们的能力。 策略之一：拓展课堂教学内容项目化的作业与课堂教学内容的紧密联系，但同时体现其课堂教学内容的延伸，而布作业不必拘泥于教材。打破教材的单元安排及学科的界线。同时，拓展的程度要控制好，要让学生能“跳一跳够得着”。 策略之二：化繁、杂项目成多个子项目，大型项目难以完成，需占用大量的课堂时间。我们可以把大的项目分成好几个关联的子项目在课外完成，然后到课内展示、讨论。 3注重专业能力提升的“创作型”课程体系 注重能力”是创新型数媒艺术人才培养的重点。在培养目标上，必须侧重于应用型人才的培养，注重知识、能力和素质的协调发展，尤其注重能力和素质的培养； 在一些数媒艺术专业主干课程结束后。(如3D、AE、PREMIERE等)设定一些综合制作类与联合作业类课程。完成特定主题的影视作品。主题包括MV作品、影视广告和艺术短片等，要求每个学生分组完成影片制作中的各门类的工作。学生可以根据自己的个性爱好和发展愿景在创作小组内选择更具体的专业方向，这样一方面满足高年级团队创作成员专业侧重点需要，另一方面提高自身创作综合素质。每个学生在学习过程中都会逐渐形成自己某一方面的优势特点，这或许是他的专业某个方向的切人点。作品完成后在课堂上演示，教师进行点评。每个学生都必须独立完成从剧本到拍摄和剪辑的所有制作过程。 4打造与行业接轨的教学环境 建立校内外实习基地，实行多区域实习，与基地签订协议。配备工作能力较强的指导教师通过产业基地内企业群安排实习生，分配实习任务，布置实习内容，为满足专业教学实习的需要，制定切实可行的措施，确保实践教学质量。 5鼓励参赛为主的创作团队 激发学生的原创能力，以大量的影视类作品比赛为鼓励学生创作的机制，培养学生独立创新能力和制片能力，将大学四年中学习的理论课程运用到有时间压力的创作进程中，也增加与社会的接触面，提高了个人交际沟通及团队协作能力。 四、结语 综上所述，创新型数字媒体艺术人才培养方法在理论上要反映人才培养的基本规律，要注重创新潜质的挖掘，努力培养学生的创业、创新、创造能力。培养方式要具有开放性，培养过程要尽可能具有行业参与性，培养环节要具有实践性。要实现科学和人文相结合的教育。了解世界先进科研成果，向国际视野拓展。在教学过程中突出创造力的培养，在课程内容上突出开放性、实践性。拓宽专业口径，精炼专业内容，淡化专业界限，实行专业交叉与整合。创新型数字媒体艺术专业人才培养方法所形成的观念、教学方法对培养创新型数字媒体艺术人才将是一种以全面开发适应知识经济与信息时代需要的数媒人才整体素质的有益的探索。内容摘要 试图探讨艺术的意义问题，首先要从否定“艺术是什么”这一传统的形而上学的提问方式开始；在中止这一提问的前提下，才能追问艺术之所以存在的意义；这种追问必须要建基于人的艺术活动之上，进而才能对艺术家、艺术作品、艺术活动等传统的问题进行探讨，最后从人的心灵出发，将艺术的意义问题归结到对心灵的思考。 关键词艺术意义艺术家艺术作品艺术活动 谈到艺术，我们毫不犹豫地可以说出一系列艺术作品，同时我们可以举出无数的艺术家。但是，当我们真正追问是什么使他们（它们）成为艺术家和艺术作品的问题，艺术的内在本质究竟是什么时，我们又变得茫然起来。艺术是什么？对于此，前人已经提出了各种各样的回答，而且接着他们的思考，我们仍可以继续回答下去。在前人已经提出的所有解释中，任何一种解释都不是没有道理，但是任何一种解释也并不是有道理，我们即使将所有的解释加在一起也还无法说明什么是艺术。 “艺术是什么？”这一艺术定义问题本身作为一个传统的形而上学的命题，与“美”的定义等问题一道，在西方现当代美学尤其是英美分析哲学美学中成为一个主要的问题，并且已被认为是一个没有实体的自我循环的假命题而多被诟病。此前从狄尔泰已经开始对艺术的本体问题不作追寻，他的探讨退出了本体问题而讨论艺术的意义。他认为艺术在上下文中才有意义；艺术在特定的历史中才有意义；艺术在人们的兴趣（关注）中才有意义，因此不存在没有前提（先决条件）的艺术。分析哲学的先驱乔治E摩尔认为，“美”不是一个自然客体，故不能采用像自然科学下定义的方式来加以界定，而只能采用直觉来把握；早期维特根斯坦也认为美属于不可言说的东西，对不可言说的东西，人们只能保持沉默。著名分析哲学家艾耶尔则断定，由于美学的命题基本上没有实指，所以都是“妄命题”。因此，美国美学家莫里斯韦兹和肯尼克，都根本否定给艺术下定义的做法，宣称艺术是不可定义的。所以，在这些理论来看，艺术什么也不是，什么都不是的就是艺术，艺术的本体在它的宾词后没有成立的可能性。 但是这种没有可能的可能性，恰恰是我们思考的起点。对艺术的本质问题的追问的不可置否性，在现代艺术中显示的最大意义，就在于它显示着并不具有实体的艺术，也就是这种无有的存在，如何在人的心灵中变现为实体的艺术活动、艺术家和艺术作品。很显然，面对“什么是艺术”这类问题，我们并不是要放弃对艺术的追问，而是要改变这种本质主义的追问方式，必须首先思考艺术之为艺术的心灵特质，放在对人的艺术活动的考察上，使我们的思考直接从“什么是艺术”的问题前的问题开始。通过艺术活动的分析，进而从艺术作品、艺术家、艺术接受等所有的艺术活动的相互关系，也就是艺术与心灵的关系中去寻求艺术的意义。 一、艺术和艺术作品 探讨艺术问题，通常我们首先从分析艺术作品入手。根据经验，我们很容易判断出艺术品与非艺术品，我们在聆听音乐、欣赏绘画、阅读小说、观看舞蹈等艺术活动中，不假思索地认为它们都是艺术品，而且我们会有意识地去评判它们的艺术水平的高低。但问题也就随之产生了，我们凭什么说它是艺术品或是非艺术品，如果作为艺术品，它们的水平高下是如何确定的，我们判断的基准在于什么，也就是说，艺术作品是什么？这个问题的内在含义也就是，在我们所面对的众多物品面前，如何判断哪个是艺术品，艺术品符合什么条件才能被称为艺术品，我们怎样确定艺术品的水准的高低。显然，我们通常的判断是建立在对作为艺术品的基本构成的涵义的理解上，这种判断在我们当下的话语系统中是有效的，比如在特定的时限或氛围中，可是一旦超出这个范围，问题可能会变得复杂起来。究其实，我们对艺术品和非艺术品的追问，回到根本上也就是对艺术问题的追问。因为我们在划分艺术品和非艺术品时，我们已经存有了艺术的观念在指导着我们这样做，不管这种观念是有意识还是无意识地支配着我们。这就是说，我们对艺术品本身的追问，也就隐含着对艺术问题的追问。所以，探讨何为艺术作品的问题，实际上也就成了艺术探讨的奠基性问题。但这一探究从一开始就显得困难重重，问题遍布。 自柏拉图、亚里士多德开始的艺术“模仿说”是雄霸西方千年的艺术理论，模仿说被作为经典的艺术理论在东西方产生了极大的影响，但实际上这一理论是直接以艺术作品为逻辑起点来探讨艺术的。柏拉图认为，世界的本质是理念，现实世界是对理念世界的模仿，作为艺术的艺术品又是对现实世界的模仿，这种模仿也就是不真实的、虚幻的。另一位哲人亚里士多德则肯定了现实世界的真实性，因而也就肯定了模仿它的艺术的真实性。后来古罗马美学家贺拉斯也继承了艺术模仿说，直到17世纪，古典主义艺术家们还提出了“艺术模仿自然”的原则，以再现现实为宗旨的现实主义文艺可以说是模仿说的最高发展阶段。虽然，随着西方现代艺术的崛起，在各种全新观念的冲击下，这一理论遭受严重的挑战而变得如此不堪，但在我国当代的一些僵化和陈旧的艺术理论中还有极大的市场，以一种变形了的“反映论”艺术观的面目出现。这一理论探讨的是艺术的本质问题，但实际上却是从艺术作品的问题开始的，分析了艺术作品和自然、理念、事物的关系。模仿说把艺术与现实世界联系在一起，把艺术看成是再现和认识世界的一种特殊的方式，从艺术作品产生的源泉来把握艺术本质。然而，其根本问题在于，一方面它把艺术局限于“模仿”世界的认识论范围；另一方面，它忽视了艺术创造的主体性。根本的问题也就在于把对艺术的探讨以艺术作品为逻辑起点，这样自然就把艺术的问题置换为艺术作品的问题。显然，严格地讲，艺术和艺术作品是有差别的，这样一来问题就变得含混了起来。 因此，从艺术作品作为逻辑出发点来探讨艺术的本质的主要问题就在于，这种探讨首先就预设了艺术是一种现实的存在，认为艺术品是一种区别于自然、理念等的存在物，然后去探讨它和世界的特殊的联系。但在这其中有两个不可回避的问题：其一也就是我们在前面提到的，在艺术之所以成立的预设中也就包含着艺术之为艺术的本质主义假定，反过来正因为有了这种预设和前提，艺术作品才得以成立和显现。显而易见，这自然就导致了对艺术的真实意义问题的掩盖，其所探讨的出发点即逻辑起点是艺术作品而不是艺术，但我们可以进一步追问，这些艺术作品存在的逻辑前提又是什么？艺术作品是怎样从世界中剥离出来的？我们怎样认定这些悲剧、史诗、雕塑等就是艺术作品而不是其他？这样，艺术的意义的真正问题就掩盖在本质主义的预设之中了，艺术的问题就变为艺术作品的问题。其二，既然艺术作品是艺术的现实存在物，它是对世界的模仿，它所体现的是艺术作品和世界的关系，那么，在这种关系中，艺术家作为这种活动的直接介入者，他的意义又何在呢？艺术家在这种模仿世界或理念的活动中，不介入自己的任何理解而机械、本真地模仿自然或再现理念，这几乎是不可能的。反过来，恰恰是艺术家的活动，使得本真从遮蔽中绽出，使得艺术作品充满了生气，这样，艺术家的活动正是决定艺术作品水准高低的主导因素。所以，单方面地从艺术作品出发来探求艺术问题，显然就掩盖和遮蔽了艺术的最基准的问题。也就是艺术的意义的真实问题。 艺术模仿说以艺术作品与世界的关系为其探讨的主要问题，这在很大程度上限制了艺术的这种无限多样的自由创造性，因为它一味地强调艺术和现实世界的完全的符合。但事实情况是，艺术就是艺术，它和现实就是不一样的，绘画中的颜色在现实中我们可能根本见不到， 小说总归是一种编造的故事，但它们却又实实在在地影响着人，使人神情激荡，思绪飞扬。为什么又会如此呢？显而易见，用艺术作品和现实之间的这种生硬的关系来说明这些问题，已显得极为力不从心了。这样，就使得我们不得不又向前迈进一步，把探索的目光聚焦于艺术作品的现实来源，也就是艺术的制作者，即艺术家。 二、艺术和艺术家 艺术家，通常认为，就是艺术的制作者。艺术首先是艺术家制作出来的物品，自然地，是艺术家使艺术成为艺术，没有艺术家，艺术似乎是不可能的，艺术家以及他的艺术制作活动是艺术的主导因素。逻辑地看，艺术活动首先是艺术家的制作活动，艺术作品也是艺术家的制作活动的最后结果。 随着西方近代理性主义的高扬，人的价值，个性自由，人的主体性等问题得到了普遍的关注，浪漫主义艺术潮流也随之勃兴，艺术强调艺术家个性的自由张扬和展现，自由、创造、天才等概念成了这种潮流的主导性范畴，艺术家成为艺术的主导因素。与之相应的是艺术“表现说”对传统的“模仿说”的反叛。18、19世纪的浪漫主义思潮，标榜“自我表现”，冲破了“模仿说”的罗网，“表现说”于是兴起。表现说批评模仿机械复制，强调艺术必须以表现主体情感为主。康德最早提出“天才”论，强调艺术是天才的创造和表现，提出天才是和模仿精神是完全对立的观点。在康德的先验哲学中，主体性问题被强调到了极致，人是目的的问题是康德哲学的基本出发点，这样，他就是从艺术家的活动出发，肯定了天才和创造在艺术制作中的巨大意义，他认为天才是一种天赋的能力，这种天赋因素是艺术的决定因素，这样艺术家在艺术制作中的作用被康德充分地加以肯定了。德国浪漫派画家德拉克洛瓦认为，人即使练习作画，感情的表达也应该放在第一位。德国直觉主义哲学家柏格森认为，诗意是表现心灵状态的。意大利表现主义美学家克罗齐更是干脆宣称艺术即直觉，即抒情的表现。表现说把艺术本质同艺术家主体情感的表现联系起来，突出了艺术的审美特性。中国的言志说、心生说和缘情说大致上是与表现说相类似的观点。较之模仿说，表现说不是从艺术作品而是从艺术家作为逻辑起点来探讨艺术的意义问题，更明确地来说，就是把艺术家的情感作为艺术的核心和关键性问题。但同样可以看出，在这种以艺术家以及艺术家的情感为主导的艺术问题的探讨中，照样包含着对艺术更为极端的本质主义化的倾向。 首先，艺术活动是以艺术家为主体的活动，我们绝对不否认艺术家对艺术制作活动的意义，正因为艺术家的存在以及艺术家的制作活动的水准的高低，就自然决定了艺术作品的产生和水准的高低，否则那些非凡、伟大的艺术作品是不会产生的。但是，我们把问题拓展开来看，如果说，艺术家的制作的结果是艺术作品，推而广之，就是艺术。那么，是什么使得艺术家的制作得以成立？也就是说成为艺术作品，成为艺术，是他赋予的他的制作品的风格，还是情感，还是其他？这些都无法说明这一问题，而且会使问题再一次陷入到循环论证中而无法自拔。进一步的问题也就是，在艺术家的制作活动开始之前或进行中，他是否明确或已意识到他正进行着艺术活动，是否明确他的制作的结果将是一件艺术品而不是其他，如果是这样，那他已经就是按照艺术的模式和规则来进行艺术产生，那么，艺术的创造性又怎样灌注其中，艺术家的主体性又如何体现出来呢？这些问题又涉及到了艺术的意义问题，这就促使我们从其他方面而不是从艺术家出发去探究。显然，从艺术家为逻辑起点来探讨艺术的意义，认为艺术家就是艺术的立法者，艺术家使艺术作品得以成立的观点，同样使得问题简单化了。不难发现，艺术创造并非艺术家为遵守规则而遵守规则，实际上只是为了某种艺术创造才去遵守这样或那样的规则，艺术家不是遵循了某些规则而成就了艺术。因此，需要有另一种线索来研究艺术家是如何赋予艺术品的艺术性或者艺术质量以及艺术规则的艺术质量。 其次，艺术是一种以情感为主的活动，情感的激荡构成了艺术活动的基本意义。但是，如果仅仅承认只有艺术家具备情感的表现能力，只有艺术家的天才能力才能超越事物的表面，捕捉到那最为动人的情感，那么，问题是这种情感能表现出来吗？即使能够表现，我们又如何体验到这种表现呢？这里问题还是不少。正如我们前面已否定的，艺术本来什么也不是，我们不要试图给艺术负载什么文化、情感等的因素在其中，但情感表现主义却把模仿说中的再现自然或理念暗换为表现情感，这种情感中心主义，实际上没有什么大的突破，反而以一种模糊的情感来惑乱视听，使艺术被一种不知所云的神秘主义面纱所笼罩，或是成为肤浅的弗洛伊德主义者的某种阴暗、病态心理的暗示，把崇高的艺术变成了类似原始巫术一样的神神道道的东西。本来情感使艺术充满活力，但情感表现主义所要求的情感的意味和表现，实际上是对情感的一种贬低和严重的曲解。从艺术家出发探讨艺术的基本思路是，因为存在艺术家，艺术才成为可能，不管来自于理念还是自然，还是表现历史、情感等，它的一个基本的前提是艺术就是艺术家的制作。其中关键的问题是，就是艺术家以及他们的这些有意识地向自然或理念模仿或是表现情感的活动，艺术才赖以成立，艺术品才从自然中分离出来。这样，艺术家成了艺术制作的主体，相应地，艺术家之外的与之对立的自然、理念或情感则成了艺术的源泉和来源，是为客体。这是一种表面化的探求和本质主义的预设，因为根据这一观点，我们自然可以推出，在艺术之前，已经存在着所谓的艺术之为艺术的实体，不管它是在自然或是理念、历史、甚至情感之中，只不过是艺术家把它抽取出来而已，艺术家在这里扮演的是一个抽取的角色。这样，自然而然就形成了两个对立的因素：艺术的本体和艺术的诸现象，即艺术作为艺术的本质和艺术家、作品等，艺术之为艺术的东西自然地隐藏在事物背后，艺术家将它开掘出来，艺术家就成了艺术的代言人。 以艺术家为逻辑起点出发对艺术的意义的追问，使得艺术的意义探寻问题向本质主义更深地推进了一步，沿着这一思路下去，艺术欣赏或艺术接受就成了二次开掘的工作，作为艺术接受者的活动就是猜谜式的或是破译密码式的工作，我们面对艺术，就要愁眉难展、费尽心力地再次去找寻艺术家植入到艺术作品中的这种意义，但是，是否存在这种永恒的意义呢？这种寻找意义的活动是否构成了艺术活动呢？这种寻求意义的意义又是什么？解释学艺术理论便试图从艺术接受方面来完成这样的工作。三、艺术和艺术接受 当从艺术作品和艺术家出发对艺术的探讨充满问题时，大家不约而同地把目光聚焦于以往的理论中关注甚少或根本没有关注的艺术接受问题上来。艺术接受包括艺术接受者及其接受活动，是对艺术作品的一种体验、感悟和评价；在这种接受活动中，通过对艺术作品的现实的存在的感受和思考，我们可能会和艺术作品一起构成一个属于我们自己的世界，获得一种情感上的体悟和评价。显然，这不单纯是个体当下的评价、接受的行为，同时也是在文化和文明的作用下产生的行为。因为这种接受、评价、体验的行为的复杂多样性和易变性，就使得这一过程变得更加扑朔迷离而难以把握，所以，因其无序性和随机性的特点，以往的研究多不予关注。但它确实是艺术活动中十分重要的组成因素，而且是艺术活动的直接发生者。20世纪以来的解释学艺术理论便试图以此为出发点来读解艺术、艺术作品。 解释学艺术理论把艺术接受作为艺术活动的主体，其基本观点在于强调从艺术接受者出发的对“文本”阐释和读解的多样性，肯定了艺术接受中“前结构”和接受中的误读和解释的合法性， 由此达到对传统的艺术理论所认为的艺术的中心意义的消解。解释学艺术理论从艺术接受出发探讨艺术，是针对传统的艺术表现论而言的，这一理论首先要询问的是艺术中究竟有没有这种恒定不变的意义中心，作为艺术接受活动的实质究竟是不是对这种恒定的中心意义的寻找。在这一前提下，他们认为，在艺术接受活动中，这种“前结构”，也即“历史视阈”是影响接受的基本因素，它构成一种“合法的偏见”，所以，对于接受来说，不存在所谓的与文本符合或发现中心意义的问题，而是由文本和接受构成了另一个世界，在这一世界中，文本向接受者敞开，接受者也向文本敞开；故而，艺术接受中对艺术的理解，不是要指向那意义，进入艺术之中，绝对占有艺术所构成的世界，而是将自己是“非现实化”，将自己“暴露”给文本；在艺术接受中，是力图和自我构筑的“他者”不断地对话，形成一个不同的世界和新的视野。所以，解释学艺术理论强调艺术接受对艺术的意义，不但主张艺术接受者对艺术意义的占有，而更为重要的是通过这种占有对接受者自己的创造和激发。这样，传统的艺术的永恒、普遍的中心意义消解了，艺术不再是反映现实或表现情感的东西，它没有普遍的标准，永恒的意义，一切都在解释和对话中不断地展现，不断地开启着新的世界。在这一理论中，他们提出“读者中心主义”的口号，力图解构艺术作品、艺术家的在艺术中的意义，这样，艺术作品的范围大大扩展，艺术家的创造不再对作品具有决定意义，甚至作者彻底地从接受视野中消失了。 但解释学艺术理论的局限也是显而易见的，果真像他们所描述的，任何文本，在认识视界中是真理，而在审美视界中是艺术，全由接受者的读解来决定，那么，艺术的意义的规定性几乎等于零。这样，艺术创造、艺术家甚至纯粹的艺术作品都会从人们的视阈中消失，我们可能面对的一切都会成为艺术的世界，我们的一切活动都可能会成为艺术化的活动，在我们随意性的指称中，艺术就诞生了，那么，艺术还有什么意义和规定性而言呢？所以，这又不得不迫使我们把问题引向纵深。 从艺术接受出发来探讨艺术的意义，对艺术的本质和中心意义的消解，强调艺术接受的意义，从而强调艺术阐释的多元化和不确定性，这是现代哲学对传统形而上学的反叛在艺术理论中的体现。这样，在艺术接受的误读和敞开中，“我”和“艺术”构筑着世界，艺术活动成了艺术的意义探究的核心，艺术经验和审美经验则是艺术中主要强调的因素，对艺术的意义的探讨就直接指向了人的心灵的意义的探讨。在这里，艺术不再是模仿现实或理念等事物，或不再是情感的不断表现，艺术没有这个必要，艺术的意义变成了一种行动，一种构筑着“别样”世界的活动，艺术的意义在于将自己“暴露”在世界中，世界向自己的一种展开和敞亮，正是在这种沉沦和上升中，艺术的意义开启了。所以，解释学艺术理论引人注目的地方就在于将艺术的意义的探讨最终指向了艺术活动，指向了人的心灵。 四、艺术和艺术活动 从前面的分析我们看出，不论是模仿说还是表现说，不管是从艺术作品还是从艺术家出发来探讨艺术，都包含有一个不可克服的问题，都企图从让艺术来负载一些什么东西在里边，不论是作品中对世界的反映，或是艺术家感情的宣泄，都试图把理念或情感的内质强加给艺术，这是一种本质主义对艺术的否定，它在给艺术赋予一定的本质的时候，恰恰就将艺术彻底背离了。所以，我们认为，对艺术的意义的阐释的最大的问题是极端的知识化。人的任何活动都有相应的知识，归纳性的、解释性的或是反思性的等等，艺术作为人的一种活动，也被限制在知识的规范中了，这在很大程度上应该归咎于美学理论。作为艺术的规范性理论，美学理论已严重地背离了艺术，由于它过分的和极端的知识化倾向，使艺术被淹没在空洞的理论中。而要试图探讨艺术的意义，除了摆脱这种空洞理论的束缚外，最主要的还在于溯本逐源，从艺术活动的本初谈起。而解释学艺术理论的努力则扭转了这个方向，它更重视艺术是一种活动，在这种阐释的行动中，艺术和接受对自我和世界的意义的构筑和开启。因此，我们强调，艺术什么也不表现，什么也不反映，什么也没有，什么也没有的就是艺术！所以，对艺术的意义的探讨，从艺术作品、艺术家或是艺术接受出发，最终都要归结到对人的艺术活动的探讨中去。 艺术活动的根本所在就是构筑另一个世界的活动。我们之所以提出艺术什么也没有，什么也没有的就是艺术的极端的观点，并不是彻底的虚无主义和相对主义的遁词，而是要彻底否定所谓的艺术批评和美学理论对艺术是什么的概念化和知识化的思考，艺术开启的本来是一个非凡别样而不同平常的世界，而我们的理论总是试图将它纳入到我们正常的世界中来思考，这就从根本上将艺术背离了。所以，我们所要否定的就是对艺术是什么的提问。因此，问题最后会变为艺术可能的意义，艺术能够给予什么的追问，而这种追问只能再回到艺术活动中去探究，因为艺术活动是艺术的基本的和原初的起点。 如果我们以艺术活动作为艺术的意义问题的起点，那么我们又如何来描述艺术活动呢？人的活动纷繁复杂，究竟那些属于艺术活动？面对这些问题，我们又会变得困惑。但是，我们先验地认为人就是一个活动的主体的话，那么艺术活动也就是人的所有活动中的一种，这种活动的特殊性在于，它是一种再造另一世界的活动，它是一种心灵构筑意义的活动。首先，人的活动的特殊性，用马克思的话来说，就是创造“第二自然”的活动，活动本身是自然向人生成的过程，马克思在这里看到了人和自然的关系问题，但人的活动不仅仅体现为人和自然之间的活动，人也不仅仅是使自然向着他自己，他的活动的内涵应该更广阔，马克思这里所说的创造“第二自然”的观点却为我们提供了思路。由此可见，人的活动具有某种创造性，这种创造性就体现为人对另一世界的探视的努力，在这种探视中，他不是还原现存世界，而是力图去开启和敞亮可能的世界，这种可能的世界只能是艺术世界。不管是艺术制作还是艺术接受活动，都存在着这样一种可能。所以，不管怎样，艺术活动是一个使我们的世界“陌生化”的活动，这是一个极为朴素的事实，但这正是我们思考艺术的真正出发点。正是在这种制造陌生事物的活动中，我们在不断地超越，超越现存世界有和无的隔离，在心灵中出现了另一世界，这就是艺术世界。艺术世界是心灵不断地展示自己的运动，艺术家、艺术作品、艺术接受都可以包含在这个心灵的运动之中。艺术活动的本意就是心灵自我改造的意义，面对一件非凡的艺术作品，我们感悟到的东西，绝对不是现有的知识告诉我们的，或是艺术理论告诉我们的应该是什么的东西，而是对我们心灵的改造；艺术作品也不是一个常规的现实存在的物，它绝对不是知识的对象，而是一个开启我们的世界面向心灵的物，艺术作品的本意是激荡起我们的感受，是艺术作品驱使着我们，而不是我们审视艺术；所以，真正伟大的艺术家以及他的作品，应该就是不断地刺激着我们的感觉，使我们进入到“我艺术”的世界中，使之在思考中感受，在感受中思考，艺术就是着力于激发塑造新的心情，新的感受方式，是艺术的方式在制造着我们感觉的方式，而不是我们在不断地规定着艺术的方式。 其次，艺术给予我们的意义正是心灵的意义。艺术活动所开启的世界就是心灵的世界，艺术活动就是心灵再造一个别样的世界的活动，就是心灵构造意义的活动。不管我们所有的活动多么复杂，其基本意义的追寻要归结到人的心灵。我们不是指一般心理学意义上的心理的构成，而是哲学人类学意义上的心 灵。梅洛庞蒂在说明“生命世界”时用了一个词，叫做“肉”，它是指生命的感受性，它不是指客观的身体，也不是灵魂认为的自己的身体，而是身体和灵魂的共同背景，是一种意识和客体分离前的状态，它指感到的东西和感受者。这一含义和我们所说的心灵的含义十分接近，这一心灵的意义在艺术活动中得以体现。在艺术活动中，心灵的意义就是思和诗的遭遇，在这种遭遇中，另一个陌生的世界在生成着。艺术活动完全具备思想的特征，但不是概念和推理式的理性思考，而是现实化的思考，音