舞蹈中舞台的调度.doc

第九章：舞蹈艺术的舞台调度作为现实主义的艺术，舞台调度的处理应该是有目的性的通过调度的手段，可以突出人物的行动、揭示人物的内心世界交待人物的相互关系，同时也可以引导观众视线的转移、渲染气氛、创造意境、推进戏剧性的高潮。在情节性的舞段中，调度要受人物内心情感的制约，比如天鹅湖二幕，王子与白天鹅初次相遇的场面，白天鹅惊愕地躲避，王子因爱慕而阻拦，就构成了这 段双人舞的调度线。但在一些情绪舞蹈中，调度只体现舞蹈画面的变化，虽然单一的画面很难说清是表现某种意念，但总体上仍是在统一的构想下表现了作品的内容。比如东方红大歌舞中的”葵花向阳”就是依照这样的原则处理的。舞台调度是为了揭示作品的思想内容而对演员在舞台上的活动所进行的设计和安排，它包括演员所处的位置和位里的变换。在戏剧上称为舞台调度。任何舞台艺术都讲究舞台调度，舞蹈艺术的舞台调度包括舞蹈的路线、群舞的画面、上下场等舞台活动。舞台调度是构成舞蹈艺术表现手段的一个重要方面，是为了展现作品思想感情的一种造型手段。舞蹈编导要根据作品的内容、规定情景、人物的思想感情、行为逻辑来作为处理舞台调度的根据。有些舞蹈的舞台画面是从美感出发的，但在设计上也应该有逻辑性，达到通顺和流畅。舞台调度应该是富有表现力的，能在观众中产生预想的情绪效果和戏剧效果。舞蹈艺术的舞台调度应该象绘画一样富有造型性，在静止时要象一幅画或一座浮雕。但是，它不是一瞬间的，而是空间艺术和时间艺术相结合的舞台活动，随着激情和舞蹈的变化，在观众面前展示出一幅幅有美感和动势的舞台画面。后舞台右2区后舞台中4区后舞台左6区前舞台右1区前舞台中3区前舞台左5区 1区位的强弱：一般说舞台前部一、三、五区靠近观众，比舞台后部更有力量；另外，从人的视觉习惯总是先看左边，所以难成了左边比右边强些。我国戏曲就是将左边作为上场门。当然这不是绝对的，弱区经过导演处理也可变为强区。三区因为在前区中心，所以比较明显有力，善于表现紧张的冲突和高潮，很多舞蹈的结束都安排在这个地方。舞台的四区往往成为正统、高贵和有权势的区域，很多舞剧的主要人物都从这里出场或坐在这个位置上一区和五区处于舞台的两侧，距离观众很近，又不占主要位置习惯上认为善于表现人物的细腻的感情，一般戏剧中人物的内心独白经常安排在这里。第六区被认为是最弱的区位，中国戏曲称它为下场门。2.区位的变化：了解各区的特点后应该避免把每段舞都放在舞台中间进行，要尽可能充分地利用舞台空间，舞蹈是空间性的艺术。培养编导有这样的课程：由教员在舞台面上划出连续的行动线，然后要求学生按着规定的行动线去编动作，以锻炼舞台调度的能力。 3.区位的重复：重复可以产生特殊的艺术效果，比如吉赛尔第二幕，群灵跪成了大斜排的画面，迫使守林人跌人沼泽地，后来再重复这个画面时，观众会预感到伯爵将遭到同样的命运。区位的重复可以增强情感的力度。舞台的区位有分成9个的，也有分成6个的，为了方便起见，还是讲6个区位。前舞台亦称下舞台，后舞台亦称上舞台。演员在舞台上的活动应该纳人编导计划中，：不能让演员在舞台上随意行动。有些大场面可以在讲清要求后让演员自己设计，经过编导检验后仍需固定下来。编导应该熟悉和掌握舞台上各个区位的特点，以便充分地使用它。 舞蹈编导还应该掌握运用舞台空间的能力，美国著名现代舞蹈家多丽丝韩芙莉把舞台空间列为舞蹈创作的重要一课。她认为舞台是一个特殊的空间，既不同于广场，也不同于练功房。舞台有四个角，在结构上得到垂直线的支撑（后面两条垂直线，台前两条垂直线），还与舞台各处延伸过来的线条构成直角。两条线在顶部，两条线在舞台平面，这样就有六根强有力的线支撑着后面两个角。 站在后面两个角会使演员显得很重要，舞台中心点虽然是最有力的位置，但使用过度便会失去效用，力量会逐渐减弱。当他继续向前走，高潮的光辉开始减退，到达前台角，是遗忘角落。若从前往后走对角线，只会越走形象越单薄，由于背向观众，给人以退而非进的感觉。横越舞台可继续保持形象感。前台角有时是极好的下场点，如果把舞段安排在强力区域，然后急转直下，接上一个性格鲜明、精力充沛的结尾，选用台前下常会感人至深。 从天幕到前台边缘，为舞台中极有力的区域。在远处会显得神秘异常，所谓“远看出美人”；到舞台中心点，形象的力度增大；再往前走，尽管身影越来越大，其力量却在迅速减少；到脚灯前会毫无神秘感。向后向前最能体现出强劲的力量，其次为对角线，再其次为左右横行，最后是圆舞。环行体现身体活力的重复和生命无休止的连续感。 舞台灯光的改变也可改变演区的强弱，灯光可以把不希望看到的形象掩盖起来，也可以借助灯光使弱区变为强区，灯光有助于促成剧情的高潮。舞蹈编导应该通晓灯光专业，在创作中给以足够的重视。韩芙莉还论述了“投射作用”，传统舞台只有前面可与观众交流，若想把全部影响传给观众，需要不断调整焦点和动作。投射作用一定要有“观众意识”，其范围包括舞台前方、 二楼区、两侧包厢、所以头和眼均需高一些，不能让楼区只着见头顶、舞姿要选择最佳方向和角度，不能使身体姿态被不适当的方向和角度所淹没。舞蹈不同于雕塑，并不是所有角度都宜于欣赏，最佳效果只能从一个方位领略。谢幕也应考虑投射作用，它是结尾的结尾，作为演员的最后亮相极为重要；鞠躬最重要的是空间意识，目的是向深感满意的观众说一声“谢谢！”所以要找到观众。他们既集中又分散，演员走到台前中心，以连续动作首先从顶层开始顺势而下正厅，若再细致些，可加两次从一侧到另一侧。三次鞠躬不算多，鞠躬方向一般朝前一个礼，再接一个退步礼。鞠躬因舞而异，喜剧内容可以轻松一些，引人发笑也无碍大局，但严肃的、悲剧性的剧目，就要靠某种节奏和风度来维持特定的气氛。 舞台画面首先是为了表达剧本的内容，同时也是一种富有美感的形式，舞蹈艺术最讲究画面美，这是一般舞台艺术所达不到的。舞蹈画面要求编导注意焦点、线条、平衡、对比、组合等表现手段，在设计上尽可能追求统一、和谐和美感。 I焦点：是表现那些重要的、以便能引起观众格外注意的人和物。利用焦点的手法很多，一是区位的利用，主要人物活动在突出的区位；二是距离的利用，越近越突出；三是高度的利用，如台阶、土坡、宝座等；四是演员身体的利用，正面比侧面突出，但特意安排的背面比正面更突出；五是空间的利用，比如在火车站等人，你总要站在人少一点的地方，容易让人看到你这就叫空间的利用。六是视线的利用，即用眼睛的焦点，把观众的注意力引到你所需要的人或物上。2.线条：指舞台上行动的线，指演员的走向。因为舞蹈演员总要在舞台的空间按一定的方向、路线运动，根据不同的内容和人物不同的心境而产生各种类型的舞台行动线。一般审美习惯，曲线运动感比较强。直线使人感到挺拔。横线平稳。对角线显得有力，产生一种纵深的前进感。竖线动势强劲，有一种压力感。圆线（或叫弧线）柔和而流畅，给人以连绵不断的感觉。曲折线活泼跳动，有不稳定的感觉。方形比较稳定，三角形表现有力，菱形、梯形表现开阔。当然，以上并非绝对的。 3.平衡：舞台讲究平衡，但并非绝对的平衡，京剧舞台调度表现为匀称的平衡，左边4个龙套、右边也要4个。戏剧中所谓神秘的平衡就是打破了人数相等、距离相等的观念，采用了高度不同、趣味不同、位置不同、焦点不同、以及人与人冲突的力量的因素。西方现代舞打破了舞台平衡的传统观念，体现了创新意识。 4.对比：在大自然中，在日常生活中，到处体现出对比的规律。对比也是艺术的生命，它可以使艺术达到完美的境地。舞蹈编导应充分认识对比的艺术力量，避免平铺直叙和平谈无奇，除了动静、快慢、强弱、大小等对比手法外，还应注意人的身体的对比、精神的对比、矛盾的对比等等。 最后讲一下群众场面的调度。群众场面不仅要求画面的美观，主要还是为了表达剧本内容和人物的思想感情，编导在排人数众多的群众场面之前，必须详细地想好每个演员在舞台上的准确位置与动作，编导要有“内心视象”，想象出舞蹈场面的大致的效果。群众场面必须是移动的，因为它要随着剧情发展而变化。编导在排练前要讲清群众场面的内容，让演员听音乐，教会动作顺序，决不能让演员习惯于杂乱无章。