美国小学美术教科书中有关美术语言内容的介绍1.doc

远程培训课程资源初中美术美国小学美术教科书中有关美术语言内容的介绍上海师范大学教育学院 胡知凡最近，笔者翻译了2005年由美国斯科特福尔斯曼皮尔逊教育出版社出版的小学六年级美术课本中有关美术语言的概念和学习内容，以及教师参考用书中有关美术语言的考核标准，现介绍如下，以期为我国中小学美术教师的教学、教科书的编写提供借鉴与学习。该套小学美术教科书，一至六年级每个年级学生课本一册，并配有教师参考用书一册，共计12册。教科书每册之中，美术语言是学习的主要概念和内容，由浅入深、循序渐进地展开介绍、学习。教科书把美术语言分成两大类，即艺术元素和设计原则。艺术元素包括：线条、形状、形体、空间、明暗、色彩、肌理；设计原则包括：平衡、强调、比例、图形、节奏、统一、变化等。此外，学生课本后还附有艺术元素和设计原则的图例与照片，便于学生学习和理解。一、艺术元素与设计原则（一）艺术元素 (The elements of Art)在我们周围世界里，到处都能见到艺术作品，如我们见到池塘水面上呈现的涟漪；或是斑马身上的条纹，这些天然图形，是大自然所赋予的艺术作品。我们也能见到由人类所创造出来的各种图形，即由艺术家所设计、创造出来的图形，我们也称之为艺术作品。由艺术家构思创作的艺术作品，为的是用来交流他们的思想和情感。艺术家在创作艺术作品时，往往要使用许多艺术元素，这些艺术元素犹如作家所使用的单词一样，是为了能更好地组织艺术作品。因此，在艺术作品中艺术元素犹如建造房子时的砖块，是用来构建思想和传递情感的。线条（Line）线条是由点通过空间移动时所形成的轨迹。我们在泥土上用棍子，就能划出一条线来，我们也能用画笔在画布上画出一条线来。各种线条会呈现出不同的特性，艺术家往往利用线条的粗壮与纤细、光滑与粗糙、流畅与间断的特性，来传递不同的信息和思想情感。线条的类型垂直线，是由上向下，或者是由下往上所形成的线条。如旗杆或巨大的红树干。垂直线给人的感觉会显得强而有力。水平线，是从一边到另一边的平行线条，如在大海上向远处眺望时，见到天空和海平面之间的水平线。 水平线给人的感觉会显得平静而安宁。对角线，是从一角到另一角，呈倾斜的线条。对角线会给人暗示着运动和骚动的感觉。锯齿形线，是朝不同方向移动，并连续形成尖角的倾斜线条。锯齿形线条会给人以一种混乱或骚动的感觉。曲线，是不断地呈弧形变化着的线条，如我们平时见到田野中弯曲的小路。曲线会给人以柔美、移动的感觉。形状 (Shape)我们平时见到一块桌布、一张纸或篮球的投影，它们之间有什么是相同的？如果他是一位艺术家，就可能会说，它们都是形状。所谓的形状，它是呈平面状的，即具有长度和宽度的二维空间。环绕着形状的四周，是边缘或称轮廓。我们可以通过形状四周的边缘或轮廓来了解不同形状。形状的类型形状可分为规则的形状或称“几何形状”，以及不规则的形状即“自由形状”。规则的形状，是指那些精确的、数学上的几何形状。如圆形、方形、三角形等几何形状，以及由这些形状变化而来的椭圆形、长方形等。绝大多数规则的形状，都能用尺之类的工具来绘制。不规则的形状，是指那些随意而自由的形状。在自然界中，我们经常能见到这样的形状，如自然界中的一片树叶、一朵花、一块云朵的形状，都是属于不规则的形状。形体 (Form)形体是指具有高度、宽度和深度的三维物体。一只篮球就是形体，它呈现的是圆的形状，即它不仅具有高度、宽度，而且还具有深度。形体有空心和实心之分，如篮球内部是空心的，而岩石内部却是实心的。我们若要全面了解一个形体，可以从形体的正面、轮廓和背面来欣赏。有时我们甚至可以从形体的内部来察看，如当我们在欣赏一幢建筑物时，就可以从建筑物的内部来观看。形体的类型形体如同形状一样，也分为规则的形体或称“几何形体”，以及不规则的形体即“自由形体”。规则的形体是指球体、立方体、锥体等几何形体，它们的外形分别类似形状中的圆形、方形和三角形。我们平时见到身边的一些摩天大楼、圆筒状物、热气球等都是在球体、方体、圆柱体、锥体等几何形体的基础上变化而来。正如不规则的形状一样，不规则的形体，也具有随意而自由的形体边缘。在自然界中，我们经常能见到不规则的形体。与不规则的形状不同，不规则的形体也有深度，如平时见到的苹果、树木和动物就是属于不规则的形体。空间 (Space)对于大多数人来说，空间意味着存有许多东西。对于作家来说，空间看作为在一页纸上单词之间的空白之处。对于天文学家来说，空间意味着环绕地球的巨大宇宙。对于艺术家来说，空间意味着在物体的里面和周围的区域。在艺术语言中，空间被描绘成空的或满的区域，遥远的或附近的区域；巨大的或微小的区域。艺术家们认为，空间可分为正空间和负空间。正空间是指由一物体所占据的区域；而环绕物体的区域，即限定物体边缘的区域，就被称为负空间，如，你自己身体的形体，就是属于正空间，而环绕你身体周边空的区域，就被称为负空间。空间与距离艺术家运用各种技法，试图在二维的艺术作品中创造出纵深的或具有深度的空间错觉来。我们在一幅平面的画布上，有时会看到一些物体似乎离我们很近，而有一些物体似乎又离我们很远。为了创造出这种深度的错觉，艺术家往往采用近处物体的细节表现得非常清晰具体，并利用近处的物体来遮挡住后面的物体；而远处的物体，一方面变小，另一方面，细节表现得简单，甚至模糊不清。前景，是指画面上最接近观者的景物。背景，是指画面上远处的景物。中景，是指画面上前景与背景之间的景物。重叠，是指画面上物体与物体之间的前后重叠、遮挡关系，离观者越近越大，越远越小。透视画艺术家使用直线透视法，通过方位线使这些线在远处的一点上相遇，产生深度感。视平线，是指眼睛向前平视时，一条与画者等高的水平线，如在旷野向前平视，见到地和天相遇的一条线。消失点，也就是灭点，即相互平行的线向同一个方向聚拢、消失。明暗 (Value)明暗包括色彩的明度和暗度。在无彩色的情况下，明暗呈现出阶梯式的灰色深浅变化。艺术家使用不同的明暗变化，可给平面的或二维的形状，表现出三维的形体来。艺术家在一件艺术作品中，可通过强化明和暗的关系，达到对比的效果。也可以通过明和暗的深浅渐变，使画面物体产生高度的立体感，形成具有深度和立体的幻觉效果。色彩 (Color)1660年，伊萨克牛顿先生在一间黑暗的屋子里，利用一束太阳光穿过三棱镜，分离出光谱色的实验方法，来证实太阳光是由五彩缤纷的七种颜色组成。他的发现帮助艺术家更好地了解到色彩与太阳光之间的关系。物体上的色彩是由物体对光的反射或吸收的程度不同，而引起视觉上的不同感觉。颜色是色彩的另一个词汇。色彩的类型 原色，即指黄色、红色和蓝色。原色意指最基本的或是第一次颜色的意思。这些颜色其他的颜色是无法调配出来的。原色与黑色和白色一起，能帮助你调配出所想要的任何一种颜色。间色，即指橙、紫、绿。它们是通过两种原色的调配而产生的，因此也称为二次色。复色，即指在色轮上一种原色与一种间色相互之间的调配，或是用两种间色调合而得到的颜色。色彩和情感 色彩冷暖感觉是人们在长期生活实践中由于联想而形成的，例如，红、橙、黄等色，使人联想到太阳、火光等，给人以热烈、温暖的感觉，所以称为暖色；蓝、青等色则给人以寒冷、沉静的联想，因而称为冷色；而绿、紫等色又会给人以不冷不暖的感觉，故又称中性色。色彩的特性 颜色有明度和暗度，即明暗度。颜料中加入浅色或白色，会使颜色的明度提高，反之加入黑色或深色，会使颜色的明度降低。纯度是指颜色的纯净度。接近标准色的颜色，纯度较高。艺术家们会利用色彩的明暗度或纯度，来创造和谐的、或对比强烈的作品来。色彩的配合艺术家们往往要考虑如何使各种色彩之间搭配达到特殊的效果。在艺术作品中，色彩的搭配成功与否，往往会影响到观众对一幅作品的情感。单色配合，意指“一种色彩”配合。 这种色彩配合，是利用同一种颜色的不同深浅变化，使一幅作品达到统一的效果。 类似色配合，即指色轮上相互靠在一起的颜色之间的配合。类似色配合，既包括暖色之间的配合，也包括冷色之间的配合。互补色配合，即指在色轮上直接相对的两种颜色之间的配合。艺术家使用互补色可以使作品达到醒目、甚至刺眼的效果。非彩色配合，是指运用黑、白、灰色不同深浅的配合。非彩色配合能反映一种安宁、寂静的心境。肌理 (Texture)作家使用直喻或隐喻的方式来描绘肌理，如他们往往会把用手触摸到的或眼睛看到的东西，使用“粗糙”、“柔滑”、“有光泽”，或“暗淡”等词语来描述。视觉艺术家在一件艺术作品中表现肌理，也是为了达到“粗糙”、“柔滑”、“有光泽”，或“暗淡”等目的。肌理的类型艺术家们都知道，肌理能通过触摸或者通过观看来感觉。艺术家在作品中利用一或两种肌理，能帮助观众更好地理解作品的表面效果。触觉肌理，通常也称实际肌理，即如果你用手触摸它表面时，是能够感觉到它的。视觉肌理，有时也称模拟肌理，即需要通过视觉的感觉，来体验它表面所呈现出的肌理。（二）设计原则 (The principles of Design)艺术元素对于艺术家来说犹如作家使用词汇，而设计原则犹如作家使用语法来组成句子和段落，能帮助艺术家组织起各种艺术元素去表达他们的思想与情感。平衡 (Balance)在一幅艺术作品中，“平衡”意味着各种艺术元素是按照它们“视觉分量”来排列的。一幅具有平衡的艺术作品，没有一部分会压倒另一部分的。在艺术创作时，艺术家往往会运用三种类型的平衡元素来进行排列：对称平衡、不对称平衡、辐射状平衡等。平衡的类型当一幅作品这一半与另一半相似时，就称为对称平衡，也称为匀称平衡。当一幅作品两边看起来虽然并不完全相同，但是两边的视觉分量看起来相似，就称为不对称平衡，或称为非正式平衡。当一个有规律的图形，一些线条或形状从中心点辐射状展开，这就称为辐射状平衡，如我们平时所见到的自行车轮以及打枪的靶子等，都是属于辐射状平衡。此外，艺术家还会运用色彩来产生平衡，如用暖色与冷色来产生平衡；也能用同一种颜色的深浅变化来产生平衡；甚至用少量暖而明亮的色彩与大面积冷而灰暗的色彩来产生平衡。强调 (Emphasis)当我们在作演讲时，会用许多方式来强调重点，如一再重复所说的；提高嗓门；运用手势等来强调我们所要表达的意思。同样，艺术家在他们的艺术作品中，也会运用强调来突出所要表现的事物。强调作为一个设计原则，意味着艺术家要让他作品中的某部分加以醒目，达到突出的效果。呈现强调的方式艺术家呈现强调的方式，往往会通过突出某一个元素或事物最强烈、最重要的部分，这也被称为主导性的元素。这种主导性元素或事物可能是某种独特的色彩、形状或笔触，也可能是某一种形式或形状的有趣排列。另一种呈现强调的方式是，艺术家通过创造某一个聚焦点，或者有趣的中心点，如在作品中心，放置主要的物体等；或者创作一个比其他更醒目或更鲜明的物体。艺术家也可以利用各种线条或形状，使人们能直接注意到的物体等。第三种呈现强调的方式是，艺术家利用对比，即两种不同事物之间的不同之处，如通过安排浅色靠近深色的方式产生对比；或者改变色彩的明度，即它的亮度或暗度来增强对比等。比例 (Proportion)当点心师在制作糕点时，他们非常注意糕点的比例因素，如按一定比例面粉制作出精美的糕点，按一定比例的添加剂使糕点松软。像点心师一样，艺术家在他们的作品中也非常注意比例。对于一个艺术家来说，比例指的是一幅作品中各部分彼此之间如何取得联系，以及与整体之间如何形成关联。艺术家经常在他们作品的构图中，通过一件物体的大小或排列来呈现比例关系。比例关系艺术家们认为，人体存在着各种标准比例，因此，可以毫不夸张地说，世界上任何事物都与我们自身的人体比例有关。然而，艺术家在艺术创作时，往往会不按照标准比例，如他们为了使某部分更突出或更有趣，会改变物体原来比例。有时艺术家会把生活中的实际物体比例放大许多，使观赏者会产生一种敬畏的感觉。有时艺术家又会把生活中的实际物体比例缩小许多，使观赏者会产生一种渺小和脆弱的感觉。有时艺术家还会通过夸张或变形的方式，来强调比例变化，这种手法可使一件物体比真实的物体显得更为突出。图形 (Pattern)图形是指线条、形状、色彩等元素的重复使用，如在生活中，我们见到地毯、墙纸以及衣服上的图形。甚至在我们书房的书架上，排列在一起的书籍也会形成图形。可以寻找一下，在我们周边由各种线条、形状或色彩组成的图形。我们也可以有规律地组织一些图形，尝试设计作品的乐趣。在组织、设计图形时，可以运用空间、形状或肌理等元素。自然界中的图形艺术家能制作有规则的和呈几何形状的图形，但是在自然界中，图形往往是不规则的，线条也很少是笔直的。自然界中，物体上的图形往往会在形状和尺寸上发生变化，如鹦鹉螺其壳上的图形，被分割成许多小的空间，这些重复空间螺旋状地朝壳外侧边缘逐渐变大起来。自然界中呈现的各种图形，往往会使艺术家从中获得灵感，并引发创造图形。节奏 (Rhythm)艺术家在一件艺术作品中重复利用视觉元素，就会产生节奏感。当我们跳舞时，会随着音乐的节奏而跳舞。同样，艺术家也运用节奏来引导我们的视觉，吸引我们观看作品。节奏可使一件作品中的物体产生动感。节奏可以是平缓的，也可以是激烈的；可以是多变化的，也可以是无秩序的。艺术家在作品中，通常使用三种类型的节奏：有规律的节奏，即反复使用同样的元素，例如一种形状，反复出现就会产生有规律的节奏感。交替变化的节奏，即在一个图形中，重复两种或更多的元素，产生一种交替变化的节奏感。渐进式的节奏，即有规律地变化某种元素，如同击鼓一样，声音由轻逐渐到响的变化。艺术作品中某些元素从小到大，或者从亮到暗都属于渐进式的节奏。统一 (Unity)对于绝大多数人来说，都安于作为一个群体中的一部分，但是也有人喜好突出自己。艺术家在安排一件艺术作品时，也会遇到类似情况。他们在安排作品中的每个局部时，要考虑每个局部都要服从作品的整体。有时艺术家也会利用一些元素来突出作品中的某一部分。一件艺术作品，当艺术元素和设计原则和谐地组合在一起时，这件作品就会产生统一的感觉。构图中的统一构图意指如何使艺术元素和设计原则被安排在一件艺术作品之中。艺术家会有许多方式，使他们的构图达到统一，如：重复一种色彩、形状、图形或线条，使画面达到统一。用一种主要的色彩或形状，使画面达到统一。用相关的色彩，如类似色的配合，使画面达到统一。安排一种形状，如三角形与相似的锯齿形线条搭配，使画面达到统一。安排各种元素，产生秩序感，使画面达到统一。有时艺术家会在一件作品中，选择一个主题或中心思想，然后构图时，用各种形状或元素来支持作品的主题或思想，使画面达到统一。变化 (Variety)如果一位艺术家反复地使用红色线条和形状，就会使作品显得乏味。为了避免这种情况，艺术家就会思考在他们的构图中增加一些变化的方式。变化包括使用或结合不同元素，来增添一件作品的魅力。变化的方法艺术家可以用许多方式来创造变化，如他们利用相似的物体，但在局部上采取变化。除此之外，他们也可以用其他方式来产生变化，如：作品中运用少量的对比色。改变重复元素的大小或形状。在艺术作品中，利用不同线条或肌理产生变化。运用独特的元素，如独特的形状或色彩，让观赏者眼睛不由自主地注意到作品中的这部分。在艺术作品中某些部位，使用特殊的媒介物。总之，利用变化，可使你的作品产生意外的效果。二、艺术元素与设计原则的考核标准该套教科书教师参考用书中，还设计了一套艺术元素与设计原则的考核标准，具体如下：（一）艺术元素的考核标准线条识别并能说出不同类型的线条，如：曲线、直线、粗线、细线、波状形曲线、锯齿形曲线、虚线等。运用各种媒介物或工具来画各种线条。认识水平线、垂直线和对角线。（适合中年级）认识生活中的各种线条。（适合中高年级）运用线条来创造各种形状和形式。运用线条来创造各种图形和肌理。运用线条来创造动感。运用线条来表达思想与情感。了解线条是艺术元素中的一种元素。形状认识由线条组织起来的各种平面形状。识别不规则的形状。（适合二年级以上）识别并说出各种有规则的形状。排列各种形状，用来创作艺术作品。运用形状创作图形和肌理。了解形状是艺术元素中的一种元素。形体（Form）认识具有高度、宽度和深度的三维形体。识别不规则的形体。识别并说出各种规则的几何形体。用各种形体组合创作一件艺术作品。了解形体是艺术元素中的一种元素。空间认识我们周边存在着的空间。物体在空间中会产生前景、中景、远景。认识正空间。认识负空间。在艺术作品中利用空间。了解空间是艺术元素中的一种元素。明暗认识物体在光照射下的明暗变化。识别色彩中的明暗度，如颜色的深浅。用颜色创作淡色调的画。用颜色创作深色调的画。了解明暗是艺术元素中的一种元素。色彩识别并说出色彩中的暖色，并能在绘画中运用。识别并说出色彩中的冷色，并能在绘画中运用。识别并说出颜色中的原色和间色。用原色调和成间色。识别并说出复色。（适合中高年级）用原色和间色调和成复色。识别、说出并运用非彩色系列，如白、黑、灰色。（适合中高年级）认识色彩的特性，如色相、明度、纯度。（适合中高年级）了解色彩是艺术元素中的一种元素。肌理通过看和触摸认识物体表面的肌理。识别并说出不同类型的肌理。能分辨触觉肌理与视觉肌理之间的区别。在艺术作品中创造各种肌理。了解肌理是艺术元素中的一种元素。（二）设计原则的考核标准平衡认识平衡是设计原则的组合方式，在视觉中会使艺术作品产生均衡感。识别对称平衡。识别辐射状平衡。（适合高年级）识别不对称平衡。（适合中高年级）了解和运用平衡的设计原则。强调认识在艺术作品中运用了强调的原则，会使作品更醒目。（适合中高年级）识别艺术作品中强调的原则。（适合中高年级）了解和运用强调的设计原则。（适合中高年级）比例认识比例是局部与整体的大小关系。（适合