美术作品赏析.doc

在绘画艺术中，对人物描写的最高评价是“以形写神”，“形神兼备”。神是人物内心世界的一面镜子，它透射出人的性格、教养和品德。所以在艺术作品里完善刻画人物性格，深入探索人物心灵和精神层面成了艺术家追求的目标。我国著名画家阎立鹏先生说：“画家们运用造型艺术，可以魔术般的在平面上画出立体，画出三度空间，画出身体皮肤的质感、量感。但是，这不是真正的艺术，真正的艺术是艺术家运用艺术技巧，为人物造像，为对象传神。不独神似，贵在神采。不只是表现对象的外形。更表现人物的内心世界。”由此可见，人物画的成败取决于神韵的表现，人物的精神内涵是人物画追求的最高境界。艺术语言是绘画的灵魂。油画作为世界性的画种、绘画中的交响乐，在历史发展的长河中，形成了丰富多彩、变化无穷的艺术语言。如何运用艺术语言来表现人物的精神内涵?透过古今大师和优秀画家的作品，认为有一下三个方面。一、色层肌理色层是艺术家运用油彩、媒介剂等物质材料在油画绘制过程中所透露出来的造型和表现上的层次秩序。这种层次秩序是油画技法中多次画法所具有的透明特性与不透明特性相互作用而产生的综合层次美感。肌理是油画色层、笔触等表现语言与底子有机结合而呈现的一种整体艺术效果。色层、肌理是油画艺术中密不可分的统一体，有色层就有肌理，色层的厚薄影响着肌理的面貌。从油画的艺术语言来看，色层肌理有两种：厚色层的粗糙肌理和薄色层的平滑肌理。油画的色层肌理有助于画家充分的表达自己的情感和创造意图，并有助于提高作品的审美价值和艺术感染力。灵活创造色层肌理的艺术效应，就能够恰到好处的表现不同年龄、不同职业、不同性别、不同特征人物的精神内涵。在美术史上，有很多的画家利用厚实色层所形成的粗糙肌理来挖掘老年、中年男性人物的精神特征。西班牙画家委拉斯贵支在教皇英诺森十世中十分独特地运用厚实的色层和肌理挖掘了人物的深层心理，尤其画面人物的领子与脸的厚实肌理令当时的罗马人感到震惊。在当时没有人能这么大胆或有能力可以画出教皇的这副模样：教皇眼睛锐利的注视，双唇紧闭，脸色阴沉，几乎是一位冷酷无情的人物。画家将一位有权势的人物不安静的心理状态刻画入微。俄罗斯画家列宾的油画作品，就是运用浓重厚实的肌理，来表现人物的精神内涵，给人以强烈的艺术感染力。列宾的油画在技法上是属于直接画法，在白色的底子上直接作画，在塑造过程中，色层的不断交织叠压，形成浓重厚实的肌理层次，完好的烘托了人物形象。在其代表作伏尔加河上的纤夫中，我们看到：炎夏笼罩的伏尔加河上，一群拖着笨重货船的纤夫缓慢的沿着沙滩前进。在这幅作品里，列宾运用传统的构图形式，把人群分为彼此有紧密联系的小组来展开不同的性格描写，在表现语言上用厚重饱满的色层覆盖所获得的粗糙肌理塑造人物形象。他们被风吹日晒而变得黝黑的脸膛，破旧衣服的质感，都得到十分确切的表现。这群人物在鲜黄色肌理的映衬下，性格鲜明，犹如一组凝重的承受着与他年龄不相称的劳累，一边望着伏尔加河的对岸，似乎在梦想些什么。罗中立的油画作品父亲，在揭示人物精神内涵方面，可谓是中国艺术史上的里程碑。在画面里，画家用多层画法的厚实色层，层层塑造，色层饱和厚实，在塑造过程中所营造出的粗糙如土墙面的肌理特征，正好适合表现中国农民经受生活磨难、饱经风霜的脸。脸上沟壑纵横，挂满了大颗的汗珠，眼睛掩盖在媚弓的阴影中，“父亲”那种承受生活之重的精神状态和充满希望的内心世界，被表现的淋漓尽致。陈逸飞的作品龙眼，画面的粗糙肌理很好的展示了长期暴露在高原阳光下所形成的紫铜色皮肤的喇嘛的老脸。通过厚色块的冷暖对比，把老喇嘛对龙眼所迸发出的炯炯之光，表现得撼人心魄。在女性人物精神内涵的表现过程中，很多画家则采取平滑的色层肌理。达芬奇、拉斐尔、安格尔的女性肖像等都是堪称运用平滑肌理展现人物精神的典范之作，把人间女性那种美丽、温柔、善良的母性内涵表现得惟妙惟肖。二、笔触语言笔法是油画艺术的重要内容，在长期的发展过程中成了完整而丰富的用笔方法，有点、线、涂、摆、擦、搓等。这些笔法在画家造型过程中会产生不同的笔触语言，笔触是画家对于客观物象、色彩描摹的产物，是画家内心世界的外在物质痕迹，是画家眼、心、手与物象交接想搏迸发的电光火石。为了表现出创作的激情，灵动的笔触具有很强的变现力，成为艺术形象的组成部分。巧妙的运用各种笔触，发挥好笔触语言的特性，在人物造型过程中就能产生非凡的艺术魅力，能更好的表现人物的精神内涵。俄罗斯画家克拉姆斯科依、列宾、苏里科夫可谓是很好的运用笔触塑造人物精神内涵的画家。笔触在他们的画里不仅是作为塑造人物的语言，更重要的是呈现出人物的性情特征，揭示人物的深层内涵。克拉姆斯科依在托尔斯泰像中，运用粗犷、果断的笔法和肯定、准确的笔触，“尽精微”又“致广大”地表现了这位俄罗斯文豪的风采。纵观画面，作家的脸庞显得有些粗犷，看起来有些像纯朴的农民。然而他的精神却身份的犀利，使人感到一种内在的力量，缀满长须的下巴，显得结实饱满，让人感到作家坚忍不拔的性格魅力。这幅作品受到了人们的高度评价法，连挑剔的托尔斯泰也觉得十分成功。画家的高徒列宾说，只要他的老师还健在，他绝不会为托尔斯泰画肖像。列兵在油画查波罗什人写信给土耳其苏丹中，巧妙灵活的运用多种笔触，塑造了彪悍骁勇，不畏强暴的哥萨克人的性格特征，充分的展示在回信过程中不同性格的人物所爆发出来的笑。留着小胡子的头目的谢尔各有节制的笑；左边戴白色毛皮高帽的大胖子正在雷鸣般的轰然狂笑；而剃光头的哥萨克后仰依靠着木桶，正在哈哈大笑苏里科夫在技法语言上是一个运用笔触非常理性的画家，在近卫军临刑的早晨中，画家通过厚重明确的笔触，塑造了近卫军即将赴死时的不同心理特征，以及与亲友告别是复杂而悲痛的情绪，画家对人物形象的标下笔笔摆的肯定到位、方硬得体，笔随行转，神由笔现，是人物形象永远充满了阳光之美。三、光影光影能产生强烈的虚实美感，通过光影的对比，突出强化主题形象，具有一种神秘的气氛。光影在绘画艺术中的运用，源于十四世纪的文艺复兴时期。意大利画家达芬奇，首先使用了明暗对照法；卡拉瓦乔加以精妙运用，把光影艺术发挥到了极致；用它来刻画人物性特征的是荷兰的画家伦勃朗。伦勃朗的作品在运用光影、诠释人性方面堪称一绝。在人物描写的用光灵活多变，他完全凭借揭示人物内涵和思想深度的需要来决定。为了达到这个目的，他的作品有时候采用顶光，有时候是侧光、聚光，有时候是底光。有时用光由中心向旁边延伸，有时则是有旁边向中心聚拢。在描写真善美时，他选用柔和温暖的光；刻画人间苦难时，他用昏暗的光、再现暴力丑恶时，他用聚射光；在表现宗教的神秘气息时，则用弥漫光。“这时的光线不再是自然之光，而是艺术之光了。”在詹希克斯的画像中，伦勃朗用柔和温暖的由上而下的慢摄光线，最终定格到人物的脸部。人物神情微妙，眼神亲切，仿佛这位按姆斯特丹的市长在听取市民的倾诉。德国艺术史家卡尔纽曼在描述该作品时称画中的人物充满了“思想”。扮花神的莎丝吉雅，光线集中在人物的头、胸和放在胸前的手上，人物目光有神，面带微笑，形体丰满，肤色白中透红。美丽绝伦。此时，画家运用柔光之美，把花神那种庄严神圣、美丽善良的人间母性表露无遗，令人折服。犹太新娘两个人物个性鲜明，画种的人物含情脉脉，充满爱意，爱情使人物容光焕发，洋溢着幸福和甜蜜的感觉。在灰褐色的背景上，鲜明的红黄色使人感到亲切、温暖；柔和的光线揭示了这对新人幸福的表情，让人仿佛听到了一个动人的爱情故事。后印象主义大师凡高看到此画后万分感动，在给弟弟的信中写道：“我宁愿用我十年的生命，换取在此画前坐上两个星期。”扮保罗的自画像，画面用光明亮平稳，阴影较少，呈现一种金黄色调。伦勃朗含笑直视观众，把饱经风霜、历经生活磨难，看淡一切，对一切不予计较的大彻大悟、豁达而平静的心境，表达的恰如其分。艺术评论家考夫卡在艺术与要求性一书中指出：“一书作品是作为一种结构感染人们的，这意味着它不是各组成部分的简单结合，而是各部分相互依存的统一整体。”纵观古今中外的油画作品，往往是色层肌理、笔触语言和光影同时并存，他们互相联系，互为表里，构成了丰富而优美的视觉形象。作为画家，充分发挥艺术语言的特性，深入灵活并有效的运用于人物的精神内涵的探索之中，就能使所表现的人物形象形神兼备，意味无穷。相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。 中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。 从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。 中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的清明上河图，用的就是散点透视法。清明上河图反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。 依据艺术形象的存在方式可分为 时间艺术、空间艺术和时空艺术。美术是一种空间艺术。 依据艺术形象的审美方式可分为 听觉艺术、视觉艺术和视听艺术。美术是一种视觉艺术。 依据艺术的物化形式艺术可分为 动态艺术和静态艺术。美术主要是一种静态艺术。 依据艺术分类的美学原则可分为 实用艺术、造型艺术、表演艺术、语言艺术和综合艺术。美术是一种造型艺术。 依据艺术形象的表现方式可分为 表现艺术和再现艺术。美术中既有表现性的，也有再现性的。 依据艺术行为的表现方式可分为 行为艺术、肢体艺术，语言，表情等 从媒介的角度分 艺术形象大约可分为视象（绘画、雕塑等造型艺术）、听象（音乐艺术）、心象（文学艺术）和视听形象（电影、电视艺术）等。 艺术表现形式有外在和内在的 外在的是艺术的表面形式 内在是艺术的文化内涵红、黄、蓝的构成，蒙德里安作，1930年，布上油画，45x45厘米，苏黎世私人收藏。 在海堤与海组画中，所有曲线的痕迹都消逝殆尽，直线统帅了画面。虽然，形式因素越来越显示出其自身的生命力，然而蒙德里安并未感到满足。他后来曾这样写道，“看着大海、天空和星星，我通过大量的十字形来表现它们。自然的伟大深深打动我，我试图表达那种浩瀚辽阔、宁静和谐、协调统一但是，我感到我仍然象一个印象派画家那样，表现的是某种特殊的感受，而不是真正的现实。” 他的所谓“真正的现实”，就是隐藏在自然表象之下的“纯粹实在”。对于热衷通神论的蒙德里安来说，自然界的一切物象，无论是山水、树木，还是房屋建筑，都有其潜在的“纯粹实在”。虽然自然物外观各有差异，然而其实质却是相通的。画家的任务就是在画中把那隐秘的纯粹实在和普遍的相通性揭示出来。 他的这种思想，随着他与荷兰数学家、哲学家苏恩梅克尔的交往而日益成熟起来。 1916年，蒙德里安在拉伦偶然遇上苏恩梅克尔。此后，二人便经常会晤，并热烈交流思想。苏恩梅克尔是一位曾做过天主教牧师的通神论者，他提出了一种新柏拉图体系的哲学思想，称作“实证神秘主义。苏恩梅克尔对色彩也有类似的看法，他认为仅有三种原色存在，而三原色均具有象征的意义黄色象征阳光的四射运动，蓝色象征着天空的无限延展，红色则是中性和搭配色，是“黄和蓝晨曦时的细语交谈”。这幅作于1930年的（红、黄、