伴你高飞观后感.doc

.伴你高飞观后感有些电影，感染你的就是一种情绪，一种意境，比如伴你高飞，它几乎集结了人生中所有美好的情绪和意境，没有太多跌宕起伏的波折，就凭着一种单纯与美好，一种和-谐与自然，让我沉浸其中。伴大雁而飞，感悟自然，保护自然，融入自然，更让人们通过融入自然，彼此相连，此情此景实在让人心旷神怡。这部影片的开局带着忧伤，让我以为将是部治愈系的沉重电影，一个女孩爱米在交通事故中失去了母亲，来到了久未谋面的父亲家中。两人的关系带着一种诡异的反差，才13岁的爱米显得有些小大人一般的忧郁和早熟，而她的父亲倒是显出一个大男孩般的率性，甚至一丝古怪。生疏的父女间，必定以隔阂与冲突开场，倔强的爱米不时让父亲感到不知所措，这个男人显然没有做好足够的心理准备，醉心的仍是驾着他的小型滑翔机在天际翱翔。成长是一个相互影响的过程，爱米渐渐从父亲身上感受到了他的关爱，父亲也渐渐体会到了父亲的责任，一切看上去似乎将以传统的父女亲情大爆发的走向延续，直到一群雏雁的出现。伴你高飞 观后感 TITLE=电影 伴你高飞 爱米意外的发现雏雁是本片升华的开始，这群小雁出壳后，将首先看到的爱米当作了妈妈，一路尾随。爱米在与小雁子的生活中找寻到了久违的快乐，而父亲虽然因为这些小雁子有些焦头烂额，但是也以坚决的排除各方干扰，与爱米一同与小雁同乐，达成了与女儿更深的沟通。这群小雁成为了人与人感情的黏合剂，我们的沟通常常需要一个桥接的载体，有时候是利益关系，有时候是共同的喜好，而来着大自然的小雁就如同这样的一个使者，让父女俩打破隔阂，真正体会到了一份亲情。接下来的故事，可以看作他们将这份大自然的和-谐之力带向更多人的旅程，驾着滑翔机，他们带着大雁重新在天际飞翔，飞往即将被地产商占据的过冬的地方。一路上，他们走走停停，经受了不大不小的困难，但是却得到了更多人的帮助，哪怕误入空军基地，看似面容冷峻的士兵们也与雁群打成一片。一路上，随着父女俩，你也能感受到自然之美，从空中俯瞰辽阔壮美的大地，人、雁、自然，和-谐的融合成一个整体，共长天一色，给人以愉悦的感受。我们常常听到太多围绕自然的斗争性的新闻，争夺水源，争夺土地，争夺森林，可能是人与动物之间的，也可能是人与人之间的，仿佛自然永远是斗争关系的牺牲品。而这部电影表现出了一种美好的冀望，大自然成为了人与人之间关系的融合剂，而那群小雁就是其中的一个缩影。正是它们，让一个因为丧母而性格可能失衡的女孩重展笑颜，让一对父女的亲情走上正轨，更让他们用率真的心灵引导雁群穿越大地。伴随着这次飞跃，我们看到的是男女老少，高低贵贱，不分彼此的都为他们祝福，直到这场迁徙顺利的完成。我喜欢这一路上的风光，一路上的友善，一路上的热忱，一路上的坚定，整部电影展现着宽阔的视野和胸襟，和-谐之景让观众对自然心生的不是征服，也不是敬畏，而是渴望亲近的感情。我想，这正是这部电影试图传达的，我知道，现实中，并不是每个人都如片中的人们那么温和友善，利欲熏心的商人也不会如片中那样轻易的善罢甘休，如同片中父女一样愿为雁引路的人更是少之又少，但是，直面现实常常需要的就是这样温暖的情绪滋润，让那么多人可以在人与自然和-谐相处的种种路径下，摆脱一次又一次挫折后的沮丧，因为，哪怕看到一只大雁能在栖息地安然的度过一个冬天，也是令人欣慰的收获。所以，有时候，我们需要的正是这样的理想主义滋润，没有美化的景愿，又何来向前的动力? 伴你高飞 观后感 TITLE=电影 伴你高飞 本片末尾有一个细节值得玩味，在演职人员字幕显示完毕后，后面特别提到，本片参与拍摄的大雁没有受到非人道的对待。而在前不久新版三国导演高希希接受采访时，对拍摄过程中的战马六死八疯，倒是显得更愿意以此表现拍摄的战争场面效果的努力，而非马的痛苦。倍受指责后，他的狡辩却显得更苍白“我们一匹马30万，死不起。”，关心的是马还是成本?其实，这就是点滴理念的差异，自然界一些不必要的付出和损失本是可以避免的 7镜头方面。电视是用镜头说话的，它的镜头语言运用如何（构图、色彩、光线、速度、字幕、特技、声音等），那些镜头特别精彩，运用了什么蒙太奇手法等电影镜头分析十大要点（上）：一、 趣味中心画面中的趣味中心，也就是吸引观众目光之处。吸引观众眼球很多，但是在电影摄影中，对比度最强的区域一般来说是最可以吸引观众注意的。恰如一片黑暗当中的一点亮光，那么无论这个亮光出于场景的哪个点上，都是被观众的眼睛瞬间抓到。影片中的内在趣味中心也很重要，比如我们在看电影的时候，经常会注意到某某坏人在背后偷偷的拿出了一把枪，那么只要这把枪不是虚焦的状态，无论这把枪在画面中的位置和所占比例多大，都会被人们一眼发现。除此以外，黄金比例分割，引导线都是设定趣味中心需要注意的内容。二、灯光风格和色彩风格：首先灯光，是低调，高调，还是高反差风格？要说这个灯光可是相当的重要，拍电影花费的时间大部分都耗费在调整每个镜头复杂的灯光上了。一般来说灯光风格和电影主题气氛等有很大的关系。比如喜剧片，灯光就比较明亮，很少阴影布局，常用高调风格。如果喜剧中压暗灯光的话，那么这个喜剧便一般会有些反讽的以为在里面。悬疑片和惊悚片都趋于低调风格，很多阴影都采用透射式。悲剧和好莱坞大片就一般喜欢用高反差的风格。再次，关于色彩。每部彩色片都有一个确定的基本色调。色彩对影片象征性极强，一般来说，有名的彩色电影都有着表现主义的味道。一般而论，冷色调代表着平静、疏远、安宁；暖色调代表着侵略、暴力、刺激。具体说来，红色一般与激情和性有关，比如美国丽人；低调的灯光和暗色调一般表现压抑悬疑和一种宿命感，比如教父；褪色的暗黄色调表现的是保守，比如纯真年代等等。值得注意的是，彩色片中的忽然出现的黑白片段都是象征意义最强最明显的部分。一般用来表现法西斯时代的电影，都是用黑白片表现的。比如美丽人生剧中后来忽然泛白的色调，就是象征着地狱般生活的开始。当然，有些电影，比如辛德勒的名单就干脆用黑白来拍。三、镜头距离和镜头种类包括：大远景一般永远展现场景的所在。如果人出现在远景中，那么只有斑点般大小，这种镜头在史诗作品中经常出现，西部片中也常有。最近非诚勿扰的吕乐的几个北海道的大远景就非常的漂亮。远景 就是比大远景稍微小一点。中景 就是能囊括两三个人的镜头，中景是喜剧片的主流。特写 就是特写。深焦镜头 用广角镜头拍的。我们经常看电影会觉得很多镜头是只有一块儿地方清楚，后面的背景全部是模糊的。那玩意儿叫浅焦镜头，就是焦点很浅。深焦镜头就是从前到后全部都清楚的。深焦和浅焦哪个好，在电影史上，一开始争论极大。我们一般儿拍照片，拍人像，都觉得浅焦镜头比较漂亮，因为可以虚化杂乱的背景，突出漂亮的人物。电影中也是一样，哪块儿清楚，哪块儿模糊，都是导演说了算。而导演依靠的方法就是变焦。变焦可以给简单的剧情寓意化的效果。但是一代电影大师安德烈巴赞觉得这种镜头不好，巴赞觉得这种镜头把本身非常复杂的事件含义单一化也简单化了。所以巴赞觉得深焦镜头比较好公民凯恩就是一个运用深焦镜头非常完美的典范。PS:深焦镜头也叫纵深镜头。关于镜头距离，卓别林有一句名言：“喜剧用远景，悲剧用特写。举个例子，当他表现远方一个人物的荒谬处境的时候，我们会大笑；但是当他忽然切进特写凸显情绪的时候，我们会发现好玩的地方不再可笑，我们开始同情这个人。而且，镜头的距离影响到我们对于影片的参与程度。当很远的时候，无论这个是好人还是坏人，我们都无动于衷。但是当拉近特写的时候，好人会让我们投入的同情；坏人会让我们由衷的讨厌。四、镜头角度和人物所处位置镜头角度一般包括鸟瞰角度，俯角，水平角度，仰角，倾斜角度等。鸟瞰的作用是从正上方直接往下拍，让观众有一种天神参观凡间的感觉，有一种全局性的统罩感。俯角拍摄，拍摄下的主题会显得比较的无助和弱小。现在很多非主流的照片拍摄都喜欢采用俯角拍摄，然后很NC的90后少女瞪大了眼睛，扭足了嘴巴看着镜头，显非常的娇小可人。水平角度等同于我们人眼观察世界的角度，显示一种对等。仰角可以让人物或者景物显得更加崇高，增加主题的重要性。因为他会增加被摄物的高度，有垂直效果。可以让个子比较矮的演员显得更高。黄飞鸿系列电影中，李连杰很多都是仰角拍摄的，所以李连杰本身个子不高，但是里面也显得非常英气逼人。倾斜镜头 有时候作为主观镜头出现，或者在表示混乱的时候，倾斜这种不对称的构图方法，可以增加画面的动感。我们拍照片的时候，如果被摄的人物站的非常笔直则显得呆板，而如果稍微歪头，或者倾斜一下身体，则显得有动感和自然，就是这个道理。演员在画面中的位置表现着人物之间的关系。一般来说画面景框的中央是人们一般注意的焦点，写实主义的影片喜欢把演员安置在景框中央。但是表现主义影片在这其中则多变的多，景框的中央，上，下，边缘，都有着不同的隐喻和象征意义。一般来说，景框的上方，代表着权威和控制。而下方则表示脆弱服从和无力。因为从心理学上说，同样的东西，放在景框的上方和下方，上方总是显得重一点，有一种重压感。所以在一些鸟瞰镜头中，天和地的划分特别能够显示气氛。如果空荡荡的天空占据了画面的大半，则显得辽阔平静；而如果土地占据了大半，天空显得非常的拥挤，那么就会显得很压抑。同样，被挤压在景框边缘的人或者事物，都会失去画面的主控性，显得被动和无力。放在景框中间的一般都是具有主控权的事物。据个例子，如果，一个妻子不堪忍受丈夫的虐待，则一定会依靠在景框的边缘，而景框中间的丈夫张牙舞爪。但是，这些也不是绝对的，艺术理论家们认为谁在画面中取得重量包括色调和面积。面积越大，色调越深，则本质上的重量越大。五、景框紧