水彩特殊技法在教学中的运用及评价.doc

龙源期刊网 水彩特殊技法在教学中的运用及评价作者：李梦璋来源：艺海2008年第04期水彩画传入中国的历史刚刚百年，而高校课程中的水彩技艺教育也开设较晚，其影响尚不及油画等西方画种，但在文化互融、艺术多元的现代话语场中，她因为其无法替代的独特语言风格，引起了人们的极大关注，也取得了一些成就，因为没有哪个画种能让水这种润泽生命的物质以如此绚烂、丰富的面貌展现在世人眼前。但从历史层面来说，她又正处在一个滥觞阶段，存在很多值得深入探究的学理、方法。这就为高校水彩画专业教学工作提供了极佳的机遇，使得教师、学生能够从对她的研习中寻找到自己独特的艺术语言与风格。1. “特殊技法”的特征高校美术课教学中，通常按照“从规矩入，从规矩出”（王肇民画语拾零，湖南美术出版社1983年版）的方针循序渐进，初期以造型、调色等基本功的训练与名作临摹为主，而到了高年级就不能单纯地模仿了。古人云“善画者，师物不师人；善学者，师心不师道”。要独立思考、用心观察，重新审视自己的特点，学会观照世界。而探索特殊技法也就成为一种追求个性化语言的良好途径。所谓特殊技法，就是区别于传统的新表现手法，她具有一定程度的偶然性，但又是个人能够控制的，其施用方法主要有三大方面：（1）纸张及底料。这都是在画面基底上的改革，可以用各种纸张来代替水彩纸或者用诸如压克力、乳白胶，油画底料、水粉等材料改变纸张吸水、附色等性能。（2）色料。使用水粉、压克力、国画、岩彩画甚至油画颜料与水彩并用，利用它们的不同属性相互结合，形成特殊效果。（3）辅助媒材及工具。如留白胶、沉淀辅助剂、刮擦预备辅助剂、肌理辅助剂、闪烁辅助剂、增厚剂等材料以及拓印、拼帖、喷洒等改变常规画面效果的方法。形象地说，“传统”与“特殊”技法可以称为水彩画中的“黄家富贵”与“徐熙野逸”，特殊技法以前是不受重视的，被视为旁门左道。但由于现时学术宽容性增大、受众水平提高、批评机制逐渐健全，这种“野逸”也得以登上大雅之堂。在近几年的美展、水彩展中，以特殊技法为语言的作品由于远离视觉经验而倍受赞赏，屡获大奖。所以教学的运用，便是要解决学生用传统技法难以达到的效果，一种“自然而然”。由于这种新鲜的效果，使得学生们开始刻意去追求画味，理性认识这种特殊性，达到绘画心理的提升，是一种艺术情怀的本性弘扬。所以这是水彩教学中一个不可缺少的重要内容。2. 开设学段及对学生心理问题的解决本课程需要在具备一定的水彩画基础的学生中开设，不能让初学者来练习“特殊”，这是一种“僭越”，非但不能提高创作水平，反而会影响基本功的掌握，最适宜学段是大学二、三年级。此时他们对于水彩画基础知识已有一定了解，并且适应了颜料与纸张的基本性能，能够做一些简单的创作，是一种初学到熟练的中间状态。在一般的绘画特别是水彩画学习中，每到这时或多或少总存在一个“停滞期”，此时学生怀疑自身能力，相当长时间业务水平难以进步，甚至退步，提不起兴趣，在一种类似“阈限阶段”的关卡中徘徊，仿佛有一条无法跨越的鸿沟，但这并非创作水平的底线，而是一个过程，只要跨越它，便会有很大的进步。究其原因，这是因为对生活、学习世界图景中的现象长时间不予观照或只进行表象分析，没有寻找到实质内核，是以一种恒定生存状态来匀速运行时产生的麻木心理所引发的无意识状态，此时的学生因过于尊重对象、主观意识层面缺乏锻炼而停滞不前。对于生活视野中的事物没有太多新鲜感，兴趣退化，并且越是退化越是对美、对艺术品特别是自己的绘画作品（习作）以及对各种题材的观照能力失去信心，从而发展为有意识排斥，无力接受，产生一种惯性心绪，即自我意识的茫然化，最终造成创作机能上的不作为。怎样才能使艺术创作机能运转起来，摆脱无益状态，回归平和心态，恢复到正常的创作、学习中，从而稳健发展呢？笔者以为，最行之有效的方法便是引导学生试图反思、寻找突破口，将心态恢复到元始阶段，将那时的心境与现时的困惑加以关涉，进行强迫意识下的理论生活，寻求杂乱世界恒有规律中的特例，逐条理清，防止它纠结成混沌状态（一种复杂重叠）以此为突破口，将其置于生命榜样的力量之下寻找精神原乡，使游离的思维回归到一个心点，集中受控于自我的驾驭。这样便可以归于正轨，跨越障碍从而达到熟练掌握水彩技能的新阶段。而进行水彩特殊技法的训练便是在寻找特例，即区别与传统的特殊效果，是为突破这一“阈限”关卡的一剂良药，也是开始这项课程的最佳时间。在停滞期将它作为一种寻求突破的观照工具，以及关涉的桥梁。3. 教学目标及评价机制对于教学来说，特殊技法训练的目标除可以丰富绘画语言外，还有培养个性符号、增强水彩作品的多元文化与画面趣味性、提高视觉冲击力等多重效用，无论是习作还是创作训练，都有着非常重要的意义，也是一项较为复杂的工作。在教学中要检验、评价训练成果，使其达到预期目的。方法是：首先划出习作与创作的界线：习作是一种纯技术的基础练习，评价时要多关注技术难度和视觉特殊性，熟练程度越高、画面新鲜感越强也就越成功，这是创作的基础，只有在习作中取得丰富经验，才具备开展创作的资本，它是每个艺术家都无法跳过的“元始”阶段。创作的主要特征是：在内容上有独到的见解；在形式上有自己独特的风格；画得比现实更高、更美更有社会意义。故而对创作的评价要复杂得多，构成一幅成功作品需要具备很多要素，首先要充分构思，其次再考虑表现类型和技法。有人说创作不是为再现什么而画，而是为某种观念而画，这是有一定道理的。艺术创作的终极目标是为了表现情感，从而达到人文关怀的作用。故而在这个同时具有保守性与开放性的时代，我们已不需要过多思考“似与不似、美与不美”的古老话题了，美术并不全是描绘“美”的东西，也不一定要具像于某个事物，她是源于生活并且高于生活的。所以真正要思考的是创造出良好视觉效果与作品意境的方法，但这种效果和意境的创造需要较为深厚的理论基础和实践经验为支撑。古人云：“写生必须博物”创作更应如此，要在客观现实中寻找创作源泉。而各种特殊技法的施用也应建立在客观事物的固有情感或者绘画创作中作者的主观思想上，这是非常重要的，所以评价作品时，首先要看它是否体现出真挚的情感。因此题材的选用是重中之重，并非只有重大事件，反映重大社会历史问题的作品才能打动观众，在日常生活中也存在着很多能够以小见大，以情感人的小事件、小图景。故而在选材时更要把握住表现对象核心情感与平凡中的草根情怀，这样更容易打动观众，产生共鸣，展现出有意味的基点。而这并非在降低习作的艺术价值，仅仅作一个区分，只有合理区分，评价机制才能够成立，才具有稳定的理论基础。选材要充分考虑它的适宜表现幅度。在技法与题材的契合点上，好的作品能够把握住主次、虚实、节奏等构图以及色彩关系等要素，能够运用适当的技巧来表现合适的主题适可而止，拥有把握“度”的能力。所以只有学会权衡，创造出来的作品才能够被更多的人接受，召唤观众并加以再创造，如果滥用技法，便会“玩物丧志”，失去其本来意义，这是在训练中要特别注意的。水彩在我国虽然年轻，但也是“年轻有为”的，她已形成一整套较为成熟的理论体系。这也就意味着现时的教学工作，所要思考、顾忌的东西更多、更专业。我们不单要调整好学生的绘画心理，还要试图让他们去了解别人的审美心态，学会审美、知道什么样的东西才能润泽人们的心灵，这是在学习中与提高绘画技能同等重要的一个方面。所以基本功的练习与特殊技法的使用并不对立，它们都是提高作品内涵