服装画在服装设计中的价值体现.doc

校园礼仪服装设计分析校园礼仪服装是适合学生在各种喜庆场合穿着的服装. 它不仅培养了学生的团体精神,同时更能体现出社会的文明程度及学校的办学特点、文化背景,塑造了学校的整体形象. 1 校服使这一特殊的群体与社会其他群体区别开,便于社会对其关心爱护和管理. 目前,我国各类学校的在校学生接近3 亿多,可见,作为校园服装消费的这一特殊群体是非常庞大的. 但是,由于种种原因,尤其是经济和商业性原因,很少有人从研究与开发的角度来探讨校园礼仪服装相关问题的系统性设计方法. 本文通过深入探讨校园礼仪服装实用功能和审美构成规律,引入基于学生生理和心理特征的造型、色彩、材料系统设计方法. 校园礼仪服装应依其外观华美而正统增添庄重喜庆的气氛,有利于培养学生的文明、礼仪意识,营造平等和谐的学习环境.1 设计原则的分析校园礼仪服装设计涉及的范围非常广泛,它与现代科学技术和文化艺术,甚至与经济学、生理学、心理学、伦理学诸学科都有一定的联系. 校园礼仪服装和其它服装一样,不单纯是可供人们欣赏的艺术品,而且是一种具有使用价值的商品. 校园礼仪服装穿着对象是在校师生,在这一特定环境中从不同角度反映出穿着者的身份、气质、性格、文化素养等,并在一定程度上反映出一个学校的风尚和文化状况. 因此,校园礼仪服装具有物质和精神的双重作用,既有实用功能,又具审美价值,同时作为商品还具有一定的经济性. 服装设计的成功与否,首先得通过使用来验证. 我们在设计时必须考虑服装保护生命,利于活动的功能,以便于穿着,还要考虑便于制作等因素. 此外,服装作为商品,还应时刻把握消费者心理和其所处的环境及穿着目的等因素. 因此,在设计校园礼仪服装时,我们应本着实用、美观、经济这一原则进行设计.1. 1 校园礼仪服装的实用功能分析从服装与人的关系看,显然人是主体. 服装的实用功能性,表现在服装与人形式方面的和谐及色彩作于人在生理和心理方面得到平衡的机能性,也是表现社会机能的一种符号. 校园礼仪服装不仅能起到保护人体、调节人体温度、保健卫生、预防外界对人体的危害的作用,同时还应根据教师和学生工作、学习性质的不同,依据人体工学,设计出适应师生各种活动的服装. 23 其功能应该是协助师生的生活行动并提高其工作及学习效率. 由于学生正在长身体,服装应起到促进身体机能的健康发展. 服装应与人的生理与心理等方面达到完美统一的目的.1. 2 校园礼仪服装的审美性分析人们穿着服装除了实用功能以外就是对美的追求。从这一意义上说,服装设计的目的之一就是为了美观. 服装所表现的美有形态美、色彩美和动态美、静态美四种. 形态美的基础在于人体的姿态;色彩美在于色彩的调和、配色的规律性. 服装随着人体的运动表现出其动态. 当这种动态诱发出美感时,就显示出动态美. 动态美是服装这种活动的造型艺术独具的美. 校园礼仪服装要求具有静态美感,但应根据人体工学,使服装具有各种轻动作的动态条件. 校园礼仪服装作为团体服装,在款式、色彩上强调整体统一美,同时也体现个体的仪态美. 师生穿着礼仪服装,可以培养学生的美感、团体意识,可使学生自觉约束自己的行为. 校园礼仪服装不仅美化了人体本身,而且美化了环境. 校园礼仪服装设计要美观大方,使校园气氛显得整洁、统一,而且更加强调一定的组织纪律性,增强集体荣誉感,消除学生互相攀比心理,创造良好的学习氛围. 校园礼仪服装不仅美化了校园,净化了人们的心灵,而且树立了学校的文化形象. 随着经济的发展,社会的进步,校园服装应与时代同步,使之更加完美.1. 3 校园礼仪服装的经济性分析校园礼仪服装除具有一定的实用性,美化人体、体现人的精神风貌以外,作为商品还具有一定的经济性.从经济性来讲,存在着生产经营者与实用消费者之间的问题. 学校的师生是实用消费者,他们希望既能穿着与时代同步,能够提高工作、学习效率,体现学校精神风貌,价格又适当的服装. 对生产经营者来说,学生人数多,在款式、色彩设计上,统一一致,面料价格较低廉,制做时不需要太复杂的制作工艺,便于组织生产,省时、省力,工作效率高,成本低,销量大,校园服装生产前景非常看好.2 设计方法的探讨校园礼仪服装在学生处于生长发育阶段有着积极的作用,是培养下一代人意识、习惯、审美素质的中介手段之一. 校服设计肩负着培育新世纪人才和美化新世纪人才的特殊使命,在服装设计领域中占有独特的地位. 校园服装设计的对象有儿童、少年、青年及成年(大学生、教师) ,不同年龄的穿着对象,其生理特点和心理特性都有所不同,因此校园服装设计的难度比较大. 在设计中我们应针对不同的穿着对象来进行设计.在此仅对中学生校园礼仪服装设计进行分析和探讨.2. 1 校园礼仪服装设计造型(款式) 分析中学生校园礼仪服装设计的难度最大. 因为这个时期的少年的体型变化很快,体型比例很接近成年人.少年已有了自己的审美意识和独立思考的能力,但是尚未形成独立的观点,他们经常参加一些有益的社会活动,自身没有经济能力,对于服装的喜爱在很大程度上受成人的影响款式设计过于天真活泼,中学生不愿接受;而过于成人化的款式,又显得老成,失去了少年生机勃勃的特征性. 4 所以设计师一定要了解中学生的生理和心理特征,细心观察他们的学习生活习惯,掌握他们对衣着的审美要求,有意识地在设计中指导他们如何按穿着的目的和场合穿用服装.学生装是为学校设计的校服. 为了使校园的气氛显得整洁、统一,中学生的校服设计必须具备一定的标志性和运动机能性. 少年在这一阶段成长速度很快,而这类标志性服装又不宜经常更换,要考虑保持两年时间穿着合适,因而,设计的款式应具有调节性和组合性. 男生服装设计应体现其阳刚之气和青春活力,女生服装设计力求文雅秀美,使中学校园充满朝气. 校园礼仪服装可以用学校的名称、徽标等具有标志性的图案进行装饰,装饰图案的设计应简洁、明快,突出学校特性装饰图案多安排在服装较明显的部位,如前胸或前胸袋上. 根据具体的服装款式采用不同的装饰手法,如电脑绣、机绣、贴绣等具有较强的装饰性. 校园礼仪服装设计必须注意保持时装款式的仪态庄重,又不乏青春活力,以其特有的组合方式表达出少年朝气蓬勃,勇于探索的精神.2. 2 校园礼仪服装设计色彩分析校园礼仪服装是在校园这一特定场合集体穿着的服装,从整体上表现出严肃、统一,服装色彩不宜用强烈的对比色调,以避免在课堂上分散学生的注意力. 在进行设计时,我们可以利用调和的色彩来取得悦目的效果. 如秋、冬季用深蓝色与白色、黑色与白色或灰色、暗红色与白色或明度较亮的大红色、墨绿色等;春、夏季服装色彩宜采用较明朗的色彩,如白色与天蓝色、草绿色、粉红色等. 也可用小型图案与纯色配合运用. 此外,色彩在不同质地的材料上,也可以产生不同的外观效果. 如质地轻柔、有光泽的蓝色衣料给人一种流动、温柔之感,而质地疏松、粗糙的蓝色材料则给人以朴素、凝重之感.在进行校园礼仪服装设计时,我们通常采用朴素沉着的色调,上下装一般采用相同的色彩,颈部配以鲜艳的色彩加以点缀,胸部配以学校标志图案,使整套服装显得既协调统一,又生动活泼,富有变化. 如白色衬衫与深蓝色外套搭配,胸前装饰红色学校标志图案,整套服装色彩形成明度上的对比,使其具有庄重、严肃、明快之感,充分体现出现代化校园文化气氛.2. 3 校园礼仪服装设计材料分析服装是由一定材料构成的,同一款式、同一色彩的服装,由于所用材料质地不同,所产生的着装效果也有所不同. 因此,适当地选择和使用服装材料同样是校园礼仪服装设计不可缺少的一个重要环节.棉、麻、丝、毛、人造纤维、合成纤维、皮革等,各种材料又可采用不同的组织结构,产生各自不同的肌理效果.所以说服装材料有其各自不同的相貌特征和性格特征. 善于发现材料的特征与情感,对服装设计师来说非常重要. 例如质地厚重的材料能够产生粗硬的线条,人以刚强、沉稳之感;而质地柔软的衣料则产生柔软的线条,给人以轻快、温柔活泼之感. 材料的质感不同,设计的服装效果就会截然不同. 材料本身即是形象,材料的外观肌理、物理性能以及可塑性等,都直接制约着服装的造型特征. 可以说,服装设计水平的优劣,很大一部分因素取决于设计者对材料的理解程度和驾驭材料的各种技能,就象音乐家需要了解各种乐器的表现力和局限性,才能将乐曲完整地表达出来. 不同的人、不同的环境,需要选择不同的服装材料,营造不同的文化氛围. 恰当地表现着装者的个性的服装材料是服装设计成功的诀窍. 从材料本身的功能中求得艺术效果,开发材料的审美特性,是服装设计师的重要任务,也是一项具有开拓性的艺术创造活动.校园礼仪服装材料的选择着眼于服装的款式、色彩及用途,对材料的主要要求是其卫生条件、美观性和物理机械特性. 校园礼仪服装材料的选择一定要适应学生本身的需要,以舒适性为前提,要求质轻、结实、耐洗、不褪色、缩水性小、免烫等,最好选用天然织物,而且易于保养,价格相当的中低档材料. 如定型比较好、较厚重的材料适合于表现庄重、严肃、明快的校园礼仪气氛.完美地设计好校园礼仪服装,实际上存在许多困难. 设计校园礼仪服装,设计师必须把握时装的流行趋势,了解师生的生理和心理及穿着的目的和穿着环境,注意服装款式、色彩、材料的合理运用,以其独特的组合方式,保持时装款式的青春魅力,表达出少年天生的活力和开拓精神,对理想的追求和坚定的意志力.3 结语校园服装设计是一门综合性艺术,它作为社会文明进步的产物,不仅具有实用功能和审美功能及经济性,而且在一定程度上还负有教育作用,美化了校园,体现出校园文化风貌. 在国家倡导“科教兴国”的同时,校园文化得以不断地完善,用现代校园文化理论指导校园管理,不断提高管理水平和教学质量及师生素质,为培养新世纪人才,增强学校的凝聚力,设计师必须认真调查研究,勇于探索,方能设计出具有我国特色的现代化校园服装. 同时为丰富校园文化,使校园生活变得更加美好,为培养新世纪高素质的人才作出应有贡献.服装画在服装设计中的价值体现服装画在我国起步较晚,始于20 世纪80 年代初,我国服装设计教育兴起之时。可以说几乎与我国当代服装业的发展同步, 也就是近二十年的时间。此前, 我国服装行业并不重视服装设计, 更谈不上对服装画的认识。随着改革开放以来服装业的飞速发展, 服装设计与设计教育的作用日益明显与重要。服装画也随之广泛应用于服装设计领域。目前,全国各相关服装专业院校及培训部门均已把服装画列入服装专业必修课程, 服装设计人员以服装画形式传达设计意图已是非常普遍的方式和手段; 服装宣传媒介亦注重发表, 推广服装画; 服装画的水平在某种程度上已成为衡量设计人员和服装专业教育水平的重要尺度; 近年来, 服装画还是参加各类服装设计评选和竞赛的评判标准之一。然而, 在实际的服装画应用当中, 我们不难发现: 将服装画等同于一般美术作品, 或认为服装画只是“纸上谈兵”, 于服装设计无多少实际用途, 或者将服装画的实用功能与服饰文化宣传功能相混淆的现象时有发生。这主要是由于对服装画本体多重功能与内涵的合理实现和转换还存在着认识及理解上的误区而曲解了服装画在服装设计中应有的魅力与价值。一、服装画的本体内涵及其演进服装画, 顾名思义, 是服务于服装及服装设计的绘画形式, 是以绘画手段为表达方式体现服装设计构思及造型的服装形象图。隶属于设计美术范畴。服装画的起源与发展同服装设计和服装工商业密切相关。作为设计美术的一个门类,它的演变与发展是围绕着表现设计这一宗旨而不断完善其实用性与审美性内核的。从世界范围来看, 真正意义上的服装画到19世纪前后才出现,20 世纪初逐步发展起来。虽然美术史上各个阶段遗存的洞穴画, 墓室画, 壁画, 镶嵌画, 雕塑及其它绘画等为我们展现出原始人以兽皮, 草叶为服装开始到现在各个历史时期的服装风貌与状况, 但这些美术作品并不是服装画, 因为它们不是以表现服装和服装设计为主要目的而创作的。而服装画的最终目的是体现服装设计的意图及构想, 展示服装款式设计, 色彩配置及服装材料的平面效果, 为立体成衣与生产提供形象依据, 也可为服装设计的传播与欣赏提供可视讯息。虽然它采用的是以绘画方式表现着衣人物状态, 这似乎与一般美术作品(尤其是着衣人物画有着相似的地方, 但两者之间表现的根本目的不同, 其表现手法与内涵自然也就有了本质的区别。19 世纪前后源于欧洲的“时装版画( FashionPrate) ”, 被业内研究人士认为应是服装画的起始雏型, 限于当时的制作印刷条件, 采用铜版镂饰法绘制的这种服装铜版画把服装的细部和面料质感刻画的非常细腻和精致。它从产生之日起,就肩负着为服装作坊复制服装样式, 提供裁剪, 缝制新款服装样板的实用性工作内容, 同时又以其独有的服装绘画艺术形式对服装式样的推广及流行起着重要的传播作用。在照相技术出现之前,服装铜版画是非常珍贵的服装流行信息资料。现代摄影技术的产生,曾使服装画面临严峻的考验。摄影以其真实性的传感几乎取代了刻版印刷的服装画, 在20 世纪初为许多时装杂志广泛运用。然而服装画并未因此而衰落, 它在摒弃了陈旧的刻版形式之后, 以其造型技法的层出不穷, 现代绘制工具的更新与发展, 创作者灵性的设计原创意识以及独特的设计绘画语言体现服装设计神韵及审美情趣,在服装设计及播领域发挥着重要作用。尤须提及的是, 从设计角度来看: 摄影只能表现服装成衣后的效果, 而服装画不仅能以绘画形式凸现服装成衣效果, 还能为服装成衣之前提供设计形象及预想构思表现, 这是摄影所无法取代的。应该说,20 世纪的每个时期, 在世界范围内都产生过许多优秀的服装画作品, 为人类服装设计产业与文化增添了一道道独特而亮丽的风景。而今, 绘制服装画已成为从事服装设计所应具备的专业素质。现代服装画也随着服装设计与文化的不断发展有了更为科学和精确的分类。主要表现在实用性服装画与艺术性服装画两大倾向。二、实用性服装画的合理内容与应用实用性服装画是直接为服装设计与生产服务的。又称服装设计效果图或服装样式图。主要应用于服装设计公司, 厂企, 研究单位等专业设计生产领域。其显著的功用及特点表现在以清晰而便利的绘画效果体现设计构想, 为服装设计制版, 成衣直至安排生产提供明确的服装形象依据, 现代服装设计生产系统的规范管理与高效率运作和现代服装流行时尚, 消费市场千变万化的多元状态, 已不允许设计人员通过把设计构想只能以面料裁剪出来并反复修改这种旧式的手工作坊形式而造成的耗时, 耗材, 费力等无谓的浪费和不确定性,错失市场良机。因而预先在纸面上以绘图形式作精心的设计安排和尝试, 以便修改和求得完美的新款服装效果,就显得分重要。服装效果图因此成为现代服装设计中的重要环节, 是现代服装设计人员应必备的设计表达能力。绘制实用性服装画,首先须具备服装裁剪缝制的相关知识。对服装衣片接缝线,省道,褶,口袋,缉线,各种镶,嵌,补,绣等工艺以及服装局部造型等设计细部都须准确无误而详尽地表现出来, 并能够鲜明地表达出服装的款式特征。使得制板及缝制人员通过读图,即刻获得清晰而完整的服装形象与结构依据, 进而展开相应的结构制版和成衣制作。其二,对于服装面料, 色彩及主要配饰也应有准确的表述, 从而为设计生产提供完整的形象蓝图。因此,在开始设计构思及绘制该类服装画之前, 应对服装款式的流行趋势,材料运用,配色,裁制工艺,尺寸等作周密的了解和考虑。实用性服装画是以提供服装形象的正确性为首要条件的属于工作性质的服装构想图, 在其绘制手法上应力求表达设计技术的严谨务实。虽然它是以绘画语言如线条, 色彩, 块面展示形象, 但它必须能为服装从二维形象到立体设计提供最大程度上的技术层面的参照与支持。要具备十分清晰的设计与工艺操作的可读性。它与一般的人物画甚至艺术性服装画的主要区别也在于此。此类服装画的着装人物形象应选择易于传达完整的服装款式结构及美感的人体比例, 姿态和角度来表现. 。往往采用最适合展示服装理想状态的八头身人体比例, 避免如双手交叉于胸前,坐姿,卧势等动态遮挡服装构成形态。对于立体的服装的侧背面设计也不可忽略。背面的表现也可像正面一样以人物着装状态绘制, 但一般都将背面画成款式图。所谓款式图,是指只绘制服装而不画人的服装样式图, 应用线描形式认真刻画, 如各类衬衫,茄克风衣,裙裤,套装等等。款式图一般附在着装人物效果图的旁侧, 是对设计的一种补充说明,也是设计效果图不可缺少的组成部分。服装的面料, 色彩配置也应有小样标示于效果图上, 以供设计与生产时正确选用。对于服装的衣纹,色彩的明暗变化, 材料的质地及纹样都应概括而提炼地描绘, 因为不必要的零乱衣纹及光色变化会使人对设计产生误解。实用性服装画中的优秀作品如:日本“登丽美”服装效果图,德国“依格多”公司服装效果图以及KO 设计室的效果图等, 都以严谨而完整的表现手法充分体现了实用性服装画的特质与功用,也为我们提供了学习与借鉴的范例。三、艺术性服装画的魅力与价值与实用性服装画相比, 艺术性服装画则承载着更多的服装欣赏与审美的文化内涵, 当然其本身对服装设计的商业宣传价值也不可忽视。从应用角度来看, 艺术性服装画主要用于高级时装及成衣品牌的发布与推广, 服装流行趋势的宣传, 提供服装绘画欣赏与引导消费。它主要的阵地在服装领域中的宣传与发布机构, 如发布会宣传, 专业画报杂志, 服装广告, 宣传册等等, 也可单独作为欣赏型画种出现。专业上称其为时装画,服装宣传画或服装插图等。该类服装画注重画面的艺术效果,而不强调对生产的指导作用。所以表现式更丰富,生动。需要的绘画技巧也更高。在服装发达国家有专职的服装画师专门从事艺术性服装画的创作。能否突出地体现所描绘服装的风格倾向与精神内蕴, 充分领悟设计个性并以独到的服装绘画语言表现服装的时尚魅力, 借以赋予受众丰富的服装审美情趣及享受设计绘画灵性的愉悦, 是艺术性服装画创作的首要前提。在绘制手法上,它与实用性服装画因表现目的不同也有着较大的差异。艺术性服装画大多注重渲染特有的着装气氛,不太计较设计细部的具体表现和说明。构图与着装人物姿态的选择倾向于大胆, 自由, 甚至夸张。有时还衬有背景或情景。为了强调服装特殊的风格和氛围, 或出于画面欣赏的需要, 常常有诸多不同流派或风格的画法极大地丰富了该类服装画的表现内涵。譬如精练生动的速写性画法;华丽典雅的装饰性画法; 震撼扎实的写实性画法以及现代空灵的意向性画法等等。都以其各具特色的服装绘画语言诠释着现代服装变化万千的风格与文化精髓。徜徉世界优秀艺术服装画廊,大师们的作品可谓令人流连忘返,如饮甘饴。法国服装画家安东尼鲁佩兹为伊夫圣洛朗的时装设计所作的系列广告服装画, 以大气的线条, 流畅的色块极为精准地捕捉并发扬了圣洛朗时装特有的华丽高贵与最新的流行美感。俄裔法国人埃尔代这位服装画元老,自从1915 年以来一直活跃于服装画界,他的作品深受19 世纪末20 世纪初新艺术动动的影响,直到现代仍以这种画风表现现代感觉。给人以古典华贵的装饰性美感,别具一格。意大利服装画家威拉蒙蒂善于捕捉模特儿的最佳角度, 以夸张而不失优雅的浓重笔墨出色地展示出现代流行的美感, 而日本服装画家、设计教育家矢岛功的画风清秀,灵韵十足。作品洋溢着东方人对现代时尚的独特理解与表现技巧。这些优秀的服装画家包括世界著名的服装设计师如圣洛朗, 卡尔拉格菲尔德, 皮尔卡丹等人的艺术服装绘画凭籍灵气四溢的个性化表现语言及丰富的感染力为服装设计文化的推广, 时尚流行与传播作出了杰出的贡献, 是展现艺术性服装画魅力与价值最有力的佐证。同样,他们的作品也是服装从业人员学习研究服装艺术绘画最好的典范; 是我们丰富提高服装审美能力, 汲取设计灵感和养料的宝贵源泉。四、结束语总之, 对服装画本体内涵与功用的正确认识以及在服装设计领域中的科学应用是服装画自身价值能够得到充分体现的关键所在, 也是我们学习与研究服装画创作的必要前提。服装画的演进和现代意义上的分类发展是服装设计与文化发展的形象缩影。当然, 服装画也不是万能的, 它的存在价值建立在服装设计综合体系之中, 是服装设计有机整体的组成元素之一。也正因为如此,它的价值才愈显独特和真实, 有理由相信, 随着新时期我国服装设计与文化事业的蓬勃发展, 人民物质生活水平和服装审美修养的不断提高, 服装画这一独特的设计绘画形式必将在其应有的领域中发挥更大的作用。.论服装设计中的色彩语言诗人泰戈尔说过:“美丽的东西都是有色彩的。”赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫,构成了七色世界。人们对色彩的感觉是一种美感中最大众化,最普遍的视觉形式。生活没有色彩将苍白、暗淡,艺术除去了色彩等于人体抽干了血液。色彩各有其语言,它是世界性的,因为它抒发的情感是人类互通的。它又是极其个人的,因为它所表现的思想的确又是个人最内向的心绪。服装设计中的色彩也体现了它的世界性和个人化。中国几千年的服装,在色调上受到“阴阳五行论”的影响,以黄色的神圣和至高无上,象征中央。红色象征南方,青色象征东方,白色象征西方,黑色象征北方。黄色是一种温和的暧色,轻快、明亮、富丽,它又带有浓郁的宗教色彩,佛教的建筑、服装也往往采用黄色。蓝色和红色相反,是色彩中最含蓄,最内向的颜色,给人以纯洁透明的感觉。青色似乎是明净天空的色彩,意味着幸福和希望。比利时剧作家永莫里斯梅物弗克的代表青鸟中的青鸟,正是幸福的化身。古代中国和日本的高官阶层服饰,皆是紫色,至今日本举行隆重庆典所用的幕所用的幕幔和包礼礼品或茶道时用的绸仍沿用紫色。白色典雅、干净,西方特别是欧美,白色是结婚礼服的色彩,来代表爱情的纯洁与坚贞。黑色对人们心理影响可分为两类,一是消极感,使人产生恐怖忧伤的印象;再是积极感,使人得到安静、沉思,又显得严肃、庄重,它还象征着权利与威仪。西方的黑色燕尾服,又有渊博高雅的内涵。总之,色彩本身不存在美丑,各种色都存在固有的美,它包含有无穷无尽的色相和深浅、浓淡的色阶,这些色相和色阶相互搭配、组合,形成各种各样的色彩情调、色彩情感,即色彩的语言。色彩有着丰富的语言,那么我们怎么才能把它准确地运用在服装设计领域中,进行艺术创造呢?一、肤色与色彩在服装设计过程中,肤色是服装色彩中不可忽视的条件色。服装色彩的美,是人体着装后默契配合而形成统一美丽的一种状态。在设计时,必须把人的肤色与服装色作整体性的思考,这样才是整体的、科学的、艺术的构思方式。在一般的情况下,肤色在明度、色相、纯度方面都具有相对稳定的特性,它是服装色彩设计中相对固定的、基础的色。服装色彩的配置,既能对肤色起着加强和烘托作用,以显示或强化人的个性、气质和美感,也能在体现肤色美的同时衬托服装色彩的美。肤色与服装色彩是一种相互联系、互为衬托的关系。人体的肤色虽然具体、多样而微妙,但大体上可分如下几类:肤色在明度上有白肤色、黑肤色和介于二者之间的黄肤色;肤色在色相上有偏红色的、偏黄色的、偏黑棕色的、偏白色的;肤色在纯度上有深沉的无彩色为黑种人肤色,浅亮的有彩色为白、黄种人肤色。尽管人的肤色的好坏是天然生成的,但是通过恰到好处的服装配色,大都能弥补其肤色上的缺陷而显示美感。例如:非洲黑人的皮肤黝黑,牙齿雪白,他们往往用纯而鲜艳的色彩。如大红、桔黄,构成一种粗犷的风韵,使服装色与肤色协调而美观。而肤色较白的人,若穿着绿色衣服,会显得很高雅;若穿了明色的服装则会感到有失严谨。肤色红润的人穿着绿色服装,就不如白肤色的人穿着好看,若肤色黄黑的人穿了其效果则会更差。由此可见,考虑肤色与服装色彩的协调和美感时,最好的方法就是注意拉开两者颜色之间的明度差、纯度差、色度差的距离,即拉开对比度。例如:肤色偏黄的人如果穿藤色,会使肤色接近紫色补色,而显得脏,不如选用多层次的印花面料,因为通过各种层次过渡可以冲淡肤色与服装色彩在对比关系而显得更美一些。可见,服装设计中的色彩与肤色的调和美是极其关键的。二、体态与色彩体态是色彩在服装设计中不可轻视的视觉形态。人不仅有肤色上的差异,也存在着体态上的不同,这也是服装色彩语言中必须研究的一个基本现象。从体态的角度上来进行服装色彩语言的表达,主要利用色彩语言中必须研究的一个基本现象。从体态上来进行服装色彩语言的表达,主要利用色彩视错觉来考虑具体的人体体态,采用适当的服装色彩,使与着装后的人的精神气质构成一种整体美感。在色彩上,由于白色、浅色、暧色会给人以宽大、膨胀、前进的感觉,黑色、深色、冷色会给人以收缩、后退的感觉,黑色、红色、橙色还会使人产生一种沉重感,因此,利用色彩特性及错觉,综合人体体态上的高矮、胖瘦与色彩错觉的配置效果,就会收到扬其所长、避其所短的美化效果,使人的形态美与服装色彩美相得益彰。体态瘦高的人,由于基本形缺少一种健壮和丰满之感,所以服装不要使用单色调或冷色调,最好选择浅色、暧色调,利用视觉的虚幻感受和浅色、暧色的膨胀以分散目光,起到扩散面积的作用,使人体着装后显得健壮、丰满。人体矮胖的人,最好采用深色、沉着、素雅的冷色调,可以使人在视觉上有一种紧缩感,比较集中的显示面积整体美。体态矮胖的人不宜用对比强烈的色彩,也不宜选用鲜艳的、淡色衣料或质地硬挺的面料,不宜用大横格衣料或大印花花布,一般宜采用暗色,冷色较为适宜,不宜用暧色。总之,在进行服装色彩设计时,要充分利用色彩能引起人们视觉心理的原理来美化人的体态突出人的体态气质。三、心理与色彩服装设计的色彩在体现人们的年龄、性格、消费心理上各自有所不同。在年龄心理上的反映差异是非常大的。如青年人对色彩要求鲜艳、明快、活泼、对比强,以适应他们那种单纯、直观、活泼的心理要求。中年人对色彩要求漂亮而引人注目,要柔和含蓄,鲜明而不俗气,高雅而又大方。这是一种主观理智的色彩。老年人对色彩的要求是稳重、含蓄、漂亮高雅而不要求引人注目。在性格心理上,服装色彩对人们的影响也有所不同。性格沉静内向的青年人,一般要求协调淡雅而又含蓄的色彩,以满足心理上追求稳重、恬静、漂亮而不引人过分注意的性格。性格活泼外向的青年人,一般要求色调明快、多彩而艳丽的色彩,风趣乐观的中老年人,一般要求色彩漂亮而不鲜艳。深沉持重的中老年人,一般要求色彩含蓄而稳重。在消费心理上,服装色彩成为商品性的色彩,它既是构成服装商品的要素之一,又是服装商品整体美的重要组成部分,并作用于服装商品的销售市场,是服装商品竞争中的重要手段,成为销售心理学中的一个重要内容。人们对服装色彩的选择、偏爱及使用,也直接体现了某种消费态度、情感受及心理状态。这种消费心理导致了消费者的行为走向,即使用服装色彩的倾向性、规律性。作为设计者,必须研究并掌握这种心理变化,设计出适合不同消费层次、不同消费类别所需要的色彩,以满足不同消费者生理等方面的需要。总之,服装色彩设计要注意适销对路,引导服装商品的消费,并对服装市场的适应和竞争力起积极作用。综上所述,色彩是服装设计中不可缺少的要素之一。对设计师而言,它是一种语言。色因光而生,也借视觉而存,可真正给予色彩以生命跳动的是人类自身的热情。自然界中的一切姹紫嫣红、桃黄丹青、粉白黛绿.美好的色彩,却全在我们设计师的灵感底片上感光。最生动的语言是诗,最美好的色彩也应该是诗。服装设计效果图表现与水彩画技法服装设计效果图,是对设计思想的表达,目的在于设计师将设计构思化为可视形态,把脑海里所想的用直接明了的方式表现出来,让人一目了然,使人们能够了解其意图并提出修改意见。服装设计表现贯穿着服装设计的全过程,设计的不同阶段需要不同形式的表现图。由此可见,服装设计与服装设计表现不可分割。设计师在具备了良好的专业知识的同时,还要有一定的设计表现能力。效果图表现的好坏,直接影响着设计师设计意图的表达。因此,这种服装设计效果是服装设计师必须具备的设计表达能力。而绘画这种效果图的技巧,是服装设计师应该而且必须具备的基本功。水彩画作为一种表现技法是设计师们最常用于设计表现的形式之一。水彩画之所以受到服装设计师的青睐,是因为它与众不同的特性。如它有着不可替代的透明性,而且表现快速、颜色易干,色彩层次丰富、表现范围广的特点,还可与水彩、钢笔、铅笔、麦克等等结合使用,使效果图更具丰富多彩的表现魅力。画好设计效果图必须要有很好的绘画基本功,而绘画基本功好并不意味着就能画好设计效果图。设计表现与绘画创造是有区别的,比如水彩画的写作创作,在艺术创作上可以不受太多外界条件束缚,可尽情抒发表达。而在服装设计表现上,设计师就不能像画家那样随心所欲,而要受一些条件制约。画服装效果图的目的是将更好的表达设计师的设计意图,设计内容放在首位,当然, “艺术化地表现”是会增强效果图的表现力。故此,效果图兼有实用与艺术欣赏的功能。如何掌握一套较好的效果图的表现技法。这对于设计师来说是至关重要的。要进行针对性的训练,在掌握人物的比例、动态、服装结构的同时,也要熟悉地掌握绘画技巧,这里,着重谈到的是水彩画技法的训练。服装设计表现的技法基础是人物造型而后是色彩。在进行水彩画练习时,可先作人物半身或全身像的写生。从实际对象上表现色彩。以掌握的提高用水彩画真实地表现人物的能力和色彩调配的方法。稿的好坏直接影响到画面,因此在水彩画训练时,首先就要养成打好底稿的习惯。然后再正式上色就比较简单了。在表现时,要在色彩色调关系、虚实布局,深浅空白、形式美感等方面都应先考虑成熟,充分发挥主观能动性,落笔要干净利落,自然流畅,一气呵成。艺术趣味主要来源于各种绘画技巧。除各种不同的表现形式和各种不同的表现手法外,各种绘画用品材质的充分发挥也能加强画面趣味性。从水彩画技法的表现来讲,它能以干画法层层加叠而充分细腻地表现服饰,并以流畅轻快的笔触加强绘画感。这就在水彩画基础训练时,要能恰当地运用水彩画的水色交融,练习渗化,润合等湿画技巧。以使画面透明、流畅而增强画面的趣味。在服装设计表现图中,面料质感的表现是十分重要的,一张完整的设计图,对服装面料的质感表现是必不可少的。质感表现的好坏直接影响到最终产品的效果。因此在水彩画基础训练时,要多画一些皮革、金属、玻璃器皿、织物等一些物品,针对不同的材质,归纳总结出相应的表现方法。服装设计表现用的绘画工具发展很快,一些传统的水彩画工具已不能适应这种具有功能的水彩画的需要,在进行水彩画训练时,应多尝试用新的工具,如水融铅笔、设计专用水彩纸、昵绒头笔等等。这些新绘画工具的使用,可以给表现图新的面貌。水彩画的一些针对性的基础训练,是为了更熟练的掌握运用水彩画技法。通过水彩画技法的运用能更有效地、更快地、尽可能地体现和表达出设计构思,让水彩画技法给服装设计表现注入新的活力。下面我想谈谈水彩画使用在服装设计效果图中的一些表现技法。服装设计效果图采用水彩颜料,不同纹理吸水快慢的纸张的及其它工具,对体现各类面料质感都会有非常好的效果。美国著名的服装画大师哈兰科拉柯维奇的一幅男装设计图。在表现男装的粗麻面料时,就采用了粗纹理水彩纸张。先将纸用大底纹笔刷湿,使纸湿透,然后尽快地将第一遍色铺上去,待颜色干后,用水将画上的颜色冲洗一遍,洗去浮色,然后再正式将所需的服装色彩画上去。由于水彩颜色具有一定的透明度,所以原第一遍上色冲洗后具有粗纹理的纸还保留在画面上,这样所表现的粗呢面料质感的服装很好体现出来了。又如法国服装画家安东尼鲁匹兹的一幅作品,是一位正在舞蹈的女郎,穿了一套用纱做的褶裙,为了充分表现面料的飘逸、膨松、透明及流动的感觉,画家采用了吸水较慢且纸张纹理较细的水彩纸。可先用清水将纸刷湿,待水在纸上充分渗透后,便可开始上色,这样纱的质感就能体现出来。如要体现一些带有小花纹的薄纱衣服,可采用在未干的颜色上用喷雾器喷一下水或者先用油画棒画出花的纹后再上水彩色的方法。再如台湾服装画家萧本龙,在画绸缎及皮革面料的服装时,就特别注意不同材料质感的表现。他认为如果表现不好,皮革绸缎面料就变成了一般面料。因此在绘画进技法运用尤为重要。在画深色皮革面料时,可采用吸水少的卡纸和光面纸,绘画上采用一种颜色的明度对比,一般来说表现这类面料时明度对比较大,而深浅之间的水份掌握尺寸要适度,从而在过渡中自然地融合起来,一幅表现绸缎、皮革的服装就体现出来了。一幅好的服装设计效果图采用水彩画与油画、版画等方法来表现都各有特殊效果。由于水彩画充分运用水份、水色相互融合,虚实省略得当,节奏容易掌握,而且使用不同的纸张,颜色和不同牌名的颜色,会产生意想不到的效果和趣味。现代绘画艺术对服装设计的广泛影响就绘画艺术而言,十九世纪末,二十世纪初是绘画史上一个空前裂变繁衍的时期。这场艺术革命较之十四世纪下半叶至十六世纪的“文艺复兴”运动给人类艺术界带来的震荡更加巨大。各种标新立异的艺术思想,艺术流派在这一时期萌生、兴起、蔓延。虽然绘画艺术同服装设计是两种绝然不同的艺术创作活动,但它们同属艺术范畴,只是表现的手法、形式存在着差异。由史以来,它们两者之间一直有着千丝万缕的联系。无论是充满宗教色彩的中世纪,还是奢侈豪华的洛可可时代,服装的造型线条,色彩韵律始终同当时绘画雕建筑的风格息息相关。所以历史上把服装称之为“流动的雕塑”,“流动的绘画”。世纪之初一批敏感设计师们,吸取当时各种艺术流派的精神,不拘泥于传统。服装界也掀起了一股反叛的浪潮。十九世纪末被称之为“近代巴黎女装之父”的沃斯,在女装设计中大胆地改良了传统的紧身胸衣和笨拙、累赘的“鸡笼式”女裙,并以人为本首创了用真人模特儿全方位展示服装整体之美。沃斯更大的手笔是将时装从宫廷推向市民阶层。他的创作活动和设计思维给现代时装的概念下了初步的定义。即服装趋向简练,以突出自然的形体为设计准绳。继沃斯的设计思想更富创造、革新精神的法国服装设计师保尔布瓦列特毅然提出了“还人体本来面目”, “要把妇女从紧身胸衣这个暴君手中解放出来”的口号。他第一个废弃、淘汰了传统的紧身胸衣和本世纪初的“S”形曲线胸衣。创导了不束身不束腰的改良服,使妇女终于摆脱了长久以来服装对她们的重重束缚。布瓦列特的设计一扫以往服装上繁杂的装饰,基本以直线型为主,简洁而明快(图1) ,他的设计风格反映了当时妇女争取自由解放的心态,深受大众的青睐。同时布瓦列特潜心钻研绘画、雕塑等艺术,吸取中国、阿拉伯等国丝绸、瓷器、地毯等艺术的精华,非洲部族的彩塑,新西兰土著居民的绘画艺术都成为他设计灵感的来源。他设计的服装的另一大特点便是色彩鲜艳,对比强烈,彻底打破了传统的灰、棕色调,洋溢着全新的时代气息。这同当时“野兽派”画家们运用豪放线条,大色块,简练,夸张,自由的绘画风格是非常贴近的(图2) 。以至象杜费这样的美术家,对布瓦列特的作品极感兴趣,并对他多元的现代绘画形式“野兽派”、“立体派”“非洲黑人雕塑”、“超现实主义派”、“抽象派”等它们技法、色彩、图案、造型都给服装设计以深刻的影响。本世纪著名的女装设计大师布加里埃勒夏奈尔曾是“立体派”绘画创始人毕加索的亲密朋友,夏奈尔那种孤芳自赏,桀骜不驯的个性与大胆、创新的设计思想同当时叛逆的绘画潮流是分不开的。纵观灿烂的服饰历史,现代绘画大师马蒂斯、毕加索、蒙德里安、达利等人的绘画意念与手法都曾被许多服装设计师淋漓尽致地表现在服装设计之中。当代“时装王子”伊夫圣洛朗于1965 年推出的“蒙城安”主题,严肃单一的直线条与女性婀娜的形体融为一体,充分展现了抽象派画家冷静的形式美(图3) 。而他1979 年以毕加索的绘画精神为创作灵感的又一个作品,以毕加索的画作为服饰图案,加上简朴现代的造型线,整个设计散发着浓郁的艺术品味和丰厚的文化底蕴。这些作品都被公认为世纪精品。超现实主义者“主张艺术要表现纯真的心理动力, 不受理性的任何控制, 摆脱所有审美和道德的偏见”。以夸张的,一反常规的艺术手段去追求新奇、怪诞的艺术效果。这种全新的艺术理念撞击着一代服装设计师敏感的艺术触觉,激发着他们的设计灵感。众多设计师一生钟爱绘画艺术并与之结下不解之缘。他们常常将“超现实主义”画派的构思与技法熟练地运用于服装设计之中。象迪奥、夏泊瑞丽、纪梵喜等设计巨匠都有着很高的艺术修养和绘画功底。夏泊瑞丽与“超现实主义”画家达利等人有着很深的交往,从她的作品中能够看出,她对“超现实主义”的绘画精神有着很深的理解。1937 年她推出的一款前后反转的上衣,并将高跟鞋倒置于头顶。这种非理性精神的设计确切演绎了“超现实主义”画派的精神。1938 年她又巧妙地将达利设计的图案直接应用于袒露后背的晚礼服,给人以新奇、惊喜之感,并取得了空前的成功。意大利设计师吉利就非常崇拜现代绘画大师劳森柏得,泰菲现代画廊始终是他创作灵感的来源。而瓦伦蒂诺1989 年发布的受霍夫曼作品启发设计的晚礼服(图4) ,将现代艺术优雅、单纯的意境展露无遗。现代绘画的广泛活动,让人耳濡目染了各种新的视觉艺术效果,为人们接受那些新奇、前卫的服装打下了心理基础。如今女装男性化,男装女性化已不再被视为“奇装异服”,中性化服装已悄然成为一种时尚潮流。亚历山大马克昆这位活跃在当今时装舞台上的设计怪才,他总是以超越潮流的观念,惊世骇俗的想象,运用不同材料,不同色彩,不同线条的奇妙组合,奉献出一台又一台让人惊叹不异的前卫时尚(图5) 。他的设计不但充分演绎了时装的潮流,而且完全超越了“服装”这个词的本意概念,给人以一种纯造型艺术的享受。此类年轻、前卫的服装风格正在受到越来越多先锋人士的喜爱。这不得不承认是现代绘画的深入人心而产生的效应。服装是一门兼实用性、功能性、艺术性为一体的综合性造型艺术。既然是造型艺术,那么绘画艺术就永远是其创作的根源。随着物质生活和文化生活水平的不断提高,人们对服装的审美要求也愈来愈高,但又不能失其实用价值。因此对设计师而言就既要有天马行空的想象力,又要以人为本着手创作,也许这就是设计师与画家的区别所在。激发、提高人类的审美意识是现代绘画艺术的创作法则。准确、充分地理解现代绘画艺术内涵,在提高设计师自身艺术素质的同时激发整个消费群对艺术的敏感性,在汲取现代绘画精华的基础上立足民族艺术之土壤,兼收并蓄,创出具有中国特色的世界级品牌。这是每位中国设计师为之努力的方向。时装的发展是永远同各门类艺术的发展相依相伴,功能和形式、审美的高度统一是服装设计满足现代人生理、心理需要的重要准则。发散性思维方式与服装设计09 发散性思维方式是指人们以某一事物为思维中心或起点而作的各种可能性联想、想象或设想，其思维方式具有发散性的特征。发散性思维是创造性思维的典型方式，它主要体现为“链接式线性发散性思维方式”和“辐射式发散性思维方式”两种基本形式。由两者交融的复合形式以及在不同层面的立体交叉形式极大地扩展了发散性思维所涉足的领域。无论从事科学研究，技术创新，还是文学艺术的创作，都需要发散性思维的参与和活动，而对于服装设计来说，发散性思维更体现在形象思维以及艺术化想象上。发散性思维对于服装设计创作的重要性不言而喻。研究发散性思维方式的特点和规律，自觉运用其规律从事艺术设计创作，具有重要的现实意义。一、链接式线性发散性思维方式这是一种由创造性主题为思维的起始点，随后一环套一环，一点连一点，一步接一步逐渐向外生发开去的思维方式，其思维的轨迹呈现出“线形”的趋势。此种发散性思维具有连续性、自由任意性、深入性、渐隐性的特点。1、连续性链接式线性发散性思维方式有点像意识流思维的状态，表现出鲜明的连续性流变的特点，举例来说：“以和平的名义”是2003年“中华杯服装设计大赛”的主题，在指导学生对该主题进行服装创作灵感捕捉的过程中，运用链接式线性发散性思维方式得到了如下的联想：和平和平鸽信鸽（和平心愿传递的信使）信（世界人民维护和平的心愿）世界各种民族书写文字的方式漂流瓶（表达传递和平心愿的另一种富于自然、浪漫、友谊的形式）大海（传送漂流瓶的载体，连接五大洲四大洋的纽带）海阔天空蓝天白云飞机9.11恐怖主义事件遮天蔽日的尘埃烟云战争克拉兹惠之反战的版画匍匐在大炮上的母亲形象流离失所的战争孤儿躺在母亲子宫里未出生的婴儿袋鼠妈妈和小袋鼠温和、甜美、安祥的感受。这一连串的意识流想象给设计者带来众多的设计灵感可能是和平鸽，可能是阐发和平心愿的不同文字，可能是蓝天白云所发射出的自由美好、心旷神怡的情境，可能是恐怖主义或战争的阴影，可能是挖掘反战名画的象征意义和影响力，还可能是具有代表性的象征自由美好生活的小动物等等，这些创作灵感再与服装设计的特殊语言、流行时尚结合起来，不断推敲完善，就有可能使创作灵感转化为打动人心的实用艺术作品。2、自由任意性此种发散性思维还体现出自由任意的特点，让思维的网络尽可能张开，可以不受思维定式和条条框框的限制。很可能从思维的起点到终点相差甚远，但涉及的面很广，有时在一个思维点向另一个思维点同构连接转换过程中可以得到十分绝妙、意想不到的灵感。例如：十八世纪罗可可服饰风格作为欧洲传统服饰文化宝库中的一颗珍珠，给予现代时装设计师以无限的创作灵感。拉克鲁斯（Christian Lacroix）以奢华和极端的女性化特征在他的高级女装设计中演绎了罗可可服饰的魅力；加里亚诺（John Galliano）以飘飘洒洒的玫瑰花瓣构成的“花雨”烘托出了他源自罗可可服饰灵感作品的感染力；而另一个来自美国某艺术学院学生的罗可可风格创新设计的服装作品却给予我们另一番不同寻常的感受：一件衣服别上了成千上万根别针，密密麻麻、层层叠叠。如果未经解释或未经思维上的引导，很难将其与罗可可服饰联系在一起。但当你细细品味时，却能感悟到其中的绝妙。可以推想创作者思维的过程：罗可可服饰遍布全身的褶裥、花边、花结、刺绣立体的层次和微妙的色彩中国园林里的假山石（罗可可一词本身就有此含意）别针钩链堆砌的视觉效果。发散性思维的连续性和自由任意性特点共同作用，磨擦出了设计灵感的火花。正象戴安娜王妃的服装设计师艾曼纽（Emanuel）在谈及设计灵感时所说的：“我们可能在看了一幅画或一张图后，仅仅发现一小项细节，而使我们停下步伐来，延着某些线条思索；由这些再引发一系列构想，也许这些构想看似与最初的来源并不么相关。所有这些奇妙的意象鼓燃着我们的创造力，最后蔚为另一种新的意念。”3、深入性链接式线性发散性思维有时会表现为由大而小、由远而近、由总体到局部不断深入的特点，其思维轨迹呈现出线条比较直顺的趋势。它对于艺术设计灵感的汲取和深化十分重要。我们往往在确定了设计灵感的基本方向后，采用链接式线性思维的方式，发挥其深入性的特点，挖掘精彩的细节要素，使夏奈尔服装拉格菲尔德设计求索与争鸣服装设计作品不断地丰满起来，成为有血有肉、充满活力的作品。4、渐隐性采用链接式线性思维进行服装设计灵感的捕捉，其思维的起始点往往是设计的主题，然后向外散发，形成一连串思维点，每个思维点又是下个思维点的起点。我们不难发现这样的规律：越接近主题的思维点就越容易感受到其与主题的显性联系，离起始点（思维主题）越远的思维点与主题间的联系就越间接，也就是这里所讲的“渐隐性特点”，尤其是在思维的轨迹呈直线性运动的情况时表现得更为明显。还是以前面所举的例子来看，“以和平的名义”这一设计主题从对“和平鸽”的想象开始，逐渐向外发散，直至“袋鼠”，一系列发散思维点所链接成的线条，其两端与主题间的联系和距离产生了很大的差异，前者直接明了而后者间接隐晦。由于链接式线性发散性思维往往会逐步发展为与