《曲式与作品分析》教案

曲式与作品分析课程计划教材选择：曲式分析基础教程 ，高卫杰、陈丹布主编作者：李拓班010303354教学对象：音乐学专业(三年级)时间限制：第一学期每周一次，有一个两小时的大课。第二次订单：第一周教学形式：课堂教学教学时间：80分钟讲座部分：讲座1:音乐创作的简单要素教学目标：掌握音乐创作的简单要素教学重点：调式和调性特征教学难点：调式和调性特征教学方法和教具：采用多媒体教学，以教学为主要手段，结合案例法和启发式教学，充分发挥学生自主学习的主动性，开展有效的课堂讨论。教学内容：1.方式2.色调教学过程：一、自我介绍促进教学第二，进入新的班级：我们经常听到音乐术语，如“调式”和“调性”，如A大调钢琴协奏曲，G小调交响曲，等等。但语气的概念是最难理解的。与节奏和旋律相比，它似乎离我们的听觉体验最远。然而，在音乐中，这种元素是无处不在的，所以我们应该尽力借助理论来理解和感知它。I .模式调式是音乐创作中用作音高材料的一组音调。理论上，这组音调是按音阶排列的，每一个音调的不同排列和不同的相互关系形成不同的模式。案例1:主要规模案例2:小规模无论是大调还是小调，第一个音调是最权威和稳定的，被称为主音或中音。较不重要的是从主音向上数五度的“从属音”和从主音向上数四度的“从属音”(称为从属音，因为如果从主音向下数，它位于较低的五度)。下属和下属的声音，就像主音的两个部长，支持主音，而其余的处于次要地位。如果你仔细地说，在这个由七个音调组成的小王国里，每一个音调都有它自己独特的价值和功能，或者有它自己的特点，但是它们必须服从于整体利益，这是世界的秩序。除了主音的不同，还应该注意到大调和小调音阶的具体结构是不同的。这主要体现在半音和全音的排列上。半音和全音是不同的“音程”音程指的是两个音之间的距离。Do和Re之间的音程是一个整音，包含两个半音，而Me和Fa之间的距离只是一个半音。它是键盘乐器上最小的单元(在弦乐器上可以细分成更小的单元)，也是我们共同的音乐概念中最小的单元。从以上两个谱例中，我们可以看出，在不同的音阶中，半音和全音的位置是不同的，即大调和小调的内部结构是不同的。详情请参考音乐理论。我们怎样才能听到大调或小调呢？最简单的方法是听一段音乐或一首歌的结尾。从旋律的角度来看，通常是主音结束了整段音乐，因为它是最稳定的。这种稳定感会导致明显的趋同，就像我们写文章时使用的句号一样。偶尔，也有例外。作曲者故意停止其他非主音的音乐，造成余音和余音的效果。此外，一般来说大调是比较清晰的，因为大调主音上形成的主和弦是大调三和弦(do，mi，sol)，相比之下，小调大和弦是小调小和弦(la，do，mi)，它的颜色有点暗淡。对于音乐欣赏者来说，最重要的是理解作曲家是如何使用模式作为音乐元素来表达他的思想或情感的。让我们以奥地利作曲家舒伯特的著名歌曲音乐作品曲式分析为例，它选自声乐套曲菩提树。在这首歌中，一个人被他的爱人抛弃了，孤独地在异国他乡游荡，回想起家乡前茂密的菩提树和他曾经快乐时的复杂心情。歌词的第一句是：“门前有一棵菩提树，长在古井旁。”我有无数的梦想，在它的绿荫中。他还在树干上写下了甜蜜的诗，并且经常在树下徘徊，不管快乐还是痛苦。这是流浪者对温暖过去的记忆。舒伯特用E大调写了这篇文章。整体声音温暖而明亮。案例3:舒伯特艺术歌曲冬之旅 (1)例1:舒伯特艺术歌曲菩提树 (1)如果旋律是用第一个音调唱的，或者简单地翻译，它看起来是这样的：这是E大调的主旋律。接下来，歌词从温暖的回忆变成了悲伤的现实。流浪者唱道：“今天，和过去一样，我游荡到深夜。我在黑暗中走着，闭上了眼睛。”这些词的语气是暗淡的，所以作曲家相应地改变了音乐。刚才旋律的轮廓基本上保留了下来，但是调式已经从E大调变到E小调了。案例4:舒伯特艺术歌曲菩提树 (2)例2:舒伯特艺术歌曲菩提树 (2)用第一首曲子唱歌是这样的：这里模式的运用非常精彩，它的明暗、热烈和苍凉的声音对比以及抒情情绪的变化都非常恰当。在这一段的后半部分，歌词的意境又变得温暖起来：“我好像听到树叶在轻声呼唤我：伙计，回到我身边，找到宁静！”所以作曲家把E小调的两个乐句还给E大调：例5:舒伯特艺术歌曲菩提树 (3)例3:舒伯特艺术歌曲菩提树 (3)大调和小调在艺术表达上有不同的含义。作曲家经常选择专业来创作清晰而华丽的音乐，表现出轻松愉快、英雄气概、军人风范等。用小调写悲壮或忧郁的音乐，表达痛苦、悲伤、长久的爱、缠绵的爱等。让我们再举一个例子。这是贝多芬的第三交响曲英雄。请先听第一乐章的开头。例4:贝多芬的“英雄”交响曲，第一乐章：这是bE大调第一乐章的开始。它非常坚定而有男子气概。第二乐章是葬礼进行曲，描绘了为自由而战的英雄们的英勇牺牲和人们为他们举行葬礼的悲壮场面。主题是在C小调，这是沉重和暗淡的：例5:贝多芬的“英雄”交响曲2:通过以上两个例子，我们可以理解模式在音乐表演中的作用。然而，音乐中的所有元素不是孤立的，它们必须与其他因素相结合。可以想象，如果将小调形式与强烈的强度、棱角分明的旋律和大胆有力的节奏结合起来，再加上辉煌的配声装置，其效果可能不会暗淡。类似地，由于其他因素，主模式可能变软甚至变暗。上面我们介绍了大调和小调，这是创作中最常见的两种模式。事实上，世界上有很多种音乐，而且模式非常丰富。例如，在我们的中国有五种由五个声调组成的调式：宫、商、焦、正和于。宫音阶从 1 开始，是1，2，3，5，6，商音阶从 2 开始，是2，3，5，6，1等。在日本、印度和阿拉伯国家，它们也有自己独特的规模。他们有庞大的实践和理论体系，而且相当复杂。第二，关键音调指的是一种模式的准确音高位置。我们经常会看到五线谱开头的节拍前面写着上升和下降的标记，例如：案例6: clef这些标记代表了音乐的准确音高，即音乐的“音调”。具体来说，它指示每个模式的主音位置。例如，在A大调中，这里的“大调”指的是它的音阶结构，“A”指的是主音在A的音高位置，第二个音在B之后，第三个音在#C，依此类推。假设它们是大调、大调和bB大调，它们的音阶具有相同的结构形式。如果他们从A大调换成bB大调唱同一首歌，旋律不会改变。这是日常生活中常见的现象：当人们唱歌时，第一个人站得太低，每个人都会说，站得更高。所以他换了一个稍微高一点的调子，并带领大家唱歌。因此，音乐会有很大的不同吗？如果仅仅就这两个相邻的音调而言，将不会有很大的变化。与A大调相比，bB大调只增加了一个小音程，听力没有明显变化。然而，如果我们结合其他元素来看调性的变化，我们会发现这是非常有意义的。我们以前采访过声音区，每个声音区也有其独特的表达意义。高音区明亮，低音区深沉，中音区适中柔和。如果一个旋律第一次用D大调演奏，然后第二次升到A大调，跨度相对较大(高五度)，你肯定会觉得音域的变化给了这个旋律一个新的含义。乐器演奏和音调的匹配也会产生不同的效果。由于其特殊的结构和泛音，铜管乐器由振动体和空气柱组成。使用降号键更容易演奏，降号键具有良好的共鸣和音色，如降B和降E，而弦乐更喜欢使用升号键，如D、A和E。因此，当作曲家创作器乐时，在选择调性时必须考虑乐器的性能。有趣的是，作曲家通常对调性有纯粹的个人感受。当一个人写悲伤的音乐时，他或她必须用一个较低的音调，而当写清晰简单的音乐时，c大调、F大调、G大调等等往往是首选。有些人甚至认为每种色调都有不同的颜色，比如红、蓝、绿、白等等。为了改变和对比音乐的颜色，作曲家经常在一部作品中使用多种模式和音调。从一个到另一个，这叫做“转移”。挪威作曲家格里格的管弦乐组曲菩提树朝京是一首具有优秀转调技巧的小曲，它成功地为听众描绘了沙漠的日出景色。作曲家只用了一个旋律，通过改变音调，形成了一幅绚丽多彩的画面。从天空刚刚变白到太阳逐渐升起，最后照亮了地球。生动的颜色变化让听众感觉他好像在现场。起初，主旋律出现在E大调，随后是一系列的关键变化：#G大调，B大调，F大调，C小调，D大调，等等。最后又回到了E大调的开始。最后的“音调回归”是使整首乐曲获得端到端的回声和稳定的效果。案例七：格里格管弦乐组曲培尔*金特朝京的主题例6:格里格管弦乐组曲培尔*金特朝京的主题第三，布置作业，总结新课第二次订单：第二周教学形式：课堂教学教学时间：80分钟讲座部分：第二部分是关于节奏和节拍的特点。教学目的：掌握音乐作品中节奏和节拍的特点和重要性教学重点：节奏和节拍特征教学难点：节奏和节拍的特征教学方法和教具：采用多媒体教学，以教学为主要手段，结合案例法和启发式教学，充分发挥学生自主学习的主动性，开展有效的课堂讨论。教学内容：1.打败2.速度教学过程：我复习旧课，组织教学第二，进入新的班级：节奏是音乐在时间上的组织。音乐节奏的概念非常广泛，从最宏观的角度来看，它可以说是音乐的“进步”。这一概念包括音乐中的各种运动形式，它们不仅是优先的，而且是松散和紧凑的。具体来说，节奏包括节拍和速度的概念。前者是指音乐有规律的强度交替变化的运动，即节拍点的组合，而后者是指这种节奏的速度。I .米节拍是一种模式，在这种模式中，重音根据节拍数以一定的间隔重复出现，或者是一种强弱音以固定的周期重复出现的序列。每一拍都是由固定时长的单位组成的。这个节拍单位叫做时间。节拍的持续时间可以是四分音符、半音符或八分音符。节拍通常用分数标记，分子表示每个小节的节拍数，分母表示每个小节音符的持续时间，例如2/4，这意味着“每个小节有两个节拍，每个节拍是四分音符”，或者简单地说“每个小节有两个四分音符”。以下是一些常见的节拍：偶数节拍，2/2(每小节两个半音符)、2/4、4/4、4/8(每小节四个八音符)等。这些均匀的节拍是对称的，并且具有行进的特征。奇数，有3/2(每小节三个半音符)、3/4、3/8、6/4、6/8、9/8等。它们听起来是旋转的，所以它们通常与舞曲有关。除了上面的2/4和3/4，还有一条竖线，它是一条短的垂直线，将音符分成规则交替的强单位和弱单位。它看起来非常直观。通常，在小节线之后的第一拍是强拍，例如2/4拍，这是三月的常见节奏。它是一个强拍和一个弱拍的交替，而3/4，如华尔兹，是一个强拍和两个弱拍的交替。如果拍数超过三拍，将有两个不同的强拍，如4/4，它们是强-弱和次强-弱；6/8，强-弱-弱；次强-弱-弱。我们上面提到的规则节拍在音乐中随处可见。但事实上这只是一个节奏的概念，音乐也可以不同于此。除了民间音乐的自由形式之外，许多作曲家为了给人们带来新鲜感，必须打破节奏的规律性，闪过而不出现在要演奏强拍的地方，而在弱拍的位置，他们猛烈而突然地打击，令听众吃惊。这在20世纪的音乐中很常见，但贝多芬早在18世纪就使用了这种方法，这也让当时的保守派感到非常不满意。这是一个很好的例子斯特拉文斯基1913年的芭蕾音乐培尔*金特。这部舞剧描绘了史前人类的原始祭祀。它疯狂而野蛮的音乐风格曾经让人愤怒，甚至引发了音乐史上前所未有的剧院骚乱。然而，它很快成为20世纪的经典。斯特拉文斯基在这里对节奏的运用非常精彩，这是他整体艺术风格中一个极其重要的因素。春之祭、春之祭中的第二首乐曲，在谱号上写有两个节拍，但原来的古典感觉被破坏了，因为原来的强弱位置被人为地改变了。光谱示例1:斯特拉文斯基春天的前兆和青年男女之舞 春之祭示例1:斯特拉文斯基春天的前兆和青年男女之舞 春之祭我们可以想象，在这个时候，管弦乐队的指挥不应该按照两拍的规则舞动他的手臂，而应该按照实际的力度来舞动。在古典音乐中，只要节拍标记如2/4、3/4或4/4被标记在乐谱的开头，下面的基本不变。然而，在现代音乐中，节拍标记经常被改变，例如春天的前兆和青年男女之舞中的春之祭。第一小节是5/4拍，第二小节是7/4拍，第三至第五小节是6/4拍，第六小节是5/4拍。如此频繁的变化给人一种非常不稳定的感觉。然而，由于这里的强力投篮并不突出，整体感觉松散，缺乏动力。光谱示例2:斯特拉文斯基春之轮舞中的春之祭示例2: 春之轮舞 of 春之祭如果是同一个频繁变化的节拍，而且压力加强了，听起来就像是另一种感觉。例如，春之轮舞的最后一首歌春之祭的第一段。所谓的“当选女孩”就是在祭祀仪式中被选为祭品的女孩。她会疯狂地跳舞直到死去。这是祭祀仪式的高潮和结束。作曲家在这里使用了极其激动人心的声音，节奏多样，几乎只有一个小节和一个节拍。例如，前四项措施分别是3/16、5/16、3/16和