混音窍门[频段]

1、混音窍门均衡：提升或衰减某些频段的音量。因为我们录入的某段音频，是由很多频率段组成（基 音的频率段，和泛音的频率段），由于人发声的方法不同，高音很容易“噪”（就是齿音很明显）或声音过亮，会有爆音现象，低频容易“浑”，感觉吐词含糊不清此外，还由于电脑中常用电容 式话筒的中高频拾音率或灵敏度高，高频很容易“噪”，下面是常用的频点调整 范围-1、男声的音色频率调节男声基音频率在64-523HZ左右，泛音可扩展到7-9KHZ。（1）对64-100HZ做小的提升，可以增加一些浑厚感，这一段频点也是男低音的音域；（2）100Hz以下频率切除，可以消除低频噪声，使音色更加纯净；（3）男声音域比女声低一个8度

2、音程，频率低一个倍频，在100Hz衰减了 3dB 左右，可以增加清晰度。（4）在250-330HZ做大的提升，可增加基音的力度和饱满程度，声音的响度 也会增强，因为男声基音的主要频率在这个区域。（如果声音浑浊，要衰减250hz 附近的频段。250hz左右的频段范围决定声音饱满或浑浊。）（5） 在500-800HZ要小量衰减，使音色不要太生硬。（如果声音听起来有喇叭 音，请衰减500hz附近的频段。）（6）对1KHz左右频段做小的提升，这样可保证泛音的频率表现，增加音色的 清晰明亮度，这个频段可延续至 3-8KHZ ;声音听起来发散的话可提升中频，另 外混响量不要过度。（7）4khz镶边，锋锐感

3、；8khz高频哨声或齿音，轮廓清晰；16khz空气感。2、女声的音色频率调节女声基音频率在160Hz-1.2KHz左右，泛音可扩展到9-10KHZ。<可以的话，在进行处理的一开始，就先加一个 BBE或其他的激励器来对音色的高频泛音谐 波进行提升，从而令整体音色增强颗粒感和清澈剔透。>（1）160Hz以下，频率低于女声音域，为无用的低频成分，切除掉；（2）250-523HZ音区是女声基音主要音域，依实际情况决定是否做提升处理；在320Hz处增加3-5dB，可增强温暖的感觉。增强清晰度是在 150-500hz之 间的提升。<以上都是围绕女声基音频段而调节的效果，都是为了增强声音的

4、“凸 出”和亲切温暖以及清晰感，其实在 345hz频点作一定衰减也有可能令人声更 加贴近伴奏，特别是需要强调女声飘渺唯美的效果时。>（3）对中频范围2-4KHZ进行提升，其目的是为了使音色结构的泛音表现出良好的频率导通厚实特性，使音色更加完美，这是增加音色明亮度的频段。在2502Hz、4000Hz两个频点上做衰减处理，就相当于削弱了中频的信号，这样 的调节相信会更加适用于需表现出冰冷、飘渺效果的女声上面。（4）10KHz以上频率给予小的提升，目的是为了使音色的色彩有足够的表现力，可对音色微小，细腻的部分加以表现，但要注意高频部分容易产生S音（嘶声），在7-IOKHz衰减了 3-5dB，可

5、以消除S音对演唱和声的均衡处理：1标准的高八度合唱，通常使用与主唱相同的均衡设置；2有3-4个不同声部的背景和声，声像范围跨越整个声场（最后有提及） ，这时 要使用不同的均衡设置，要让他们听起来富有空间感并且超凡脱俗： 对于高声部 和声，我通常过滤掉400Hz以下的频率，对于低声部和声，过滤掉100Hz以下 的频率，在不丧失合唱清晰度的前提下尽可能的降低中频 （1-4kHz）。在中高频和 高频我做了较大提升，直到听前来犹如天使发出的声音。对念白的均衡处理：对于那种不许要与音乐相融合的念白， 可以让声音尽量厚重，尽可能保留更多的 低频。如果想让宣讲者的声音听起来犹如上帝般宏亮，可以根据情况提升6

6、0Hz及120Hz。然后提升7kHz附近的高频。有时需要降低一点中频，但要注意不 要丧失声音的清晰度。（五）拉宽声场把人声的声场拉宽，能有效的调整声音的纵深，从听感上可以感受人声是靠后的 而并非飘在伴奏音乐之前而造成一种分离感。一种方法是利用延迟效果器。延迟效果器一般都是通过“干湿比”来控制延迟声 的比例，这个参数需要边听边调，找到最合适的点。另一种方法就是使用立体声扩张器。利用立体声扩展器来达到拉宽声场的目的可 以说很简便且有效，不过要注意的是，这里拉宽的幅度并不能很大，原因在于， 过分的拉宽声场，会产生"中空"的不良效应。这一点很多朋友不太注意，经常为 了"宽

7、"而无度地做立体声扩展处理，最后人声的声场中间显得很空，实际上也破 坏了整体的声场和听感。要提醒的是，用立体声扩展器，只要稍稍做出一点能让自己听出发音位置在靠后 移动的效果就行了，因为立体声效果的制作最好不要在这个扩展器上得到。要制造出真正的立体声音效，还得需要在同期录制的音频中选取几轨效果相对于置中 的一轨来听不那么好的音频，先把音量收小，再分别进行相等的左右相位摆放（这 是叠加处理方法，同期录音选取最好一段置中，然后有两轨Pan到两边40%，再用两轨Pan到两边100%，像周董这样的歌曲中一般会存在 10轨以上的叠 加）。Mixing（混音）步驟：、I. 將配器按照要素分類2戴上

8、耳機播放音樂，檢查音頻的瑕疵3. 調整整體音量平衡4. 調整各項配器EQ（均衡），Filter（過濾）不需要的頻段5. 壓縮各項配器（Compress）6. 視需求加注各項效果器（如Distortion）6. 創建立體聲效，聲向的配置需考量到配器頻段（低頻無指向需求）7. 增加需要的或刪減不需要的音頻區段8. 整體空間感的營造，先建立整體音場，再針對單一樂器：9. 微調各項Effect的數據10. 製作歌曲所需的Auto machine ，如淡出與淡入、聲向變化等等II. 在不同的系統聆聽混音結果人聲處理步驟：1. 降噪2麥克風仿真和真空管仿真3. 均衡：提升6KHz以上區段，其他區段可不處理

9、4. 壓限與聲效激勵5迴響：將高中低頻分開製作，高頻衰減的時間長，濕度要大；中低音區衰減的時間要短，濕度要小。高音區的迴響加身歷聲增強器，可擴大聲場。中低音區的混響要儘量小，小到聽不太清最好。中低音區的混響容易製造空間感，必須要 留出一軌乾聲，用來強化人聲定位動態處理實例：1對人聲音軌行進行壓縮處理少量壓縮一RATIO 2 : 1 Threshold : -10DBAttack time & Release time根據音樂節奏設置輕柔的人聲使用過度壓縮一RATIO 6 : 1至10 : 1可增加"空氣感"在Compress（壓縮）器後面加放DE-ESSER嘶聲消除

10、器）消除齒擦音2. 對BASS進壓縮/限制處理壓縮器可以使Bass變得肥厚，增加聲音的持續聲音。在壓縮器之前放一個限制器，可以有效地防止信號發生超載3用擴展器處理TOM鼓使用擴展器來擴展TOM鼓的動態，TOM的持續音會自然衰減4.對軍鼓進行壓縮處理對小鼓使用雜訊門！對小鼓進行壓縮，以得到鼓聲中的持續音5對合唱背景進行壓縮在同一個單聲道聲軌上，壓縮器可以使多重人更為融合6. HIP-H0P風格的動態處理每一軌都進行壓縮，參考值一 RATIO 3 : 1 Threshold : -10dB對整個音樂進行身歷聲的壓縮處理，參考值一8 : 17對處理Foundation 的鼓組加上GATE REVER

11、B效果(門檻式迴響)門檻式混響效果可使鼓組變得肥厚凝重，有一定的混響效果且不冗長9. DeEsser(嘶聲消除器)嘶聲消除器等於是在副線上安裝有等化器的壓縮處理器，能有效的消除3K-8KHZ之間的唇齒音11.母帶製作中的壓縮處理。一般使用多頻段的壓縮處理器，如 WALES L3可針對不同的頻段進行適當壓縮，觸發和解除時間不宜過快若歌曲的結尾部分是淡出的，要逐漸將壓縮率減少到1:1，避免壓縮處理破壞掉你淡出效果先做一个简单的练习：闭上眼睛，代上耳机，放一首你最熟悉的流行歌曲，仔细听每个鼓件、乐器的位置：底鼓(bass drum/kick drum) ?正中间；军鼓(snaredrum) ?差不多

12、，也在中间；贝斯？在中间；钢琴？低音在左边，高音在右边，就好象你正坐在钢琴旁弹奏一样是的，大多数混音师是从听众或演奏者的角度来摆放乐器位置的。我喜欢从演奏者的角度来混音：一.鼓和贝斯：在一首流行或摇滚歌曲里，底鼓、军鼓、 贝斯构成了歌曲的感觉、风格，是除了主唱外最显著的部分。我们先从底鼓开始吧，音量调到-3db （从立体声总输出看）。如果需要一些 冲劲可以在用均衡器在2.5khz提升一点；如果听起来有些发闷可以在300hz衰 减一点。接下来调节贝斯，逐渐提升音量直到与底鼓融为一体， 听起来就好像在 你的胸腔上敲打一样。现在该加入军鼓了，音量接近但不要超过底鼓、贝斯。加一点板式或房间混响（pla

13、te or room reverb），延迟时间可以设为1秒。加入桶鼓（tom ）、钹（cymbal），调节声像：钹1、高音桶鼓（high tom ）都放在左边，中音桶鼓（mid tom ）放在中间，钹2、低音桶鼓（floor tom ）放在右边。如果你的桶鼓听起来象在敲纸板箱，可以用均衡在低音区提升一点、在300-500hz衰减一点、在高端提升一点增加啪啪声。对于钗（hi-hat），我通常 不作过多的处理，它往往可以自恰于音乐中。.其他乐器：鼓和贝斯调好后，就可以加入其他乐器了电吉他：声像放在靠近最左面，加一个短暂的延时效果器发送到最右面， 音 量小一些，这样你就可以得到一个宽广、响亮的电吉他

14、了。古典吉他：声像放在 右边，少加一点谐波效果器（译者注：应该是指吉他用的激励器）。将吉他复制 一轨，音调稍微下调一点，声像放在左边。这样不用提升音量就可以得到一个宽 广、响亮的古典吉他声音。这就是混音的秘诀。钢琴：我通常从弹奏者的角度来处理。 但如果在左边有吉他，我就不会把钢 琴的低音键与吉他放在同一位置，而是比吉他稍微靠右一点，比如说把低音键放 到左30度，高音键放到右30度，这样就不会打架。为了使钢琴的高音清脆、 低音有力，可以加一个立体声压缩器，启动时间(attack time )快一些，释放 时间(release time )长一些。接下来你可以再添加一些乐器，但要记住它们在空间上不

15、能打架三.背景人声：假设有两轨背景人声，每轨有三人合唱，想让他们听起来象天使就这样做：将一轨的声像调到极左，另一组调到极右，用滤波器过滤掉一些中低频率。最好再加一些立体声混响，比如说延迟时间为1.5秒的板式混响(platereverb）。四.主唱：声像当然在正中间，音量调大。近些年主唱好象趋向“干” ，所以 可以不用混响，或稍加一些板式或室内混响(plate or chamber )，延迟时间要 短。也可以在主唱上加一点延时效果， 这样可以使之听起来显著，而不用提升太 大音量。是的，不用提升太大音量就使各种乐器听起来壮观、层次分明是混音的真正技巧，均衡是做这项工作的极佳工具，但要理解均衡对每种

16、乐器的作用需要 花些时间多听。上面介绍的是基础性的，当你把它用的滚瓜烂熟后，就可以进行一些新的尝 试了。在许多情况下，一种乐器单独听起来很悦耳，但仍需进行均衡调节使之频 响与其他乐器没有抵触、突出最亮丽的部分，从而融入到作品中去，这就是均衡 调节的主要目的下面让我们看一下常用乐器及人声均衡调节的一些诀窍：1底鼓（Kick Drum）:底鼓是一首歌曲里最重要的部分之一，因为它推动着节奏 向前进行。这里我们讨论如何处理常见的三种底鼓：第一种我称之为“80年代蓬头底鼓”，你一定熟悉的：强而有力、富含中频、含有重击的"砰"声，想得到这种比较怀旧的底鼓声音，可以先过滤掉60Hz以下的

17、频率，然后根据情况在78-84HZ提升3到6dB（Q值大约为1），使之听起来象是敲在你的胸膛上。接下来在提升大约6dB来增加"砰"声（Q值在比较适合），最后 在120Hz降大约4dB（Q值1.0）。参数可以反复调节直至听起来象"White Lion" 的作品。第二种是当今最流行的"Bonham"摇滚底鼓，我通常在120-240Hz提 升4dB或更多来得到这种声音，还需要过滤掉1.5kHz以上的所有频率，有时候 可能需要在80Hz略降低1-2dB、在60略提升2-3dB。还有一种现在常用的底 鼓：比较空、有摩擦声，想得到这种声音，你可以

18、过滤掉100Hz以下的所有声音，在125Hz提升大约3dB，在250-350HZ 提升大约4dB。然后过滤掉2kHz 以上的所有频率。2.军鼓：目前有两种使用最广泛的军鼓类型：一种紧凑、有力，另一种松散、比 较长（通常用于ballads风格的歌曲）首先，任何军鼓都不需要150Hz以下的声音，所以把它们过滤掉。军鼓的中心 频率通常在1kHz附近数百Hz的频段内，所以在这一频段提升3-6dB通常会非 常有益。对于紧凑型军鼓，你可以尝试分别提升中咼频(5kHz附近)、部分咼频(8-9kHz)，提升量可以从3dB开始逐渐上升，左右变化一下提升的频点直到得 到理想的效果。过滤掉250Hz以下、11kHz

19、以上的频率会使这种军鼓听起来很 舒服。对于松散型军鼓，需要在低端 (250Hz附近)进行一些提升，我通常提升 6dB。高频不用象紧凑型军鼓那样大幅提升，但在7kHz附近略作提升通常会有益处，再往上的频段可以过滤掉。关键是中频，先把提升的频点在800Hz-2kHz 之间移动，找到那个能引起共鸣的频点，然后调整一下提升的幅度和Q值。对于这种军鼓，往往需要加上启动时间(attack time)较长的压缩、较重的混响来与 之配合。3. 钹(cymbal):对于这些富含高频的鼓件，可以降低4kHz以下的频率， 根据情况提升高频区(10-14kHz)大约3dB。4. 沙锤(shaker), 手铃(tamb

20、ourine),手鼓(conga)、拍手(hand clap) 等:沙锤(shaker)和手铃(tambourine)很相似，要明亮并且贯穿高频区，对于沙锤， 我通常过滤掉2kHz以下的所有频率，略提升高频，比如在9kHz提升6dB ;手铃要略带叮当声，所以我过滤掉 800Hz以下的频率，在1.5或2kHz 提升4dB，在7kHz略作提升。对于手鼓(conga)，我通常用扫频的办法找到那 个引起共鸣的频点，根据情况略作提升或降低。需要注意的是不能提升过多，尤 其是共鸣频点较低的时候，可能与鼓和贝斯形成干扰。为了突出conga的冲击效果，我通常在中频(5kHz附近)略作提升，比如提升6dB。对于

21、拍手声，可以 通过提升中低频使之厚实，通常在250Hz提升2dB(Q值1.5)。同样为了加强冲击力，可以提升中频（在1.5kHz附近提升约4dB）和高频（在8kHz附近提升2-3dB）。5. 钢琴：如果钢琴是主要乐器，只与人声或少量陪衬乐器构成音乐，这时可不必做太多调整，如果没有贝斯，我通常会略微提升低频（140Hz附近），另外可以在高频区（8.5kHz附近）略作提升，比如3dB。如果钢琴与其他7-8种乐器 一起构成非常丰满的音乐，则需要对钢琴做一些衰减的均衡处理。由于钢琴的弹奏多集中在中音区，因此你可能需要在中频区 （3或4kHz）略作衰减使之听起来 不那么"honky"

22、。过滤掉140Hz以下的频率，因为这段频率毫无疑问会与底鼓 和贝斯形成干扰。在8kHz附近略作提升可以使高音键听起来更明亮。另外尽量使中频到高频的过渡自然些。6. 电贝斯：电贝斯的种类很多，处理的方法也不一样。我最喜欢的是这种贝斯：丰满、厚重、每个音符都很突出。对于这种贝斯我通常这样处理：过滤掉 100Hz以下的所有频段，降低520Hz以上的频段，在260Hz提升6dB使音调 变得丰满，在730Hz提升3dB来增加拨弦的噪声，然后再配合适当的压限效果 器，就可以产生这种适用于多种音乐风格的贝斯声音了。对于击弦贝斯（slapsand punches），处理方法大体同上，但有两处不太一样：不必从

23、520Hz就开始 降低高频，在中频（2kHz附近）提升4-6dB突出slap声；低频过滤点可以设在 50Hz，以便保持足够的隆隆声。7电吉他：与钢琴一样需要根据整个作品的配器来决定处理方法。如果只有一轨电吉他外加鼓与贝斯，可以让电吉他听起来响亮；如果有好几轨电吉他，另外还有钢琴、电钢琴、打击等乐器，就必须让电吉他在频谱中占据合理的位置，从而融入到音乐中。对于第一种情况，只要不与贝斯发生冲突，可以尽可能的响亮， 我处理那种只有一个吉他手的小型摇滚乐队时，会尽可能提升电吉他的低频，通常会在160Hz提升3dB以上，同时注意与贝斯相融合。另外根据电吉他的声音 特点可以在700-800HZ稍作提升。有

24、时需要突出中频，可以在3kHz附近提升。 如果想要得到那种压碎般的声音（crunchier），可以在高频区（7kHz）提升6dB左 右。同样，把不需要的低频和高频过滤掉这是一个好习惯，但要仔细听， 以免过滤掉有用的泛音和谐音。对于第二种大型乐队的情况，假设还有另外两把 电吉他。首先过滤掉200Hz以下和9kHz以上的频率，重点是中频，可以先通 过扫频来判断哪些频段需要提升、哪些频段需要衰减。我发现提升4kHz、衰减6kHz通常能取得好的效果，但有时却正好相反，主要取决于作品的整体要求。对于有多把电吉他同时演奏的情况， 要确保其声音略有不同，否则听上去会非常 刺耳。8.木吉他与弦乐：对于不同的混

25、音作品，木吉他的均衡处理会有极大的 不同。图六（抱歉在原文里没有找到图例）示范了一个与鼓、贝斯、钢琴、电吉他、 打击乐以及大量人声一起演奏的木吉他均衡处理。我过滤掉了 90Hz以下的所有频率，在360Hz作了少许提升。在中频、高频作了相当大的提升：在2kHz提升了 10dB，在7.1kHz提升了 9dB，这样处理后木吉他听起来的确比其他乐器 都要明亮了。来看图七，这首作品里除了木吉他外只有人声、少量打击乐器。为 了使木吉他听起来更饱满，我把低频过滤点降低到了43Hz，在166Hz提升了3.4dB。中频提升点放到了 3.1kHz，只提升了 7dB，用更平滑的均衡曲线在高 频区（7.1以上）提升了

26、 9dB。弦乐的均衡处理与木吉他非常类似，在乐器很多的 音乐里，我通常会过滤掉大部分低频，然后在中高频（7kHz）提升大约4dB，最后也许会在高频区（10kHz）用坡形曲线做提升来增加一些空气感9.铜管和木管乐器：通常中频比较突出，处理好中频非常重要。对于象小 号这样的乐器，低频过滤点可以设在 200Hz甚至更高，在对中频进行处理时要 注意避免混浊。对于那些低音突出的铜管乐器来说， 情况正好相反，需要过滤掉 高频部分，比如过滤掉9kHz以上，通常要提升中低频，比如1.5kHz附近。对 于大号，记住一定要过滤掉40Hz以下的频段，以免引起某些音箱发出低频噪音。 大多数木管乐器需要突出气流声，通常

27、可以通过提升9kHz以上的频段来达到这 一目的。巴颂管可以演奏非常低的音符， 所以不要过滤掉它的低频。但对大多数 木管乐器来说，过滤掉低频是有益的。10. 主唱：往往需要在音乐里处于显著、靠前的位置，通常可以通过提升中 频来实现。主唱是音乐最关键的部分，要求能听清每一个字又不让人感到烦扰。 对于不同特点的人声，处理方法各不相同，需要通过多听来判断。有一点必须要 注意，男声和女声的处理方法有很大的不同，我前一阵刚完成一首男女声二重唱歌曲，男歌手和女歌手在同一个录音棚录音，用的都是U67话筒，但声音的差别让我大吃一惊。我对他们分别进行了均衡处理，见图8（抱歉在原文里没有找到图例）。男声我用坡形均衡

28、曲线在高频区提升了1dB，女声我在8.8kHz衰减了 3dB。由于男歌手那天感冒了，鼻音较重，所以我在5.1kHz衰减了 5dB，在7.5kHz提升了 2dB。女声的低频区我分别在733Hz和283Hz提升了 4dB，目 的是用女声低频来补充男声。有趣的是我对男声和女声都在2.5kHz作了提升，可见提升中频对于人声来说有多重要。11. 背景人声：有两种类型的背景人声，一种是标准的高八度合唱，我通常使用与主唱相同的均衡设置；另一种是有3-4个不同声部的背景和声，声像 范围跨越整个声场，这时我会使用不同的均衡设置，要让他们听起来富有空间感 并且超凡脱俗：对于高声部和声，我通常过滤掉400Hz以下的

29、频率，对于低声部和声，过滤掉100Hz以下的频率，在不丧失合唱清晰度的前提下尽可能的降 低中频（1-4kHz）。在中高频和高频我做了较大提升，直到听前来犹如天使发出的 声音。12. 念白：对于那种不许要与音乐相融合的念白， 可以让声音尽量厚重， 尽可能保留更多的低频。如果想让宣讲者的声音听起来犹如上帝般宏亮，可以根 据情况提升60Hz及120Hz。然后提升7kHz附近的高频。有时需要降低一点 中频，但要注意不要丧失声音的清晰度。 正确的均衡处理可以成就作品，而错误 的均衡处理会毁掉作品。这主要取决于操作者的听力、经验、知识，经验不能在 课堂上传授，只有多实践、多体会、多创新。总之，在混音时千万

30、不要忘记多转 动均衡按钮！译者注：这篇文章使用大量实例阐述了均衡处理的诀窍， 但要记住： 千万不要死搬硬套例子上的均衡参数，要理解作者的思路、意图，同时结合频谱 分析。乐感！ ！节奏、旋律、和声是音乐表现人类内在情感的三要素，而舞蹈则依据音乐所表达 的情感，用人的“外在”肢体、身段、面部肌肉的动作来表现人的精神生活。的 确，在诸多艺术门类中，音乐与舞蹈的关系是最为密切的。舞蹈动作的连续、节 奏的变化、情绪的表现都有赖于音乐。因此我在教学中特别重视对“乐感”的培 养。首先要把“节奏感”的认识教给学生，使他们懂得音乐节奏与舞蹈节奏该 怎样配合。舞蹈和音乐一样，也被叫做“时间的艺术”。诚然，我们的舞

31、蹈老师 们都在大声数着拍子，特别是在设计动作时，在训练过程中都需要这样做。我们 出于权宜之计，必须以它来说明舞蹈和音乐这两种相互合作的艺术语言的结构， 在时间方面使它们互相协调，达到和谐一致的融洽关系。但“拍子”是没有生命 力的，是僵化的，而学生表现出来的舞蹈形象也只能成为一个“工匠”，失去了舞蹈的个性特点，缩小了舞蹈的表现范围。所以，学生在把杆动作和中间动作的 基础训练时，我们采用了经典欧美金曲来伴奏。举个例子，如腰，以训练腰的软 度、力量、灵活性和韧性为目的，因此动作过程要求呼吸均匀、自然，腰部柔软 自如，但又具有较强的控制力和灵活性。音乐可使用3/4和4/4拍子，慢下腰和慢涮腰要求音域宽

32、阔，色彩丰富，音乐如能与动作十分均匀地合上节奏， 对训 练缓慢自如的控制能力将受益非浅。快涮腰的音乐则要有流动感，右手旋律优美， 线条起伏，左手可采用和弦流动或琶音伴奏来加强音乐的动力，使音乐如动作一样，做到柔中有刚，刚柔并重。音乐伴奏可以帮助学生完成技术动作时，使舞蹈 动作做得更完美、更准确。实践证明，这比原先的“一嗒嗒、二嗒嗒”的“吆喝” 更能获得理想的教学效果。再如“控制”，这是课堂中最重要的环节之一。通过腿部和上身的控制，使 腿静止在空中，形成各种舞姿并充分表现出美感，因此，我选编了艺术较高、和 声织体较丰富的乐曲。另外，动作的特点是要加强腿部和上身的控制能力， 因此 伴奏音乐要有起伏

33、、有动力，要连续不断地把乐曲一气呵成弹奏完。这样的控制 音乐促使舞姿更优美、更抒情、更富有表现力，更可以延伸动作的控制力量和时 间，以最佳的水平把动作圆满完成。可见，音乐的节奏型与旋律线条在训练中对动作的提示、身体的位置、情 绪的变化都发挥着积极重要的作用。音乐的强、弱、高、低，旋律的起伏都会在 舞者的内心产生不同的形象思维和动力。 因而，学生的动作在质感上也发生着变 化。我们上面所谈到的“腰”和“控制”只是一些个别的例子，在许多课堂训练 的动作中，如“跳”、“转”、“翻”等，如果音乐旋律刻板，对大幅度的动作就不 能起推动和帮助作用，在“身韵”这类练习中，如“提沉”、“冲靠”、“含腆”、“横拧

34、”等极有韵味的动作，要给学生一个优美的旋律，音乐也要给予学生一个 到位的“呼吸”，在气息上、情绪上充分诱导学生进入“舞”的境界，学生才不 会感到自己是在“卖苦力”。所以说，在培养学生掌握动作要领的同时，音乐感 觉的培养与渗透是不容忽略的。既然“乐感”的培养对舞蹈如此重要，那么培养“乐感”对学生来讲比培 养“节奏感”更为重要，因为“乐感”是要全面理解舞蹈音乐的内涵。舞蹈又是 “空间的艺术”，是想象的空间，是非理性的空间。这一空间它可以打破所有身 体的界限，可以转化为外貌流畅的姿态进入一种永无止境的意象中去，有如光线，有如溪流，有如呼吸那样无止境地在自我完成中失去自己的意象中流畅的姿态。 因此在教

35、学中，除了要教给学生一些基础知识外，重要的是在具体排练一部舞蹈 作品时，引导他们通过想象，用他们的身体来体验，来感受，从而形成活生生的 经验。经常在学生面前或者和学员经常演练技巧如何跟音乐搭配，这样学生有了体验，对音乐有了进一步的感悟，从而获得了较理想的教学效果。其次，我还经常播放一些舞蹈名作，让学生体会什么是“乐感”，如何掌握 “乐感”去塑造舞蹈形象。例如欣赏课钢管舞娘，在学生观看录相后，我提 问：“刚才的舞蹈让你联想到了什么？ ”有的说技巧，有的说美感，然后让学生讨论如何配合音乐来表演这些技巧和舞蹈动作。在教学中我尽可能地为学生营造音乐氛围，给他们以情感、意境、想象等 大量形象思维的启迪，

36、换句话说，从头到尾培养的是“乐感”，使他们能更好地配合肢体上的表现能力，为创造完美的舞蹈形象打下基础。“乐感”的培养，归根到底是一个艺术素质的培养问题。作为一个艺术教 师，我深深地感到我们更应该重视“乐感”的培养对舞蹈教学的积极作用，让艺 术的苗子能在音乐的潜移默化的滋养下， 逐渐做到乐中有舞，舞中有乐，声情并 茂。Bass声部：1、在50-60HZ力卩7-9db，加了 EQ后把filter 4k 左右调整2、手指拨弦的声音一般在1k-3k。3、4k以上全部拿掉。4、40-30HZ filer 掉Snare :有时要和stick分开调Kick :（用了两只mic，只放在后边鼓皮处另一只在外围）

37、 把不必要的频率都拿掉，声音会结实。用 SSL4000 的 chanel，在 4.5-8k 增加 db 值。中高频处也可以稍微加一点点。300-800之间，调整。HiHat:以overhead来判断，单独的HH轨道只是辅助作用EQ的分布TOM:跟overhead 一起修，因为overhead 里面也有很多tom。人声：1、先加压缩，注意output。大小声差不多了就可以了。2、修齿音用deesser。3、然后加EQ, 12K和7k是喉咙摩擦的声音。4、力卩DELAY。左右都是8分。5、给人声画详细的音量变化线，以便让音量始终如一。这一步大概要用去两个 小时。做表情。6、音准太准会缺少感情，可以

38、允许音准上的一点小偏差。7、效果链：压缩-消齿音-EQ-加效果（REV） -DELAY8、DELAY、REV多消高频，减少齿音撞效果器的声音伴唱：用原唱修出来一轨伴唱，因为没来得及录原唱者的伴唱声部。再加一个8-voice让声音成群。声音会被强迫变形，不过躲在人生后面，听不太出来。因为是拉出来的，所以其他效果通常照搬尼龙弦吉他：（左边是midi右边是演奏的）做EQ时在高频多加，还要加limiter。中低频不能过。还要加一些比较短的DELAY，防止单调。歌曲速度101，加1/8的。86442的弦乐队：做一个立体声的group，调整个乐队。弓弦摩擦声，在10-15k之间做。先把db拉到最大，再调频

39、段，找出自己最想要的频段，然后再把db拉到正常。600-800k 加一些 db。加压缩器，防止中低频和高频打架。以立体声轨为主来调整，需要帮助时再利用分轨的录音加进来。REV:1、鼓组里只给 snare、overhead 和tomtom 上加。在 overhead 加混响可以把整组鼓往后推。2、弦乐：用了一个预设，温暖感变不一样，体积也会变庞大。3、一个room 一个hall，两个搭着用。4、整组鼓加REV，空间感调节Pan :1、弦乐：在180度里平铺五种乐器，在加上一个立体声的全部音。2、 鼓组：hihat和SNARE 一般都放在中间，hihat放在右边时要有乐器在左边 跟它对应。3、 两

40、把木吉他一左一右。钢琴不能扰乱吉他，分出轻重，看你想要的侧重点。 格式：MP3、Wav,同时放在一起的时候，可能会造成速度上的微弱偏差。总结：1、经验，个人感觉很重要。MIX都是以个人感觉来做的，没有特定的规定。2、尽量少用效果器。MIX前，先在推子上做动作，然后得出总体感觉后，再开 始在效果器上做动作。3、EQ的分配和调整很重要。4、软件效果器会和硬件效果会有一定的差距。软件效果能出感觉，但是没有硬 件效果器那么真实。Bass声部：1、在50-60HZ 加7-9db，加了 EQ后把filter 4k 左右调整2、手指拨弦的声音一般在1k-3k。3、4k以上全部拿掉。4、40-30HZ fil

41、er 掉Snare :有时要和stick分开调。Kick :（用了两只mic，只放在后边鼓皮处另一只在外围）把不必要的频率都拿掉，声音会结实。用 SSL4000 的 chanel，在 4.5-8k 增加 db 值。中高频处也可以稍微加一点点。300-800之间，调整。HiHat:以overhead来判断，单独的HH轨道只是辅助作用。EQ的分布TOM:跟overhead 一起修，因为overhead 里面也有很多tom 。人声：1、先加压缩，注意output。大小声差不多了就可以了。2、修齿音用deesser。3、然后加EQ，12K和7k是喉咙摩擦的声音。4、力卩DELAY。左右都是8分。5、给

42、人声画详细的音量变化线，以便让音量始终如一。这一步大概要用去两个 小时。做表情。6、音准太准会缺少感情，可以允许音准上的一点小偏差。7、效果链：压缩-消齿音-EQ-加效果（REV） -DELAY8、DELAY、REV多消高频，减少齿音撞效果器的声音伴唱：用原唱修出来一轨伴唱，因为没来得及录原唱者的伴唱声部。再加一个8-voice让声音成群。声音会被强迫变形，不过躲在人生后面，听不太出来。因为是拉出来的，所以其他效果通常照搬尼龙弦吉他：（左边是midi右边是演奏的）做EQ时在高频多加，还要加limiter。中低频不能过。还要加一些比较短的DELAY，防止单调。歌曲速度101，加1/8的。8644

43、2的弦乐队：做一个立体声的group，调整个乐队。弓弦摩擦声，在10-15k之间做。先把db拉到最大，再调频段，找出自己最想要的频段，然后再把db拉到正常600-800k 加一些 db。加压缩器，防止中低频和高频打架。以立体声轨为主来调整，需要帮助时再利用分轨的录音加进来。REV:1、鼓组里只给 snare、overhead 和tomtom 上加。在overhead 加混响可以把整组鼓往后推。2、弦乐：用了一个预设，温暖感变不一样，体积也会变庞大。3、一个room 一个hall，两个搭着用。4、整组鼓加REV，空间感调节Pan :1、弦乐：在180度里平铺五种乐器，在加上一个立体声的全部音。2

44、、 鼓组：hihat和SNARE 一般都放在中间，hihat放在右边时要有乐器在左边 跟它对应。3、 两把木吉他一左一右。钢琴不能扰乱吉他，分出轻重，看你想要的侧重点。 格式：MP3、Wav,同时放在一起的时候，可能会造成速度上的微弱偏差。总结：1、经验，个人感觉很重要。MIX都是以个人感觉来做的，没有特定的规定。2、尽量少用效果器。MIX前，先在推子上做动作，然后得出总体感觉后，再开 始在效果器上做动作。3、EQ的分配和调整很重要。4、软件效果器会和硬件效果会有一定的差距。软件效果能出感觉，但是没有硬件效果器那么真实。单声道伴奏转“立体声”的8步混音方法1、先用Sequoia 10的FFT滤

45、波器（Sam 7、8、9、10、11都自带这个插件），把原单声道伴奏的30Hz以下完全切除350Hz以上也完全切除提升80-150HZ 这样基本上80%是Bass的声音和一些低频声音了（ FFT相对于EQ插件来说会 处理的狠一点慎用）2、 用BBE D82稍微激励一点低频 低音分频点口子开到“ 9点钟“位置来点低 频的泛音渲染3、 然后用Sonnox的Transient调整一下动态饱和度 这一步很关键！ Bass音色的弹性 张力就在此了！4、接着用Lawo插件包的声场扩展插件重新摆位（Pan右15度）喜欢把Bass放左边的朋友也可以放左边 但不要太多！ Pan旋一点点 就可以了5、 如此炮制

46、用滤波器滤除一些2K以下12K以上的频率 就”基本上” 80% 的“提取出”沙锤和镲 弦乐的频带然后做一下EQ 激励渲染，切记不要加太多味精！接着用Lawo重新摆位（Pan 左15度左右）6、 然后接着“提取”原伴奏的中频元素 （具体方法如上FFT BBE频 点有所变化罢了）7、接着把这几轨道和原单声道伴奏混在一起小心相位互扰，边调整边听边看 相位分析表声场如何摆位这要看操作者混音的理念“混音的艺术” 一书中大师们在乐器声场摆位上都没有定论的（感谢ddyyk_hello翻译的那样好的混音书）BASS有的喜欢放中间 有点喜欢稍微偏左一点我喜欢偏右15度 因为摆放太中间了，用我的贝尔耳机 听感上B

47、ass的弹性会抵消一部分人声的位置！这 样人声的细节就出不来了 .8、最后在BUS总输出上 挂个混响 设置成Room模式加5%湿度，只是为了做 一点点空间立体声的渲染。切勿加太多混响（我用的是 Yamaha2000硬件效果 器，没条件的同学赶快下载个最新的 Air- Lexic on吧）接着挂上一个经典的R3 Phase拉宽声场我一般设置成25 。 135混音怎样才能做的干净，自己写的小感悟在“混音怎样才能做的干净？ ”里面看到那么多朋友有这些或那些问题问出于是重新开贴来详细说说我自己的一些看法，都是我自己的一些感悟，也有一些老师教给我的一些方法。不一定是正确的，大家可以在以后的混音中尝试一下

48、， 另外也算抛砖引玉，希望 大家有什么好点子，能出来说说。1:不要产生相位干扰何谓相位干扰，大家知道声音是由无数的波组成的， 一个复杂的音色的组成，可能由很多的正弦波，余弦波，三角波，方波等等构成。当两个以上的音色同时播放时，就有可能出现同相位或者反相位的两段波同时出现， 也就会造成在某些频段出现相位叠加，或者相位衰减，声音呢，就变得在某些频率声音增加，或者声音抵消。所以，我们再做混音的时候，也应该非常注意这些问题。我的习惯是，在mix中，每加进来一件主要乐器，都会把主输出变成单声道，来看看有没有严重的相 位的干扰，一般在单声道的情况下没有什么问题， 在立体声中也不会有太大的问 题。解决相位干

49、扰，大多数人可能都喜欢用 eq去解决，或者把其中一轨反相处 理，我自己还有一个小小的方法，就是在两条出现相位干扰的轨中，挑选一个， 然后向前或者向后稍稍移动，非常稍稍，在人耳听不出来的范围内，但把波形无限放大后，可以看到两个波形并不是完全按拍子。2 :尽量切除不需要的频段的频率这点很有解释，乐器都会有自己的垃圾频率，那些地方根本不会影响乐器的音色，但还是会存在一些东西，特别是低频，把这些切除，声音肯定会干净。说一些我的习惯吧。kick我一般会切40以下，snare会切60-80以下，HH会切200以下，cym会切1K以下，BASS会切50-60以下，电吉他切80以下，等等，当然切的时候肯定也要

50、听着切，高频也可以切，比如KICK我会切掉6K以上，BASS 切掉8K以上等等。3:在混音中，把握好各轨乐器的音量大小，有时不惜用mute把多余的声音m掉在音乐中要把握强弱，长短，粗细，这是常识，在同一时间内，尽量不要同时出 现很多的音乐元素。在这说一下音乐中的各个元素。基础元素，DRUM ，BASS 类的延音元素，铺底的合成器音色或者背景弦乐等节奏元素，基本上除了 DRUM以外的，各种小打，节奏吉他之类的领奏元素，主唱，主音吉他等主奏乐器填充元素，段落间的钢伴之类的最好不要同时出现4个以上的元素，否则音乐会显得拥挤，只要使用得到，三个 元素足够使音乐丰满。所以有时音乐显得混乱，或者脏，是因为

51、同时出现了过多的元素，这时候我们可 以把不重要，或者不需要的元素降低音量，甚至 MUTE掉。4 :尽量少用效果器，本着能不用则不用原则。效果器越多，音乐越浑浊。特别是数字音乐制作，曾经记得某位大师（是真大师） 说过的，他建议不要在同一轨中挂超过 2个以上的效果器，否则那轨会变得浑浊， 或者失真。可能单轨听不出来，但是很多轨放在一起的失真，就不能忽视了。很多时候，根本也不用着效果器。不要怕麻烦，多在音量自动化，声相自动化上做文章，会有意想不到的好效果5:用高品质的效果器。这点不用多说什么了，好的肯定比烂的干净。特别是REVERBQEALY这类效果器。最后说一点，把音乐的层次摆好，也会听起来好很多。混音手册技术文章1不要作过份的效果处理，特别是混响。越干的声音就越 *前，如果非得把主唱 的声音加入大混响彻云霄，可以用 Pre-Delay调节干湿比例，使歌声更加自然。2. 不要把低音乐器如Bass、大鼓的声相位置放偏，因为这种高能量的声音平均 分配到两个喇叭才能达到最好的效果。而且低音只包含少