第五课-传统与革新──从巴洛克艺术到浪漫主义

第五课传统与革新──从巴洛克艺术到浪漫主义（2课时）一、教材分析1.教学目的①了解和感受外国美术发展中艺术流派、艺术风格与时代的关系。②了解并掌握外国美术中重要的艺术流派的主要特点。③进一步学习美术欣赏的方法。2.内容结构本课选择了欧洲文艺复兴时期以后，即17世纪至19世纪上半期，欧洲美术中具有世界影响的主要艺术流派：巴洛克艺术、17世纪荷兰绘画、法国古典主义、新古典主义、浪漫主义的代表人物和代表作，分别加以介绍。内容涉及绘画、雕塑、建筑和园林艺术。3.重点和难点第五课传统与革新──从巴洛克艺术到浪漫主义本课的重点，是了解并掌握各流派的主要特点，对一些经典作品能够进行比较深入的分析研究，并能发表自己的看法。第五课传统与革新──从巴洛克艺术到浪漫主义本课的难点，是涉及艺术流派比较多，对这些艺术流派形成的社会条件，要作比较全面、深入的了解。二、教学资料1.关键词语解释艺术流派

反映中外艺术在一定历史时期里，由一批思想倾向、美学主张、创作方法和表现风格方面相似或相近的艺术家们所形成的艺术派别。这些艺术流派的形成，有时是自觉的，有一定的组织形式或共同宣言；有时是不自觉的，仅仅因为创作风格类型的相近而组合在一起。文艺思潮

或称艺术思潮，是指一定社会历史条件下，特别是在一定的社会思潮和哲学思潮的影响下，文艺领域所发生的具有广泛影响的思想潮流和倾向。2.美术作品（意）贝尔尼尼设计的《罗马圣彼得大教堂广场》

（1655年—1667年）贝尔尼尼（1598年—1680年）是17世纪意大利最杰出的雕刻家、建筑师和戏剧家、画家，17世纪欧洲流行的巴洛克艺术的代表人物。他一生创作了许多著名的雕刻，如《阿波罗与达芙妮》、《圣德列萨的幻觉》、《大卫》、《普罗赛比娜的掠夺》等，表现出了很高的艺术技巧。在建筑艺术上，也有出色的创造，罗马圣彼得大教堂广场便是他在建筑艺术方面的杰作。罗马圣彼得大教堂是世界著名的大教堂，它集中了意大利文艺复兴时期建筑技术与艺术的最高成就，是意大利文艺复兴伟大的纪念碑。它始建于1506年，由于教堂中央的大圆顶几经修改，最后由米开朗基罗修改后，于1626年全部竣工，前后历时120年。大教堂从地面到顶点，高达137.8米，是罗马全城的最高建筑。教堂前面的广场以一座古埃及的方尖碑为中心，呈横向椭圆形，长轴长198米，面积为3.5公顷。它和教堂之间用一个梯形广场相接，梯形广场的地面向教堂逐渐升高，以便教皇在教堂前为教徒们祝福时，全场都能看到他。整个广场气势宏伟，最引人注目的是广场两侧的宏伟的柱廊。贝尔尼尼之所以设计这一组柱廊，是有他独特的构思的：就是以广场两侧的柱廊象征基督伸开的两只手臂，教堂中央的大圆顶则象征着基督的头。广大的基督教徒们一进入教堂前的广场，就像进入了基督的怀抱。从宗教宣传的角度来讲，贝尔尼尼的这一构想及其实际效果，是十分成功的。尤其是两侧柱廊由284根多立克式柱子组成，檐头顶上还有98尊圣徒和殉道者雕像。两侧柱廊都分别由四排柱子组成，造成了柱廊内部的错综复杂的明暗变化。唯一的缺陷是，人们站在广场上无法看到大教堂著名的圆顶，这是贝尔尼尼当初没有考虑到的。《劫夺吕西普斯的女儿》

（油画，222×209厘米，约1617年作，现藏慕尼黑美术馆）鲁本斯（1577年—1640年）是17世纪佛兰德斯（今比利时）最著名的画家。擅长宗教、神话、历史、风俗、肖像和风景画。是17世纪欧洲绘画艺术成就最大的画家之一。在宗教信仰和政治上，鲁本斯是守旧派。但他的绘画艺术，努力吸收意大利文艺复兴美术的成就，包括其先进的人文主义思想，加上他极富艺术想象力和创造性，形成了一种热情洋溢地赞美人生欢乐的气势宏伟、色彩丰富、运动感强的鲜明画风。从其人物形象的夸张的活力和强烈的对比效果来看，鲁本斯的绘画属于17世纪欧洲流行的“巴洛克”艺术风格。他的主要代表作有《跟妻子伊莎贝拉在一起的自画像》（又名《画家和他的妻子》）、《劫夺吕西普斯的女儿》、组画《玛丽·美第奇的生平》等。油画《劫夺吕西普斯的女儿》，取材于希腊神话中宙斯的孪生子劫夺迈锡尼国王的孪生姊妹的故事。鲁本斯感兴趣的并不在于情节本身的描写，而在于通过劫夺与反劫夺的戏剧性的激烈斗争，把两男两女和两匹骏马组成了一个他最喜欢且最善于表现的复杂而又有强烈动势的构图。同时，色彩在这一作品中具有极其重要的地位。两匹烈马的浓重的棕黑、青灰色，与女子白皙的肌肤的明亮色调形成鲜明的对比。尤其引人注目的是，鲁本斯笔下的裸体，不论是男是女，都具有肌肉强健、体力充沛、动作粗犷、富于肉感等特点。这一特点始终贯穿在鲁本斯的一系列作品中。这是对人的生命力的积极肯定和歌颂。这一作品中的开阔有力的笔触与富有动感的线条，使画面洋溢着勃勃生机。热烈明快的色彩，抒发了画家的浪漫情怀。所有这些都集中地显示了巴洛克艺术华丽恢宏的一面。委拉斯凯兹《宫女》

（油画，276×318厘米，1656年作，现藏马德里普拉多博物馆）委拉斯凯兹（1599年—1660年）是17世纪西班牙最杰出的画家，与鲁本斯、伦勃朗合称17世纪欧洲三大油画家。他出身于西班牙南部的工商业城市塞维拉。12岁进入当地著名画家埃雷拉画室学画，不久改从博学善教的画家帕契柯学习，掌握了比较扎实的写实能力。早期作品如《煎鸡蛋的老妇》（1618年）、《塞维尔的卖水者》（1619）真实地描绘了他家乡普通人的生活。画风写实，运用强烈的明暗对比。1623年他应召到首都马德里为国王菲利普四世画像，一举成名，被任为宫廷画师。由于在宫廷有机会接触丰富的艺术收藏，他的艺术视野大为开阔。尤其是后来两次去意大利，深受文艺复兴盛期诸美术家，特别是提香的影响，艺术更臻完美。1649年第二次去意大利时，应教皇要求画了著名的肖像画《教皇英诺森十世像》。他终身在宫廷工作，担任宫廷首席画师，直到宫廷总管。最后在繁杂的事务中劳累而死。委拉斯凯兹一生创作了大量的肖像画、神话故事、风俗画。其中《教皇英诺森十世像》、《布立达的投降》、《宫女》和《纺织女》是他的代表作品。油画《宫女》是委拉斯凯兹晚年在繁杂的宫廷事务中，挤时间完成的一幅杰作，对于这一作品的解释，即使在西班牙学术界也有争议。现在认识越来越趋向一致。从表面上看，它好像是委拉斯凯兹为小公主和她的宫女们画像，实际上这是画家本人的一幅特殊形式的肖像画。因为从画面的左侧可以看到，手持画笔与调色板正在大幅画布前作画的委拉斯凯兹，他的眼睛正注视着画面以外他所要描绘的对象，而画面中心处悬挂在壁上的镜子里映照出来的国王和王后的像，正说明委拉斯凯兹原来正在给国王、王后画像，在画面上占了主要地位的小公主和宫女实际上是委拉斯凯兹给国王、王后画像时突然闯进了我们现在所见的画面。小公主向前注视的目光，也正是朝着她面前的父母亲。委拉斯凯兹这种利用镜子扩大画面空间的手法，是从文艺复兴时期尼德兰画家扬·凡·埃克的名画《阿尔诺非尼夫妇像》中受到了启发；因为这幅作品当时正收藏在西班牙宫廷，作为西班牙首席宫廷画师的委拉斯凯兹完全有可能看到它。此外，委拉斯凯兹在这一作品中，把奔放的笔触与准确的色彩结合起来的造型方法，与那些先画素描稿，再步步深入的古典技法形成了鲜明的对照，给后来的油画以重要的影响。哈尔斯《吉普赛妇女》

（油画，52×58厘米，1628年—1630年作，巴黎卢浮宫藏）哈尔斯（约1581年—1666年）是17世纪荷兰著名的油画家。他是欧洲油画史上最早运用兼工带写的画家。他的画风轻快，能以娴熟的技巧迅速地画出他所要描绘的人物。笔触明显而十分简练，但造型周全，看不到什么败笔。笔触之间融接得十分紧凑，很有气势，给人以浑然一体的感觉，很有些像中国大写意画的味道。这得力于他作画之前，对他所要表现的对象有全面的、整体的深入了解，而不是像一般画油画那样依靠逐步深入。哈尔斯的《吉普赛妇女》，突出地体现了他的这种画风。哈尔斯的这种洒脱不羁的手法对近代油画有很大影响。伦勃朗《夜巡》

（油画，365×438厘米，1642年作，阿姆斯特丹美术馆藏）伦勃朗（1606年—1669年）是荷兰最伟大的画家。不仅是杰出的油画家，而且是著名的铜版画家。他在肖像画、风俗画、风景画等方面都有很深的造诣。从而在美术史上享有崇高的地位。伦勃朗出生在莱顿一个磨坊主家庭。受过较好的教育，并进过大学，但不久离校学画。21岁时已掌握了油画和铜版画的基本功，开始形成自己的风格。他在家乡开画室并接受订货。1631年离开家乡定居在荷兰最大的城市阿姆斯特丹，很快就成为当地著名的肖像画家。1634年他与富商小姐莎斯基亚结婚。自此至1642年他创作了许多肖像画，受到新兴资产阶级的欢迎。1642年他的爱妻病逝，后因伦勃朗和女仆结合，引起亲属们的强烈不满，以致诋毁他的声誉，霸占他的财产，最终使他陷于困境，不得不搬到贫民区居住。但伦勃朗在艺术上并没停步。相反，由于生活的坎坷使他更深刻地去观察和理解社会，艺术视野更为广阔，使他的艺术达到了顶峰。在他完成晚年著名的代表作《呢布业同业公会理事》后，他的后妻和他唯一的儿子相继离开人间。1669年10月4日，这位最杰出的荷兰画家也终于在极端贫困中与世长辞。虽然他的遗物只有画具和破旧的衣衫，但是他却给人类留下了一大批极其珍贵的艺术遗产（600幅油画、1300幅版画和2000幅左右的素描和速写）。在伦勃朗的大量作品中，肖像画占了很大的比重。仅他的自画像，目前保存的估计总数在60幅至100幅之间。他的绘画风格，突出地表现在利用光线来塑造形体、表现空间和突出重点，画面明暗对比强烈，虚实结合，层次丰富，气韵生动，后人称之为伦勃朗式的明暗画法。课本所选的伦勃朗的《夜巡》一画突出地体现了他的这种绘画风格。《夜巡》是伦勃朗创作盛期的重要代表作。它是荷兰首都阿姆斯特丹民兵总部订制的一幅群像肖像画。关于这一作品，过去流传着的说法是：当此画的订制者看到完成了的作品时很不满意，因为画中只突出了几个主要人物，不少人被画在不够显眼的位置，他们要求画家修改此画。结果遭到伦勃朗拒绝。订画者为此向法院提出控告，伦勃朗败诉，他从此成为不受欢迎的画家。他后半生的贫困生活也与《夜巡》一画有关。近几十年来经过许多国外专家的考证，证明上述传统说法并不可靠，乃是伦勃朗死后一些传记作家，为了渲染所谓天才人物生前往往不能为人所理解而制造出来的。事实上，《夜巡》一画最后仍为订制者所接受，伦勃朗也得到了事先议定的报酬。不管怎么说，从这一作品本身来讲，这一群像肖像画是富有创造性的。画家采用了接近戏剧舞台效果的表现手法，安排了一群民兵正接到命令准备集合出发去执行任务的情节，民兵的负责人弗朗斯·班宁·科克上尉正在集合队伍，所以在画面上处于突出的地位，并好像正在向观众走来。其他人物则呈现出各种各样的举止神态，但都统一到准备集合出发这一情节上来。整个画面明暗对比强烈，但又极富层次感，充分体现了伦勃朗独特的艺术风格。应当说明的是，此画原来画的时间是白天。由于此画被后人涂上了过厚的光油层，加上长时间的岁月的侵蚀和空气污染，以致画面变暗，好像是画的夜景，大约从1880年开始，此画的名称被误传为《夜巡》，直到今天。维米尔《画家的工作室》

（油画，44.5×62厘米，1634年作，阿姆斯特丹美术馆藏）维米尔，又译作“弗美尔”（1632年—1675年），17世纪荷兰著名风俗画家，“荷兰小画派”（因画幅尺寸很小，但很精致而得名）的代表人物。他存世作品不多，但多精致，而且主要取材于荷兰普通市民的生活，擅画室内景，尤其善于描绘光线空间和气氛。《画家的工作室》一画的画幅比较大，正在作画背对观众的可能就是画家自己。全画空间感很强，主要是通过地面上的黑白格子来体现的。前景、中景和后景的处理极有层次，给人以很强的纵深感。霍达《静物》

（油画，44.5×62厘米，1634年作，阿姆斯特丹国立美术馆藏）霍达，又译作“海达”，17世纪荷兰著名静物画家。由于17世纪的荷兰，市民过着安定富裕的生活，注意美化生活环境，讲究饮食器具，静物画成为一个很受市民欢迎的画种。为适应市民不同的审美需求，荷兰静物画家往往专攻某一题材，在描绘物象的能力方面达到了极高的水平。霍达的静物画是他首创的“早餐桌静物画”，描写早餐桌上的各种器具，不仅造型准确，而且把各种不同的质感也表现得十分逼真。凡尔赛宫

（1661年—1756年，勒沃、孟莎、勒诺特尔等先后设计）原是法国王宫，在巴黎西南，是欧洲最宏大、最辉煌的宫殿，占地300公顷，集建筑、园林、绘画、雕塑之大成，集中体现了十七八世纪欧洲艺术和技术的成就。凡尔赛本是狩猎场，路易十三曾在此建筑一座砖砌的三合院式猎庄。1661年路易十四决定在这里建造凡尔赛宫，以显示封建君权的威严。当时由建筑师勒沃主持。但它现有的规模和面貌主要是在1678年—1688年间，由古典主义建筑的代表人物孟莎确定的。他设计的凡尔赛宫南北两翼，总长度达402米。南翼是王子和亲王们的住处，北翼是法国中央政府办公场所。在中央部分的西南，孟莎设计并建造了凡尔赛宫最主要的大厅。即长73米、宽10米、高13米的镜厅。凡尔赛宫最后完成于1756年路易十五时期。此外，宫殿西边有面积约6.7平方公里的花园，其规模在世界皇家园林中首屈一指，是法国园林艺术的典范，设计者是法国著名造园家勒诺特尔。凡尔赛宫在整体布局和建筑、园林等方面，都是以后欧洲一些国家模仿的对象。凡尔赛宫镜厅

（1678年始建）凡尔赛宫最豪华瑰丽的大厅，又称“镜廊”。由建筑师孟莎设计。整个大厅长73米、宽10米、高13米，室内用乳白和浅紫大理石贴面，廊柱则用绿色大理石贴面，柱头和柱础镀金，檐壁和各种花饰都用金色。厅的拱顶是由当时著名画家勒布伦绘制的巨幅油画，表现路易十四在位时的功绩。大厅一侧是17扇朝花园而开的巨大拱形窗门，另一侧则是17面落地大镜子，由483块镜片镶嵌而成，它把对面窗外的蓝天、园景映照在镜子之中，使室内显得更加丰富，“镜厅”之名则由此而来。当年厅内燃烧蜡烛时，几千支烛光经镜面反射，使大厅显得无比辉煌。此厅之所以如此豪华，因为这是宫廷举行大型招待会和国王接见外国高级使团的场所，相当于中国北京故宫的太和殿。达维特《荷拉斯兄弟的宣誓》

（油画，330×425厘米，1784年作，巴黎卢浮宫藏）达维特（1748年—1825年）是法国大革命时期最杰出的画家、新古典主义美术的主要代表。他生于巴黎一个中产阶级家庭。1766年师从皇家绘画雕刻学院历史画家维恩。1774年获得去意大利深造的大奖。翌年前往意大利研究美术，深受古典美术影响。1780年回到巴黎，创作了取材于古罗马历史题材的《沦为乞丐的贝利萨里》，客观上起到了影射法国封建专制君主的昏庸和残暴的作用，受到了法国启蒙思想家狄德罗和进步舆论家的赞扬。1784年再次去罗马，创作了又一件古罗马历史题材的历史画《荷拉斯兄弟的宣誓》，有力地歌颂了古罗马人为了共和国的利益而勇敢地去格斗的英雄主义精神。油画《荷拉斯兄弟的宣誓》，原是法国皇帝路易十六的订件，但达维特并没有按照统治阶级的意愿去画，而是赋予这一古罗马历史故事（罗马城和邻城阿尔巴交战，双方各派三兄弟格斗，以定胜负。而双方之间有着姻亲关系。但是，代表罗马城的荷拉斯三兄弟毅然挺身而出，大义灭亲）以鲜明的主题──个人情感要服从国家的利益。画面上采用对比的手法，表现了这两种矛盾情感的冲突。中心位置上的荷拉斯三兄弟在出征前，从父亲手中接过武器并庄严宣誓；画面右下角的三兄弟的母亲、妻儿和姐妹则陷入个人的情感而感到哀伤，笼罩在一片忧虑和悲哀的气氛中。她们的行为反衬出三兄弟出征前的英雄气概，突出了画的主题。整个画面构图严谨、均衡对称，造型坚实，体现了新古典主义美术的重要特征。安格尔《浴女》

（油画，146×97.5厘米，1808年作，巴黎卢浮宫藏）安格尔（1780年—1867年）是19世纪法国古典主义绘画的重要代表人物。他的绘画的主要特点是线条工整，轮廓准确，色彩明快，构图严谨，具有一种典雅的美。他一生画了大量作品，其中以肖像画、女性人体画和素描最为突出。这是安格尔早期的代表作，但它已经清楚地显示出安格尔的艺术追求。安格尔年轻时就非常崇拜古典艺术。十五岁时他看到一张从意大利带回来的拉斐尔的《椅中圣母》的印刷品，激动得热泪盈眶。以后他就决心要创造一种符合古典原则的理想美。这件女性人体作品便是这种艺术追求的具体体现。画家以准确的线条、细腻的笔触，描绘出女性人体的曲线美，尤其强调女性人体背部的圆润与柔美。它给人的感觉是一种单纯的形体美的欣赏。当然，从中也看到了安格尔坚实的素描功底，简洁、流畅的线条所包含的韵律和音乐感。席里柯《梅杜萨之筏》

（油画，489×718厘米，1819年作，现藏巴黎卢浮宫）席里柯（1791年—1824年），又译作“热里科”，是法国浪漫主义美术的先驱者。他的《梅杜萨之筏》是一幅使当时画坛引起强烈争议的作品。它取材于当时法国的一起严重海难事件，即海军战舰“梅杜萨号”在开往非洲塞内加尔的途中不幸沉没。军官们自己逃生，仅有一只临时搭建的救生筏载着一些乘客，许多人因此丧生。只有最后剩下的几个人遇到搭救才幸免于难。席里柯以幸存者的叙述作为他创作的素材，并对尸体、重危病人等画中要描绘的场景画了许多写生，在此基础上完成了这一作品。描写筏上的幸存者突然见到远处一艘轮船时，挣扎着起来呼救的一刹那。席里柯通过上升的金字塔形的构图，有层次有节奏地把人们由死亡、绝望、痛苦挣扎升华到希望得救的激情上，激起观众的种种联想。加上森严的色调，强烈的光影对比，更增强了这一悲剧事件的气氛和震撼人心的力量。但是，当时许多习惯于旧传统的美术家认为这是离经叛道的作品。当然，不久就证明，这幅作品为法国浪漫主义美术冲破古典传统的束缚开辟了道路。戈雅《1808年5月3日的屠杀》

（西班牙）（油画，266×345厘米，1814年作，马德里普拉多博物馆藏）戈雅（1746年—1828年）是18世纪末至19世纪初西班牙最杰出的画家。他擅长油画和版画。绘画的题材十分广泛。他的许多宫廷人物的肖像画，重视客观对象的真实性，即使描绘国王全家的《查理四世一家》也不例外。他最突出的成就表现在一系列深刻地反映了西班牙社会生活和现实斗争的作品，如铜版组画《狂想曲》、《战争的灾难》，油画《1808年5月2日的起义》和《1808年5月3日的屠杀》等。他的艺术对欧洲19世纪浪漫主义和现实主义美术有重要的影响。油画《1808年5月3日的屠杀》更准确的名称应为《1808年5月3日夜枪杀起义者》。戈雅创作这幅作品时同时创作了《1808年5月2日的起义》。这两幅作品是表现西班牙同一革命斗争的不朽名作。5月2日的起义是表现西班牙首都马德里人民武装起义者与拿破仑入侵西班牙的法国雇佣军短兵相接，激烈厮杀的场面。不幸起义失败了。第二天即5月3日夜间，法国雇佣军在马德里皇宫附近的太子山旁开始了对起义者的血腥镇压。被枪杀的起义者中有市民、农民和僧侣等。这就是《1808年5月3日夜枪杀起义者》一画所表现的事件。画家在这幅作品中，着重突出了这一事件的悲壮气氛。独具匠心的是画面中的那只地面方形灯的处理。这是茫茫黑夜中唯一的光源。它把敌我双方的尖锐斗争表现得十分清楚。既使人看到了法国侵略者的残暴，更使人目睹了西班牙革命者面对死亡所表现出的大无畏的英雄气概：最前面的起义者高举双手，面对敌人的枪口，怒目而视，情绪激愤，毫无惧色，全身被灯光所照亮，显得更加突出。通过人物形象突出了起义者可歌可泣的斗争精神。他周围的其他起义者面对死亡所表现出的复杂的神态，是与他们的不同身份和性格密切相关的。画面上方的茫茫夜空以及笼罩在黑暗中的马德里城郭，既是现实生活的真实写照，又象征着当时的西班牙正处于黎明前的黑暗之中。德拉克洛瓦《自由引导人民》

（油画，260×325厘米，1830年作，巴黎卢浮宫藏）德拉克洛瓦（1798年—1863年）是19世纪法国浪漫主义绘画杰出的代表。他的艺术具有承前启后的作用。他把绘画艺术从学院派和古典主义的桎梏中解放出来。他的创作是以人民争取自由的题材、对于人物情感的深入刻画、大胆的构图和绚烂的色彩为主要特征的。他的《自由引导人民》一画是最具浪漫主义色彩的作品之一。此画取材于法国1830年的“七月革命”，它是法国人民反对波旁王朝复辟封建专制主义的斗争。因它发生在1830年7月27日～29日，所以此画又名《1830年7月27日的起义》。德拉克洛瓦亲眼目睹了这一革命事件。同年他就创作了这一作品。德拉克洛瓦在这幅作品中，大胆地将寓意象征和真实的现实生活场景很好地结合在一起。画中的主要人物是一个燃烧着战斗热情的象征自由的女性，她那强壮的手臂毫不费力地持着装有刺刀的步枪和法兰西共和国的三色旗。她虽然袒开胸部，但毫无温柔或淫荡之嫌。她那有力的双腿跨过街垒，冒着炮火，带领战士们前进。虽然这是一个象征性的人物，但画家把她塑造成一个活生生的人物。她身穿法国妇女的服装，只有她头上的那顶弗吉利亚帽（摹仿古罗马时期解放了的奴隶所戴的帽子，法国第一共和国时期曾以此作为自由的象征）和几乎是一种古典风格的人物造型，体现了她的寓意象征。她是法国人民争取自由精神的化身，正是她引导人民走向胜利。跟随她的人中有激昂的工人和市民等。她左侧的手拿双枪的少年，进一步突出了这次革命的广泛群众性。她右侧的面向画面中心比较突出的人物是一个资产阶级的绅士，他身穿流行的长礼服，头戴大礼帽，留着络腮胡子，手持滑膛枪。正是他所代表的资产阶级控制了这次革命。这次革命的结果不过是以波旁宗族中比较开明的一派势力代替了反动的波旁王朝的统治。在画面下方的阴影里，受伤和即将死去的战士横卧在碎石中。一位战士目视着自由的化身。她既是他们的理想，又是他们战斗的动力。透过画面右侧的硝烟，人们可以看到远处巴黎圣母院的塔楼。争取自由的主题，强烈的激情，色与光相融合的对比，奔放有力的笔触，这一切就是这幅作品的主要成功之处。吕德《马赛曲》

（大理石，1270×600厘米，1833年—1836年作，巴黎大凯旋门）吕德（1784年—1855年）是19世纪上半期法国最著名的雕刻家。安放在巴黎大凯旋门上的浮雕《马赛曲》是他不朽的杰作。这一作品原名《1792年义勇军出征》。它表现1792年法国人民在反抗普鲁士和奥地利等封建帝国的战争中，马赛的一支义勇军开赴巴黎参加战斗的历史事件。当时这支义勇军是高唱着一支斗志昂扬的军歌雄赳赳地开赴巴黎的。巴黎的市民们称这首军歌为《马赛曲》，1795年这首歌被正式定为法国国歌。吕德的这一浮雕也简称为《马赛曲》。这是一件结构严谨统一、人物情绪激昂奔放、运动感急速有力、极富艺术感染力的高浮雕。整个浮雕分为两层：上层是右手执剑、左手振臂高呼象征法兰西和民主自由的女神，下层的各种人物与上面的自由女神相呼应，并且突出男女老少万众一心，奋起保卫祖国的主题思想。它充分反映了法国资产阶级革命时期广大人民群众昂扬的斗争精神。它与德拉克洛瓦的名画《自由引导人民》具有异曲同工之妙。应当谈到的是，19世纪法国最杰出的雕塑家罗丹，曾与他的秘书葛赛尔谈到过他对吕德的《马赛曲》的理解。全文转录罗丹的这一理解，对欣赏《马赛曲》是很有帮助的。罗丹说：“‘武装起来，公民们！’胸前披着铜甲，展开双翼飞驰而过的自由之神，在用力呼喊着。她的左臂高举在空中，把所有的勇士集合到她身边；另一只手持着短剑，指向敌人。“毫无疑问，最先看到的就是她，因为她支配着整个的作品；她跨开腿像要奔跑，如同用强音唱出高昂的战歌。“甚至似乎听到她的声音：因为她那雕成的嘴似乎正在震耳欲聋地呼喊着。于是，经她一号召，战士们纷纷前来。“下面是动作的第二阶段：一个有着狮子般的髭须的高卢人挥动着他的帽子，他像在向女神致敬。现在你瞧，他的小儿子要求和他同去：‘我已够强壮的了，我是一个男人，我要去打仗！’孩子紧握剑柄，好像这样说。‘来吧！’父亲说，他用骄傲的慈爱望