设计思维基础 课件全套 第1-7章 设计思维概述-设计思维训练课题及相关设计案例

创意与思维创新设计思维基础第1章设计思维概述本章学习目标1了解设计的概念2了解优秀设计案例3知道设计思维的起源和发展设计思维是设计师在解决实际问题时常用的思维方式。设计师通过洞察将技术可行性、商业策略与用户需求相匹配，从而转化为客户价值和市场机会。作为一种思维方式，设计思维被认为能够催生洞察力及解决方法，同时能够帮助设计师理性地分析问题并找出最合适的解决方案。如今，设计思维已经被设计师熟知并熟练运用于设计实践中。学习设计思维有助于我们改变观察问题的视角，提高解决问题的能力。设计思维简介设计的底层逻辑：设计思维设计的概念演变"设计"一词是近现代从国外传入的。中国传统设计起源于以手工制作为主的传统手工艺，"design"一词源自拉丁语中的de-sinare，是"做记号"的意思。1883年左右，日本首次用"意匠"和"图案"作为design的译文。日语里的"意匠"即指"意念加工"。1974年《不列颠百科全书》对设计的定义设计是进行某种创造时，计划、方案的展开过程，即头脑中的构思，一般指能用图样、模型表现的实体，但最终完成的实体并非设计，只指计划和方案。设计的一般意义是，为产生有效的整体而对局部进行调整。经典设计案例可口可乐瓶身PH灯（1924）BrionvegaAlgol电视阿尔托花瓶（1936）博朗RT20收音机外星人榨汁机（1990）2015年世界设计组织（WDO）对工业设计的定义工业设计旨在"引导创新、促进商业成功及提供更高质量的生活，是一种将策略性解决问题的过程应用于产品、系统、服务及体验的设计活动。它将创新、技术、商业、研究及消费者紧密联系在一起，并将需解决的问题、提出的解决方案可视化，重新解构问题并将其作为提供更好的产品、系统、服务、体验或商业网络的机会，从而提供新的价值以及竞争优势"。现代设计案例华为鸿蒙系统如今所说的设计是一种创造性的思维和实践过程，旨在解决问题和满足需求。通俗地说，设计就像是一个厨师，他根据人们的口味和需求，选择食材、搭配调料，然后精心烹饪出一道美味的菜肴。现代设计与经典作品Meta公司推出的虚拟世界平台HorizonWorlds京东网站首页宜家优质的线上线下购物体验设计的本质设计的目的在于创造出有用、美观且符合用户需求的产品。设计不仅仅是简单的造型或装饰，还需要设计师从用户需求出发，进行问题定义、用户研究、竞品分析、构思、原型制作、测试和优化等。设计师通过深入挖掘用户需求和痛点，提出创新的解决方案，并不断完善，以最终满足用户期望并提升用户体验。真科学科学追求"真"。科学的核心是探索真相和发现自然界的规律。科学家通过一系列系统的、结构化的研究方法获取对自然界现象深入、准确和客观的理解。善人文人文追求"善"。人文更加关注人的内在世界和社会文化现象，它探索人类的价值、意义、道德和伦理等方面的问题。美设计设计追求"美"。设计是连接科学与人文的桥梁，它追求的是通过创新和创造来满足人类的需求，并赋予产品、环境和系统以美感。设计与科学、人文之间的交叉和融合为我们提供了独特的视角和方法论，它们共同推动着人类社会的发展和进步。设计思维作为设计的底层逻辑，正是这种交叉和融合的重要体现。设计的本质：科学、人文与设计的关系IDEO公司简介设计思维最初由知名设计咨询机构IDEO创始人之一戴维·克利（DavidKelley）面向社会推广。1991年，克利联手蒂姆·布朗（TimBrown）等多位创始人创立了IDEO——现今全球最大的设计咨询机构之一。IDEO将设计思维作为其核心思想，贯彻落实到设计工作当中，成功实现了商业化。IDEO为苹果公司设计了第一款鼠标。斯坦福d.school克利从1978年开始在斯坦福大学教产品设计课程，1991年成为斯坦福大学的终身教授。2004年，克利等人创办了斯坦福大学的哈索·普拉特纳设计学院（TheStanfordd.school）。IDEO为苹果公司设计的第一款鼠标IDEO与设计思维教育理念IDEO设计的超市购物推车IDEO设计思维教育理念1注重用户需求、技术可行性和商业模式综合考虑用户需求、技术可行性以及商业模式2设计要动手做设计教育的核心目标是挖掘学生身上潜在的创造力，并赋予学生创造的自信蒂姆·布朗对设计思维的定义"设计思维是用设计师的敏锐度和方法，基于对用户需求、技术的可行性和商业战略的落地性这三者的考虑，去寻找用户的价值和市场的机遇！"利用设计思维取得创新成果的3个要点1、研究用户及其需求，解决创新成果的必要性问题2、通过技术解决创新成果的可实现性问题3、商业运用经济规律，解决维持创新的生命力问题IDEO与设计思维教育理念 d.school设计的招贴设计思维是从对设计科学的研究，到对设计师思维方式的思考，最后到对设计方法的探索一步步发展来的。设计思维概念的演变过程设计思维的产生和发展赫伯特·西蒙学术贡献20世纪科学界的通才，在经济学、政治学、管理学、社会学、心理学、运筹学、计算机科学、认知科学、人工智能等领域做出创造性贡献。主要成就•1975年获得图灵奖，被誉为"人工智能之父"•一生获得9个博士学位和多个重大奖项•成功开发"逻辑理论家"程序，证明机器可以具有智能对设计思维的贡献1969年在《人工科学》中率先提及设计是一门科学或一种思维方式。他指出："要理解它们，必须构建系统并观察其行为。"彼得·罗学术背景哈佛大学设计学院教授，长期从事设计思维的研究和教学工作。主要著作《设计思维》（DesignThinking）1987年出版对设计思维的贡献在书中首次正式使用"设计思维"这个词，提出设计思维的一种概括性画像。随后，设计思维作为设计师的思考方式和认知方法被提炼和具化为一种解决难题的创新性方法和工具。设计思维代表人物（一）奈杰尔·克罗斯学术背景《设计研究》杂志主编，拥有建筑和工业设计的多专业背景，通过跨学科研究方法研究设计思维。主要著作《设计师式认知》（DesignerlyWaysofKnowing）核心观点"设计活动的主要特征在于，它依赖于相当快地生成令人满意的解决方案，而不是对问题进行任何长时间的分析。是'满足'需求而不是'优化'方案的过程。"对设计思维的贡献将设计列为人文、科学并列的第三学科。提出科学家是聚焦于问题的问题解决者，设计师则是聚焦于解决方案的问题解决者。理查德·布坎南学术背景当今世界最具影响力的设计思想家之一，曾任卡内基梅隆设计学院院长，现任美国凯斯西储大学韦瑟黑德管理学院设计创新系教授。主要著作《设计思维中的棘手问题》核心理论：设计四秩序提出"设计四秩序"概念，明确了设计对象的四个领域：符号、实物、行动与事件、系统与环境。对设计思维的贡献认为设计思维已成为整合高度专业化的知识领域的一种手段，可以从整体的角度将它们联合用于解决面临的新问题。设计思维代表人物（一）布坎南提出的"设计四秩序"概念，明确了设计对象的四个领域。该框架给设计师提供了一个清晰的视角去看待设计对象，每一个秩序可以被视作看待设计对象的一个特定视角，都是重新思考设计本质的切入点。秩序典型代表目标第一秩序：符号图形传达信息第二秩序：实物日用产品满足用途第三秩序：行动与事件行动与事件实现交互第四秩序：系统与环境系统与环境整合关系在这四个秩序里，设计师通过创造符号传达信息，构筑实物满足用途，连接行动与事件实现交互，构建系统与环境整合关系。设计正在从以造物为核心的活动升级为处理复杂关系的活动。理查德·布坎南`·设计四秩序1设计科学对设计科学的研究2思维方式对设计师思维方式的思考3设计方法对设计方法的探索设计思维的本质设计思维是把设计师做事时的思考方式提取出来，形成的系统化的方法和原则。设计思维是一套进行创新探索的方法论系统，其中包含了触发设计创意的方法。设计思维的精要设计思维不应该被简单理解为一种做设计的方法，设计流程只是设计思维的表象，是设计思维的具象化的表现。设计思维的精要是基于对人的深入了解，挖掘问题的本质，解决真正的问题。这里强调的是思考和分析，而不是靠执行流程得出一个结果。设计思维现状1试简述设计思维的概念。2设计思维发展历程中的代表人物对设计思维的发展分别有哪些贡献？3设计思维的发展过程是什么？思考题感谢观看THANKYOU设计思维基础第1章设计思维概述创意与思维创新设计思维基础第2章现代设计史中的设计思维本章学习目标01了解现代设计发展的脉络从工业革命到现代主义，厘清设计发展的历史进程02认识重要人物及其作品探索推动现代设计发展的关键设计师与经典作品03掌握设计思维的变迁理解现代设计启蒙和发展阶段的设计思维演变章节概览2.1现代设计启蒙阶段的设计思维•艺术与手工艺运动•新艺术运动•装饰艺术运动2.2现代设计发展阶段的设计思维•包豪斯与抽象主义•美国、日本、北欧设计2.1现代设计启蒙阶段的设计思维从工业革命到现代主义萌芽，探索设计思维的历史起源2.1.1艺术与手工艺运动中的代表作品和人物工业革命的冲击1780年左右，工业革命给设计带来了革命性的变化，生产方式从手工业加工转变为大机器生产。普通人普遍使用的是制作比较粗陋的工业化产品，而上层人士使用的是极其精美、复杂的手工艺品，形成了两极分化的局面。运动的兴起艺术与手工艺运动就在这样的背景下兴起。这场运动是对工业化造成的丑陋不堪的产品的一种反思和反抗，试图通过回归手工艺传统来恢复设计的品质和美感。设计思维启示艺术与手工艺运动首次提出了"美与技术结合"的原则，强调设计应该忠实于材料和使用目的，反对华而不实的倾向。图2-1艺术与手工艺运动兴起之前，维多利亚风格的起居室设计2.1.1·1水晶宫建筑史上的里程碑在建筑史上，很少有建筑能与水晶宫（CrystalPalace）的地位一样重要。这座建筑不仅象征着一种新的建筑方式（其使用的铁的数量史无前例），而且是第一届世界博览会的举办场所，引入了一种新的空间体验方式。历史背景1851年，为了展示英国工业革命的成果，炫耀其支配世界的实力，维多利亚女王和她的丈夫阿尔伯特亲王决定在伦敦海德公园举办一次国际性博览会。水晶宫就是这次博览会的主会场。7.4万平方米10万人容量9.3万平方米玻璃<9个月建造时间图2-2描绘水晶宫的画作及水晶宫复原图图2-5水晶宫内部第一届世界博览会盛况1851年5月1日至10月11日，大约600万人参观了水晶宫。博览会上，塞缪尔·柯尔特演示了他发明的左轮手枪，弗雷德里克·贝克韦尔带来了传真机原型，最抢眼的是一台重达630吨的蒸汽机。维多利亚女王激动地说："科学技术使英国拥有了全世界君主都梦寐以求的东西——力量。"2.1.1·1水晶宫的设计灵感与技术创新设计师：约瑟夫·帕克斯顿这栋由约瑟夫·帕克斯顿（JosephPaxton）设计的钢结构装配式建筑，其设计灵感来自温室大棚。帕克斯顿是英国著名的园艺师，他在查茨沃斯庄园建造了两处实验性温室，这些温室采用大面积的玻璃，具有庞大的体积，有哥特式教堂那么高，可种植各种热带植物。王莲的启示1837年，一位英国探险家从圭亚那带回王莲种子交给帕克斯顿种植。为了种植这种巨大的热带植物，帕克斯顿为新的温室设计了一种完全创新的屋顶结构。有一天，他把7岁的小女儿放在王莲的一片叶子上观赏花朵，飘逸的王莲叶子居然能轻而易举地承托起这个小女孩。结构奥秘帕克斯顿翻转叶子观察其背面，只见粗壮的叶脉呈网状交错分布，构成既美观又可以承受巨大重量的整体。这个发现顿时给了他灵感，日后也成为水晶宫屋顶建造技术的设计理论基础。预制装配技术在水晶宫的建造过程中，人们再次被震惊。水晶宫的建筑构件都是预先标准化生产，然后运抵工地组合装配的。虽然马匹仍是工地上主要的动力来源，但传统的建筑材料如水泥等已经不再重要。由于施工成本低廉、方便快捷，不到9个月的时间，水晶宫的搭建工程就已接近尾声。建筑公司甚至还出售门票允许公众前来参观工地。图2-3王莲叶片背面的结构2.1.1·2"图案之王"威廉·莫里斯（WilliamMorris）人物背景威廉·莫里斯1834年出生于英国的一个富裕家庭，自幼生活在乡间。童年时期的他喜欢模仿沃尔特·斯科特小说中的人物，骑着矮种马在森林里探险。长大后的他热爱自然、向往骑士精神，这与同时代追求浮夸奢靡的价值取向格格不入。1851年，莫里斯参观了第一届世界博览会。在这次博览会上，他对工业化造成的丑陋不堪的产品感到震惊。正是从此时开始，莫里斯踏上了自己的艺术探索之路。图2-9红屋图2-10红屋内部第一件作品：红屋（TheRedHouse）莫里斯的第一件作品是他的婚房——红屋。这是一栋简洁、宽敞的L形建筑，采用非对称的布局。建筑外立面采用红砖，完全不加装饰，这也是为什么它叫作红屋。屋顶上耸立着塔楼、尖拱，这些都具有哥特式建筑的特点。红屋内部陈设未采用维多利亚时代流行的室内装饰格调，而是搭配暗红色的中世纪风格家具，使得整个房间弥漫着古典浪漫主义气氛。窗帘、地毯、坐垫均采用动植物纹样，既富有装饰性而又不显得矫揉造作。红屋的外形和内饰完全符合莫里斯的理念，成为"莫里斯式美学"的典型代表。2.1.1·2莫里斯的设计哲学与实践莫里斯·马歇尔·福克纳公司在制作红屋内饰的过程中，莫里斯嗅到了其中的商机。他与朋友合伙开设了莫里斯·马歇尔·福克纳公司（Morris,MarshallandFaulkner），其经营范围包括壁画、壁纸、彩绘玻璃窗、金属工艺、雕塑、刺绣、家具等。纺织品和壁纸的纹样设计是他最擅长的内容。自然主义设计莫里斯设计的图案中，植物的枝蔓和花朵十分常见。他反对工业化制品的粗制滥造，也反对维多利亚时代奢侈庸俗的设计，倡导自然风格的中世纪哥特式手工艺术。在自家花园中，他看到了正在偷吃草莓的画眉，便设计出了《偷草莓的鸟儿》这幅作品。这幅作品用靛蓝色作为背景色以衬出图案，枝叶用浅绿色或深蓝色填充，画面构图平面化，盛开的花朵、花蕾与卷曲的藤蔓交错在一起。天然染料莫里斯还拒绝使用当时流行的商业苯胺染料。他的作品中，靛蓝色来自蓝草和菘蓝，红色来自胭脂虫和茜草，黄色来自杨树，棕色则来自核桃树根。图2-11莫里斯设计的壁纸威廉·莫里斯经典壁纸设计2.1.1艺术与手工艺运动的历史意义与局限核心原则与贡献1首先提出"美与技术结合"的原则2在装饰上反对矫揉造作的维多利亚风格、烦琐的巴洛克风格3提倡哥特式风格和中世纪风格4强调"师承自然"，忠实于材料和使用目的5反对设计上哗众取宠、华而不实的倾向6创造出朴素且实用的产品，提升了实用艺术的地位局限性明确反对机械化生产，强调手工艺制作手工生产的产品价格较高，普通人无力负担设计还没有做到真正为普通人服务把设计水准降低归咎为工业机器的使用，违背历史潮流历史影响这一潮流在20世纪初逐渐淡化，有关的展览与思想传到了国外，为后来的设计师们提供了新的设计风格参考。作为最早实现工业化和最早意识到设计重要性的国家，英国却未能最先建立起现代工业设计体系，原因正在于此。2.1.2新艺术运动提起新艺术运动中的作品，我们往往会用"蜿蜒曲折""有张力的""叶状的""奢华的""动态的""融化的"等形容词描述它们。这涉及在法国、德国、意大利等欧洲国家掀起的一场新的现代设计运动。在这场运动中，艺术家们告别了维多利亚时代的方正和保守，在大多数新艺术作品中，我们能看到一种鞭条般的曲线。这种曲线放松而随意，却不失张力。图2-18巴黎地铁站入口处图2-19巴黎地铁站入口处的细节图2-17宾创办的"新艺术之家"画廊运动的传播此后，新艺术运动陆续席卷了欧洲大陆的大部分国家，并影响了美国。这场运动，在法国叫"新艺术运动"（ArtNouveau），在奥地利叫"分离派"（Secession）。巴黎、南锡、格拉斯哥、布鲁塞尔、布拉格、维也纳、巴塞罗那、慕尼黑、达姆施塔特等城市都曾是这场运动的中心。2.1.2·1新艺术运动兴起的原因01印刷技术的发展20世纪初，欧洲印刷技术的发展让人们能够更好更快地交流。当时的印刷机器有了在纸上同时打印4种颜色的能力，并发展出在织物上打印照片的能力，印刷成本也更为低廉。印刷技术的进步使书籍和报纸更便宜，质量更好。021900年巴黎世界博览会1900年的巴黎世界博览会是设计创新的超级传播者。在这次博览会上，对电的探索成为时代的主流。这次博览会占据了巴黎较大面积的地方，为了让人们更快地走以便看到展览的全貌，主办方在巴黎安装了电动人行道。03交通工具的进步曾经引发工业革命并成为船只的一部分的蒸汽机，被马力更大的涡轮机以及效率更高的电动机取代。横渡大西洋所需的时间从两个月逐渐缩短至5天。交通的便利使更多人能够前往巴黎参观世界博览会。04女性运动的萌芽1893年，新西兰成为第一个赋予妇女选举权的国家。妇女们不仅开始谈论选票，还被允许进入大学，女医生也获得了实操的权利。世界各地的女性所扮演的角色都在发生着变化。在法国，女性也成为一个装饰主题。05对自然的兴趣增加生活在城市里的人们越来越看不到自然存在的依据，他们与自然的距离越来越远。城市化对自然造成的破坏，以及人们从乡村迁入城市对乡村造成的破坏，引发了艺术和设计界对自然的关注。人们通过观察自然，探索如何应对现代都市生活对自身造成的精神刺激。"新艺术"一词的来源"新艺术"一词来自巴黎一家画廊的名称——"新艺术之家"。其由西格弗里德·宾（SigfriedBing）于1895年开设，专门售卖当时的现代艺术作品。1900年，在巴黎世界博览会上，宾的商品引起了世界的关注，让"新艺术"这个词不胫而走。2.1.2·2现代设计先驱——亨利·凡·德·威尔德设计理念在新艺术运动中，多数设计师仅考虑传统的手工生产，并未考虑如何使工业化大批量生产的产品有更高的美学水平。比利时设计师威尔德不反对工业化大批量生产，而是支持工业化，并且认为机器如果得到合理的运用，将可能引发建筑与设计的革命。他并不喜欢维多利亚时代过度装饰的风格，而是主张从自然中发现灵感并在作品中注入自己的情感；但也不是直白地模仿自然，而是要设计一些理性结构。图2-20威尔德设计的办公桌图2-21位于布鲁塞尔的花园别墅豌豆灵感的办公桌他在1897—1899年设计了一张办公桌，其外形灵感来自一颗豌豆。他首先从自然中寻找灵感，以豌豆作为突破口，但并没有直接运用豌豆的造型，而是根据人体工学理论、使用者在使用书桌时手部活动的轨迹，对豌豆的造型进行简化、抽象，采用弧形设计，使得办公桌的造型更加简练、优美，使用体验更为舒适。2.1.2·2威尔德的设计贡献与影响花园别墅（VillaBloemenwerf）1895年，威尔德完成了花园别墅的室内装饰和起居用品的设计，这是他在建筑领域的初尝试。从威尔德将这栋房子命名为"花园别墅"，便可以看出他希望自己的住宅像花园一样贴近自然。其室内设计，从桌椅到餐具，均透露出威尔德对自然气息和现代主义设计风格的追求。瓷器设计威尔德坚持表里如一的理性，又坚持艺术上的个性，反对标准化给设计带来限制，主张在强调功能和理性的同时，对产品进行合理的装饰和美化。他设计的瓷器就体现了这一点。基于理性和艺术个性创造出来的具有实用功能的产品，是真正具有内在美的产品，其功能实用且结构合理，质量经得起时间的考验，同时还能够让消费者从中获得美的享受。三个基本原则1.产品设计结构合理2.材料运用严格准确3.工作程序明确清晰最终目标："工业与艺术结合"钢琴椅设计他在1902年设计的钢琴椅（PianoBench）拥有干净的线条、优美的背部和良好的结构，在实现基本的承重和支撑功能的同时，体现出一种动态、有活力的感觉。2.1.2·3"一个天才，一个疯子"——安东尼·高迪（AntoniGaudi）巴塞罗那：高迪的城市巴塞罗那是加泰罗尼亚自治区的首府，是西班牙重要的贸易、工业、金融基地。它历史悠久，气候宜人，依山傍海。巴塞罗那一共有9处世界级文化遗产，其中7处出自高迪之手，因此被称为"高迪的城市"。巴塞罗那充满活力，它的空气里永远弥漫着热情、永不疲倦的气息，新的风潮和思想总是最先在这里着陆。它超前而富有想象力，就像虔诚的造梦者，致力于把不可能变为可能。人物背景高迪是西班牙建筑师，新艺术运动的代表人物之一。他出生于加泰罗尼亚一个叫雷乌斯的小城。作为一个在加泰罗尼亚长大的孩子，高迪的童年时光是在大自然中度过的。他被大自然深深地迷住了。他痴迷于从大自然中观察到的图案和形状，痴迷于昆虫游走、花朵生长的方式，痴迷于树如何生长、如何将枝条向外延伸，痴迷于蛇干枯的骨架、蜂巢的形状……当他毕业时，校长称其"要么是一个天才，要么是一个疯子"。图2-27米拉公寓外立面图2-28米拉公寓内部米拉公寓（CasaMila）米拉公寓是高迪设计的著名建筑之一。这栋建筑坐落于巴塞罗那格拉西亚大道上，屋顶高低错落，整体如波涛汹涌的海面，又好似一个正在融化的冰激凌。这栋建筑无论是外立面还是内部，都尽量避免采用直线和平面，极富动感。高迪喜欢用制作模型的方式设计建筑，因为模型可以让他使用更复杂的三维结构进行测试。他往往是先设计出各种结构模型，然后对其进行测试并把这些模型拍下来，再在照片的基础上把它们画下来。2.1.2·3高迪的代表作品：巴特罗公寓图2-29巴特罗公寓图2-30巴特罗公寓的外立面巴特罗公寓（CasaBatllo）格拉西亚大道上的另一栋建筑——巴特罗公寓同样以怪异的造型闻名。这栋建筑的外墙用蓝色和绿色的陶瓷装饰，颜色组合怪异，远远望去像印象派画家的调色盘。巴特罗公寓是一栋改造而成的房子，它最初是为一个中产阶级家庭而设计的，1904年由高迪重新设计。这栋建筑有许多绰号，如"众议院骨头""哈欠连天的房子"等。它有着类似内脏、骨骼的有机结构，外立面上两列由砂岩支撑的部分模拟了骨头，洞形窗口和唇样的石头雕刻好似张开的嘴。屋顶采用仿龙脊背部的设计，不同颜色的瓷砖代表的龙鳞、龙脊等清晰可辨。图2-31巴特罗公寓的屋顶图2-32巴特罗公寓内部巴特罗公寓内部也没有直线，楼梯扶手就像丝带引领人进入这栋充满梦幻气息的房子。天花板被设计成旋涡的形状，中间是被旋涡包裹着的贝壳与珊瑚形状的吊灯。这栋建筑具有有机的特征，每一处都是亮点，每一处都值得推敲。2.1.2·3圣家族大教堂：高迪的未竟之作建设的开端1883年前后，高迪接受任命，成为圣家族大教堂（SagradaFamilia）的建筑师。这座教堂由一名叫约瑟普·博卡贝拉（JosepBoccabella）的书商出资修建，几经周折，他找到了高迪。这座教堂至今仍未完工，成为世界上建设时间跨度最长的工程项目。1911年，经历了漫长的准备，教堂正式开始建设。1914年，高迪谢绝了其他所有工作，全身心投入教堂的建设中，直至1926年去世。战乱的破坏与重建高迪去世前留下了大量的模型、手稿，他们本可以据此将工程继续推进下去，然而在1936年，随着西班牙内战的爆发，一群无政府主义者闯入高迪的工作室，用锤子砸碎了一切。战乱结束后，一些人回到高迪的工作室，尽他们所能抢救剩余的资料。他们像考古学家一样把模型碎片拼凑起来，尽可能忠实地还原高迪最初的设想。但因为高迪的方法太深奥了，后来的建筑师花了数十年时间去理解高迪的方案。图2-33未完工的圣家族大教堂完工后的效果现代技术的运用20世纪90年代，一位叫马克·伯里（MarkBurry）的年轻建筑师带来了一种全新的方法——使用当时最先进的航空设计软件，通过参数化设计来制定教堂内部的建造策略。据说教堂将在2026年高迪逝世100周年之际全部建成。2.1.2·4"视觉传达的祖师爷"——阿尔丰斯·穆夏（AlphonseMucha）新印刷技术与海报艺术新印刷技术的出现，让海报成为受新中产阶级欢迎的艺术品。许多杂志会夹带新艺术运动风格的海报，从而以更高的价格售卖。而穆夏是新艺术运动风格平面设计史上的一座高峰。穆夏出生于南摩拉维亚（今捷克境内）。1887年，他来到巴黎，成为巴黎街头众多看不到未来的无名艺术家中的一员，靠绘制插画海报养活自己。成名之作：伯恩哈特海报1894年的圣诞节，穆夏为女演员萨拉·伯恩哈特（SarahBernhardt）创作了一张海报。海报上，伯恩哈特穿着拜占庭贵族的服装，头戴兰花装饰，手持棕榈树枝，背后的字母呈优雅的拱门状。这张海报引起了轰动，人们在大街小巷寻找这张海报，甚至有人趁着夜色用刮刀小心翼翼地取下它。伯恩哈特甚至告诉穆夏："你画得实在太美了，我可能会流芳百世！"图2-35伯恩哈特海报穆夏的艺术风格因为信仰真善美，他的画面常常由年轻貌美的女性和富有装饰性的线条流畅的花草组成。他笔下的人物往往有两种神情：一种姿态舒展、眼神睥睨，侧着头，无焦点地眺望远方；另一种则正对观众，眼睛直勾勾地凝视着观众。他收藏了许多东方艺术品，比如日本的香炉、浮世绘和中国的刺绣等，从中寻找灵感。在他的画中，人们既能看到日本浮世绘的手法，也能看到拜占庭艺术华丽的色彩，以及巴洛克或洛可可时期古典艺术中丰腴的人体。2.1.2新艺术运动的历史评价历史贡献新艺术运动风格与维多利亚时代的杂乱装饰风格相去甚远这场运动随着第一次世界大战的爆发而结束，在将近30年的时间里，覆盖了建筑、家具、首饰、服装、平面设计、书籍插图等多个领域这场运动并不单纯是一种风格或一种时尚，而是一场设计革命它改变了过度装饰的古典风格，放弃了对传统风格的参考，转向对自然形态的模仿设计思维的进步威尔德等人更是超越时代的局限，将工业与工匠精神相结合从根本上来说，新艺术运动并不反对工业化，这和古典主义、艺术与手工艺运动拉开了距离局限性但其设计作品仍是少数人享用的奢侈艺术品，设计真正走向大众还需要一个过程。影响范围新艺术运动影响了多个国家和地区，成为现代设计发展史上的重要篇章，为后来的现代主义设计运动奠定了基础。2.1.3装饰艺术运动第一次世界大战之后，热兵器造成了大量人员伤亡。人们意识到他们在自己所创造的机器面前如此渺小和脆弱，于是不得不重新审视人和机器的关系。但社会的整体气氛是乐观的，摩天大楼、现代化交通的发展令人目瞪口呆，对未来充满期望。欧洲各国普遍繁荣，美国经济更是高速发展，形成了新的市场。在这一时期，一批欧美艺术家和设计师敏锐地认识到新时代来临的必然性。他们不再回避工业化生产，也不拒绝新的材料。他们以批判的眼光审视之前发生的两场运动，认为二者的致命缺陷是对现代化和工业化形式、工业化生产方式的否定。工业化生产不再回避工业化生产，接受机器生产的方式新材料不拒绝新的材料，探索材料的可能性折中主义把手工制作与工业化生产合二为一在这样的历史条件下，一场重要的设计运动——装饰艺术运动诞生了。这一时期，材料和技术都与之前的新艺术运动时期有了很大不同。该运动具有手工和工业化的双重特点，采用折中主义立场，设法把手工制作与代表未来的工业化生产合二为一，由此诞生了一种全新的风格。2.1.3·1装饰艺术运动的背景01埃及装饰艺术的影响20世纪初，图坦卡蒙墓的发掘使得这一时期的艺术受到了埃及装饰艺术的影响。图坦卡蒙墓是第一个由现代考古队打开的、从未被盗掘的法老墓。1922年，陵墓终于被打开。其中最令人震惊的是一件黄金面具，其主体为金色，与其他鲜艳的色彩相搭配，有丰富的几何线条。这种鲜艳色彩和几何外观的搭配，带给艺术家很多启示。02原始部落艺术的影响20世纪初以来，原始艺术特别是来自非洲和南美洲的原始部落艺术，以及玛雅文明、阿兹特克文明、印加文明中明快的造型、简洁的形态，都给艺术家带来了很多启示。03俄罗斯舞台艺术同时期，俄罗斯的舞台艺术、汽车的发明和推广都推动了艺术界色彩和形态体系的转变。设计特征与大工业联系比较密切，具有强烈的时代特征艺术品造型多为简洁的矩形方块结构阶梯式造型的运用相当普遍纵向延伸的平行装饰得到凸显边缘清晰、线条流畅而简练2.1.3·1装饰艺术运动的设计特征几何化的装饰图案装饰艺术运动风格对功能的考量并不明显，这类风格的设计作品都很注重装饰性。装饰艺术运动中所采用的装饰图案大多是有棱有角、风格强劲利落的，即便是植物纹样，也往往被几何化、立体主义化，比较简约。这种几何化的风格，究其来源，依旧是古埃及、中美洲和南美洲的原始部落文化。这种风格也是对当时风行的爵士音乐的随意性、突发性的一种描述。色彩特征在色彩方面，装饰艺术运动摒弃了前两次设计运动中讲究典雅含蓄、温柔婉约的设计，特别重视原色和金属色彩。材料运用在材料方面，装饰艺术运动时期的设计师们陶醉于奢华的设计语言，他们喜爱的材料有黑檀木、斑马木、皮革、丝绸、青铜等，同时他们采用黄金等贵重材料加以点缀，强调奢华的氛围。除此之外，玻璃、胶合板、镀铬铁材、黑胶木和塑料等新兴材料，由于适用性强、易于仿真、便于机械化生产，也得到广泛的运用。独特手法直接采用对称、连续的几何图形，如矩形、圆形、菱形等作为装饰图案，也是装饰艺术运动风格设计的独特手法。而在以前，这些装饰图案常常取自自然中的植物。装饰艺术运动风格的设计与大工业联系比较密切，具有强烈的时代特征。这是对工业化时代的一种回应，也是现代设计向工业化生产方式妥协与融合的重要尝试。2.1.3·11925年巴黎国际现代装饰和工业艺术展展览概况1925年巴黎国际现代装饰和工业艺术展成为装饰艺术运动发展的第一个高潮。此次展览的核心主题是"装饰艺术与现代工业"。主办方希望制造商和设计师探索满足新消费需求的设计产品、开发新的生产技术手段，因此要求所有的参展作品必须是现代的且不基于任何历史上已有的设计。1600万+参观人数几千名设计师参加吸引了欧洲几乎所有国家及一些欧洲以外国家的设计师历史意义这次展览对确立装饰艺术运动的主题和形式都起到了巨大的作用，在世界各地引起了巨大的反响。它标志着装饰艺术运动从欧洲走向国际，成为20世纪20-30年代最具影响力的设计风格。装饰艺术运动代表作品装饰艺术运动代表作品2.1.3·2装饰艺术运动在美国的发展装饰艺术运动在欧洲和美国呈现出不同的面貌。欧洲的设计多为体积较小的装饰用品，美国的设计则主要表现为摩天大楼。克莱斯勒大厦1930年建成的克莱斯勒大厦由建筑师威廉·凡·爱伦（WilliamvanAlen）为美国汽车大亨沃尔特·珀西·克莱斯勒设计。大厦共有77层，采用阶梯状尖顶的形式，借用了中、南美洲的建筑元素，塔尖由简单而富有想象力的几何图形叠加而成。纽约帝国大厦20世纪30年代，百万富翁约翰·雅各布·拉斯科布为了显示自己的富有，决意修建一座世界最高的大厦。整座大厦（包含天线）高448.7米，共102层，是保持"世界最高建筑"这一地位最久的摩天大楼。洛克菲勒中心洛克菲勒中心是全世界最大的私人拥有的建筑群，由洛克菲勒家族投资兴建，其建造工作从1929年开始，延续了多年，直到1940年才完成。这个建筑群虽然具有精致的装饰艺术运动风格的立面、室内、环境艺术特征，但是整体结构是现代的。纽约帝国大厦大厅是纽约少数几个被地标保护委员会指定为历史地标的室内装饰作品之一。大厅内部中央有一座两层楼高的帝国大厦建筑模型，天花板上有以机械齿轮形式绘制的行星和恒星，金属装饰、放射性线条、直线折线造型都表现出明显的装饰艺术运动风格。2.1.3装饰艺术运动的历史评价历史地位装饰艺术运动风格在20世纪20年代兴起，到20世纪30年代成为国际性的流行设计风格影响了建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计、纺织品设计、服装设计等各个领域是20世纪初一种重要的设计风格虽然发展这一风格的主要国家只有法国、美国和英国，但它却成为一种世界流行风格重要贡献装饰艺术运动让人们开始意识到，如果希望某种风格得到普及并成为流行风格，批量生产是不可忽视的手段。局限性装饰艺术运动虽然强调工业化，却并没有将服务对象和服务意识转向普通大众因此不能被视为一场现代的、民主的设计运动这场运动实际上是对富裕奢华、充满闲情逸致的生活形态的反映在1929年美国经济大萧条爆发之后自然难以为继。在第二次世界大战以后，装饰艺术运动没有继续得到发展，而现代主义设计运动则成为真正的世界性设计运动。2.2现代设计发展阶段的设计思维包豪斯、抽象主义与现代设计的全球化发展2.2.1包豪斯、抽象主义与构成主义设计运动如果说前面的设计运动只是设计史上的浪花，那么包豪斯则是一场真正的海啸。现代设计的真正发展是在两次世界大战之间的短暂时间内进行的。1917荷兰"风格派"运动1917构成主义设计运动1919德国包豪斯成立这3个重要的事件奠定了现代建筑与现代设计的思想、实践和结构基础，并在第二次世界大战之后影响了世界各个国家，形成了国际主义风格。包豪斯德绍校区历史意义这三个事件标志着现代设计从探索阶段进入成熟阶段，为后来的国际主义设计风格奠定了基础，影响了全世界的设计教育和实践。2.2.1·1包豪斯（Bauhaus）学校创立100多年前，一所在德国开设的学校永远地改变了我们的世界；今天，它的思想仍影响着我们的生活。这所学校就是包豪斯。包豪斯是世界上第一所专门为培养现代设计师而开设的学校。这所学校是德国现代建筑师和建筑教育家沃尔特·格罗皮乌斯（WalterGropius）的心血。1919年，他在德国魏玛创办了这所学校，并成为第一任校长。格罗皮乌斯的设计理念格罗皮乌斯出生于德国柏林的一个建筑世家，早期曾经历过第一次世界大战，但幸存下来。从废墟中走出来，格罗皮乌斯开始思考如何以一种进步的方式，而不是以一种破坏的方式使用技术。他主张将艺术和技术结合起来，为整个社会而不只是权贵设计建筑，从而推动社会进步。他主张采用经济便捷的方法建造建筑，例如采用大量预制构件进行拼装等，尽量缩短工期。图2-61包豪斯德绍时期的校舍图2-60法古斯工厂2.2.1·1包豪斯的三个时期01魏玛时期1919-1925包豪斯成立之初，人们刚从第一次世界大战中走出来，想要不同的艺术、不同的建筑和不同的教育。包豪斯就是这个时期的产物。格罗皮乌斯将魏玛实用美术学校和魏玛美术学院合并，把所有学科整合到一起，这也是他"技术与艺术结合"思想的体现。02德绍时期1925-1932包豪斯的师生们得到了绝佳的机会，他们在这里建造了他们的第一栋也是唯一一栋大规模的校舍，将他们的愿景变为现实。这是一个综合建筑群，包括教学空间、宿舍、剧院、体育馆等，以高度强调功能的原则进行设计。这一时期是包豪斯历史上最美好、最有成就的阶段。03柏林时期1932-19331930年，迈耶被德绍市长辞退，路德维希·密斯·凡德罗（LudwigMiesvanderRohe）接任校长。凡德罗是一位天才建筑师，他设计的巴塞罗那椅曾在巴塞罗那世界博览会上大获成功。1933年，在各方压力下，凡德罗迫不得已选择了关停学校。杰出的教师团队格罗皮乌斯召集了一批与众不同的艺术家和设计师担任老师，包括瓦西里·康定斯基（WassilyKandinsky）、保罗·克利（PaulKlee）等，打算对设计进行全方位的变革。学生们从世界各地来到包豪斯，他们想打破旧事物，寻找一个充满希望的新未来。图2-62包豪斯德绍时期的宿舍、教室图2-65巴塞罗那椅2.2.1·1包豪斯的教育理念与设计贡献教育特色包豪斯的教育非常注重实践。完成基础课程后，学生们可以选择去不同的工作室进行实物的产出，而这一切都可以在这栋校舍里完成。德绍时期的包豪斯开设的专业更为全面，有绘画、雕塑、纺织、家具和建筑等。如今这栋校舍被联合国教科文组织认定为世界文化遗产。设计核心：形式追随功能"形式追随功能"是包豪斯时期的设计核心。在家具设计方面，包豪斯非常注重让学生彻底理解材料，有效发挥材料本身的特性。包豪斯早期的作品多使用钢管、纺织物、藤编、皮革、木头，成本低廉，并且包豪斯最早提出了家具生产标准化的观点；其作品后期开始采用玻璃等工业化材料，形式现代化，功能清晰明了，实现了艺术与技术的统一。基础几何形体教学在这所学校里，教学主题不是人物画像，而是基础几何形体。圆形、三角形、正方形是包豪斯时期设计作品的3种基本形状，每一种形状都有对应的属性。同时，色彩构成也有一定的讲究。这些设计以现在的眼光来看并不是革命性的，但在当时却超乎人们的想象。图2-66包豪斯时期的海报马歇尔·拉尤斯·布劳耶设计的椅子2.2.1·1包豪斯的世界性影响包豪斯掀起了第一场真正意义上的革命性设计运动。这所学校虽然只存在了14年，却产生了世界性的影响，为世界留下了辉煌的遗产，改变了人们思考和做事的方式，定义了下一个时代的艺术与设计，重置了艺术与设计在社会中的地位。对现代设计教育的意义为欧洲奠定了现代设计理论和实践的基础把欧洲现代设计的发展推向了高峰为世界设计教育体系建立了基本架构以科学、严谨的理论为依据，创建了以平面构成、立体构成与色彩构成为基础的设计教育体系全球影响直到今天，世界各地的设计教育依然在沿用或模仿包豪斯建立的体系。第二次世界大战以后，美国依托强大的经济实力，在包豪斯时期设计思维的基础上，发展出一种新的设计风格——国际主义风格，这种风格后来影响了全世界。包豪斯精神的传播国内的动荡局势使得包豪斯的老师们走出德国，以不同寻常的方式将包豪斯的理念发扬光大。迈耶去了苏联；格罗皮乌斯于1934年离开德国，先后去了英国、美国，最后在哈佛大学担任建筑系主任；凡德罗去了芝加哥，在伊利诺伊理工大学任教。2.2.1·2蒙德里安的"冷抽象"新造型主义理论1920年前后，荷兰的艺术家们开始了对抽象主义风格的探索，其中不得不提到的就是艺术家蒙德里安。1917年，蒙德里安在美术杂志《风格》上发表了自己的第一篇理论性文章，其中明确提出具象艺术只能描绘事物的外表而难以表现其本质，而新造型主义将排除一切与艺术无关的因素的干扰，创造一种纯粹的形式，来表现自然万物之间的本质和谐。几何抽象图式蒙德里安从他的理论发展出简化到极致的几何抽象图式，包含三原色、三非原色、由水平线和垂线组成的网络结构。在画面中，每处的构成都是经过推敲、谨慎安排、恰到好处的，最终实现了几何视觉要素间的绝对平衡。这些作品仿佛无限平面的某个局部，可以向每个方向延展。图2-68蒙德里安《红、黄、蓝构图》及《特拉法加广场》纽约时期在生命的最后4年，蒙德里安移居美国纽约。在这个五光十色的大都会，蒙德里安感受到没有战事纷扰的世界，因此其创作的作品比过去更为明亮、更为抽象。他融合了过去不同时期作品的风格并加以延伸，色彩、线条呈现出轻快的律动感，画面的音乐性在此时期达到最高境界。蒙德里安是继维米尔、伦勃朗和梵高之后，荷兰最具影响力的艺术家。2.2.1·2蒙德里安风格的影响对设计界的深远影响蒙德里安的抽象风格对设计界的影响极其深远。后来的荷兰风格派设计师将这种风格引入家具领域，红蓝椅就是最有代表性的作品之一。它由正方形、长方形木条和木板按模数组合而成，红色和蓝色非常鲜艳夺目。这把椅子给人的感觉是坐上去非常不舒服，但它展示了一种概念，即产品的最终形式取决于结构。图2-70蒙德里安风格在当代室内设计、产品设计、平面设计中的运用图2-71红蓝椅红蓝椅的意义红蓝椅的与众不同的现代形式，成为现代主义工业美学独立的预言。它证明了设计可以脱离传统的装饰性，通过纯粹的几何形态和原色来表达美学理念，这对后来的现代主义设计产生了深远影响。2.2.1·3康定斯基的"热抽象"热抽象的艺术特征抽象艺术的另一位奠基人是康定斯基，他是"热抽象"画派的代表人物。与冷抽象给人冷静、克制、理性的感觉不同，热抽象给人的感觉是热情、奔放、感性。康定斯基作品的主要图式特征是无规律的色彩组合以及自由的点线面关系和空间布局。色彩情感理论康定斯基认为"色彩可以传达特定情感"。暖色，如红色、黄色和橙色，通常被认为是活泼的颜色；冷色，如绿色、蓝色和紫色，通常被认为更平静、柔和。白色、灰色和黑色共同组成中性色，白色意味着沉默和安静，而黑色意味着毫无可能性、绝望。康定斯基格外喜欢蓝色，在他的画面中蓝色往往是点睛之笔。图2-72康定斯基作品1图2-73康定斯基作品2音乐与绘画的通感他的绘画灵感有时来自音乐，这是一种通感形式的表达，即大脑将声音转化为颜色，将颜色感知为声音。在他的画中，点是最简单的，好比乐谱中的附点音符；线是有长短和方向的，线的粗细好比声音的高低。2.2.1·3抽象主义的历史意义冷抽象代表人物：蒙德里安给人的感觉是冷静、克制、理性简化到极致的几何抽象图式包含三原色、三非原色、水平线和垂线组成的网络结构热抽象代表人物：康定斯基给人的感觉是热情、奔放、感性无规律的色彩组合以及自由的点线面关系色彩可以传达特定情感共同的历史贡献无论冷抽象还是热抽象，都打破了艺术原来强调主题写实的局限，把艺术的基本要素进行了抽象的组合，创造出了抽象的形式，开辟了艺术发展的新天地。这两种抽象艺术风格共同构成了20世纪现代艺术的重要基础，对后来的设计、建筑、平面设计等领域产生了深远影响。2.2.2其他设计运动现代主义率先在德国、荷兰、俄国3个国家取得的巨大成就，促使西方其他国家纷纷迈出现代设计的第一步。美国作为在两次世界大战中迅速成长起来的国家，吸收了大量从欧洲来的设计师、艺术家，从而有力推动了设计的发展；而工业生产方式的转变与消费主义的盛行也为设计带来了更多的发展机会。日本设计是在第二次世界大战之后发展起来的，在20世纪60年代崭露头角，至今仍具有影响力。斯堪的纳维亚设计则从欧洲各国的设计中脱颖而出，自成体系和风格。美国设计T型车与流水线生产汽车外形设计雷蒙德·罗维的工业设计流线型运动日本设计战后起步与发展柳宗理与蝴蝶凳索尼随身听深泽直人与原研哉北欧设计斯堪的纳维亚风格阿尔托与帕米欧椅民主设计理念有机形态与自然启发这些国家和地区的设计运动共同构成了20世纪现代设计的多元格局，各自从不同角度推动了设计思维的发展，为当代设计奠定了坚实基础。2.2.2·1美国设计T型车与流水线生产汽车在刚刚发明的时候只是少数权贵的玩物，而T型车的推出使整个汽车行业的市场结构随之改变。T型车是美国福特汽车公司于1908年推出的一款汽车。在生产T型车的第一个月，生产一辆T型车需要耗费14小时，因此平均每月仅能生产11辆。在此基础上，亨利·福特（HenryFord）进行了大胆的革新，采用流水线装配代替传统的个体手工装配方式，使零部件标准化，从而大大提高了生产效率。到1914年，每93分钟便有一辆T型车从流水线上开下，这使一辆T型车的售价从850美元下降到300美元。T型车的量产，使汽车作为一种实用工具进入了寻常百姓之家，美国亦自此成为"车轮上的国度"。图2-74T型车图2-75早期T型车生产线2.2.2·1雷蒙德·罗维：美国工业设计之父设计界的传奇人物在美国工业设计史上，曾出现过一位了不起的人物，他就是可口可乐标志的设计者——罗维。他一生设计的作品数量庞大、范围广泛：大到飞机、轮船、火车、宇宙飞船和空间站，小到邮票、口红、标志和可乐瓶。曾有媒体这样评价他："毫不夸张地说，罗维先生塑造了现代世界的形象。"可口可乐瓶身设计罗维最有名的设计就是可口可乐的瓶身及标志。早期的可口可乐瓶是1915年一位名叫亚历山大·山姆森的工人根据女性的身体曲线设计的，罗维则赋予瓶子更加微妙、柔美的曲线，使其不仅外形美观，而且使用非常方便，易抓握不易滑落。此外，由于瓶身的结构中大下小，当它盛装可乐时，会给人分量很多的感觉。可口可乐的标志以飘带为主要元素，富有律动感。罗维还为可口可乐设计了全套视觉方案，包括自动贩卖机等。该设计在商业中获得巨大成功，为可口可乐公司带来巨大利润。图2-78可口可乐瓶身、标志、自动贩卖机流线型设计罗维还是当时交通工具设计界的巨头，为火车、汽车、轮船等现代交通工具设计了流线型外形，有力地推动了流线型运动在美国的发展。著名的灰狗巴士就是他的代表作，他还为宾夕法尼亚铁路公司设计了一系列造型富有想象力的蒸汽机车。冰点冰箱罗维还将他的"流线化、简单化"的理念引入了工业产品的设计。1934年，他为冰点（Coldpoint）冰箱设计的崭新形象，奠定了现代冰箱造型的基础，浑然一体的箱体使其看上去简洁明快。2.2.2·2日本设计发展历程日本作为亚洲的经济强国，其制造业、创意产业、服务行业发展较好。日本设计起步于第二次世界大战之后。早期日本设计经历了模仿、抄袭西方设计的阶段，此后日本政府通过设立奖项促进自主设计。到20世纪60年代，日本已成为国际设计领域的主力之一，并且其设计具有强烈的民族特色。影响因素日本现代设计发展受内外两个方面因素的影响。一方面，日本设计有相当一部分源于自身的文化传统；另一方面，美国大众消费文化、德国理性主义设计也对日本设计产生了影响。日本现代设计的发展虽然在很大程度上是由科学技术推动的，但是终归与其传统有着密切的联系。柳宗理与蝴蝶凳柳宗理是一位擅长利用现代技术和手段，创作出具有日本风格作品的大师，是日本现代工业设计的奠基人。他推崇民间艺术，主张"用手去感受，手上便会有答案"。他最有名的作品是一款名为"蝴蝶凳"的凳子。这款凳子将完全相同的两片压制木板通过一个轴心对称地连接在一起，用螺丝和铜棒固定连接处，展现出如同蝴蝶展翅的优美形态。这件作品体现了功能主义与传统手工艺的完美结合。图2-82蝴蝶凳2.2.2·2日本设计大师与代表作品索尼随身听20世纪50—70年代是日本经济高速发展的"经济奇迹"时代。在这一时期，日本从战后的低迷中恢复过来，且完成了工业化进程，成为制造强国。经典产品索尼随身听（SonyWalkman）使音乐随时可听，改变了人们的生活方式，其紧凑型、便携式的设计也成为后来高科技工业产品设计的典范。图2-83索尼随身听1964年东京奥运会1964年在日本东京举办的夏季奥运会成为日本设计发展的转折点，其形象设计由龟仓雄策主导。与以往的奥运会不同，龟仓雄策设计了一个简单的标志：五个金色的圆环彼此相扣，上方是一个巨大的圆盘，代表太阳。在日本设计崭露头角的时代，龟仓雄策的海报摒弃了西方对于东方"异国情调"的期望，而是采用了硬朗简洁的现代化设计。图2-841964年日本东京奥运会海报福田繁雄的平面设计1964年东京奥运会见证了日本的崛起，也成功吸引了西方社会对于日本设计的关注。福田繁雄是日本战后早期平面设计的重要奠基人之一。他擅长利用正负形、同构、视错觉等手法，创作具有幽默性、讽刺性的平面作品，其作品中充满着对和平主义和环保主义的呼吁。图2-85福田繁雄创作的海报2.2.2·2深泽直人与原研哉深泽直人与"无意识设计"提起当代日本产品，我们就会想起±0等品牌，这些品牌的背后是深泽直人、原研哉等当代设计大师的影响力，他们的设计至今仍影响着我们的生活。深泽直人提倡"无意识设计"，曾任职于美国IDEO公司，2003年成立了自己的设计事务所"深泽直人设计公司"。他的作品朴素直观，最大的特点是可使用。他认为好的设计不应增加使用者的"适应负担"，而是应该满足使用者的需求，方便使用者的生活。代表作品CD播放器：外形好似一个排气扇，开关为一条拉绳计算器：显示屏微微抬起，更加方便观看雨伞：把手处有一个凹槽，可用来悬挂塑料袋原研哉的视觉设计另一位活跃在国际舞台上的日本中生代设计大师原研哉，他当时是日本设计中心董事、武藏野美术大学教授。他参与的设计项目包括海报、包装、推广项目与活动计划等。除负责产品本身的开发以外，原研哉还承担将产品传达给社会大众的推广工作。很多人认为原研哉不仅是一位前沿的平面设计师，更是一位研究及实践不同设计理论的社会学家。代表作品茑屋书店全套视觉识别系统冈山县立美术馆视觉识别设计2008年北京奥运会标识提案2020年东京奥运会标识提案2.2.2·3北欧设计斯堪的纳维亚设计北欧设计以斯堪的纳维亚半岛地区的设计为典范。斯堪的纳维亚半岛位于欧洲西北角，这里有着茂密的森林、壮阔的峡谷和奔腾的河流。以斯堪的纳维亚半岛为中心的地区由芬兰、瑞典、挪威等国家组成。这里的人们追求民主，重视传统手工艺，具有很强的人文主义精神。在这种环境的影响下，设计师们致力于利用经济实惠的技术，不断提高民众的生活品质。阿尔托与帕米欧椅芬兰设计师阿尔托用木材、玻璃等材料，通过新有机主义、极简主义的设计，极大地提高了北欧设计的地位，赢得了国际市场的追捧。阿尔托倡导极简而富于人情化的设计，他认为工业化和标准化必须为人的生活服务、适应人的精神要求。图2-94帕米欧椅帕米欧椅的设计这位设计师为芬兰西南部的一个小镇设计了一座肺结核疗养院及其所有的室内陈设。在这些作品中，帕米欧椅（PaimioArmchair）最具代表性。这把扶手椅被放置在病人休息厅，椅子靠背倾斜的角度意在帮助病人顺畅地呼吸。椅子的框架由两个木质的环组成，这两个封闭的环构成了椅子的扶手、椅腿以及椅脚；一块呈柔美卷曲形态的胶合板构成了椅子的座面及靠背。阿尔托选择既有自然质感又有隔热功能的桦木作为材料，开发出一种巧妙的造型，使椅子有着雕塑般的形态却又不失舒适感。思考题01现代设计史的分期与代表人物现代设计史大概分为几个时期？各个时期的代表人物是谁？02设计运动的社会原因与推动作用每场设计运动背后都有着深层社会原因，从现代设计史中选择一场设计运动，分析该设计运动形成的原因及其对设计思维发展的推动作用。03包豪斯的教学体系与设计思维萌芽包豪斯是世界上第一所专门为培养现代设计师而设立的学校，试简述包豪斯的教学体系及包豪斯的教育观念中哪些可被看作设计思维的萌芽。本章学习总结通过本章的学习，我们了解了现代设计从工业革命到20世纪中期的完整发展历程，认识了各个时期的重要设计运动和代表人物，掌握了设计思维在不同历史阶段的演变过程。这些知识为我们理解当代设计、培养设计思维奠定了坚实的历史基础。感谢观看THANKYOU设计思维基础第2章现代设计史中的设计思维创意与思维创新设计思维基础第3章设计思维的方法本章内容3.1形态训练：从具象到抽象形态的心理感受训练·形态的转化逻辑训练3.2用设计语言表达设计思维平面构成·色彩构成·立体构成本章学习目标了解抽象的过程提高对设计作品中"形""态"的认识了解三大构成123设计的底层逻辑：设计思维设计的概念演变"设计"一词是近现代从国外传入的。中国传统设计起源于以手工制作为主的传统手工艺，"design"一词源自拉丁语中的de-sinare，是"做记号"的意思。1883年左右，日本首次用"意匠"和"图案"作为design的译文。日语里的"意匠"即指"意念加工"。1974年《不列颠百科全书》对设计的定义设计是进行某种创造时，计划、方案的展开过程，即头脑中的构思，一般指能用图样、模型表现的实体，但最终完成的实体并非设计，只指计划和方案。设计的一般意义是，为产生有效的整体而对局部进行调整。经典设计案例可口可乐瓶身PH灯（1924）BrionvegaAlgol电视阿尔托花瓶（1936）博朗RT20收音机外星人榨汁机（1990）抽象设计思维的定义抽象设计思维是对具象的事物进行解构，抽取要素（例如结构、材料、生长特征等），并根据新的需求对要素加以融合、优化、省略、加强。抽象设计思维是舍弃明显的具象，把感性形象与抽象意义结合起来的符号性思维，是通过形象性的概念与符号去理解对象世界的抽象意义，并通过直观的类比推理形式去把握和认识对象世界与抽象意义的联系。抽象的过程会较大程度地偏离甚至完全抛弃自然对象的外观、规律，将自然对象通过大脑加工后升华。感受抽象的过程是训练设计思维能力的一种很有效的方式。毕加索：牛的抽象过程形态训练：从具象到抽象设计形态的空间规定性设计形态以占有实际空间为特征，以人的视觉为主要感知方式，具有空间规定性。设计的产品一般是物质状态的，必然占有实际的三维空间，这就是所谓的空间规定性。即使是虚空间、负形也同样占有三维空间，因为虚空间、负形是相对于实空间、正形而言的，虚与实、正与负相互依存，无实则无虚、无正则无负。所以说，没有不占有三维空间的设计形态，对设计形态的感知以视觉为主，其他感觉为辅。但有的设计不但要用眼睛看，还要用耳朵听，如时装表演、动画设计、多媒体设计等。听觉类设计虽然不易为人所觉察和理解，但却是设计形态很重要的特点之一。设计形态始终离不开空间维度和视觉。埃舍尔的矛盾空间形态的心理感受训练对主体与客体的观察在设计活动中，主体是人，客体是自然。主体与客体是一对哲学范畴，"主体是实践活动和认识活动的承担者，客体是主体实践活动和认识活动指向的对象"。人的实践活动和认识活动指向的对象是自然。但人从来不是单纯地占有自然，而是积极地改造自然。而改造自然又必须先从自然中获取资源，再借助人的智慧，生产出工具，最后用工具生产出人所需要的食物、住所、生活用品等。中国古代建筑与埃及金字塔形态的心理感受训练1形态的心理感受训练设计的生态环境设计是人特有的创造性活动，人的创造性活动不是在完全无约束的环境中进行的。设计有一个动态的生态环境，这个生态环境与人的主观能动性相互影响，从而推动了社会的进步，也促进了设计的进步。对此可从3个方面进行分析：一是自然生态环境也就是地理环境对设计的影响。世界上各民族生存在地球上不同的地方，不同的地方有不同的地形、气候、动物和植被，有的环境良好、有的环境恶劣。为了在不同的环境中生存，不同民族以不同的方法（包括不同的设计）适应自然和改造自然。二是经济生态环境也就是生产方式对设计的影响。世界上各民族以不同的生产方式进行生产，以不同的产品养活自己并满足各种需求，由此也形成了对人与人、人与自然关系的不同认识，比如自给自足的小农经济和大工业生产就会产生完全不同的观念和设计思想。三是社会生态环境也就是社会结构、政治制度对设计的影响。社会结构和政治制度也是动态的。在这个方面，东西方的差异比较明显，尤其是欧洲文艺复兴和法国大革命之后，这种差异更大。以上3个方面不是相互独立的，而是相互牵连的，共同形成了设计的生态环境。同时，现代社会的发展可能与传统文化产生矛盾，而人的行为方式与设计又存在互动。不同物质的肌理对观察对象个性与共性的抽取形态的心理感受训练2个性是人与生俱来的，世界上没有两片完全相同的叶子，也没有两个完全相同的人。正是因为人与人之间存在差异，所以才会有一个色彩斑斓的世界。而共性，是人为了相互保护、相互督促、共同进步而形成的。对观察对象个性的抽取可以从肌理方面进行。"肌理"一词本来的含义是物质的表层组织结构所形成的不同触感，诸如木、石、金属、玻璃、织物等物质的纹理结构、微观颗粒，粗糙与光滑的程度，反光与透明的程度等。广义的肌理还包括在艺术表现中使用不同工具、材料及相应的制作方法，使作品表面产生的如同人的表层皮肤般的视觉效果。对于设计来说，思维方法和设计方法无疑是极为重要的。但从完整的设计过程看，善于思考，能从感性的认知跨越到概念的认知，从而具有不断发现新问题、解决新问题的能力则更为重要，这取决于设计者创造性思维的水平。科学是智性代表，工程是理性代表，艺术是感性代表，但是设计，尤其是工业设计，应同时具有智性、理性和感性，达到灵性的境界。案例：小米Logo设计2021年，原研哉为小米设计的新Logo引起了热议。新Logo看似只是简单地从方形变成了圆角，被网友戏称是"被生活磨平了棱角"，但原研哉表示这是基于"Alive"概念进行了一系列推导后选出的理想图形。"科技越是进化，就越接近生命的形态"，这正代表着原研哉跨越了感性意义上大众的审美认知，转而追求设计表达的简单与清晰，以及智性、理性与感性的有机结合。智性、理性、感性三角小米Logo修改前（左）与修改后（右）设计思维中的智性、理性、感性3形态的心理感受训练增加感性认识的3种方法（1）利用比较法，探究为什么一个设计要比另一个设计讨人喜爱。（2）选出一幅最吸引人的作品，或选出一幅最不吸引人的作品。（3）把一幅不好的作品，修改成一幅好的作品。设计思维中的“感性”是在设计成型过程中，设计师通过材料选择、表现与造型塑造，传达给受众的审美感受与人性化情感理念。它贯穿于设计活动的始终，具有较为鲜明的目的指向性。形态的心理感受训练盖里设计的家具（左）和建筑（右）设计思维中的“智性”始终贯穿整个工业设计活动之中，有明确的目标指向性。形态的心理感受训练以盖里的“编”椅为例，它的优雅造型展现出来的是相当成熟与理性的加工技术。该椅子所有的薄木条都是在模具中加热后以一定角度及弯曲度定型弯折并最终组装成型的，整把椅子没有使用一颗定位螺丝，更没有使用胶体粘接。“编”椅是工业设计中理性和感性和谐统一的经典之作，盖里通过深入的研究，对枫木薄条这一材料的特性有深入的了解和把握，并把材料的特性和加工方式应用到了极致，从而大大改进了椅子的外观造型，让椅子的外在形态与创意设想实现了最大程度的吻合，使其以飘逸、潇洒的完美形态展现在世人面前。 “编”椅格式塔源自德语"Gestalt"，意为"整体、完形"，因而格式塔理论也被称为完形理论。其核心是：我们习惯于以规则、有序、对称等方式把不同的元素加以简单的组织，在不断组织、简化、统一的过程中，创造出易于理解、协调的整体。我们的大脑在接收影像刺激的时候，会产生一些特别的倾向。这些倾向常常可以帮助我们快速辨别事物，有时候也会让我们产生一些视错觉。格式塔理论中的重要观点便是"整体不等于个体的总和"。（1）相似性人们习惯将形状、大小、颜色、方向等外观明显且有某些相似之处的元素自动整合或集合为一组。UI设计规范中的控件组合成的组件大部分会遵循相似性原则，以统一视觉样式，表达统一的功能性，比如标签栏。标签栏形态的心理感受训练格式塔理论对设计心理的影响4（2）接近性当我们看到各种各样的物体时，通常会将彼此靠近的元素识别为一个组。元素与元素之间的距离会影响我们是否将这些元素组织在一起以及怎样将它们组织在一起，距离较近的元素会被组织在一起，而距离相对较远的元素则会被自动划分在组外。在版式设计中，我们会将图文信息按照不同形状、颜色、大小等分组展示，这样在视觉层次上会有明显区分，也更易于阅读。格式塔理论对设计心理的影响2018年草莓音乐节海报及其版式格式塔理论对设计心理的影响（3）封闭性当我们在观看图像时，并不是一开始就区分某个单一的组成部分，而是将这些单一的组成部分组合起来使其成为一个易于理解的统一体。当看到某个组成部分不完整时，我们的大脑会按照已有的信息将其补充完整。该原则多用于品牌Logo设计和UI图标设计。（4）连续性我们的大脑倾向于将事物看成连续的形体，连续性帮助我们通过构图来解释方向和运动。大脑理解事物的连续性倾向在对齐元素时发生，可帮助我们的视线顺利地穿过页面，从而提高画面的易读性。连续性原则在App设计中的应用非常广泛，如Banner区域的左右滑动交互模块和进度条。格式塔理论对设计心理的影响（3）主体与背景的关系该原则也称为图/地法则，是指我们在感知事物的时候，总是自动地将视觉区域分为主体和背景。一旦图像中的某个部分符合背景特征，大脑就不会把它作为主体。在UI设计中，借助此原则，设计师可以通过一些操作将图像中的某些部分变成背景，显示更多信息，便于抓住用户的注意力。（4）对称原则对称原则指出，当我们感知物体时，我们会倾向于将物体的形状视为围绕这个物体形成的对称形状。大多数物体可以被分为两个或两个以上对称的部分。对称的元素简单、和谐、美观。对称是快速有效地交流信息的工具。对称让人感觉舒服，有助于用户专注于重要的东西。弹窗提示与弱化背景的设计对称原则在UI中的应用（7）共同命运原则共同命运原则指的是在整体的视觉条件下，某些物体若是同时、同速、同向移动，则这些物体会被视为一组。UI设计中常常应用这个原则，比如在手机上长按App图标时，则所有的App图标都会有一致的运动倾向，以告知用户界面处于可编辑状态。格式塔理论对设计心理的影响易识别的图像（左）与不易识别的图像（右）1设计思想是一种观念，是设计师的世界观，也是设计过程的出发点和指导思想。它在任何时代都暗示着"怎样的设计才是合理的和美的"这一命题，并从宏观上控制着设计师在寻找最佳方案时的思维方法。因此，它可以成为墨守成规者的羁绊，也可以成为创造革新者的动力。模仿型模仿型设计思想是一种最古老、生命力最强的设计思想。模仿型设计是从模仿自然开始的。人类曾经历过一个使用天然工具的时期，当直接依靠双手和天然工具已不能满足需求时，人类不得不创造了"人造工具"。功能的模仿必然会带来形式的模仿，以自然为主要素材源泉的装饰美术更是如此。古埃及的装饰纹样常取材于莎草和睡莲，古希腊的装饰纹样则多取材于百合花和棕榈叶，这和它们的自然环境是密切相关的。模仿型设计思想虽然不是人类创造性思维的全部，但却是其开端和基础。形态的心理感受训练3种常用的设计思想模型5 古埃及纹样（左）与古希腊纹样（右）2设计思想是一种观念，是设计师的世界观，也是设计过程的出发点和指导思想。它在任何时代都暗示着"怎样的设计才是合理的和美的"这一命题，并从宏观上控制着设计师在寻找最佳方案时的思维方法。因此，它可以成为墨守成规者的羁绊，也可以成为创造革新者的动力。继承型继承型设计思想也有模仿型设计思想的意味，但原型是前辈的创造物，是模仿加改良的设计思想，且蕴含着批判的成分。设计史上，每当社会进入发展相对稳定的时期，这种设计思想就会成为主导。继承型设计思想具有普遍性、持久性是必然的。在历史平稳发展的时期，人们的生活方式、欣赏习惯有一定的持久性，因此"照祖宗家法办事"是极为正常的。继承型设计思想不同于复古主义，后者明显是保守、复旧的同义词。继承型设计思想强调批判