【动画概论】第5讲-动画片的创作原理

第五讲动画片的创作原理动画片是影视艺术的特殊类型，它的创作与其他影视艺术的创作有很多相似的地方，符合影视创作的一般原理。作为一个特殊的影视艺术门类，动画片又具有不同于一般影视的地方，它可以充分运用绘画及其他美术造型等手段来进行创作主流动画片的创作原理

非主流动画片的创作原理

风格的形成

技术与艺术

主流动画片的创作原理：主流动画片观众的心理需求主流动画片创作原那么动画片的构成剪辑与蒙太奇主流动画片观众的心理需求：观众在欣赏动画片时具有特殊的心理需求，这种心理需求表现在多方面，如审美、视觉、听觉、情感的宣泄等。主流动画创作原理首先是通过对观众心理需求的研究而形成的。主流动画片创作要想获得成功就必须掌握观众心理，使观众和作品产生共鸣。看电影是一种个人心理体验，但又是全体观众的共同心理体验，观众是带着一种“自愿的接受”或“信以为真”的心理进入欣赏的环节中，观众通过欣赏动画片去满足他们的各种心理需求-----这就是主流动画创作的关键所在。主流动画片应该满足观众什么样的心理需求？主要有以下几个方面：知觉快乐：即从“视”“听”两方面创造。要想到达知觉上的快乐必须强调娱乐性，娱乐性不仅丰富着生活，最重要的是当人类面对困难和精神感到压力时，娱乐节目会使他们暂时忘掉疲惫和痛苦，使精神压力得以舒缓，调整好状态，用饱满的情绪面对真实的世界。替代满足：观众欣赏着影片中的情节，同时也在寻找解决自己生活中遇到的问题的答案，因而观众喜欢在动画片中用自己的主观想象同剧中的对应人物对号入座。观众和剧中人物进行了角色替代置换，观众的心理变化会随着剧情的进展而产生波动，人类所具备的许多情感和生活体验会在观众中产生释放和共鸣，例如：快乐、愤怒、悲伤、愉悦、同情心、紧张以及对动画片中视听的审美感受都会触动观众的内心世界。

紧张刺激：对于剧情而言，“情理之中、意料之外”一直就是观众和电影导演所追求的最高境界。猎奇和冒险是人类进步的推进器，挑战自我更是人类的一大嗜好。体验从未感受过的紧张刺激也是促使观众观看动画片的原因。

审美升华：有人讲“电影是金字塔，首先是电影然后是艺术最高境界是哲学”，一部好的动画片，应能让观众在欣赏动画片时获得的审美感受，通过他们的回味、思索上升到更高级的审美阶段——精神升华，从而使观众得到动画片内容以外的艺术的、哲理的启迪，并由此转变为新的审美经验。主流动画片创作原那么：主流动画片作为一种商品艺术，更多地要考虑广阔观众的需求和喜好，并尽可能地使观众的认可度最大化。经过影视工作者的长期实践和摸索，总结出了主流动画片创作要注意的几项原那么：善恶法那么：社会中的每个人对追求美好生活和拥有积极乐观的生活态度都有所期盼，但在现实生活中往往不可能有绝对的公平和公正。人们的心灵需要抚慰，压抑的情感需要宣泄。对于儿童也是如此。“好”与“坏”是儿童判断客观世界是非的最根本方式，因此善与恶的冲突是主流动画片的根本冲突。而故事在紧要关头往往是善的一方最终战胜恶的一方，也就是我们常讲的正义战胜了邪恶。从这个角度说来，动画片还具有维护社会道德标准，重燃人性之美的作用。英雄法那么：以一般人，尤其是儿童的能力，不可能总是“正义战胜邪恶”的，所以人民企盼“英雄”。“英雄”就是“善之大者”，是正义的化身。人们希望在危难时刻总有英雄出现，更希望自己能化身为英雄，“除暴安良，匡扶正义”，所以“超人”、“孙悟空”之类的形象总是动画片中的主角。另一方面，英雄作为勇敢者和保卫正义的斗士是众人关注的对象，因此希望成为某种英雄是人类的普遍心理。从观众的心理角度出发，英雄法那么也是在完成观众希望成为英雄的角色置换。喜剧法那么：随着社会生活节奏的加快，加重了人们心理的承受负担，人们为缓解心理压力就会有合理宣泄压力的渴望，儿童更是具有追寻快乐的天性。而动画片的特点使其更能表现轻松、诙谐、幽默甚至滑稽的内容。可以说，人们喜爱动画片，很大程度上正是喜爱动画片特有的喜剧特色。梦想法那么：爱梦想是人类的一大天赋，更是人类勇于探索未知领域的强大动力，而动画片作为一种特殊的影视艺术形式，特别适合梦想题材的表现。源于生活而高于生活〔或者说是远离生活〕的梦想是人们〔特别是儿童〕喜爱动画片的又一主要原因，也是动画片区别于其他艺术形式的主要特征。时尚法那么：时尚法那么很大意义上讲就是赋予动画片鲜明的时代特色，能够满足观众不断提高的欣赏需求，并且有一定的引导性。动画片的时尚性可以表现在各个方面：时尚的造型设计、贴近现代观众的故事情节以至新颖流行的对白等等。现代动画片必须不断更新变换才能适应观众欣赏需求，引导观众欣赏方向。时尚法那么也是促进动画产业开展的催化剂。动画片的构成：动画片是由文学艺术、影视艺术与绘画艺术综合而成，因此存在剧本创作的文学思维，利用影视作为载体的电影思维与动画片特有的美术思维。我国在已往称动画片为美术片或美术电影，似乎在强调美术在影片中起的重要作用。但美术作为一种表现手段，它并不能起到涵盖整个动画作品的作用。随着制作动画片方法的不断更新和新理论的提出，将动画片特殊地称为“美术电影”，现在看来并不准确。我们应该肯定文学和美术在创作动画中起的作用，同时也要看到电影这个承载媒介所起的重要作用。动画片是一种特殊类型的影视艺术，因此动画片存在着文学思维与美术思维的同时也存在着电影思维。剧本是依据，美术是表现手段，而电影才是目的，因此动画片首先属于电影的范畴。动画片电影特性确实定是动画电影的创作的理论根据，我们可以依托已经开展成熟的电影创作理论来指导动画片的创作，用电影的创作思维去看待动画片的创作。动画片的创作主要包含以下几方面：1.一般主题及内容首先要明确的是主题和内容。主流动画创作中主题与内容广泛，但往往遵循前面讲到的善恶法那么、英雄法那么、喜剧法那么、梦想法那么、时尚法那么。创作手法上或从主题入手围绕主题将情节添入，依靠情节来推动故事的开展。或从一个兴趣点出发再拓展情节扩充故事并推动故事的开展，最后得出创作主题。2.叙事结构叙事结构一般在剧本阶段就应确立。叙事结构的好坏某种意义上讲决定了整个故事的好坏。作为动画片，叙事结构根本上可分为戏剧式和非戏剧式两种，作为主流动画片，主要是戏剧式结构。(1)戏剧式结构戏剧式结构是主流动画片常见结构。此种结构强调冲突和冲突律，注重因果链的衔接，故事主要靠情节来推动。讲究“起承转合”“起”就是故事的开始，“承”就是故事的开展，“转”就是故事的逆转既高潮，“合”就是故事结局。开始，开展，高潮，结局共同构架起一个完整的故事。开始：就是要解决故事讲到的是谁和干什么的问题,并且将人物间的关系有一个大概的了解。“言而无物”是在动画片创作开头局部所要十分注意的。开展：此单元是全剧最长的一局部占全剧的百分之六十左右，这里是剧情展开的局部往往称这一局部为“对抗”，在这里主人公要克服种种困难和障碍去实现自己的目标，这也是剧情的需要。导演要非常明白故事的剧情开展目标就可以给剧中人物设置恰当的障碍，要引而不发让观众觉的情理之中而又意料之外。这样在被称为开展的这一单元里观众就会看到冲突，这也是观众最喜欢看到的，也是在这里通过冲突我们看到人物被被逐渐地塑造起来，故事也经过人物的不断抗争连接起来。高潮：就是剧情中产生冲突最为剧烈的一点，故事可能在此处发生大逆转。它既可能是一个剧烈的场面，也可能是一个静默的时刻。它出现在开展的末端而紧靠结局，这里要注意高潮的支点是否够高，高潮是否完全完结。结局：在这个被称为结局的段落里需要就故事给出答案，只有这样观众才能如释重负地走出电影院，观众要知道剧中的主要人物是成功了还是失败了？是死了还是活了下来？是最终赢得了爱情还是一无所有？这些都是需要在故事的结局阶段做出答案，好的结局是剧情的自然流露不是草草收场。开始、开展、高潮、结局是构架动画电影的四大块，然而这四大块不是独立存在于电影的故事之中，它们还需要有一个内在的故事线有机地联接起来，是一个故事单元向另一个故事单元的推进。(2)非戏剧式结构非戏剧式结构带有较强文学性，叙事重细节而不强调冲突及编排情节。创作者往往从细节入手，或强调记实性，或强调抒情性。非主流的实验艺术短片常用这种结构。3.画面构成画面构成是动画片最重要的存在形式，它使动画片不同于其他影视作品而独树一帜。画面构成包括美术风格、构图和动作。(1)美术风格确实立动画片作为一种视觉艺术是要靠观众的感官刺激到达传递信息的目的，它的每一画面所承担的视觉元素就显得非常重要，美术风格确实定对整部片子的风格样式起到很重要的作用，其中重要的一点莫过于将各制作单元统一在一种风格之中。中国水墨动画《山水情》中从绘景到人物造型都要保持中国传统水墨画的原有风貌。利用水墨画古朴灵透的造型手段来作为整部片子的美术风格，整部片子风格高雅有一种超然脱俗的气质，创作者将中国式的情感融入到古风古韵之中，水和墨的特殊表现形式更有效地突出了中国画的传统风貌，适宜的内容适宜的表现手法造就了一部优秀的动画片，《山水情》中美术风格的形成对整部片子的风格所起的作用就显而易见。因此动画片的美术风格首先遵循形式确定原那么，然后是形式的类型确定〔是平面还是立体或其他类型〕，最后是造型与场景的风格和色彩与色调确实定。(2)构图动画片的构图原理包括绘画构图原理和运动构图原理。动画片是由一幅幅静止的画面构成的，而每一幅静止的画面的好坏直接影响成片的质量，绘画中对构图的要求又是考察绘画作品优劣的一项重要指标，因此利用绘画中的构图原理来考察动画片中每一幅静止画面构图的优劣起着关键的作用。当画面连接在一起放映时整个影像运动起来，在运动中也要考虑画面的构图是否适当。

(3)动作包括角色表演、调度〔走位设计〕、镜头运动〔场景角度变化、景深变化、机位变化及运动等〕。首先动画片中所有动作要合理，最重要的是主要角色在画面中运动和位置的提前设计。一方面动画片的创作人员以精良的片子呈现给观众，另一方面制作精良的动画片也提高了观众的视觉感受，观众对动画片的欣赏期盼越来越高，随着电脑技术的广泛应用，超常规的大透视、大场面等使观众头脑中对运动感、空间感、体积感的感受能力在不断提高，这更加要求动画片的创作人员需要对动作经过精心地设计，动作除了可以加强感官刺激外动作还可以刻画人物，丰富画面而发挥作用。4.声音的构成(1)声音对画面的作用观众欣赏动画片是通过眼睛看、耳朵听来完成欣赏过程的，声音和画面共同建立起观众和电影之间沟通的桥梁，观众对听觉的要求象对视觉的要求一样欣赏水准越来越高，视觉和听觉是相辅相成互为补充的统一体。(2)声音的组成动画的声音是由人声、音乐、音响组成。人声是指由人发出的声音，包括人物的对白、独白、旁白、心声、群杂。音响包括自然音响、动作音响、机械音响、特殊音响。其中特殊音响又被称为虚拟声音，它是一种被模仿制作出来的夸张的声音，在动画片中被广泛运用，可以使人物的表演更加夸张、更具力度。音乐指动画片中的乐曲与歌曲。戏剧性音乐表现处于戏剧矛盾冲突的音乐，主要表达人物感情和心理状态。抒情音乐抒发人物情感、渲染气氛，也可表现环境。气氛音乐是创造某种情绪基调的音乐。特定音乐指具有特定内容用于特定场合的音乐〔国歌，婚礼进行曲等〕。生活音乐指剧中人物用自然流露的方式唱或演奏出生活中熟悉的音乐。动画片中的歌曲分主题歌和插曲。主题歌是表达影片主题思想的歌曲或概括全片根本内容的歌曲，主题歌经常出现在片头或片尾。插曲是为某一场戏写的歌曲，抒发某一个具体情节中的情绪。剧作音乐指情节性音乐，直接参与到情节中去的音乐，并影响情节的开展，甚至有时起到深化主题的作用，常见于主题升华局部。剪辑与蒙太奇：1.剪辑的概念这是动画片后期制作的关键工序。就是把制作好的零散的镜头组接起来，使其成为一部结构完整内容联贯的影片。但这种组接并不是单纯按自然时间顺序连接，而是按“蒙太奇”方式连接。所谓“蒙太奇”就是根据影片剧本内容和导演的创作意图，把拍好的镜头进行认真的分析研究，经过选择按一定的方式组接成一部影片。剪辑工作不仅能弥补原剧本及拍摄过程中的缺乏，更重要的是通过剪辑可以使影片的结构完整节奏鲜明，加强影片的艺术表现力和感染力，使影片的艺术表现力准确地表现出来。剪辑点要准确，主要表现在影片传达意向明确，影片过程流畅没有阻涩感，以及影片的节奏感强。2.剪辑的内容(1)利用主体的运动变化进行剪辑称为动作剪辑点。一般从姿态的变化寻找剪辑点,如：姿态变化前、变化中、变化后及结束。中部剪辑比较平稳，主体运动时还可以依靠主体运动方向发生改变时或速度发生变化的时候来寻找剪辑点。(2)从拍摄方法上寻找剪辑点。一般是动接动，静接静显得自然流畅，而反之那么显得跳跃而有冲击力。(3)将声音作为剪辑点。以语言、音乐、音效来作为剪辑点。(4)情绪剪辑点。以人物心理为根底从人物情绪中找剪辑点。非主流动画片的创作原理：非主流动画的创作是对动画本体的追寻与探索，对内容及形式的实验。主流动画片是以商业运作最终赢利为目的，它的叙事结构、画面、音乐、造型等等在很大程度上要有意识地去满足大多数欣赏者的欣赏要求。这样的创作思路很大程度上制约了动画创作人员个性的展现，此种情况下创作者的某些想法很难在主流动画片中得以表达。非主流动画片灵活多变的创作特点恰好可以祢补艺术家对某些动画观念和艺术设想的表达欲望，因此非主流动画片更多的是在行内被少的一局部人来欣赏研究，这种研究和探索反过来拓展了创作者对主流动画创作的思维和观念，充实了动画片根底理论研究。非主流动画片创作内容和主题与主流动画片有相似的地方，但在非主流动画片中还存在一种不设主题的创作方法。例如利用不同的材质来表现色彩、质感与光影，利用抽象的图形来表现动作的流畅、滞涩与幅度的大小以及动作的节奏快慢和停顿等。非主流动画主要在内容和形式两方面进行创作研究和创作延伸。1.内容上分为主题型、叙事型、非叙事型〔文学型、音乐型、抽象型等〕。对内容的研究更多地是要探究动画还能以哪种艺术形式或方法来加以表现，并且探询如何表现的问题。这种研究方向可以起到扩展创作手法的作用。另外针对内容中的某一项进行充分的展现，强调，放大到达一种夸张的艺术境界，这也是非主流动画在内容上创作思路。2.形式上分为绘画、平面摆拍、立体摆拍、电脑制作、混合形式。在非主流动画片中对形式感的追求也可以成为创作内容的一局部，其中包括对不同材质、不同技术所创造出的不同造型的追求，形式也可以成为非主流动画创作的内容。风格的形成：谈到动画片的创作就不得不谈到风格,风格在辞海中的解释为：作家、艺术家在创作中所表现出的艺术特色和创作个性。这里重点词汇应该是“特色和个性”，强调作家和艺术家创作的唯一性。风格即流派，对于动画片的创作者来说他们的喜好和艺术思维习惯就是他们作品的风格，或者说是“动画片所特有的给人的感受”，正是这种渴望展示自己独特艺术魅力的激情，驱使着他们孜孜不倦地投入到动画片的创作中去。我们常说“字如其人”或“文如其人”也就是说作品的风格就是创作者的风格。创作风格承载了作者的文化艺术修养，思想品质及人格的魅力等等因素。因此有人评价唐代书法家颜真卿的书法为；“老辣雄浑，有刚正不恶之霸气”，在他的书法中好似埋入筋骨而被后人称为“颜筋”。一个人的性格特征和人格魅力就这样被注入到了作品中，并受到后世书法爱好者的追随。看来鲜明的风格大概更能说明令作品永生的密秘，作品被作者赋予本人的风格和气质，作品也就被赋予了灵魂，无论历史的车轮如何翻滚都泯灭不了作品的强烈个性特征，也使后人久观而不厌动画片也有自己的风格，作为综合艺术它的行成最重要依赖于以下几种风格；即导演的风格，美术的风格，叙事的风格，音乐的风格等，所有这些风格最终行成整部作品的风格。中国的早期动画具有浓重的民族特色因此形成了它独特的民族风格，老一代艺术家利用现成的民间艺术形式如；剪纸，皮影，水墨画效果，农民画等艺术形式创作了大量优秀的动画片，也正是这些独特的本民族艺术形式所形成的风格，而被国际动画界称为“中国流派”，可见独特的风格在动画片的创作中所起的重要作用和意义。在众多的风格中导演的风格在动画片的实现是动画片最为重要的风格，但在诸多艺术门类中动画动画片导演的个人风格更难以在作品中得以显示。因为动画的创作是集体创作它受到多方面的制约。首先，动画片一个具有集体生产的特性，完成一部动画片单靠导演一个人的力量是难以想象的，许多的制作技术手段导演不可能全部都掌握或者去实现，需要许多的人员的共同参与，而且还有其他的艺术门类的参与，如造型设计、背景设计、音乐、音效等，都需要相关门类人员的共同参与。创造是人的天性，各部门在导演的统一运筹下进行流水线式的工作，但他们还是会自觉不自觉地在作品中参加自己的东西。更何况制作动画片需要大量的资金投入，投资者更关注的是影片所带来的回报，所有这一切都制约了动画片中导演的风格。另一方面动画片的导演作为影片的统筹者，他的艺术追求和个人气质在影片中又是表达最多的，因此我们谈论动画片的风格时更多的谈到导演的风格就是这个原因。不同导演有着不同的审美情趣和艺术追求，同一个故事在不同导演的创作下会有不同的艺术效