小学美术二年级名画赏析.doc

二年级美术名画赏析1.奥特罗大师简介安吉尔奥特罗安吉尔奥特罗1981年出生于（美国）波多黎各，于芝加哥艺术学院获得了美术硕士学位，现在以纽约为创作基地。虽然奥特罗的大部分作品都受到了对照片等其它家庭纪念品的记忆以及20世纪油画的影响，他的作品却强调了艺术家独特的创作过程，其作为一种叙述的形式存在于本身之中。奥特罗“对形式的改变”表现在他首先在玻璃上画下画作，等它晾干了之后将干燥的颜料剥去，然后按照个人或是历史的叙述性在画布上重新布置这些涂料块。只要你能准确地识别出埃尔格列柯（El Greco）或是凡戴克（Van Dyck）等艺术家的作品，那么你就能轻松地在奥特罗的作品中识别出那种在格哈德里希特（Gerhard Richter）或是巴塞利茨（Baselitz）的作品中也能找到的迫切感，格哈德里希特与巴塞利茨通常会将历史性叙述与个人主题结合在一起，用来创作一段关于将绘画看作是一个过程的对话。作品赏析他的画作特别着重创作过程，最独特的创作方法是他把然后颜料涂在玻璃上，待其干后撕下形成油彩颜料膜，再将油彩颜料膜连同其他物料如树脂、喷漆及矽氧树脂等一同贴上画布，拼凑出独一无二的作品。这种将拼贴与撕裂共冶一炉的创作形式，代表了当代绘画新颖而带动感的风格。2. 保罗 塞尚大师简介保罗 塞尚保罗 塞尚是 印象派 到 立体主义 派之间的重要画 家。塞尚由 毕沙罗 （Camille Pissarro）介绍加入 印象派 ，并参加了第一届印象派 画展 。有人依他的风格也归于 后印象派 。塞尚认为“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。他的作品大都是他自己艺术思想的体现，表现出结实的几何体感，忽略物体的质感及造型的准确性，强调厚重、沉稳的体积感，物体之间的整体关系。有时候甚至为了寻求各种关系的和谐而放弃个体的独立和真实性。塞尚认为：“画画并不意味着盲目地去复制 现实 ，它意味着寻求各种关系的和谐。”从塞尚开始，西方画家从追求真实地描画 自然 ，开始转向表现自我，并开始出现形形色色的形式主义流派，形成现代 绘画 的潮流。塞尚这种追求形式美感的艺术方法，为后来出现的现代油画 流派提供了引导，所以，其晚年为许多热衷于现代艺术的画家们所推崇，并尊称他为“现代艺术之父”。毕生追求表现形式，对运用色彩、造型有新的创造，被称为“现代 绘画 之父”。在可以被当成二十世纪探索 绘画 先知的十九世纪画家中，从成就和影响来说，最有意义的乃是塞尚。他是一个很少为人理解的孤独者。他终生奋斗不息，为用颜料来表现他的艺术本质的观念而斗争。这些观念扎根于 西方绘画 的伟大传统之中，在包容性方面，甚至属于艺术中最革命的观念之列。在塞尚之前漫长的艺术发展史中，所有的画家都把注意力放在再现客观对象上，而画家本人却做了模 仿 自然 的奴隶。但塞尚则放弃了传统的艺术观念和法则，完全依靠自己独立的观察进行创作，有意识的地将注意力转向表现自己的 主观世界 ，通过概括和取舍，从结构的观点来描绘对象。正是由于塞尚这种 绘画 的主观性改变了整个西方艺术的进程，对他以后的 艺术家 产生了观念上的震撼，这种震撼导致了艺术思想的全面解放。可以说，现代艺术起始于塞尚。作品欣赏静物在塞尚的静物作品中，苹果常常成为他写生的“静物”，几枚苹果凌乱地放在铺着台布的桌子或者果盘里，是一幅特别有意味的画面。当塞尚的静物苹果出现时，西方美术界为之震惊。这是只没有政治，没有所谓思想，没有雄心壮志，不急不躁，不会故作深沉的苹果，它清新芬芳真实可触，忠实于自己的自然属性，安静而光泽。塞尚画笔下的所有女人，似乎都有着苹果般的气质，她们坐在那里，没有所谓为了前途而疯狂打拼的野心，她们安静到只是一只苹果。从静物可以看出保罗塞尚的探索精神和画风特色。在这幅画中，整体关系犹如一张网络，所有物象在网络上各得其所。任何细节和局部似乎都不可随意挪动，否则，整个结构便会失去平衡。对此西方曾有人评论说：“如果试想从17世纪荷兰的静物画中拿一个东西，立即就好像到了你手里；而如果想从塞尚的静物画里挪动一只桃子，它就会连带把整幅画一起拽下来。”从这幅画中可以深刻体会评论的含义。3. 文森特威廉梵高大师简介梵高文森特威廉梵高（Vincent Willem Van Gogh，1853年1890年），荷兰后印象派代表性画家。梵高出生于荷兰乡村的一个新教牧师家庭，早年的他做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士。他充满幻想、爱走极端，在生活中屡遭挫折和失败，最后他投身于绘画，决心“在绘画中与自己苦斗”。他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品。视野的扩展使其画风巨变，他的画，开始由早期的沉闷、昏暗，而变得简洁、明亮和色彩强烈。而当他1888年来到法国南部小镇阿尔的时候，则已经摆脱印象派及新印象派的影响，走到了与之背道而驰的境地。在阿尔，梵高想要组织一个画家社团。1888年，高更应邀前往，但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。此后，梵高的疯病(有人记载是“癫痫病”)时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画。1890年7月，他在精神错乱中开枪自杀，年仅37岁。这位易激动而富于神经质的艺术家，在其短暂一生中留下大量震撼人心的杰作。他的艺术，是心灵的表现。他曾说：“作画我并不谋求准确，我要更有力地表现我自己”，他并不关注于客观物象的再现，而注重表现对事物的感受。亨利福西隆在论述凡高时说道：“他是他时代中最热情和最抒情的画家。对他来说，一切事物都具有表情、迫切性和吸引力。一切形式、一切面容都具有一种惊人的诗意”，“他感到大自然生命中具有一种神秘的升华，他希望将它捕捉。这一切对他意味着是一个充满狂热和甜蜜的谜，他希望他的艺术能将其吞没一切的热情传达给人类” (奥夫沙罗夫编凡高论上海人民美术出版社，1987年，第95页)。为了能更充分地表现内在的情感，梵高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。他认为：“颜色不是要达到局部的真实，而是要启示某种激情。”在他画中，浓重响亮的色彩对比往往达到极限。而他那富于激情的旋转、跃动的笔触，则使他的麦田、柏树、星空等，有如火焰般升腾、颤动，震撼观者的心灵。在他的画上，强烈的情感完全溶化在色彩与笔触的交响乐中。1853年3月30日生于津德尔特，早期因为表达内心的悲痛，曾割断了自己的耳朵。1890年7月29日在法国瓦兹河畔因困扰其多年的精神病发作自杀身亡。早年经商，后热衷于宗教，1880年以后开始学习绘画。曾在巴黎结识E贝尔纳、P西涅克和P高更等画家。早期作品受印象主义和新印象主义画派影响，代表作有食土豆者、塞纳河滨等。曾两次在咖啡馆和饭馆等地向劳工阶层展出自己的作品。不久厌倦巴黎生活，来到法国南部的阿尔勒，开始追求更有表现力的技巧；同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，以达到线和色彩的自身表现力和画面的装饰性、寓意性。台湾译名梵谷。梵高的作品在很长一段时间内并不被世人所接受,直到十九世纪末的时候世界正进行着一次全面的革新，人们的思想得到空前的变革，接受新事物的能力也大大的提高。而过去相对于印象派较为超前的梵高，此时正适应了人们的审美需求。作品赏析向日葵向日葵是梵高在法国南部画的同一题材的系列作品他画向日葵时, 精神异常激动, 向日葵金黄色的花瓣, 给他一种温暖的感觉, 使他内心充满激情地去画那些面朝太阳而生的花朵花蕊画得火红火红, 就像一团炽热的火球；黄色的花瓣就像太阳放射出耀眼的光芒一般厚重的笔触使画面带有雕塑感, 耀眼的黄颜色充斥整个画面, 引起人们精神上的极大振奋。 作画时梵高像闪烁着熊熊的火焰，满怀炽热的、运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力，色彩的对比也是单纯强烈的。然而，在这种单纯和粗厚中却又充满了灵气和智慧。观者在观看此画时，无不为那激动人心的画面效果而感应，心灵为之震颤,激情也喷薄而出，共同融入到梵高丰富的主观感情中去。4. 雷尼马格里特大师简介雷尼马格里特雷尼马格里特(Rene Magritte，18981967)是超现实主义画派中的重要一员。他生于比利时，曾就学于布鲁塞尔美术学院，探索过立体主义和未来主义艺术风格。后加入超现实主义画派，创作出一批离奇的幻觉画面，如燃烧的石头、有裂缝的木质天空、鞋和脚的奇妙关系、珍珠里的女人面孔、瞪着一只人眼的火腿片他早期的超现实主义作品往往将互不相关的事物奇怪地并置在一起，让人想起十几年前基里柯的试验。而后他又致力探索事物本身的包含与被包含关系，将不同的东西以某种奇妙的过渡联系在一起，如由脚往鞋的变化。他还用名画去尝试变体，把法国古典主义画家大卫所作的雷卡米埃夫人像中的人物更替为棺材。作品赏析错误的镜子错误的镜子作于1928年，描绘了一只人的眼睛，及投射在这只眼睛视网膜上的蓝天白云。在马格里特看来，人的眼睛只是一面错误的镜子，因为它所得到的只是自然的幻影，而不是自然本身。人的眼睛在观察大自然时投射在视网膜晶体上的白云与蓝天是非常具体的，用他的话表达，这是一面错误的镜子，因为它是自然的幻影，不是自然本身，它仅是一幅画，只有眼睛的主人实际所感的自然，才是可信的真实。绘画上关于真实的空间与空间的幻觉，一直是一个不断探索中的哲学问题。马格里特认为世界上没有见到的真实，只有感到的真实，绘画的真实本来就是一种人眼的幻觉，艺术家只是图解而已。5. 冷冰川大师简介冷冰川著名插画家,装饰画大师冷冰川(1961.2)江苏南通人。中国美术家协会会员。毕业于荷兰国立米纳瓦设计绘画艺术学院。西班牙巴塞罗纳大学美术学院博士生在读。 1977年高中毕业进南通市工艺美术研究所至今。1986年在中央工艺美术学院特艺系进修。曾在南京博物院、中央民族文化宫、中国美术馆举办联展，南京艺术学院个展。作品曾获第八届工艺美术百花奖设计一等奖，首届“中华杯”民间艺术大奖赛优秀设计奖等。冷冰川在80年代末，90年代初就活跃于中国当代艺术舞台，当时他深入沉潜中国文化土壤，先后出版了十几种艺术图文集，在中国当代艺术发展时期具有广泛和深入的影响，冷冰川于上世纪90年游学欧洲，深受西方当代艺术思潮感染，他极力从中国文化和西方艺术资源中寻找新的表现可能性。冷冰川所创造的墨刻作品，采用在墨色卡纸上以刀代笔，墨底白线，营造出一个个黑白分明的审美世界。他的布上作品，则采用多种非绘画现成品与油画颜料拌和，在布上堆砌塑造产生类似浅浮雕的空间效应。这两类作品尽管样式和风格各异，但都被赋予一种古典高雅的静穆之美，显示出一种极致化的唯美的诗意。这是冷冰川植根中国文化的精神取向，从对绘画传统精神的接续中，寻求在当代艺术中对现代性文化精神崭新的表达方式。作为一位长期旅居海外的中国当代艺术家，冷冰川为我们提供了一个成功的例证。他从中国以及西方的艺术传统资源中找到新的发现和选择的可能性，并通过他独特的创造性转换，为当代艺术的发展开拓出一片新的天地。 名作赏析茶画冷冰川把画布用茶水浸泡染色，几十遍几百遍，类似于中国画的“做旧”；再把掺杂了茶叶渣、中药渣、碎麻布等材料的油画颜料涂在画布上，凭一时灵感，随心所欲。“人有优美的一面，也有破坏性、发泄的一面。这个就是动作性比较大，有1米5长的，不可能坐在那里描，需要我有即兴判断。”画“茶画”的时候，冷冰川站着，有大动作大手势，正好与画黑白画时的情形相反。6. 齐白石大师简介齐白石齐白石（18641957），名璜，字渭清，号兰亭、濒生，别号白石山人，遂以齐白石名行世；并有齐大、木人、木居士、红豆生、星塘老屋后人、借山翁、借山吟馆主者、寄园、萍翁、寄萍堂主人、龙山社长、三百石印富翁、百树梨花主人等大量笔名与自号。湖南湘潭人，二十世纪中国画艺术大师，他是一个放牛娃和木匠出身的大画家，一生俭朴，时时不忘农村生活，对鱼虾、花鸟、竹子等孩童时农村生活常见物特别有感情，并且这些都成为他画画的题材，反应在作品上都显得生气盎然，特别是鱼虾，达到出神入化的地步。齐白石虾趣图，创作于1948年，现在收藏于湖南省博物馆，是其晚年画艺成熟的代表作品。齐白石从小生活在水塘边，常钓虾玩；青年时开始画虾；约40岁后临摹过徐渭、李复堂等明清画家画的虾；63岁时他画虾已很相似，但还不够“活”，便在碗里养了几只长臂虾，置于画案，每日观察，画虾之法亦因之而变，他的虾也成为他代表性的艺术符号之一。白石画虾已入化境，在简括的笔墨中表现了游弋水中的群虾。虾将身体展开时接下来就准备将身体蜷曲起来，利用尾和身体完成一次向前的划水，所以说，虾的游泳是向后前进的。有句俗语叫做“虾子游河倒缩”。作品赏析虾趣从虾趣用墨、虾的形态、虾的用笔三方面对此画作简要赏析。一、从墨法上看，用淡墨画虾体，用浓墨点睛，把墨、水与宣纸结合的气韵效果把握得很好，使虾看起来通体透明，形象生动。墨色的深浅浓淡，表现出一种动感。一对浓墨眼睛，脑袋中间用一点焦墨，增加了虾头的重量感，在左右点上几笔淡淡的墨，虾的头部在晶莹剔透中有显得变化多端。虾的腰部再用淡墨点出，与头部重墨形成明显的对比，把透明的、游动的、活生生的虾形象表现的淋漓尽致。形神与笔墨的完美结合，可以说前无古人，开拓了中国意笔写实型水墨用法，对中国一大批水墨写实画家有着巨大影响。二、从虾的形态上说，齐白石画虾，多为“长臂虾”，晚年的齐白石画虾以“白虾”为模特，追求形神兼备，虾戏中8只虾形态各异，有的嬉戏打闹，有的左顾右盼，有的交头接耳。中间几只虾看似拥挤，实则繁而不乱，细细观察每只虾都清晰可辨，画的惟妙惟肖。虾是一种群居动物，最喜欢的就是在一块打闹，这幅画中的虾正是他们相互嬉戏时场景的在现，无怪此幅画称之虾戏。画作为人内心世界的反应，关于白石老人，我们从这幅画中也可追寻。虾极具有观赏性，需要很高文化素养的人才能欣赏到它的美，白石老人具有很高的文化修养。虾好动，充满活力，从中我们可以看到一个乐观、自足、充满活力和情趣的老人形象。三、从作者用笔的变化看，简单几笔淡墨侧锋用笔，使虾的腰部呈现各种异态，有躬腰向前的，有直腰游荡的，也有弯腰爬行的，增添了虾的透明度和动态感，让人觉得它富有弹性和生命气息。虾的尾部也是通过寥寥几笔淡墨，使虾表现的既有弹力，又有透明感。虾的一对前爪，由细而粗，数节之间直到两螯，形似钳子，有开有合，用圆润而有力度的淡淡的笔墨使虾显得更有活力。虾的触须用数条淡墨线画出。此外，为表现出那种透视感，用虚实结合，简略得宜，似柔实刚，似断实连，直中有曲，乱小有序的线条，使纸上之虾看似在水中嬉戏游动，触须也像似动非动，力求深入表现它们的形神特征。白石老人是从民间画工转变为文人画家，他将富有农民生活气息的民间艺术情趣融进文人画中，这不仅扩展了文人画表现的题材，而且也更新了文人画的艺术境界，开创了具有时代精神的新篇章7. 柯罗大师简介柯罗让巴蒂斯特卡米耶柯罗 Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) 法国杰出的风景画家。他目睹了美术史上的古典主义、浪漫主义、现实主义的兴衰，直至印象主义的兴起。因而在柯罗的身上染上了各个时代的混合色彩与艺术风格的因素。科罗的一生就像是一首才华横溢的优秀诗篇。1796年他诞生的那一年，是法国大革命的风暴和拿破仑战争之间的过渡时期。他在流血和恐吓、野心和偏执、仇恨、欺诈报复的年代中成长。但他并没有被那年代的野蛮和愚昧所玷污。他的父亲是个理发师，母亲是位服装师，勉强也算个艺术家。父母希望儿子成为商人，父亲愿意出10万法郎让儿子去经商，可是科罗没有接受这个实惠的建议，他从事了画画。科罗直到44岁时才卖掉他的第一幅作品。主要代表作品有：蒙特枫丹的回忆林中仙女之舞、珍珠女、拉提琴的修道士、芝特的桥、沐浴中的戴安娜与同伴芒特的嫩叶等。 柯罗曾两次去过意大利，三次游瑞士，到了荷兰、英国，最后进入巴黎郊区的枫丹白露森林，与巴比松画家们共享自然写生的乐趣。成为一个在艺术上独具奇趣的风景画家。巴比松画派是指19世纪60年代，在巴黎郊外的巴比松村，一群年轻的画家，常常在枫丹白露森林里进行创作。卢梭、米勒和柯罗是其中重要的成员。 柯罗的风景画，在色彩运用方面，用的最多的是银灰色和褐色调子，因这类色彩具有宁静感，能使灿烂的阳光或弥漫的晨雾展现得更富诗意。热爱自然是画风景的首要条件。柯罗十分热爱大自然，他曾说：艺术就是，当你画风景时，要先找到形，然后找到色，使色度之间很好地联系起来，这就叫做色彩。这也就是现实。但这一切要服从于你的感情。这简短的几句话，也许正是柯罗的风景画的全部秘密所在。 同卢梭、米勒等巴比松派画家一样，柯罗在对大自然的讴歌中，展现了自己温柔多情的性格。他毕生徜徉在大自然中，着意临摹自然界的神奇与妙曼，他将大自然造化的一切进行艺术的再现。他的风景画，尽显自然之美、田园之美，既融合了古典主义的典雅，又荡漾着理想主义的浪漫，还蕴涵着现实主义的真切。他被公认为是19世纪最伟大的风景画家之一。 柯罗一生创作了3000多幅油画，其中大部分是描绘田园的风景画。他的风景画新颖，明朗，清俊，柔美，散发着诗一样的情趣。这与他热爱大自然，善于观察、悉心领会大自然一丝一微的变化不无关系。蒙特枫丹的回忆是柯罗的代表作，这幅画充满了忧伤的情绪。画中，一棵巨大的树，占据了整个画面的二分之一，而另一棵干枯的树与之遥相呼应，两棵树朝着一个方向倾斜着。透过倾斜的树干，我们看到，清澈如镜的湖面上，有连绵起伏的山峦和丛林的虚影。一个身穿红色衣裙的妇女，正在采树上的蘑菇，她的身边有两个女孩在帮她一起采摘。画面情节很简单，但是你能从柯罗纤细的笔触上，听到柔弱的树枝，发出的瑟瑟响声；能从倾斜的树干上，想到山区的农妇，生活是何等困苦。这幅人与景交融的画作，不是画家特意渲染的理想化的风景，而是通过景物，表现了一种比大自然更抒情的内心感受。名画赏析阵风法国画家柯罗的油画阵风，通过向左侧强烈倾斜的树木之可视形象，明确地表现出阵风吹过时的情景：灰色的天空密布沉重的云层，被风吹得摇摇欲坠的树木好像将被连权拔起。乡间的田野一片寂静，更加强了阵风天气的气氛。这是一幅与主题很贴切的油画。从26岁开始才正式从事绘画的柯罗，主要师法自然，他热爱大自然，先后三次去意大利旅行。还去过荷兰、瑞士、美国，至于法国更是走遍各地。直到去世前一年，77岁高龄的画家仍坚持到库布隆、阿拉斯、桑斯等地，目的就是为了浏览风光，领略大自然的奥秘，在自然的启示下作画不辍。由于他怀着深厚对大自然加以认真的体味。因此，他的风景画朴实无华中蕴含着浓浓的诗意。他的风景画不事夸张，不施艳丽色彩，描写的大部分是色调柔和的清晨或傍晚，有时画面还笼罩在轻烟薄雾之中，其寂谧、优美之感有如梦境。有些风景画中还加上了一些神话或传说中的人物，为画面增添了活力。以风景画见长的柯罗堪称法国19世纪中期描绘风景的大师。是使法国从传统的历史风景画过度到现实主义风景的代表人物。柯罗油画阵风诗配画（原创）一阵狂风呼啸而起始料不及乌云遮蔽了蓝天彩虹消失隐匿大地一片苍茫卷草伏地空气乌蒙灰暗了柳绿风中一个孤单的身影奋力前行竭尽全力曾经的灿烂如花曾经的泪如雨下曾经的欢歌笑语曾经的苦痛与悲泣全在义无反顾前行的生命行囊里 凉风透骨寒彻心里习惯了风雨中行走看片片落叶旋风飚起狂风想扳倒你却也不容易坚定地一路走去生命有太多的感悟惊喜生活有太多的痛苦压抑阵风不会猖狂不息阴翳之后终会阳光依然艳丽8. 傅抱石大师简介傅抱石傅抱石 (1904-1965) ，原名长生、瑞麟，号抱石斋主人，江西南昌人。我国现代著名的国画家、美术史研究和绘画理论家，少年时代饱受艰辛，当过瓷器店学徒和补伞匠。他十分热爱中国传统书画、篆刻艺术，刻苦自学，尤崇清代山水画革新家石涛， 1921 年考入江西第一师学校，号“抱石斋主人傅抱石”，从此走上艺术之路。 1933 年傅抱石进入东京日本帝国美术学校研究部，很快以画、文、书、印“四绝”全才崭露头角，尤以山水画见长。1935 年 7 月任教于南京中央大学艺术系，新中国成立后，傅抱石除在南京师范学院美术系任美术 史 教授外，先后担任了中国美术家协会江苏省分会主席、江苏省国画院院长等职务。傅抱石早年立下了“读万卷书，行万里路”的夙愿，一生潜心研究中国画的传统理论与技法，善于借鉴和吸收世界各国绘画艺术之长，用中国特有的水墨画形式挥写大自然生命的律动，描绘人物的精神气韵，融会进他爱家乡、爱祖国、爱中华文化的浓烈的情感。从三四十年代于巴山蜀水间创作的潇潇暮雨、大涤草堂图，以及忧国忧民的人物画屈原、二湘图、丽人行等，到五六十年代率江苏省国画家壮游六省二万三千里创作的山河新貌系列待细把江山图画、西陵峡、虎锯龙盘今胜昔，以及远游东三省创作的镜泊飞泉、白山林海、满身苍翠惊高飞，与关山月合作为国庆十周年而作的巨幅国画江山如此多骄，无不体现出强烈的创造性、独特的民族性和鲜明的时代感。傅抱石一生创作中国画 3000 余幅，并曾与郭沫若、徐悲鸿、陈之佛等书画艺术名流举办联展。徐悲鸿评价傅抱石全新的山水画使“三百年来谨小慎微之山水突现其侏儒之态”。张大千称他开创了中国人物画千年未有之新画风。长期从事美术史和绘画理论的教育与研究，一生建树甚丰，撰著的美术史和绘画理论达 200 余万字。其中国绘画变迁史纲、国画源流概述、中国古代山水画史研究等力作，融通古今，承前启后、推陈出新，具有通史性、开创性，为弘扬中华民族优秀文化作出了卓越的贡献。名画赏析太白诗意图 镜心 1945年作傅氏好写诗意画。本幅诗意画章法大胆而奇特，两株重墨画成的大树几占去了四分之三的画面，大树下面有条蜿蜒曲折的小溪，一高士及一抱出画的童子沿溪而行。远处有崇山峻岑，应是溪流之源头。画面满而黑，而在“满”与“黑”之中却能重点（人物）突出，层次分明。由于画家精心画出了“透气处”，使画面不闷不塞。这正是画家本领的高超之处，也是傅氏早期山水之一大特征。画中高士在匆匆行走中一边“却顾所来径，苍苍横翠微”，同时期盼着与友人吟酒赏画。傅氏山水画中的点景人物看似画得随意，却总有一股飘然之气，与整个画面灵动飘逸的风格十分和谐协调。这一特点在本幅太白诗意图中可说最为典型。9. 克利大师简介克利（瑞士）瑞士画家，保罗.克利1879年生于瑞士伯恩近郊的一个小镇。他的父母都是音乐教师。音乐在克利的成长中有着重要的影响。克利从小就有着音乐的天赋，可是他偏偏走上了造型艺术这条路。但是也正是由于音乐的缘故，阴错阳差造就了保罗?克利艺术创作上的成功。在他的作品里面观者可以很明显地感觉出作品中的强烈节奏感。不管是在物象的色块组织上还是点线的结合上，都是对音乐听觉艺术的图像解读。说到这里，与克利同时期的伟大艺术家康定斯基就不能不提及，克利和康定斯基同教授于包豪斯学院。包豪斯学院是西方一所比较现代的艺术学院，培养了很多现代型的艺术家，学院艺术理论对现在也很有影响。康定斯基是这所学院的艺术理论导师。其在论艺术中的精神中曾明确地论证了音乐与美术的关系。美术中的点、线、面相当于音乐中的节奏和旋律。美术中长短的线条就是音乐中的快慢节奏。美术与音乐一样，以其本身的因素传达着情感。在一定情况下克利是受了很大影响的。在理论的运用上，也是比较成功的一个，克利很完美地结合了听觉艺术与视觉艺术的美。在1932年的前往帕那苏斯山作品上有很好的体现。整个画面由一些钢琴键似的笔触，两黑一黄的三条线条组成。初看无疑就是一些色块的组合，给人的感觉很平常。但是当我们细细地品味每一色块的时候，就像是在听着一曲交响乐。轻重、浓淡的色块调子都化成了快慢、强弱的视觉音乐。名画赏析在克利的创作中，他的抽象常常夹杂着回忆，而他的回忆又往往是抽象化的。他关注的不是抽象和具象的分野，而是如何把造型艺术的各种元素从统一规范中解放出来，分解、组合、重建、构成多声部的整体，通过动态平衡，造就永恒的和谐，使之接近创造的核心(造物主的初衷)克利对自然事物的简化以及其艺术语言的元素性、符号性、抽象性和分析性都由此而来。 克利特别喜爱那些半真实、半虚假的水与空气之间的中间地带,在此地带内,每一事物都呈现出美妙和奇特:那些在水底颤动的纤毛虫网、风化成粉末的峰峦、生长着的植物。他能把形象赋予本无轮廓的东西、逃走的东西、过去了的东西花朵、波浪、烟雾,以及生命。视觉对于他不是一个现存的世界,而是一个等待求证的世界。 克利在教学和创作中，极为注意艺术作品中的点、线、面、体积等集合图形要素。克利认为，这些要素具有一个自然和发展的重要基础。正式其中的从一事物变化到另一事物的过程，强烈的吸引着他。在克利看来，绘画不断发展并在是空中变化。同样，色彩并不单纯变现和谐或不和谐的种种关系，甚至可以说，色彩不是建立在绘画空间的手段。色彩是能量。决定绘画基调的是情绪，而绘画的行动则是有线条决定的。10. 胡安米罗大师简介胡安米罗胡安米罗(Joan Miro，18931983)是二十世纪绘画大师，超现实主义绘画的伟大天才之一。米罗生于西班牙的巴塞罗那，1907年开始学习艺术，曾在巴塞罗那市的几所美术学校学习。他早年接触过许多前卫艺术家，如凡高、马蒂斯、毕加索、卢梭等人的作品，也尝试过野兽派、立体派、达达派的表现手法。在接受了各种可能的影响之后，他逐步探索出一条独特的艺术道路，形成了完全属于自己的个人艺术风格。当然，这成功还得益于他家乡美丽的自然环境和深厚的文化艺术传统。米罗的艺术是自由而抒情的。他的画中往往没有什么明确具体的形，而只有一些线条、一些形的胚胎、一些类似于儿童涂鸦期的偶得形状。颜色非常简单，红、黄、绿、蓝、黑、白，在画面上被平涂成一个个的色块。看起来，这些画自由、轻快、无拘无束。但是，如果你认为它们是漫不经心一蹴而就的，那你就错了。它们其实是艺术家自由幻想和深思熟虑相结合的结果。正如米罗自己所述，“当我画时，画在我的笔下会开始自述，或者暗示自己，在我工作时，形式变成了一个女人或一只鸟儿的符号第一个阶段是自由的，潜意识的。”但是，“第二阶段则是小心盘算。”因此，尽管米罗的画天真单纯，仿佛出自儿童之手，但它们绝没有儿童画的稚拙感，它们是缜密思考后的流畅活泼。 米罗艺术的卓越之处，并不在于他的肖像画或绘画结构，而是他的作品有幻想的幽默这是其中一个要素。另一个卓越之处就是，米罗的空想世界非常生动。他的有机物和野兽，甚至他那无生命的物体，都有一种热情的活力，使我们觉得比我们日常所见更为真实。米罗画的多数是抽象画，画里色块与线条就像在跳舞、在狂欢、在拥抱、在放纵、在逃遁现实的具象已经不再重要，重要的是感觉，是色块与线条相爱的倾诉，是错乱的秩序融入了画家的情感，使你看着看着仿佛坠入了迷幻的空间里，人物在动，桌子在动，所有的这一切都是抽象画的魅力，而写实画是无法达到这样的境界的。名作赏析人投鸟一石子人投鸟一石子作于1926年。画面看上去很简单：蓝和黄把画面分割开来，画的右前方立着由软绵绵的曲线构成的形状奇特的人，左后方则是一只鸟，石子在画面留下了它运动的轨迹。黄色沙滩隐喻了乳房和性器官，这是画家对情欲生命原动力的幽默赞。哈里昆的狂欢哈里昆的狂欢是米罗尝试超现实主义的初期作品，远远看上去，好像上面摆满了许多奇怪的玩意儿，散乱地摆放在上面，传统的构图法则在这里已经荡然无存了。在一个奇特的空间逆转感。室内举行着狂热的集会，只有人类是悲哀的，那人带有颇为风雅的胡子，叼着长杆的烟斗，忧伤地凝视着观者。围绕着他的是各种各样的野兽、小动物、有机物，全都十分快活。没有什么特别的象征意义，画家充分地描绘了一种辉煌的梦幻形象。画面弥漫着“狂欢”的气氛，连桌布也想滑下来加入，楼梯也想跳动，各种形状古怪的精灵都在忙碌着，在破坏着一切，如：点燃炸弹。他们相互嘲弄着，而人类则显得无奈，鼓着眼睛哭丧着脸。整个画面洋溢一种纯真的、快乐的、充满幽默的气息，站着欣赏一个小时都品不完其中的韵味。杰昂 米罗 (Joan Miro，18931983) 的艺术代表了超现实主义的另一种风格 ，即有机的超现实主义。米罗的作品是令人愉快的, 其画面洋溢着自由天真的气息，往往人见人爱。加泰隆风景加泰隆风景中的幻想，虽然神秘但很生动。在画中,黄色和橙黄的两块平面，相交于一条曲线。猎人和猎物都画成几何的线条和形状。一些不可思议的物体散置在大地上，有些可以辨认，有些好象暗示海上的生物或显微镜下的生物。1920年代末至1930年代初，米罗开始探讨拼贴和装配，并创作了一些怪人物。这些探索一直又继续搞了十年。这个时期给人印象最深刻的作品，就是 1933 年的大型组画，到此时为止 ，这也是最抽象的作品 。有一些是以拼贴的要素为基础的，把从报纸上撕下来的真实细部，贴到纸板上。母题有工具、家具、碟子和玻璃器皿，暗示他的抽象有机形状 ，有时是指面部或人体。这些绘画的意图是以抽象为主体 ，并用中性的标题表现出来。11. 卡洛卡拉大师简介卡洛卡拉卡洛卡拉，出生在意大利夸戈朗托，早年学习装饰画。25岁时来到米兰结识了马里内蒂、波丘尼等未来主义艺术家，并参与签署未来派宣言。1913年他自己发表宣言，提倡“有音乐、嘈杂声和嗅觉的绘画”，成为未来主义的主要人物。卡拉从立体主义那里借来了结构和浅灰色调，同时试图在其严谨结构中加进人群的运动。在他的创作中引进一些字词，充分发挥造型魅力。当他结识抽象画创始人之一吉里柯时发现在表现最简单不过的对象时，找到绘画迷人的魅力。他说过：大发慈悲地充满着我们灵魂的都是那些最常用的物品。因为平常的事物无不具有朴实无华的特点，即最奇妙的艺术的秘密所在名画赏析爱国庆祝会参战宣言又译爱国庆祝会，这是卡拉的代表作品。在这幅画中，卡拉追随马里内蒂用“自由单字”来取代“自由诗句”的主张，直接借助各种不同字体的字句、乐谱的剪贴，组成有力的动感的图案，运用色彩、线条和词句象征符号的四处放射，赞美国王和军队，从视觉上模仿噪音、警笛及乌合之众，去感动和激发一种没有什么道理参与进去的精神和联想.12. 吴昌硕大师简介吴昌硕吴昌硕（1844.8.1 1927.11.29）原名俊，字昌硕，别号缶庐、苦铁等，汉族，浙江安吉人。我国近、现代书画艺术发展过渡时期的关键人物，“诗、书、画、印”四绝的一代宗师，晚清民国时期著名国画家、书法家、篆刻家，与任伯年、赵之谦、虚谷齐名为“清末海派四大家”。吴昌硕的艺术别辟蹊径、贵于创造，最擅长写意花卉，他以书法入画，把书法、篆刻的行笔、运刀、章法融入绘画，形成富有金石味的独特画风。他以篆笔写梅兰，狂草作葡萄，所作花卉木石，笔力敦厚老辣、纵横恣肆、气势雄强，构图也近书印的章法布白，虚实相生、主体突出，画面用色对比强烈。名画赏析吴昌硕喜画竹，且突破古法，并以竹寄托节操之意。文人画家惯写松、竹、梅、菊、兰之属以寄怀抱，竹是常用题材，吴昌硕与之相同处是自然的，所与相异处是其“纵横破古法”。以书法写竹，有元人柯九思的“写竹干用篆法，枝用草法”，南唐后主的金错刀法画竹，倪云林画竹之“逸笔草草”等等，各有独到处。而吴昌硕画竹，多写风雨之竹，发挥“写”的线条意趣，充溢着浑厚的金石意味。吴昌硕画松题画诗云：“笔端飒飒生清风，解衣盘礴吾画松。是时春暖冻初解，砚池墨水腾蛟龙。”诗中能看到画家画松的取向及其与“造化相通”的蓬勃之气。布局取顶天立地稳定之势态，枝干盘虬，大气磅礴，寄托画家诗人浩然之气。晚年常画的藤蔓植物，如藤萝、葡萄、葫芦、南瓜等，其布局之中求气势，以书入画的特色得以充分体现。虽乱头粗服，却气足墨酣，内蕴深厚，多书法意味，富金石之气。综观吴昌硕从艺的一生，国衰家难坎坷曲折的人生经历，民族之心的积聚的郁勃之气，在吴昌硕这个操守高洁正派的文人身上，在这个诗人、每篆刻巨匠、大书家、写意画大师的艺术中积聚喷涌而出。吴昌硕震人心魄的大写意画风，是他个人涵蓄深厚的文人精神，是他在诗文、金石、书画领域汲取化用前人丰富各界所体现的主体精神、主观体验的具体表现，也应国运衰微、民族积弱时代，民族之心向往倔强劲健、大气磅礴的艺术的应运产物，所谓“时势之推移，生活之反映”。加之吴昌硕所具备的人品、学问、才情、思想四大要素，遂有吴昌硕开创文人画新纪元之举。吴昌硕大气磅礴的绘画艺术，体现了中国画笔墨所达到的境界，淋漓尽致地展现了民族魂魄，创造了近代中国画艺术史上的高峰，为光辉的中国艺术史立一丰碑，昭示后来者应不懈奋进，再创造中国画的新境界，使其自立于世界艺术之林。13. 赵昌大师简介赵昌赵昌 北宋画家。字昌之，广汉（今属四川）人。作剑南（在今四川剑阁之南）人。擅画花果，多作折枝花，兼工草虫。其画师法滕昌祐，亦效徐崇嗣“没骨”法。相传常于晓露末干时，细心观察花卉，对花调色摹写，自号“写生赵昌”。所作精于晕染，明润匀薄，特工敷彩，色若堆起，惟笔迹较为柔弱。大中祥符（10081016）间，名重于时。宣和画谱著录其作品154件，宋中兴馆阁藏画著录其作品27件。传世作品有四喜图轴，图录于中国名画宝鉴；粉花图轴，图录于中国名画集；写生蛱蝶图卷，相传为其所作，现藏故宫博物院；写生杏花图册页，藏台北故宫博物院。名画赏析（写生蛱蝶图）北宋著名花鸟画家赵昌的写生蛱蝶图是描绘秋草虫蝶的淡彩勾勒工笔画。其下半部画的是秋花秋草，表现秋之静谧，上半部画了三只飞舞的彩蝶，表现秋之灵动。蚱蜢的躯壳画得很坚硬，那只黑眼睛，顺着两条触须的方向盯着前方飞舞的蝴蝶。老辣而又顿挫的勾线，富有浓淡变化的淡彩敷色，使这些秋花秋草不仅具有阴阳背向，而且色泽丰富生动而又淡雅简约。画家用多种颜色层层晕染和干笔勾勒，刻画了蝴蝶那薄如蝉翼的翅膀、绚丽斑斓的花纹和细如发丝的须脚。朝向各异的舞姿，又使蝴蝶的飞舞显得自由轻灵。画家妙笔再现的这些秋草秋虫，构成一幅宁静、清新而又绚丽多姿的秋天田园小品。尤其是那三只蝴蝶，会让人想到云南蝴蝶泉边那些美丽的生灵，也会让人想到乡间木屋，或想到木栅栏里头那片百花园14. 任伯年 大师简介任伯年任伯年（1840-1895），近代杰出画家。浙江山阴（今绍兴）人。他善于学习民间绘画和西洋水彩、素描的技法，把工笔与写意、中国传统