中西方绘画艺术作品比较赏析——墨梅图与向日葵.doc

中西方绘画艺术作品比较赏析 墨梅图与向日葵专业：汉语言文学班班 考生姓名：肖朝斯 指导老师姓名：李雅娟【内容摘要】在几千年的中西方艺术文化发展中，不断的演变的同时，既继承先辈留下来的风格，也加入每个时代赋予的新元素，在这篇文章中将中西艺术历史进行比较，从中找出共性和各自特色，以元朝王冕的墨梅图与荷兰梵高向日葵为代表作品。中国画与油画，绘画作品呈现风格丰富多彩，不过从世界绘画两大体系来看，东方绘画以中国画为代表，西文绘画以油画为代表，这两大体系绘画由于受政治、宗教和文化等因素的影响，形成了各自不同的表现形式和审美特色。中国画与油画作品的区别首先体现在工具材料上，再其次就是审美观念上及绘画手法的侧重点上。 元朝王冕的墨梅图是中国绘画史具有极其代表性的一幅画作，荷兰梵高的向日葵则体现了西方后印象派的强烈的艺术表达情感。两幅画作虽然来自不同的两个时代，两个国家，但它们却仍然存在着某种相似的地方。【关键词】绘画；后印象派；梵高；王冕；向日葵；墨梅图；山水画【正文】中西方早期是没有美术史的概念的，在更多的是哲学家和智者对美的讨论。如春秋时期孔子对美的认识是是社会情与理的和谐统一，庄子则认为“淡然无极而众美从之”是一种虚空飘渺的无为之道。在西方，亚里士多德认为美是“应该有的样子”。这些都是其著名的模仿说。在这些对美的认识中，我们不难看出一个时代对美的寄托，从而有了更多对艺术的表达。在中国，绘画是起源于原始社会新石器时代的彩陶纹饰和岩画。 先秦时期绘画己在古籍中就有所记载，己达到较高的水平。 秦汉多是神话人物，气势恢宏。魏晋南北朝，出现文人画。隋唐发展快，产生名家。宋朝发展到高峰，元明清相继发展。中国古代绘画起源很早，五六千年前的先民们就用矿物颜色在岩石上涂画拙朴的动植物纹样和人形图案，在陶器上描绘各种美丽的图案纹饰，之后又在青铜器上刻铸纷繁神秘的花纹及其他图形。这些作品由于年代的久远，所保存下来的实属凤毛磷角，却使我们得以一窥早期绘画的面貌。我们今天所能看到的最早绘制于纸绢上的独幅绘画作品，是出土于墓葬的随葬品。早期的中国绘画以作品的题材划分为若干画科，如人物画、山水画、花鸟画等。公元17世纪前后，欧洲绘画传入中国，为了与本土传统绘画相区别，舶来之欧洲绘画作品冠名为西洋画，本土绘画自然就称为中国画。因此，中国画最初的称谓，是相对于西洋绘画(泛指欧洲绘画)而言的。中国画是东方绘画艺术的主流，在世界美术领域中自成体系。无论在艺术内容、形式，还是表现手法上，中国画与西方绘画都有极大的差别。工笔重彩画与水墨写意画在多数人的印象中，传统的中国画似乎就是水墨写意画，其实这是一个误会。中国画按照其技法及风格可分为两大类型，即工笔重彩画和水墨写意画。工笔画又称细笔画。其绘画风格工整细致，以规整并富有表现力的线条勾画出物象的轮廓，并注重于细部的刻划，然后再敷以厚重、鲜亮的颜色。工笔画所用颜料大多以矿物质制成，历经多年，仍然可以保持原有的色彩;整个画面漂亮明丽，有着很强的装饰效果。正因为这部分绘画作品具有富丽堂皇的外观，中国历史上大多数宫廷画家部采用此种画法，以表现皇家气派。 相对于工笔画的就是写意画，又称 粗笔画。其画风简略，通过尽量简练的笔墨，着重描绘物象的神韵相意态，而并不十分在意所画对象的逼真与形似。画家在画中多采用概括、夸张的手法，运用丰富的联想，最大限度地抒发自己的情绪，张扬不同的个性。因此，写意画作品带有一定的即兴性、随意性和偶然出现的意外效果，较难临仿和描摹。它们几乎部是用水墨完成的，有着素淡、清雅的外观。这类作品在后期中国画坛上占有很大的比例。从中国画发展的历史来看，早期的(公元12世纪以前)画幅均为工笔重彩画。晚期的作品则多是水墨写意画；再从作者的情形来看，工笔重彩画的作者大都是职业画家或工匠画家，水墨写意画的作者则大多兼有文人的身份。当然，在工笔画和写意画之间还有一片开阔地带，供画家们在两端取舍，从而形成折中的即半工笔半写意的画法。诗、书、画、印的完美结合传统的中国画离不开诗词，题款，篆刻，是诗书。画、印相结合的艺术表述。早期中国的许多文字，是根据对象的形状或意义，用简练的 线条描绘出来的象形艾宇。这与使用线条画画相似。中国文字的这一特点，加上书写文字的形式本身带有很强的艺术创造性，因而与绘画有着某种天然的联系，人谓之书画同源。中国画家(尤其是文人画家。在作画的过程往往十分自然地将写字的笔法运用到绘画中去;他们在创作中的情感，很多时候以诗句的形式直接题在画面上；并按中国文人的习惯，在画的落款处盖上刻有自己名号的朱砂红印章。强调线条的表现力，强调绘画笔墨的书法情趣，是品评中国画作品格调高下的重要标准。中国绘画非常讲究画家综合的艺术修养，画家在下笔之先，一般已经将题诗的内容、字体及印章在画面中的位置作了通盘的考虑。画中的诗词与图像相辅相成，对画面意境和构图起到了某种补充和平衡的作用;印章的红颜色与黑白的(水墨)图画形成色彩的差异。将诗、书、画、印融为一体，组成一幅统一的画面，是中国画一个很重要的特色。从画面布局上看，中国传统绘画与欧洲绘画有一个明显不同，就是中国画很注重在画面留有空白。空白处并不是空无一物，它可以是山中的云蔼，可以是江面的晨雾，也可以是日月的光华，甚至可以什么都不是。有人认为，布白是中国画中最为人关注的要点。画家强调画面诗意的传达，那些空白处也许正是诗意的不确定性、模糊檬拢的象征，留给观赏者想象的余地。公元11世纪时的中国大画家、大文学家苏轼曾提出诗中有画，画中有诗的主张，这也是后来历代画家追求的境界。人物画、山水画、花鸟画三足鼎立在中国画中，人物、山水、花鸟是三个最大的科目，也是最常见的题材。它们大致可以和欧洲绘画中的人物、风景、静物相对应。以人物形象为主体的绘画，是中国古代绘画各科目中出现最早的，美术考古发现也证明了这一-点。原始社会的先民们用白茎、红矾土、霸炭黑在岩壁上画的人形和动物图案，可以说首开人物画的先河。至大约1500年前的魏晋南北朝时期，人物画的艺术发展逐渐成熟。这一时代的著名画家、艺术理论家顾恺之(348-409)提出了人物画应以形传神、形神兼备的主张，认为画家不仅应当正确地描绘人物的外形，而且要注意刻画人物的精神、气质，即内在的东西。在此后的漫长岁月里，艺术家。艺术评论家几乎无一例外地依循这一认识，从事创作和品评。山水画的兴盛，有其中国传统文化上的深层的原因。中国古代哲人崇尚天人合一，认为人与天地万物是相通的，人的善性天赋能感知自相通的，人的善性天赋能感知自然。即便人在官场市井，心也向往着山水林木;亲近自然、融人自然，成为中国文人 (包括画家)最大的愿望。画家们在描绘自然景色中寄托内心的感情和追求，同时给予观赏者以许多联想与启示。纵观中国古代的绘画史，山水画画家在所有画家电 所占比例是最大的。中国画的另一门类，以描写花卉、竹石、鸟兽，虫鱼为主体，其中最常见的是将花、鸟组合在一起，故称之为花鸟画。花鸟画给人一种特殊的观赏情趣，其兴起较山水画为早，起先用于工艺品的纹样上，到唐代开始成为中国画中的一个独立门类。中国古代文人喜好梅、兰、竹、菊，认为它们清雅高贵，表现了文人清高脱俗的气质。因此，梅兰竹菊是花鸟画中常见的题材。此幅图是元代王冕的一幅“墨梅图”，是繁花的代表作。此图作倒挂梅。枝条茂密，前后错落。枝头缀满繁密的梅花，或含苞欲放，或绽瓣盛开，或残英点点。正侧偃仰，千姿百态，犹如万斛玉珠撒落在银枝上。白洁的花朵与铁骨铮铮的干枝相映照，清气袭人，深得梅花清韵。干枝描绘得如弯弓秋月，挺劲有力。梅花的分布富有韵律感。长枝处疏，短枝处密，交枝处尤其花蕊累累。勾瓣点蕊简洁洒脱。王冕墨梅出于北宋扬无咎派。但宋人画梅大都疏枝浅蕊。此幅则写繁花密枝，别开生面。王冕他既是诗坛名家，又是丹青高手。是元代画苑中以画墨梅开创写意新风的花鸟画家。他所画的墨梅图，神韵秀逸，令后人叹赏不已，对明清画坛产生了深远的影响。王冕的画，对明清画坛，影响深远。他为水墨画打下了稳固基础，引导了徐文长辈从摹古的一套清规戒律中跳出来，创造了新生命。在画中他以自己的诗文画，来反抗元蒙时期贵族的统治，也能看出同情人民的疾苦，暴露出当时的社会黑暗面，结合画家的背景我们不难看出王冕是孤傲正直的人。正因为此，他才受到广大人民的热爱和尊敬，被赞为“人奇志奇胸磊落，是花千古无枯荣”。 王冕的墨梅，是和他的思想感情分不开的。 且看王冕墨梅，一枝梅花，横斜在画幅的中间，枝干一拉数尺长，显出很有劲，枝的梢头，露出了笔的尖锋，更突出了它的清高拔俗，十数朵梅花，含苞欲放地洋溢着蓬勃的生气，令人感到醒目清新。这是他抓住最典型的一枝，集中描绘，从他内心的感情来渲染花枝的景色，又以花枝的景色来反映自己的胸襟。题诗曰：“吾家洗砚池头树，个个花开淡墨痕。不要人夸好颜色，只流清气满乾坤。” 他的“墨梅”风格，可用“神韵秀逸”四字来概括。试从构图、枝干、花等方面来分析。画梅构图以枝干为主。王冕画梅花的成功，与他构图是分不开的。构图可分疏的、密的、不疏不密三种。不疏不密的，如俯仰得直，照应有情，在密中能见疏，疏中仍有密。密的如繁花密蕊。是以密取胜，同时做到密而不乱，繁而有韵。在枝干的构图上，能疏疏密密，做到密而不乱，他都能把握虚虚实实，而且层次分明，应有尽有。让看画的人，有种看不尽，想不完的感觉。在荷兰后印象派，代表人物梵高最有名的作品无疑是这幅向日葵。他曾多次描绘以向日葵为主题的静物，梵高确实做到了让八月阳光的色彩在画面上大放光芒，这些色彩炽热的阳光，发自内心虔诚的精神情感。梵高在自己绘画的成熟期创作了向日葵这幅作品，画面上的朵朵葵花夸张的形体和激情四射的色彩，使人头晕目眩。他内心充满激情地去画那些面朝太阳而生的花朵花蕊画得火红火红, 就像一团炽热的火球；黄色的花瓣就像太阳放射出耀眼的光芒一般画家用奔放不羁、大胆泼辣的笔触，仿佛使其中的每一朵向日葵都获得了强烈的生命力，在这里你用“栩栩如生”来描绘这些向日葵，已经显得软弱和浅薄，因为那火焰般的向日葵仿佛是一朵朵燃烧的生命，赋予它们一种生命蓬勃燃烧的冲动和张力。大胆肆意、坚实有力的笔触，在明亮而灿烂的底色上构成不同的色调与气势，把朵朵向日葵表现的是那样动人心弦。堪称梵高的化身的向日葵仅由绚丽的黄色色系组合。梵高认为黄色代表太阳的颜色，阳光又象征爱情，因此具有特殊意义。虽然向日葵现在的商业价值很大，但在我们这些欣赏者的眼里，更多的是对艺术的爱好。中国画，画亦是诗，诗亦是画，诗、书、画、印浑然一体，诗、书、画、印水乳交融，使人感到浓厚的文人雅致。如墨梅图。西方画，则用色大胆，给人强烈的视觉冲击，就如向日葵。中国画盛用线条，西洋画线条都不显著。所以西洋画很像实物，而中国画不像实物，一望而知其为画。盖中国书画同源，作画同写字一样，随意挥洒，披露胸怀。19世纪末，西方人看见中国画中线条的飞舞，非常赞慕，便模仿起来，也就是“后期印象派”。但后期印象派以前的西画，都是线条不显著的。中国画不注重透视法，西洋画极注重透视法。西洋画力求肖似真物，故非常讲究透视法。中国画就不然，任意表现，想到哪里，画到哪里，不能受透视法的拘束。所以中国画中有时透视法会弄错。但这弄错并无大碍。我们也不可用西洋画的法则来批评中国画。中国画不讲解剖学，西洋人物画很重解剖学。西洋人画人物画，必先研究解剖学。因为西洋画注重写实，必须描得同真的人体一样。但中国人物画家从来不需要这种学问。中国人画人物，目的只在表出人物的姿态的特点，却不讲人物各部的尺寸与比例。中国画欲求印象的强烈，故扩张人物的特点，使男子增雄伟，女子增纤丽，而充分表现其性格。故不用写实法而用象征法。不求形似，而求神似。中国画