世界经典音乐及不同时期资料.doc

巴洛克音乐的一些特点（Baroque），它的节奏强烈、跳跃，采用多旋律、复音音乐的复调法，比较强调曲子的起伏，所以很看重力度、速度的变化。巴洛克音乐是后期发展的一个基础。在声乐方面，巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩，当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。那个时期的器乐曲发展也很迅速，尤其是弦乐方面的发展，弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色，也比较适合我们的吉他翻弹！那个时期的代表人物有：巴赫、维瓦尔蒂和亨德尔。巴赫是音乐之父，由此可见他的威望之高。维瓦尔蒂凭着他的四季一举成名天下知。亨德尔是旋律大师，他的作品有一种优雅！他们所留下来的东西是巴洛克时期的一大笔财富！ 巴洛克时期音乐的旋律特点:乐句长度不一，气息较长，无论是声乐还是器乐，旋律都空前地华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音型。和文艺复兴时期的旋律一样，曲调的进行常常带有形象化、象征性特征。引人注目的是旋律中有明确的和声属性。 巴洛克时期音乐的节奏:主要分为自由节奏的和律动鲜明、规整的这两种节奏。前者用于宣叙调、托卡塔、前奏曲等，后者用于咏叹调、赋格、舞曲等，在一个乐章中会保持始终。这两种节奏常常搭配使用，如宣叙调与咏叹调，前奏曲（或托卡塔）与赋格。音乐的巴洛克时期通常认为大致是从1600年至1750年，即从蒙特威尔地开始，到巴赫和亨德尔为止。1750年，对位法大师约翰塞巴斯蒂安巴赫的与世长辞，标志着巴洛克颠峰的对位法音乐的终结，也标志着巴洛克时代的终结。之所以以这一时期为巴洛克，是由于一时期音乐表达的技术及方式基本上有它一定程度的共同点，所以用此名词来标志，并无特殊的意义。巴洛克（Baroque）一词来自法语，追本溯源是葡萄牙语barroco，意为形如不圆的珍珠。是巴洛克末期评论家们在评论此一时期的音乐时所首先使用的，而且一般含有贬义，指粗陋曲、奇异的、夸张的音乐。巴洛克之后古典主义时期的音乐家们对于将音乐语言简化和规范化，在他们看來，巴洛克音乐过于夸饰而不够规范。因此巴洛克一词被评论家用来指十七世纪及十八世纪前期的艺术及音乐作品。现在，随着时间的推移，我们可以用更为深入和细致的历史眼光来看待这一时期的音乐，巴洛克不具有粗陋和毛糙的含意，但是比之巴洛克前后的音乐作品，它确实存在这夸饰和有些不太规律化的特征。 巴洛克音乐的一些特点; 1旋律特点:乐句长度不一，气息较长，无论是声乐还是器乐，旋律都空前地华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音型。和文艺复兴时期的旋律一样，曲调的进行常常带有形象化、象征性特征。引人注目的是旋律中有明确的和声属性. 2节奏特点:主要分为自由节奏的和律动鲜明、规整的这两种节奏。前者用于宣叙调、托卡塔、前奏曲等.和声特点:后者用于咏叹调、赋格、舞曲等，在一个乐章中会保持始终。这两种节奏常常搭配使用，如宣叙调与咏叹调，前奏曲 3和声特点:已形成了完整的以主、属、下属为中心的大小调功能和声体系，利用不协和音作调性转换并使和声进行富有动力和情感色彩。十二平均律在17世纪的发明与和声体系的充分发展有密切的关系。 4作曲手段:在键盘乐器(通常为古钢琴)的乐谱低音声部写上明确的音，并标以说明其上方和声的数字（如数字6表示该音上方应有它的六度音和三度音）。演奏者根据这种提示奏出低音与和声，而该和弦各音的排列以及织体由演奏者自行选择。 5曲式特点:以相互间形成节奏、速度、风格对比的多乐章结构为主，如组曲、变奏曲、协奏曲、康塔塔、清唱剧等，常用前奏曲与赋格、宣叙调与咏叹调的搭配关系。复调乐曲的内部结构是以模仿手段写作的连续体（不分段），但可看出明确的呈示、发展和再现因素。同时也有分段结构、变奏曲、在固定低音旋律之上进行变奏的帕萨卡利亚、夏空形式。 6音乐的情绪特点:在一个乐章之内保持一种基本情绪,在乐章与乐章之间才形成对比. 7力度特点: 不追求渐强和渐弱的细微变化，而是采用较为清晰的“阶梯式” 弥撒亚是亨德尔的宗教清唱剧，按照圣经内容撰写。和大多数的弥撒或者歌剧等声乐作品不同，这部清唱剧使用英语来演唱的。（不过别以为可以轻易听懂，好象是古英语）如果说巴赫是用音乐的理性来接近上帝，那么亨德尔就是用音乐的感性来接近上帝。不似巴赫以精巧见长，他的大型声乐作品更加的抒情。直接用相对简单的旋律抒发宗教的神性。通过具有饱满宗教情感的演绎可以使很多人热泪盈眶。这些神曲在当时是为了更广泛的传播宗教而产生，通俗简单的旋律使平民更易于接受。反过来说，这可能这也是在当时亨德尔比巴赫更加普及的原因。我还有他的另外一部清唱剧Belsazar（伯沙萨），首演非常失败，所以亨德尔在世的时候只演出过三次。不过这部作品仍然非常雄伟抒情崇高，其艺术水准绝对不在弥撒亚之下。 巴赫在音乐艺术上的最大成就是将复调音乐推上一个空前的高度，亨德尔则偏重于主调音乐马太受难曲是巴赫一生5部受难曲创作中最完美，也是最出名的一部，受难曲这种从公元4世纪前后便出现的体裁在巴赫手中达到了登峰造极的高度，同以往素歌、众赞歌为主的古代受难曲相比，巴赫的受难曲更加接近清唱剧风格，戏剧冲突强烈，人物也更丰富，咏叹调、宣叙调、合唱、众赞歌的混合运用使巴赫的受难曲更动听，也更能引起观众的共鸣。特别值得注意的是巴赫对合唱的灵活运用，有时合唱是情节中的人物，是民众、门徒或者罗马士兵等，有时又象是个健谈的旁观者，参与讲述受难故事，这种做法在古希腊戏剧中很常见，但在德国北部却少有人问津。巴赫在作曲方面从来就是富于创见的，譬如在古代受难曲中福音史家与民众的话都是无伴奏的，马太受难曲却全部配上了数字低音，还有当日在首演的圣托马斯大教堂巴赫将两个成人合唱团相隔15米分列圣坛两侧，两支乐队与两台管风琴相互配合，在教堂的回廊上巴赫安排了童声合唱团，加之教堂建筑本身良好的扩声效果，这样的安排构成了一个巨大的立体声环境。蒙特威尔第的歌剧比瓦格纳或普契尼的作品更符合现代人对歌剧的概念。就我的观点来说，出现于蒙特威尔第之前的音乐，甚少具有斐然的个人风味，唯独蒙特威尔第在这方面显得出类拔萃。他那强而有力、风味盎然，又能将心境表达淋漓的声音，藉着清晰直接的方式，赞颂著人生的喜怒哀乐。蒙特威尔第的牧歌情意盎然，技巧纷陈，自成一完美的音乐世界。他眼界开阔、历练丰富以后，开始改造作曲规则，以求适才适性，悠游于这些小品形式中而享有更大自由。其音乐中某些效果突出的和声，足以令任何时代的爱乐者惊讶不已，因此许多人以“具有表达力的不和谐音”相称。歌剧占去蒙特威尔第绝大部分时间。他的搭档是裘里欧史卓希。这两人都对剧本和情节表现抱持坚定的理想。两人对文诌诌、典雅脱俗的语言同表鄙夷，只对角色的合理发展感兴趣。他们共同寻求音乐的真理，认为角色的本质要比一些不相干的音乐更具重要性。最重要的作品当属奥非欧。其中揉合了牧歌的要素，以及佛罗伦萨小厅集团的单音观念。巴洛克时期欧洲各国的音乐 巴洛克时期，音乐艺术得到了前所未有的迅猛发展。並且促成了后来的洛可可（Rococo）艺术的兴起。这一时期的音乐，以德、意、法等几个国家最具代表性。1.巴洛克时代的德国音乐 巴洛克的时代德意志音乐，以许茨、巴赫和亨德尔为代表。如果把中世纪以来的复调音乐比做金字塔，他们的音乐就好比是塔顶，因为他们不但吸收了文艺复兴以来意大利的新音乐，而且开拓了一条全新的道路。 许茨（HeinrichSchutz，1585-1672年）二十四岁时赴意大利留学，师从于威尼斯乐派的大手笔加布理埃利（GiovanniGabrieli，1557-1612）。回国后，他发表了第一部德文歌剧達夫內，后来还创作了许多的受难曲。许茨与巴赫和亨德尔恰恰相差了一百年，他的风格对于这俩位巴洛克音乐大师的创作有着重要的影响。 亨德尔和巴赫的音乐作品，无论在传统音乐的集大成方面，还是在追随新思潮方面，都在音乐史上放射着光彩。亨德尔的作品多为歌剧和清唱剧音乐，在他的器乐作品中也含有强烈的声乐因素，这显然是受了意大利的影响；巴赫音乐则在声乐作品中含有强烈的器乐因素，这为古典主义时代的到来奠定了坚实的基础。2.巴洛克时代的意大利音乐 歌剧这一伟大的的艺术形式，诞生在“音乐的摇篮”欧洲文明古国意大利。在当时的佛罗伦撒，有许多伟大的艺术家和一批对古希腊艺术很感兴趣的贵族。这些贵族決心赋予希腊戏剧以新的生命，于是他们开始给古老的希腊故事谱曲，並由合唱队穿上戏裝把整个故事演唱出來，这就是歌剧的雏形。发展到后来，故事里的角色分別由歌唱者担任；在合唱节目之间，则由男女歌唱家分別担任独唱。当角色的话语轻柔时，台词被处理成半唱半说，这种歌唱很象一首贊美诗，被称为宣敘调；而强烈的感情则是真旋律来表现的，称为咏叹调。而后，咏叹调被专门用来炫耀歌手的美好音色。当时，一部歌剧无论在意大利、英国还是在德国上演，其咏叹调总是用意大利语演唱，而宣敘调部分的演唱则是用本国语言。 在意大利的巴洛克音乐中，可于早期歌剧相媲美的还有弦乐，当时歌剧的古序曲和協奏曲都是以弦乐为主的。这一时期的意大利盛产小提琴家，如托萊利（GiuseppeTorelli，1650-1708）、科萊裏（ArcagelloCorelli，1653-1713）、維塔利（T.AntonioVitali，1665-1735）、維瓦爾第（AntonioVivaldi，1675-1743）、塔蒂尼（GiuseppeTartini，1692-1770）等，他们都早于巴赫。这些音乐家不但都是小提琴名手，而且全是小提琴音乐的作曲家。意大利北部阿尔卑斯地区的克雷莫納（Cremona）人中，小提琴制作家可谓层出不穷，如阿瑪蒂、瓜內利和斯特拉第瓦利等，他们精心制作的小提琴，至今还活耀在舞台上，展现出无穷的艺术魅力。 歌剧的序曲必须分为三部分：快速开始，中间部缓慢，快速终结，这种形式后来成为协奏曲和交响乐的基本形式。小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴等弦乐器，至今仍是管弦乐队中不可缺少的乐器，也是极为重要的室內乐及独奏乐器。可见，巴洛克时代的意大利音乐影响极为深远。3.巴洛克时代的法国音乐 在当时的法国巴黎，歌剧和古钢琴音乐在各王侯贵族的府邸內极为盛行。这一时期的法国歌剧，脱离了意大利歌剧的传统而独立成长，已经接近于舞剧的形式。 在巴洛克时代，法国最具代表性的歌剧作曲家是呂利（JeanBaptisteLully，16321687），他创作的歌剧简洁明晰、旋律优美，同时又具有很强的舞蹈性；其內容辛辣、幽默，入木三分。 于歌剧同时盛行的是古钢琴音乐。古钢琴常常附以代表巴洛克文化的装饰，它于羽管键琴等同为现代钢琴的前身。当时的古钢琴大师有庫普蘭（FrancoisCouperin，16681733年）和拉摩（J.P.JeanPhilippeRameau，16831764年），他们为古钢琴谱写了许多組曲，其中的很多曲目至今仍广为流传。1722年出版的和声学概论（拉摩著），是音乐史上最早的和声学理论著作。第五编古典主义时期音乐概述一、“古典”的含义1、古希腊和古罗马的文学艺术经典（当时人的理解）它们往往被西方许多时代品评为古典的东西。因为那是他们伟大文明的起源，因此他们总会回头去看看古人、古人的文化，并试图将最好的东西借用来，如文艺复兴时期，巴罗克的初期的歌剧。18世纪，古典时期，人们也以考古的方式重新发现曾经的艺术经典，史学家、美术学家都提出要将古代的经典作品作为自己时代的样板。音乐中就从使用古代的历史、神话题材为背景的歌剧就可以看出，当时人们对“古典”的崇尚。2、与“浪漫（派）”相对（现代人的理解）浪漫的标志可以说是本能超越理智、想像超越形式、感情超越理性、狄奥尼索斯超越阿波罗。这也可以说是浪漫与古典的区别，“古典”一词具有这样的内涵，理智、形式、理性、日神精神。甚至可以是最佳样板的意思，说某件东西或人，是“古典的”，一种赞美并适合于做样板的范例，如称“古典的比例”，就意味着自然匀称的比例，不过度、不标新立异的适中原则（古典美人肯定不能像麦当娜）。这一勾出了古典主义时期音乐的重要特征：恰当的比例各调之间平衡，各段之间平衡，从而使听众对作品有清楚的了解。但是严谨的作曲方式和思维，可能会使独创性较少，这一也是为什么海顿写了那么多交响乐，仅有几部出名而已的缘故。而浪漫时期的音乐家的作品虽然每个人写的不多，却可以夸张点说首首都是精品。3、通俗音乐的反意这个意思我们现在用的比较滥，与“流行音乐”相对而言，称为“古典音乐”，以此包含所有的类型的“严肃音乐”，不分时代、不分为什么目的而创作的音乐（器乐、声乐一勺汇）。4、18世纪中叶至1820年左右的音乐，有时特指“维也纳古典时期”这是近代一些音乐史书形成的概念，一提到古典主义时期，就是海顿、莫扎特、贝多芬的时期及其他们所带领出来的风格，称为古典风格。但客观上讲，这一时期并不单单就他们三个作曲家，也不是他们所独创了这样的风格，还有许多其他人作曲风格也是基本属于这样的风格，吸收同样的传统。二、划分时期前古典时期（后巴罗克时期）：三个主要音乐现象维也纳古典时期三、社会背景启蒙运动：在思想文化领域内掀起的运动，对当时的教会权威和封建制度采取怀疑或反对的态度，把“理性”推崇为思想和行动的基础。相信实用性实验知识的效用和相信普遍自然感觉的价值。宗教、哲学体系、科学、艺术、教育、社会秩序等等，全都应该按照它们如何为个人造福来评价。提出“自由、平等、博爱”的口号。狂飙突进运动（德国）：德国资产阶级文学运动，因德国作家克林格尔的剧本狂飙突进得名。它反对封建割据，批评死气沉沉的封建文艺和虚伪的道德，提倡个性解放和创作自由，歌颂“自然”，强调“天才”和“民族风格”。是启蒙运动的继续和发展。代表人物有青年时代的歌德、席勒等。四、音乐生活1、音乐厅文化音乐开始走出教堂和宫廷，而面向更为广阔的市民大众，在音乐厅中定期举行音乐会成为人们日常生活中时髦的活动2、世俗的音乐活动繁荣从大环境到小环境都表现出音乐活动的丰富多彩，从家庭到社会都在决定整个18世纪的音乐发展走向。3、钢琴开始普及1710年由意大利的克里斯托夫发明的一套机械，用它了制造的乐器称为能发出弱音和强音的羽管键琴，强弱琴，这就是钢琴。也就是这一使乐器产生力度变化的方法，使18世纪以后的音乐发展中，成为了重要的独奏乐器，作曲家创作的“笔”，家庭娱乐的成员（现在已经是一件必备家具了）4、专业音乐的发展音乐史知识，音乐理论和演奏技巧方面的书籍陆续大量的出版，促进专业音乐进一步发展的步伐。专业的音乐家有了其自身的价值，是启蒙运动影响的结果，开始注意到“人”的存在问题。音乐家创作中追求的理想是通俗并被人普遍理解和喜爱的音乐，自然的，世界性的音乐风格（国际化风格），贝多芬的合唱中体现的那样，全世界人民团结起来，大家相亲又相爱。格鲁克也提出这样的观点“我们将能一起寻求一种高尚的、富于情感的和自然的旋律，一种与各种语言的韵律和各民族的特征相一致的朗诵调，同时将能够确定一种方式来创造出一种适合于所有民族的音乐，并且消除各民族的音乐间可笑的差别”。因而这种“四海之内皆兄弟“的理想，是当时众多音乐家的理想。5、音乐类型世俗化，专业化，定向化四、音乐风格这是巴罗克到古典过度时期存在的几种风格：洛可可风格（对巴罗克风格的柔化）、华丽风格（愉快的感觉）、情感风格（反理性主义的情感主义倾向）五、音乐特征（维也纳成熟时期）曲式乐句、乐段、乐章方整而明晰织体主调旋律风格主题性质和声三和弦、七和弦即兴记谱替代“通奏低音”纯音乐强调形式美第一章意大利正歌剧的改革和喜歌剧的兴起与繁荣第一节格鲁克和他的歌剧改革格鲁克在大学期间学习哲学，后通过自学掌握音乐知识和技能，曾去米兰学习作曲，并受到意大利歌剧的影响，于是投身于歌剧创作中。曾会见过亨德尔，并从他的清唱剧中受益匪浅。喜歌剧带来的新风格给正歌剧带来的极大的冲击，人们越来越适应喜歌剧的轻松，正歌剧旧有的程式和风格及过分的歌唱炫技使格鲁克产生了对歌剧改革的想法。要求歌剧的朴实；音乐要为戏剧服务；删去咏叹调中的炫技段，加重旋律性的宣叙调，使音乐与戏剧保持统一，音乐要更具表现力。代表格鲁克歌剧改革理想的作品是奥菲欧和优丽狄西，其中著名的咏叹调段“我失去了优丽狄西”，将抒情与简朴完美结合。第二节喜歌剧是兴起与繁荣一、意大利喜歌剧喜歌剧是特点是有对白（歌剧、话剧、喜剧的综合），取材日常生活。意大利喜歌剧，法国喜歌剧、德国歌唱剧，英国民谣剧意大利的喜歌剧来源还要追溯到“幕间剧”。意大利第一部喜歌剧作品的佩格莱西的管家女仆（杨燕迪。意大利序曲（快慢快），清宣叙调。喜歌剧后来成为和正歌剧平起平坐的题材形式。二、法国的喜歌剧法国喜歌剧源自民间的集市剧，但最终促成法国喜歌剧发展的事件是1752年意大利歌剧团到巴黎演出了佩格莱西管家女仆，从而引起了音乐史上所谓的“喜歌剧之争”，针对法国抒情悲剧与喜歌剧的优劣展开论战，当时启蒙运动代表人物卢梭，他是大力赞颂喜歌剧风格的一派，所写的论法国音乐的一封信中，对法国语言及其歌剧，对吕利、拉莫创作为象征的法国传统进行了尖刻的批评，说“法国人不可能有任何音乐”。并且卢梭亲手创作了较早、在当时也很有影响的法国式喜歌剧乡村卜者，体现了他所追求的歌剧理想。除此，格雷特里的狮心王理查也是当时著名的喜歌剧作品，而且是“拯救歌剧”的雏形。三、德奥歌唱剧四、英国民谣剧乞丐歌剧第二章前古典的器乐（奏鸣曲、室内乐、协奏曲、交响曲）在以歌剧为代表的声乐繁荣的同时，器乐也在这一时期有了重要的发展，那就是交响乐套曲和奏鸣曲式（奏鸣交响套曲）的普遍运用并定型。第一节前古典时期“奏鸣曲”和室内器乐曲的发展一、奏鸣曲和奏鸣曲式奏鸣曲从最初指统称的器乐音乐，到巴罗克后期三重奏鸣曲和独奏奏鸣曲，到了古典早期以独奏奏鸣曲为主创作，为古典奏鸣曲确立做出重要贡献。（巴赫，D斯卡拉蒂和阿尔贝蒂）。奏鸣曲与奏鸣曲式虽是一字之差，但两者的含义却相差得很远。奏鸣曲式指的是乐章内部所采用的结构形式，它由呈示部、展开部、再现部所组成，是曲式的概念。而奏鸣曲则指的是由一件独奏乐器演奏、或由一件独奏乐器和钢琴合奏的包含了几个乐章的乐曲（即套曲），是体裁的概念。奏鸣曲式的魅力在于它那戏剧性的含量：这一曲式从稳定状态转向矛盾冲突（在呈示部中）然后直抵极具张力的紧张状态（在展开部中），最后又回到了稳定状态和矛盾的解决状态。奏鸣曲式在结构上并不是一成不变的，我们可以对它进行各种变形。甚至，我们还可以仅仅把它看作是组织对比主题和对比调性的一系列原则。莫扎特和贝多芬虽然都在创作中采用了奏鸣曲式，但他们所采用的具体结构却总是有着性格、长度、主题数量及处理方式等方面的不同。正是因为奏鸣曲式是如此的蕴涵变通，所以它才成为了两个多世纪以来大多数音乐作品所采用的结构形式。巴赫：他开创了近代钢琴奏鸣曲的先河，古钢琴（楔槌键琴），多乐章（三），试论键盘乐器的正确演奏法2、D斯卡拉蒂：单乐章羽管键琴奏鸣曲3、阿尔贝蒂：左手分解和弦音型级所谓的“阿尔贝蒂低音”，二、其他室内器乐曲这时期才分出来的，从大管弦乐队序曲、交响曲和协奏曲区别，小型的室内重奏（室内乐）形式开始流行。最基本、最重要的是弦乐四重奏。里赫特（曼海姆乐派），作品预示了弦乐四重奏的结构布局。第二节前古典时期协奏曲与交响曲的发展一、协奏曲独奏协奏曲羽管键琴（钢琴）协奏曲。JC巴赫突出。英国钢琴音乐的创导者。钢琴第一次用作独奏乐器的正式亮相是1768年他在英国的一次演出中。二、交响曲来源与意大利序曲。交响曲的发展带领了管弦乐队的发展，尤其是曼海姆宫廷乐队中的一批音乐家（曼海姆乐派），在这方面做出的贡献，为海顿、莫扎特、贝多芬的音乐有这重要影响。首先要提到萨马尔蒂尼，他是较早重奏交响曲的人物之一，大量的交响曲作品，为后来人提供了样板。其次就是曼亥姆乐派，他们是曼亥姆宫廷所供养的音乐家所组成的，他们都在宫廷的乐队（负有盛名）中服务，并对交响曲的发展有很大影响。斯塔米兹是曼亥姆乐派的创始人，以他为首的音乐家们确立了古典交响乐套曲的四乐章的形式：快板慢板小步舞曲终曲。并在第一乐章中使用奏鸣曲式。另外，以C.P.E.巴赫为代表的柏林乐派（北德乐派）在创作中致力于挖掘交响曲那深刻的戏剧性和细腻的情感表现，来自于“情感风格”的影响，促使交响曲在后来的发展中被提升为具有着严肃气质和深刻思想性的音乐体裁。第三章第一节海顿一、生平1732年3月31日（因为，海顿一辈子都否认他是在4月1日出生的，原来是他不希望别人说，他是在愚人节出生的呆子），海顿出生于离音乐之都维也纳不远的一个小村罗劳，父亲是农民，手艺人，修造马车车轮，会弹奏竖琴，母亲曾为厨娘。海顿在幼年时，声音特别清脆、甜美，因此，被人挑选到维也纳，选入到当地非常著名的圣斯蒂芬大教堂唱诗班，频繁参加一些宗教仪式、圣典，偶尔也为贵族或宫廷演出（伴宴），在圣斯蒂芬教堂呆了九年的时间，使海顿接触到宗教复调音乐风格，世俗性、娱乐性风格。十五岁的海顿开始变声，这本来就是预料中的事。但是导致他离开的原因是因为他恶作剧，剪断同学的辫子，又不愿挨打。就这样，1749年，17岁的海顿被赶了出去，开始流落街头，身无分文，从此以后必须自食其力，养活自己。一位好心人借给海顿一笔钱，使他终于能够租下自己的一间顶楼，开始积极热切地研读音乐理论，买了对位法作曲津梁，潜心钻研，随尼古拉波尔波拉学习，同时也教授学生，渐渐在维也纳的音乐圈里小有名气。因为他的一个贵族学生，海顿终于进入上流社会，开始为这些演奏场合写作作品。海顿曾经有八年的时间，几乎难以餬口。但一夕之间，他又突然有了声名，人人竞相邀请他担任乐手或者音乐老师。1758年，海顿被推荐给热爱音乐的莫尔津伯爵，得到第一份长期的音乐职位，而他也从早到晚勤奋工作，珍惜这份安定的工作。他为了自己所指挥的乐团，开始尝试创作管弦乐。他的第一号交响曲就是在莫尔辛的别墅演出。事业逐渐安定的情况下，海顿决定成家。原来他爱上的是自己的一位学生泰蕾莎，但是这份爱情没有结果，因为泰蕾莎进了修道院。海顿后来娶泰蕾莎的姊姊为妻，然而结果非常不顺利。她大海顿三岁，脾气暴躁，对音乐毫无兴趣，也无法生儿育女，夫妻经常为小事争吵。尤其安娜经常绞尽脑汁激怒丈夫，而且乐此不疲。她会拿海顿的手稿来垫糕饼，或者当发卷用，海顿为了躲避这种家庭生活，更是埋首创作音乐。后因为莫尔津伯爵陷入财务困境，为了删减支出，乐团必须解散，海顿也因此失业。（海顿完成十几部交响曲，除了第一号交响曲是快慢快的三个乐章之外，也有四个乐章的组合。将单音音乐与对位法逐渐合一）海顿29岁失业之后，转往匈牙利最有权势的埃斯特哈齐家族担任家臣。这位亲王爱好音乐，尤其赏识海顿的音乐表现，所以在海顿还没有完全成为乐长之前，就给予重任，负责安排整个家族的音乐活动，为亲王府的特殊场合写作音乐。而从进入艾斯特哈吉家族开始，海顿展开了他一生中事业和音乐创作非常重要的时期。从进入艾斯特哈吉家族起，海顿的命运就有了改变，老乐长去世之后，海顿必须接手写作教会音乐，因此天主教的宗教弥撒曲也成了海顿创作的另一个重点。圣母悼歌虽是海顿早期的创作，但地位却相当重要，不但表现海顿个人的特色和所谓的“古典”风格，也得到同期作曲家的认定和欧洲乐迷的喜爱。海顿对自己的音乐一丝不苟，即使他自己无法亲自监督，也希望别人照他的指示做到。而海顿必须操心的事还不止于音乐，例如处理日常问题，化解乐团团员之间的纷争等等，也因此而颇得人心，他的手下都称他“爸爸”。海顿体贴乐师的做法有很多的实例，但最棘手的一次是解决乐师们和亲王之间的紧张气氛，原因是很多乐师为亲王效命却不能携家带眷。他们长时间和妻子分离，也见不到家人，但亲王没有让乐师们休假的打算，所以他们只好向海顿求情。海顿一方面不能得罪亲王，另一方面也必须解决乐师们的问题，但究竟该如何是好呢？最后，海顿用音乐开了一个玩笑，委婉地表达了乐师们的心声这就是海顿的第45号交响曲（告别）。在这首交响曲最后的乐章里面，海顿在快结束的时候加了一段慢板，让主人能体会乐师们想家的心情，而且又安排乐师们轮流演奏完自己的部分以后，就把自己的烛火吹熄，收起乐谱安静地离开，一直到最后只剩下两个小提琴手在阴暗的台上结束演出。乐曲结束之后，大家都非常注意亲王的反应，幸好亲王没有生气，似乎听出了海顿的弦外之音，于是下令第二天就让全团的乐师休假了。因为求情成功，所以这件事就成为音乐史上的美谈，但是，谁也无法预料，万一海顿触怒亲王，会有什么下场！这个结果倒是值得我们想象的，所以，“海顿爸爸”的称号绝对不是浪得虚名。俗话说，伴君如伴虎，有再高的才气也要懂得如何适时地表现，才可能让自己不蒙其害。而我们看海顿在亲王面前刻意隐藏实力，可以说是忍一时之气，保百年之身。工作中，海顿受尽了屈辱、剥削和束缚。埃斯特哈齐在与海顿签订的契约上规定：海顿必须按公爵指定的日期写成交响曲、四重奏、弥撒曲、歌剧或木偶戏的音乐；此外还要为公爵个人偏爱的古低音提琴作曲（有两组弦，上面一组有六条，用弓来拉奏，而下面的一组有九条弦，用手指来拨奏，这项乐器因为可拉可拨表现力多变，演奏技巧也相对地提高很多）；要和乐队一起排练新作品，并在规定的日期演奏；上班时要和仆人一样穿制服（绣金花的背心、白袜子）、扑香粉、戴有小辫子的假发，还要负责乐队的纪律，保管乐器、乐谱，给歌手上课；还规定，海顿只能遵照公爵大人的旨意作曲；创作新曲以后不得告之他人，更不得让他人抄录，未得大人事先知悉和准许，不得为他人作曲；等等，后期，由于海顿作品的影响面逐渐的扩大，导致雇主不得不采取开明的态度，放松对他的限制，海顿的作品越来越多的被出版、传播。身为艾斯特哈吉家族的乐长，很多的时候，海顿的创作都是由亲王指派的，其中，中音提琴三重奏自然不在话下，而宗教音乐也是在老乐长过世之后，必须继续承接的任务，所以，再加上交响曲，写作这三类乐曲就是海顿身为宫廷乐师的义务。然而，另外两种类型的曲子却不在这种情形下诞生，其中之一是弦乐四重奏，另外一项就是钢琴奏鸣曲。1776起往后的十年，海顿集中创作某一种乐曲，虽然他对这类音乐所知不多，但是却是他必须完成的工作那就是“歌剧”。尽管海顿和大多数的作曲家一样，把写作歌剧当作毕生一定要做的事，但是提到海顿，几乎没有一个人会直觉地联想到他是位歌剧作曲家。其它的乐曲不说，只要提起歌剧，海顿在莫扎特面前绝对是甘拜下风，永远活在莫扎特的阴影里。虽然海顿在歌剧创作上不比其它作品出色，但是从1776年起，他却花了大半精力写作这类作品，尤其，尼古拉亲王在自己城堡内的歌剧院定期举行歌剧表演，海顿更要勤勉地服侍主人。1784-1785年间，巴黎成了一个重要的焦点，法国人对海顿的喜爱，积极地表现在他们一定要海顿为巴黎写一些特别的乐曲在巴黎上演，于是就有了所谓的巴黎交响曲。1786年，海顿54岁，从各地而来委托海顿作曲的人，可以说是络绎不绝。而在这些请托当中，有一项非常特别，而且是来自西班牙的主教，他邀请海顿为加地斯大教堂写作一部乐曲。这座教堂位在地下洞窟，里面有一个祈祷室，很多虔诚的信徒经常聚在这里祷告和研读圣经，而他们最受感动的故事，就是耶稣基督被钉在十字架上，所说的最后七句话。因此海顿为他们完成一部作品，叫做救主在十字架上的临终七言，或简称为临终七言。当时，他脱离写作歌剧已经有两年的时间，但是随着名气的拓展，他仍然得到布拉格方面的邀请，写一出新歌剧。不过，海顿回绝了，他不但没有接受，还推荐了另外一个人那就是莫扎特。海顿从1785年起，海顿在一场私人音乐会中，接受莫扎特献上的六首弦乐四重奏之后，两个人开始有深刻的交往。当时53岁的海顿没有看轻才29岁的莫扎特，还以老天为证，当场向人称赞莫扎特的才华，继而发展一段莫逆之交。莫扎特经常公开赞扬海顿，而海顿则逢人就说，莫扎特是当今最伟大的音乐家，两个人之间没有对立和忌妒，没有师徒关系，但却情同父子。1790年对海顿来说是一个多事之秋，也是他生涯中重要的转折点。在这一年里，艾斯特哈吉家族先后走了两个人，先是伊莉莎白王妃在二月间告别人世，九个月以后，尼古拉亲王也与世长辞。尼古拉的儿子继位，但是对政治野心勃勃，对音乐毫无兴趣，他留下了军乐团，其它的管弦乐团和合唱团都解散，家族内的音乐风气也因而中断，海顿更是失去演出的舞台。突然间，海顿结束了长达29年音乐家臣的日子，像一艘失去港湾的船一样无依无靠。被艾斯特哈吉家族解聘了以后，海顿马上回到维也纳。他的名气已经在过去的几年间快速窜升，连自己也没有料到，竟然有好多条件不错的事等着他选择。但海顿刚卸下艾斯特哈吉家族的任务，尝够了那是什么样的滋味，所以不太愿意接受一些大家族的邀请职位。而同时，正在科隆的英国小提琴家兼经纪人扎洛蒙，一听到尼古拉亲王的死讯，马上也赶到维也纳见海顿，以伦敦将成为重要的音乐之都为理由，游说海顿到伦敦，并且签下写作合约，所得酬劳之高，令当时所有的音乐家都望尘莫及。尽管没有到过外地，也不会英文，但英国之行却相当具有吸引力，尽管已经58岁高龄，海顿仍然决定出发，经过17天的旅程，经历法国大革命的动乱，终于到达伦敦。初到伦敦有兴奋也有失望。海顿不会英文，除了有专门的翻译跟着他，他也认真地上英文课。能在伦敦开始新的事业，对海顿来说，也可以说是塞翁失马。他在英国相当受到礼遇，皇室热情地接待他，听众也给他欢呼。公元1791年，英国牛津大学要授与海顿音乐博士的荣誉学位，为了向校方表示谢意，在授赠典礼上，海顿亲自指挥乐队演奏他以前的一部杰作G大调第92号交响曲。因为是在授与学位的典礼上演奏这首音乐，所以这部作品也叫做牛津交响曲，它也成为海顿流传最广的交响曲之一。这部作品的手法十分娴熟，结构形式严谨，不但有丰厚的音响，也可以听出来清澈透明的配器效果。事实上，海顿不但得到听众的热爱和崇拜，尤其在贵族的社交圈里，特别受到贵妇人的欢迎。海顿和许多贵妇人都有密切的来往，有一些甚至特别投缘，若是他当时条件许可的话，可能都会有进一步的打算。不过，当时高贵的仕女们听音乐会的习惯也让海顿不以为然。因为他发现，不少美丽高贵的女士在聆听演奏的时候，会悄悄地闭起眼睛打瞌睡，童心未泯的海顿因此想出一个办法，叫这些不专心的听众好好地吓一跳。海顿作了首新的交响曲，也是他的第94号交响曲。起初并没有什么特别的地方，音乐非常地平静，甚至还有一点催眠曲的味道。那些平时打瞌睡的听众，一个一个很自然地阖上眼睛，好象忘记一切烦恼似的，睡得很舒服。没想到，忽然间所有的乐器都奏出最强的和弦，连定音鼓也被敲响了。音乐一下子变成这个样子，让一些进入梦乡的人都吓了一大跳，有些人还从座位上跳了起来，以为发生了什么事情，急着逃出门外。一直到他们看到海顿还是若无其事地演奏，才知道上了海顿的当，让他们虚惊一场。而其它的听众不但欣赏了一段出色的交响曲，也意外看到了一场难得的笑话，对音乐会效果来说，满足感加倍，让人又领会到海顿的另一项绝招。在伦敦的所见所闻使海顿从精神上摆脱了“为职务作曲”的束缚，压抑的心情得到了解放，艺术想像和艺术创造力有了明显的提高，进入了一个无拘无束的“自由创作”的新天地。在英国创作了十二部伦敦交响曲，成为他交响曲创作中最高的成就，自这部作品之后，海顿再没有写过交响曲。由于继任的埃斯特哈齐亲王极力的邀请海顿回去，他又返回到老的职位上。并且生活上也逐渐趋于平静和安逸。在英国期间，曾受到亨德尔的清唱剧弥赛亚的深深感动，于是海顿把最后的灵感和激情全部倾注到创世纪和四季这两部清唱剧中。二、创作1、交响曲（交响曲之父）所以海顿之所以被人们称为“交响曲之父”并非因为他开创了交响曲这一形式，而是因为从他这里开始，交响曲的结构开始趋于完善，并在海顿不懈的努力创作下对后人、同行产生了深远的影响，最终交响曲得以成为一种影响深远的古典曲式结构。音乐学家们评论海顿，说他并不是一个头脑非常敏捷的作曲家，起码与他同时期的天才莫扎特相比，海顿显得有些迟钝。但是他对音乐却无比忠诚，最终天资更高的莫扎特得以成为广受喜爱的人间音乐天使，而海顿也凭借自己的努力成为一代宗师，用一句成语来说便是“勤能补拙”。实际上，莫扎特、贝多芬这两位后生小辈都从海顿这里吸取了很多基础的音乐养料，然后凭借各自的天赋开创出属于自己的惊人成就。交响曲从海顿这里开始走向成熟，而莫扎特与贝多芬则将之提高到了一个新的高峰，此后的舒伯特、马勒、布鲁克纳、布拉姆斯等人，又沿着前人奋斗的轨迹，写出了一部又一部惊世骇俗的作品。海顿一共写了104部有编号的交响曲作品，按创作时间，大体分为四个时期“早期（60年代）：写于初到埃斯特哈齐宫廷时。海顿的第一交响曲创作于1757或者1759年，从1761年开始海顿在艾森斯塔特任职，写下了数十首精美的作品，充满着后巴洛克音乐的韵味。接下来是在埃斯特哈齐宫担任乐长时写下的许多交响曲。作品基本显现的古典交响曲的结构。试验阶段。晨（No.6）午（ No.7）晚（ No.8）哲学家（ No.22）号角（ No.31）等第二时期（17711774年）：交响曲发生令人惊奇的变化，可能来源于狂飙运动精神的影响。创作中略带戏剧化的情绪，技巧上发生了一些大胆举动悼念（ No.44）告别（ No.45）受难（ No.49）等。第三时期（17741788年）：一方面恢复了他原有的愉快、幽默、明朗，同时又变得更流畅，更细致。趋于成熟。 巴黎交响曲（ No.8287）牛津（ No.92）等。所谓的巴黎交响曲，总共是六部交响曲，编号由82到87，每一部都是四个乐章。先前提到，巴黎人对海顿相当推崇，认为他是当时还能展现原始大师风采的作曲家，于是最后由一个业余的音乐组织叫做“奥林匹克乐团”，出面委托海顿谱写六首交响曲，这就是巴黎交响曲创作的由来。委托写作交响曲的奥林匹克乐团，名符其实是一个非常庞大的乐团，其中小提琴就有四十支，低音提琴十支，再加上两管到四管的管乐编制，而这是至少的成员。这种已经接近百人的乐团结构，对一向只熟悉2025人大小的海顿来说，为它作曲也是一种挑战。所以和早先的交响曲相比，巴黎交响曲呈现更丰富的音响和音色的变化，而且在品味上仍然是迎合巴黎人的音乐标准的。六部交响曲呈现海顿另一阶段的成熟和努力，而委托人也展现他们最高的诚意，不但不干涉作品的内容，也付出相当高的酬劳。每一部交响曲，海顿可得到相当于六万美金的报酬，和同期的作曲家相比，海顿是少数可以过像“自由作曲家”生活的人。不过，这也是他在艾斯特哈吉家族奉献半辈子青春和实力，过了五十多岁后才得来的展望。虽然有点迟，但是若没有先前埋头的耕耘，也不会有后来的收获，海顿的成功得来全不是侥幸，而是一步一步的累积。晚期（17911792年）：成熟。伦敦交响曲（ No.93104，惊愕、军队、时钟、鼓声）2、弦乐四重奏（之父）来源：1、巴罗克时期四声部的大型合奏，即各声部均由数人演奏，外加一个通奏低音；2、巴罗克的三重奏鸣曲3、受约专为四位演奏家创作室内乐（教堂主教约瑟夫第一小提琴；领地管理人第二小提琴；职业音乐家海顿中提琴；著名对位法专家阿布勒希贝格大提琴）。从写作第一部弦乐四重奏之后，几乎有五、六年的时间海顿都没有弦乐四重奏的作品。直到1768到1772年间，海顿连续完成三组共18首弦乐四重奏，其中的作品20号，被认为是足可和海顿的交响曲相提并论，为弦乐四重奏开创新视野的创作。作品20号完成于1772年海顿四十岁的时候，共包括六部弦乐四重奏，故又总称为太阳四重奏，因为早期乐谱的封面有一幅日出的图画，故因此而得名。海顿还让三部弦乐四重奏的结尾，用赋格的方式来完成。赋格方式的结尾很受欢迎，经常被其它的作曲家模仿，例如莫扎特就是其中的一个。而海顿的学生贝多芬，也曾经潜心研究海顿的弦乐四重奏，获得写作弦乐四重奏的精随，而他的模板，就是自己手抄的谱，而且正是太阳四重奏中的第一号。太阳四重奏内涵的丰富和多变，影响了两个世纪内重要的作曲家，而且还持续地发挥着他的影响力。在这大约十年后再推出的一组共六首的四重奏，总称为俄罗斯四重奏，因为它们曾经在苏俄公爵夫妇面前演奏过，所以得名。现在认为海顿最著名的两首弦乐四重奏是D大调“云雀”和C大调“皇帝”（第二乐章主题现是奥地利国歌，取自海顿写的一首爱国歌曲上帝拯救弗朗士皇帝。特征：1、定型了与交响曲相似的四乐章结构2、明确四个声部各自独立的地位。3、慢板乐章多采用主题变奏的结构 当时与海顿同时代的法国作家司汤达（红与黑的作者），曾经描述海顿的弦乐四重奏：第一小提琴好像一位中年人，他聪明而娴于辞令，他总找话题来维持着谈话；第二小提琴是大约小提琴的知心朋友，他极力设法支持第一小提琴的话中机智的想法而很少发表自己的意见，他关心谈话的进程，宁愿随声附和而不原发表自己的主张；大提琴是一位上年纪的有学问而好讲道理的人。他支持第一小提琴时言简意赅，能抓住要点；中提琴是位有点饶舌的可爱的女人，她讲不出什么重要见解，却经常插嘴。她使谈话增添了文雅的风趣。她谈话时别人也可以乘机休息一下。但显然她私下是倾向大提琴的观点的。”很形象地说明了海顿弦乐四重奏中突出的“对话”原则。3、奏鸣曲从数量上来看，海顿总共有62部钢琴奏鸣曲。但是，海顿并不是一个出色的钢琴家，因此他的作品和莫扎特或贝多芬的钢琴奏鸣曲相比，似乎是弹奏这些音乐之前的练习曲，而对海顿钢琴奏鸣曲的评价大致也是如此。海顿是开创者，而莫扎特和贝多芬是集大成者。这种说法从时间上来看是有盲点的。因为，海顿写作晚期的钢琴奏鸣曲时，莫扎特已经去世，而贝多芬当时也才开始在海顿门下学习，精采的作品少之又少。海顿的钢琴奏鸣曲需要仔细地听，就能听出隐藏起来的大师风采，也更能明白古典乐派中“奏鸣曲式”的发展。海顿早期的钢琴奏鸣曲，平易近人，大多献给艾斯特哈吉亲王，但自1771年起的作品，内容要求逐渐增高，杰出的作品多不胜数。欣赏海顿的奏鸣曲要特别留意的是海顿在力度上所做的标示，因为这些变化同时表现了音乐内涵在情绪上的转变。这样的做法渐渐被海顿视为理所当然，力度上的对比，也发展成另一种对话的方式。因此在演奏时，精确的表现力度上渐层的改变，才算真正诠释海顿对作品的想象和要求。海顿的钢琴奏鸣曲，从第一号开始，就记录了这个体裁发展的轨迹。海顿早期的钢琴独奏曲是否能说是“奏鸣曲”，这是一个值得讨论的议题。但是他对这项体裁的建立和确定，和他对交响曲的贡献一样，同样举足轻重，影响后代深远，并且成为学习的典范。4、声乐作品重要的是创世纪和四季。创世纪内容来自圣经旧约及英国诗人弥尔顿的失乐园，四季根据苏格兰诗人詹姆斯汤姆森的同名诗改写的。两部作品表面上看是宗教构思，但实际上是“赞美一切有生之物”，讴歌自然和人类在朴素生活中的欢乐。体现了对歌颂大地、自然和人们纯洁心灵的美学追求，具有强烈的世俗化特点。这两部作品在当时上演时相当轰动。三、总结他的创作涉及面广，其中以交响乐和弦乐四重奏最为杰出。他把交响乐固定为四个乐章的形式，并在配器上形成一套完整的交响乐队编制，为现代交响乐的发展奠定了基础。他的音乐旋律丰富，经常流露出纯朴开朗的乡间气息。在四重奏创作中，常用“说话的原则”，即把各部的主题彼此像交谈般地呼应，既有清晰的旋律，又有复调的美。此外，他在乐曲的发展中常用“主题活用的原则”，这直接启示着贝多芬“动机发展”的灵感。第二节莫扎特一、生平1、少年时期（17621773）1756年1月27日，沃尔夫冈阿马德乌斯莫扎特出生于奥地利的萨尔斯堡一个宫廷乐师之家。他的父亲利奥波德莫扎特(Leopold Mozart)原籍德国（德国和奥地利对莫扎特争夺），曾先后生有7个孩子，不过，其中5个都过早地夭折，顽强地活下来并长在成人的只有最小的儿子莫扎特和他的姐姐安娜。小时演奏，作曲，具有惊人的听觉和音乐记忆力神童在欧洲音乐史的源远长河中，自幼便显示出音乐才干者并不罕见。可像莫扎特那样早熟的奇才，能在那样小的年龄便被公认为“神童”的音乐家，确是再难找寻。他3岁就能在钢琴上弹奏许多他所听到过的乐曲片断，5岁就能准确无误地辨明任何乐器上奏出的单音、双音、和弦的音名，甚至可以轻易地说出杯子、铃铛等器皿碰撞时所发出的音高.。如此过硬的绝对音准观念是绝大多数职业乐师一辈子都达不到的。7岁时，有一次，他用父亲朋友的小提琴演奏，两天后他又在自己的提琴练习，结果说他用的小提琴比前两天奏的那把小提琴低八分之一音，结果经过测验校对，晚完全是这样。还有一次，大约是他14岁时，他在教堂内停了作曲家阿莱格里的著名的多声部合唱后，竞凭记忆写出了全部多声合唱的总谱，因此，罗马教皇授予他“金距轮”奖章。为使小莫扎特能迅速成长，列奥波尔德竭尽心血，精心栽培。对儿子的学习与训练是极为严格的，除了复杂的音乐理论与演奏技能外，还有拉丁文、法文、意大利文、英文以及文学和历安等等。从1762年起，在父亲的带领下，6岁的莫扎特和10岁的姐姐安娜开始了漫游整个欧洲大陆的旅行演出。他们到过慕尼黑、法兰克福、波恩、维也纳、巴黎、伦敦、米兰、波隆那、佛罗伦萨、那不勒斯、罗马、阿姆斯特丹等等许多地方，所到之处无不引起巨大的轰动！在奥地利国都维也纳，他们被皇帝请进王宫进行表演。在鲜花、掌声和欢呼的背后，是艰苦的劳动、苛刻的条件和可怕的考验。为了金钱与荣誉，列奥波尔德要求小莫扎特无论旅途多么劳累，要随时都可以当众演。为了宣扬儿子的天才，他让孩子必须满足听从突如奇来、异想天开的种种刁难性提议。如：当场视奏从未接触过的技巧艰深的乐曲；按照听众临时设想的几个低音即兴作曲，并根据指定的调性当即演奏，用多布将键盘全部蒙住而不影响弹琴；在一场音乐会上从头至尾全部演奏自已的作品，等等。并且，这样的演出几乎每每长达四五个小时之久。2、萨尔斯堡时期（17741781）1772年，16岁的莫扎特终于结束了长达10年之久的漫游生活，回到自己的家乡萨尔斯堡，在大主教的宫廷乐队里担任首席乐师。尽管莫扎特乃旷世奇才，尽管他享有极大的荣誉，可在大主教眼中，他不过是一个普通的奴仆，并且是一个很糟糕的奴仆。莫扎特不得不像他的前辈海顿那样，每天在前厅穿堂里，恭候主人的吩咐，随时都有可能遭到大主教的斥责辱骂，甚至严厉的惩罚。然而，莫扎特毕竟不是海顿，他具有更强的自尊心和独立不羁的果敢精神。为摆脱大主教的侮辱与控制，他于1777年再次外出旅行演出，期望能找到一个落脚之处，永远离开