素描理论.doc

中国画论中所说：“留意于小，必失大貌”的主张。不可忘记中国画论中所说：“留意于小，必失大貌”的主张。不注意整体，不养成整体观察的习惯是绘画中的又一大忌!落笔画的是“一”，而想到则应该是“万”，是整体。绝不可画一漏万。中国画论中还提到：“一管之笔可拟太虚之体，达尽寸眸之明”。可见古人把整体重视到何等地步。马蒂斯说：“没有整体的形，细节画得再好、再出色也毫无价值”，“缺乏整体感，绘画必然无力”。 德加的成功经验是：“加强整体，淡化细节”。轮廓是什么?是素描进行的第一步，并要时刻保持住这个形的整体。没有轮廓就没有形。轮廓是不可以出错误的，我的启蒙老师卫天霖先生不断对我说：“轮廓一点也不能错”! ：“外形是最重要的特征素描是研究形的，画其它因素：明暗、光影、调子也都是为了表达形的，形不对一切都毫无价值!欣赏达芬奇、拉斐尔、米开朗基罗、荷尔拜因的素描时，首先看到的是线条，是轮廓；体面与明暗皆被淡化。什么是大气?大气者不失画面整体，是求大而放小，粗中求精，有敢于舍弃细节的勇气，统揽全局的气魄，有敢抓又敢放松的胆识。重表现表现是学习素描的最终目的。在素描中有许多关于表现方面的规律性知识，是必须也是较容易明白的。规律这东西当你不掌握时总感神秘莫测，但捅破这层窗户纸，它就变得非常简单易明。一切规律皆如此。不少人被许多未知规律所困惑，下面举几个规律性问题：第一，体积与转折：没有转折就没有体积，可一般人都认为不画明暗就没有体积感，这是不对的。“抓转折”是表现体积的最基本方法，不抓住转折的位置，画多少明暗和光影也无济于事。见六边形的图解。没画转折时它是个六边形的平面，画了转折它马上变成了立方体。并没有画光影不也很立体吗?不要忘记，体积也是有形的，是具体的，有它的大小、宽窄。“面”也不是抽象的，也具体。因此，只有抓住具体的转折位置，才能产生面。没有转折哪里有面?没有面体积又从何而来?画一幅人物肖像，它是由无数的转折组成的无数的阶梯形面。明暗何以产生，光影的位置在何处?没有轮廓线就没有形，没有转折线就没有体。第二，透明的暗部：认为暗部不受光画黑一些就可以了，这是不对的。首先必须知道暗部虽不受光，但它受反射光的影响，因此，把暗部画成黑色块是错误的。什么是透明?透气?很简单，暗部四周是深的，中间部分是亮的。为什么四周颜色深?因为它四面都与受光的亮部相接壤，在与亮部的对比之下产生了错觉，感到这一地带颜色深。中间亮则是由于反光造成的，反光越强中间越亮。请看图解。第三，统一的暗部：暗部的第二个特征就是它具有统一陛。、所有暗部皆属不受光部分，不管其中的各种物体有何种不同变化，都应统一与和谐于一个大的暗部之中。在与亮部的对比之下，它处在影子之中，故还带有隐蔽性和稳定性、融合性及无分割感。如果孤立地拉大暗部中的各种变化和差别，必然造成暗部的破碎感。暗部是乐队中的低音部，是为衬托亮部和高音部而成的。暗部为衬托亮部而存在，它就不应喧宾夺主，暗部是无名英雄，是舞台上的配角。不应把统一的暗部中间的部分分开观察，分开一件件去画，要求把暗部作为一个整体一起观察一起画，合起来画或混起来画。 画素描要先从暗部入手，它是画亮部中深浅的依据，并且要先从明暗交界处，从转折部分画起，从前往后画也就是从近往远画，以表达空间。 亮部则与暗部的特征相反，它暴露在光天化日之下，在与暗部的对比之下，它有跳跃感、闪烁感，清晰感和实在感。亮部是主角怎么画也不为过。第四，物体间的空间关系：首先要明确的是，空间是靠对比产生的，没有前就没有后，前面的东西要想办法拉出来，后面的就自然推远过去。另外，把远处的东西推过去，前面的部分也自然在对比中拉近了空间。主体物与背景空间距离越远，二者间轮廓的清晰度和黑白的对比就会越强，反之就会越弱。另外，还可以靠主体与背景的衬托关系，它通过简与繁之间的相互衬托，或繁托简，或简托繁。还有黑白之间的衬托，或黑托白，或白托黑等，还有粗与细、曲与直、动与静之间的相互衬托关系，都是处理空间不可缺的要素。有人空间观念差，画前面的东西不和后边的东西比较，不去观察它们之间的空间位置，看不到前与后、近与远的空间距离，这样能画出空间吗?第五，光源与光感：有光即有光源，有正面光、逆光、侧光、顶光、多向光等。有光就会有反射光，通常表现在物体的暗部。不同的光源产生不同的效果和光感。正面光和逆光单纯而统一。侧光和顶光多变易杂乱，在侧光下老人脸上的皱纹会一条条暴露无遗。写生中选择光源要有明确的目的性。日光、灯光、烛光是一个光源，明暗关系明确。天窗光的优点是上下左右的形体在光照之下有明确的起伏，体积感强，会产生丰富的色调变化，古典绘画多采用这种光源，既柔和又能体现自然美中的强弱、虚实变化，立体感很强。印象派画家们发现在室外的阳光下，万物不但提升了亮度，而且色彩顿时艳丽起来，它的暗部也因受强反光的影响而丰富起来。印象派打开了明暗关系变化的新天地。 以上例举了一些在表现方面的规律，在这些表现范畴中，有待研究的问题很多，要在不断的学习中去总结。研究规律会使你少走弯路，表现对象更为主动。主动与被动十五世纪欧洲的文艺复兴，打破了前人常规，创造了人类绘画艺术新的辉煌。随着学院派的形成，放慢了艺术在表现领域的脚步，成为视觉艺术发展的羁绊。欧洲资本主义兴起，经济文化科技的兴盛发展，使艺术家的思想观念发生巨大变化，要生存就要竞争，就要革新。法国浪漫主义的出现，巴比松画派的形成，打破了古典主义不离开画室的常规，为印象主义的产生作了先导。印象派的破土而出，抛弃了学院主义的清规戒律及陈旧观念的禁锢，走向室外走向大自然。被学院派斥为“堕落”的印象主义成了近代艺术的开拓者，而后期印象派则成为现代艺术的发端。抽象主义的出现又打破了具象表现的模式。一切革新都来自观念的改变。这是“自然表现”还是“表现自然，再现自然”两种艺术观的碰撞，前者强调客观性，后者强调主观性。素描作为造型艺术的基础，几百年来成为西方画家认识自然，研究自然和表现自然之启端。从学习中获得了对自然规律的理解，获得对多因素的表现手段和表现形式的能力，又通过素描找到自己的艺术风格和艺术走向。一个画家总是从步入素描的基本功训练开始，走入艺术殿堂为目的。从十九世纪开始的素描这场大变革，是发展素描艺术的重要推动力。这场革新的特征不是对前辈素描观的彻底摒弃与否定，而是在继承基础上的提高与发展。几百年的素描史都一直在反对照相式的描摹与抄袭，不管哪个历史时期的大师都追求艺术的主动性，追求创新精神，对被动的描摹皆嗤之以鼻。从古典到现代，在表现对象这一原则问题上，基本出发点并无本质差异。分歧是在如何表现上，在表现的观念上。差异是是客观的忠实于对象，以写实的手法表现对象；还是主观的、更强调画家的自我意识和个性化特殊的表达上，存在着截然不同的两种观念。用塞尚的一句话可以清楚地表明现代艺术的基本纲领：“准确描绘不等于真实”。既便如此，塞尚还是接受过严格的素描基本功训练，他知道这是绘画艺术之根，其根也是以表现为基础的素描观。在学习素描的初级阶段，要求尽量客观，否则就无法检验自己认识是否正确，这是表现对象的最基本的能力。在一切过程和一切方面、一切要求都是为了提高艺术表现力和主动性，没有主动就没有表现，要表现就必须主动。或先于强调客观表现，或后于强调主观的艺术处理。艺术是画家对自然的能动反映，是心灵的产物，心有所想物有所应。潘天寿先生说：“笔墨取于物，发于心，为物之象，心之迹也”。凡高画的写生，有如飓风狂暴，挥笔旋转，扭动不安，这都是他自我体验和当时心境的一种表达。凡高被称为“燃烧的画家”，画如团火，是激情的进发，生命的闪电，心灵的萌动。但他又忠实于对象，师之造化，他首先要求人们能看懂他的画，同时又忠实于自己的感受。他的画是现实性与个性的完美结合。艺术就是激情的表现和表现激情。主动表现与被动抄袭水火不容，我们不能作自然的奴隶、物象的镜子、相框中的底片。在笔下要主动地改变自然的原形，自然的样式，要比自然更生动、更强烈、更明确、更概括、更完美。自然物立体，有空间，有丰富的色彩而素描则是单色、画则为平面，画家的任务就是要像魔术师，设法在纸上变出体积感、色彩感、空间感和形象感。还要做一次艺术的再现而非自然之原形。在这方面大师们都无愧为高级魔术师。有人说：“古典主义绘画是照相”，这种看法是完全不正确的，怎么能把它归属于自然描摹，划归陈腐艺术的同类?古典绘画属写实主义范畴，写实绝非照相!如果认真研究自文艺复兴以来诸名家的素描，这种排斥之言即不攻自破。什么叫素描学习过了关?其一，树立了明确的理解意识，通过实践真正领悟理解在学习中的重要地位，彻底克服了抄对象的坏习惯，可以算是过了关，是走向成功的第一步。其二，树立了结构意识，知道形的本质是什么，知道画什么必须研究什么，并且取得了深入的能力，又算过了一关，这是走向成功的第二步。其三，真正掌握了整体与局部的正确关系，画局部不破坏整体，抓大局，识大体了就又过了一关，这是走向成功的第三步。其四，知道如何主动表现对象时，才算真正过了关，这是走向成功的关键一步。 过了关，只解决了“知而能为，不知难为”的“知”的问题，是跨入素描之门的第一步，是走出万里长征的第一步。到了高级阶段，则要求在学法、懂法、用法、悟法和得法的基础上，用艺术的语言进行主动的表现，不为法所约束，步入无法的自由王国。 素描是独立的艺术，基础训练中的基本功夫，一切技能都是为艺术表现打基础。绘画就像音乐中的要求“声情并茂”一样，“声”就是一切声乐与器乐的基本功，这是基础，没有声就谈不到情，情就是表现，二者的结合才是艺术。艺有声是技术过了关，没有情的表现何为艺术?缺一不可。 绘画则是讲“形神兼备”，形就是绘画的基础，形都不知如何画，画不准还谈何神韵的表现?素描到了高级阶段则要求“形神兼备”，不能只停留于技术性阶段。要逐步融入自己的主观意识，以精湛的笔艺，新颖的构图，恰如其分的