西方音乐史复习资料

西方音乐史复习资料教材西方音乐通史于润洋主编授课教师余志刚上半学期学习概况一、古希腊和罗马音乐、中世纪音乐；二、文艺复兴时期音乐；三；巴罗克时期音乐；四、古典主义时期音乐。第一编古代希腊和罗马音乐概述公元前6到4世纪古希腊的文化艺术空前繁荣。第一章古希腊音乐目前留下有大约四十段左右的残篇。古希腊音乐是单声部音乐，有自然音类型以及自然音与各种变化音（半音或小于半音）混合的旋律风格，音乐同舞蹈、诗歌紧密结合，歌唱时可以有乐器伴奏，用字母记谱，歌词往往是当时一些重要的诗篇。第一节古希腊的音乐生活音乐与神的崇拜从词源上，“MUSIC”源于“MUSE”古希腊的乐器古代希腊主要有弦乐与管乐两类乐器，里拉和阿夫洛斯分别是这两类乐器的代表。里拉琴据说由宙斯授予阿波罗，因此演奏里拉常常与阿波罗崇拜联系。阿夫洛斯管常常用于敬奉酒神狄俄尼索斯。诗歌的繁荣公元前9前8世纪，盲人诗人荷马写下了不朽的伊里亚特和奥德赛，这是古代希腊最早被记录下来的大型史诗。贵族诗人萨福被柏拉图称为第十位缪斯。古希腊戏剧举世闻名的古希腊三大悲剧作家埃斯库罗斯、索福克勒斯、欧里庇得斯。悲剧演出地点巨大露天剧场。第二节古希腊的音乐理论问简述古希腊哲学家对音乐的论述古希腊的音乐理论主要可以归纳为两个方面，一是音乐材料和构成方式的理论，它涉及音程、音阶、调式等方面的内容；一是关于音乐的本质的理论，它涉及哲学、艺术美学方面的问题。音程和音阶理论毕达哥拉斯是西方第一个以理论方式来说明和解释音乐现象的人。毕达哥拉斯学派认为宇宙和谐的基础是完美的数的比例。四音音列是阿里斯多塞诺斯音乐理论的最核心内容之一。古代关于旋律、音阶、调式的理论都建立在四音音列基础之上。四音音列建立于一个固定四度框架，中间的两个音不固定，它们可以灵活变动，形成三种类别的四音音列，即自然音列、变化音列以及更细微划分的四分音音列。阿里斯多塞诺斯著有和谐的要素，他深入到音乐构成的具体要素，在音程、调式、旋律中讨论音乐的理论问题。完整音列体系古代调式都是把多利亚调式置于中心。记谱法古希腊有两种不同类型的记谱方式，以字母和符号分别用于记写歌唱和器乐的演奏，除了有表示音高的记号外，还有表示音的长短和停顿休止的记号。音乐社会功能的学说（音乐的教育作用）代表人物柏拉图（好的音乐应该庄重、简朴、应该符合规则）亚里士多德第二章古罗马音乐第一节古罗马的音乐生活罗马音乐的重要特点之一是朝向实用化、典仪化方面发展，集体性的军乐以及仪式、流行音乐非常普及。除了社会音乐活动外，家庭音乐也一时蔚然成风。音乐已经深入到宫廷和家庭。第二节基督教音乐的兴起基督教产生于公元12世纪，古罗马末期。476年古罗马灭亡，随着古代文明的终结，基督教成为中世纪欧洲唯一从古代世界继承下来的文化遗产。第二编中世纪音乐概述中世纪记谱三大阶段1纽姆谱2911世纪线谱音高明确，节奏不明确3中世纪后期出现有量记谱法，标明时值、节奏（复调发展的结果）将古罗马消亡到古代文化的复兴这中间长达千年的历史时期称为“中间的世纪”（MIDDLEAGES）。音乐史研究一般倾向于公元5世纪西罗马灭亡到14、15世纪之交看成西方音乐的中世纪时期。中世纪的基督教世界取代古罗马社会有其历史的必然性。基督教顺应了这一世界观的转变，它很快走进并占据了人们的精神世界。同古代一样，音乐在中世纪继续享有高尚的地位，它被列入所谓“七艺”的高级学术，即语言艺术的“三艺”语法、修辞、逻辑；数学艺术的“四艺”算术、几何、天文、音乐。中世纪音乐发展大致可以分成三个阶段来叙述第一阶段，510世纪。文化的复苏和政治上的统一为基督教教会礼仪的统一创造了条件，9世纪左右，格里高利圣咏确立了作为统一的罗马教会音乐的权威地位。第二阶段，约1113世纪，这是中世纪音乐的盛期。12、13世纪，复调音乐得到很大发展。13世纪复调音乐推向高峰，世俗音乐也得到很大发展。宗教音乐与世俗音乐互相影响、互相渗透。第三阶段，1415世纪初，在音乐史上称为“新艺术”时期，主要发生在法国和意大利。中世纪以来世俗音乐的影响在这一时期达到高峰。也就是在这一时期，出现了马肖、兰迪尼等西方音乐历史上早期的一批重要作曲家。此外记谱法、作曲技法也得到很大发展。总结就音乐而言，应该看到，中世纪僧侣对古代文化的传承和发展具有不可低估的历史贡献，西方音乐后来的独特发展包含着中世纪音乐家在理论和实践方面的重大成就。第一章中世纪教会礼拜音乐第一节格里高利圣咏问什么是格里高利圣咏简述它的基本特征宗教仪式中使用的音乐称为圣咏。格里高利圣咏使用于罗马教会礼拜仪式，以著名教皇格里高利一世命名，因表情肃穆、风格朴素也被称为素歌。在一定意义上可以说，西方中世纪教会音乐的历史是围绕着建立、修饰、扩展格里高利圣咏而展开的。格里高利圣咏的形成格里高利圣咏的基本特征1无伴奏的纯人声（男声为主）歌唱的单声部音乐形式；2以拉丁文为歌词；3即兴式而无明显节拍特征；4建立在单纯的自然音阶基础之上；5格里高利圣咏的基本功能是服从宗教礼拜活动，它肃穆、节制，最大地排除世俗的感性欲念。第二节圣咏在礼拜仪式中的运用基督教教仪活动分为日课和弥撒两大类，格里高利圣咏分为日课和弥撒两大类，格里高利圣咏主要是运用于这两种宗教礼拜活动。日课日课是修道院规定每一僧人每日必修的“功课”，主要内容包括祈祷、诵经、唱赞美诗等。弥撒弥撒在音乐上具有更重要的意义。弥撒是天主教会最重要的崇拜仪式。弥撒礼仪在不同时代、时节和地区很不相同，以下是最一般的形式专用弥撒（根据时节歌词变动）常规弥撒（唱词不变）福音礼仪进台经慈悲经荣耀经特用祈祷文使徒信书升阶经哈利路亚福音书信经领受圣体礼仪奉献经序祷圣哉经羔羊经圣餐经会众散去注黑体字为重点哈利路亚来自古老犹太语，意为“主啊，赞美您”。这是应答圣歌类，是整个弥撒仪式中最具装饰性的花唱段落。第三节教会音乐理论音乐美学中世纪最具权威的音乐理论家是波埃修斯，他被认为是“最后一位罗马人”，古代文化在中世纪的最重要传播者。波埃修斯对音乐的理解对中世纪的音乐观产生了深远的影响，中世纪教会音乐实践可以说是完全忠实于他的音乐理论。记谱法在很长时间格里高利圣咏的歌唱都是完全依靠记忆，到了查理大帝时期，为了有利于推广格里高利圣咏促成了记谱的发展，但这时记谱的作用只是为了帮助记忆，它仅仅在歌词上方写下简单的符号，指示上升或下降的语言声调变化。这种简单的符号谱也称为“纽姆谱”，大概产生于8世纪，在9世纪被普遍使用，它只能提示歌唱者回忆已经熟悉的旋律轮廓，而无法来告诉人们陌生的音乐。教会调式11世纪，八个教会调式理论基本确立。了解其名称及其音域、每种调式的常用音。六声音阶第一节格里高利圣咏的扩展附加段附加段即在原有的格里高利圣咏基础上进行附加或插入新的材料，形成圣咏的扩展。继叙咏宗教剧第二章多声部复调音乐的兴起问9世纪末到13世纪末复调音乐的发展第一节早期的复调音乐奥尔加农西方有记载的最早的复调音乐叫做奥尔加农，约公元9世纪末一篇佚名的论著音乐手册对这种复调形式有过描述。最初的奥尔加农只是圣咏的一种演唱方式，即在歌唱圣咏的同时歌唱另一被称为奥尔加农的附加声部，这种简单的平行的二声部歌唱因此被称为奥尔加农。据音乐手册介绍，有两种奥尔加农。第一种是所谓“平行奥尔加农”，它的上方声部是圣咏旋律，称为主声部，主声部下方附加一个奥尔加农声部，附加声部以相距四度或五度方式平行于主声部，这种两个声部的以四度或五度平行移动的奥尔加农被称为平行奥尔加农。除了严格的平行奥尔加农外，还有一种平行奥尔加农的变体，这种奥尔加农也是以圣咏为基础，但不同于两个声部以同音斜向开始，进入四度音程后两个声部开始平行进行，最后结束又汇合于同音。我们可以从规多的著述辨及微茫中了解到这一时期复调音乐在风格上一些特征一、平行进行很重要，但严格平行进行常被破坏，自由的反向、斜向增多，这加强了声部的独立；二、下方的奥尔加农声部变得较为活跃，常常超越圣咏声部出现在上方，因此出现了声部交错或超越。大约在规多理论著作产生的同时，出现了现存最早用于礼仪实践中的一批复调手稿，这就是保存在英国南部温彻斯特大教堂的两本11世纪抄本，合称温彻斯特附加段圣咏集。华丽奥尔加农12世纪上半叶，奥尔加农声部进一步发展，从原来的下方声部转向上方声部，表现出即兴和自由特征，没有明显的节拍特征，活跃、华丽的上声部与下方缓慢、静止的圣咏声部形成鲜明对比。节奏模式大约11、12世纪左右出现最早的可以标记节奏的记谱法。第斯康特12世纪或13世纪初，一种与华丽装饰奥尔加农风格迥然相异、被称为第斯康特风格的复调音乐开始越来越具有重要作用。其主要表现为音对音，同步走，有节拍加以控制。第二节圣母院乐派的复调文献及一般风格特征12世纪下半叶，巴黎圣母院乐派产生。巴黎圣母院乐派的重要贡献之一是对复调节奏在记谱和写作方面的创新，节奏模式在这里得到广泛和更加丰富的运用。圣母院复调主要有两种风格特征，即华丽装饰的奥尔加农和节奏规整的第斯康特。莱奥南和佩罗坦莱奥南是一位诗人和作曲家，作有一部奥尔加农大全（二声部复调），这是中世纪最重要的复调音乐文献之一。莱奥南以擅长写作华丽奥尔加农著称。在他的为礼拜仪式创作的音乐中，自由、华丽的奥尔加农与节奏鲜明的第斯康特交替出现，形成了不同风格的音乐的对比。佩罗坦创造了三个乃至四个声部的复调音乐，他的复调的特色主要体现在第斯康特，他的作品篇幅更长，节奏更丰富。佩罗坦在圣母院工作时曾对莱奥南的奥尔加农大全进行润色和修订。孔杜克图斯流行于12、13世纪。特点A它不再依赖圣咏；B一般为二至四声部，常见为三声部，其织体特点类似于第斯康特，但更规整，各个声部节拍基本相同；C孔杜克图斯每个声部都唱歌词，且各声部歌词一样。第三节经文歌13世纪经文歌成为新音乐最流行的样式。克劳苏拉经文歌的产生可以追溯到第斯康特的复调写作手法，但在第斯康特与经文歌之间还存在个重要的环节，这就是克劳苏拉。经文歌的产生二声部的克劳苏拉同第斯康特一样，上方声部本来是无歌词的，但是后来有人在上方声部加上了歌词，这种上方声部有词的克劳苏拉就变成了经文歌了。13世纪最典型的经文歌是三声部。经文歌特有的“复歌词”现象，即圣咏旋律声部的拉丁歌词与上方两个声部法语歌词混在一起，在通常情况下上方两声部歌词内容也不一样。13世纪下半叶经文歌的发展13世纪下半叶以后，经文歌的各声部间逐渐出现对比，三声部节奏对比也加大。第三章中世纪单声歌曲直到11世纪几乎没有关于世俗音乐的乐谱和文字记载。第一节拉丁歌曲大约11世纪左右拉丁歌曲开始出现。孔杜克图斯戈利亚德歌曲第二节方言歌曲早期的方言歌曲法国游吟诗人和歌曲中世纪歌曲最有成就的代表问法国游吟诗人歌曲的主要题材和音乐特点1产生时间11世纪末13世纪初2产生地点法国南部3北部的游吟诗人被称为“特罗巴多”，南部的游吟诗人被称为“特罗维尔”。游吟诗人于11世纪末最先出现于法国南部地区的普罗旺斯省。13世纪初游吟诗人的中心转向北方。4游吟诗人的构成以宫廷贵族和骑士阶层为主，上到帝王，下到有才华的下层诗人音乐家。采用四线谱记谱（受宗教音乐的影响）。现留有2600首南方游吟诗人的诗歌，260首附有旋律，2130首北方游吟诗人的诗歌，1420首附有旋律。5这些歌曲大多是单声部的，常加上乐器伴奏，即兴地弹唱。在音乐风格方面，南方歌曲分句不明确，旋律细腻精美，节奏处理较为复杂自由。北方歌曲受到南方游吟诗人歌曲的影响，但比南方歌曲朴实和直率，与民间歌曲接近，旋律段落轮廓比较分明和规整。此外，北方歌曲喜爱加上叠歌，即反复歌唱时加上固定的歌唱部分。6游吟诗人歌曲以爱情题材为主，其中一种所谓“宫廷之恋”的题材非常流行。这些歌曲常常把宗教般的纯真和圣洁感情（如对圣母玛利亚的爱慕）与凡俗的人间男女之爱混合在一起。除了爱情歌曲外还有其他如涉及政治的向国王表忠心的歌曲、哀悼的悲歌、辩论歌。注在北方游吟诗人中，多声部复调歌曲开始出现，题材涉及了生活的方方面面。其他地区的方言歌曲约12世纪后期，德国也开始出现方言抒情歌曲。在德国，这类歌曲被称为“恋歌”，歌唱这些歌曲的歌手被称为“恋诗歌手”。在德国分节歌式的重复结构变化成一种有特色的歌曲形式，即AAB的“巴体歌曲”。除德国“恋歌”外，还有13世纪意大利的“巴拉塔”和13世纪西班牙的坎蒂斯。第三节中世纪器乐中世纪常用乐器有弦乐和管乐类。中世纪最典型的拨弦乐器是竖琴。中世纪拉弦乐器A琉特琴从西班牙传入，是维奥尔琴和现代小提琴的原形。13世纪以后才被大量使用B里拉琴C维埃尔古提琴的总称中世纪常用的管乐器笛类有竖笛和横笛；双簧类乐器有肖姆管和短号等。管风琴是允许使用于教堂的中世纪乐器。第四章14世纪法国和意大利音乐14世纪的社会大背景14世纪的音乐是如何被影响的14世纪是中世纪音乐末期，这是一个酝酿着历史变革的不安定时代14世纪上半叶英法两国间的百年战争；黑死病的蔓延；精神和信仰危机。在文化方面，12世纪以来随着城市兴起，封建社会的骑士制度走向衰亡，新兴的市民阶层崛起，市民文学蓬勃发展。社会的政治、经济、文化正在发生的变化必然影响到音乐，14世纪欧洲音乐也出现了许多新的情况。人文主义思想开始萌芽，文学必将影响到音乐第一节法国“新艺术”人们习惯上也经常以“新艺术”来通称整个14世纪法国和意大利音乐。尤其特别专指法国的音乐。新艺术和古艺术之争“新艺术”概念来自于法国维特里论文的题目。“新艺术”之“新”是相对于“旧”的被称为“古艺术”的13世纪音乐。福维尔传奇与法国新艺术有关的最早乐谱见于一本叫福维尔传奇的手稿。这是一部长篇讽刺诗歌集成。第二节新艺术音乐的特征新的记谱方式新的记谱原则的最大特色是增加更小的音符时值，以及突出二分的不完整拍的地位。等节奏（利用节奏手段来统一整个乐曲）等节奏技术特征是，通常在低声部利用固定音列、固定节奏这两个要素周期性反复出现，使经文歌建立于一种统一的逻辑结构。新的对位音响三全音在中世纪被称为魔鬼的音程，不被采用。在探索新音乐的节奏手段的同时，14世纪也开始注意发掘变化音级的和声效果以获取新的表情风格。重点从小二度上行变化音终止演变到二重变化音终止第三节马肖的音乐创作问“新艺术”时期的主要代表作曲家及其创作。马肖是法国新艺术音乐的最重要人物。在西方音乐史上他是作品得到完整保存的第一位音乐家。经文歌的创作在创作技巧方面，马肖非常重视等节奏技术的运用，并将等节奏扩展运用到上面各个声部，更自由灵活地探索更复杂的节奏技巧。弥撒曲马肖对于弥撒曲的贡献在于，他第一次把常规弥撒的各个段落视为一个整体来统一构思。世俗歌曲世俗歌曲是马肖创作的重要部分。马肖歌曲创作中最有影响的是世俗复调歌曲。马肖的复调歌曲的三种“固定形式”维勒来、回旋歌、叙事歌。第四节14世纪意大利音乐114世纪意大利音乐与同一时期的法国音乐有很多区别，在音乐历史上它因此也获得一个专门名称TRECENTOMUSIC；2与法国相比，没有宗教化；3更世俗化一些。意大利14世纪音乐的重要体裁猎歌卡农式牧歌巴拉塔原指舞蹈伴唱歌曲，13世纪是单声歌曲，14世纪出现复调的巴拉塔。兰迪尼意大利14世纪出现了不少有影响的音乐家，其中以盲人音乐家兰迪尼最为著名。兰迪尼的音乐创作以甜美、抒情见长，不追求复杂技巧，著名的“兰迪尼终止”是1315世纪六度到八度终止式的变化处理，这是兰迪尼独特风格个性的体现。兰迪尼终止式是在二重变化音终止的基础上加上“SI”。（见教材第45页）第三编文艺复兴时期音乐概述西方音乐史上一个新的文明时期开始了。它被称做文艺复兴，从狭义的观点看，文艺复兴是一场在恢复古代哲学和艺术价值的运动，然而文艺复兴的成就很快就超越了古希腊、罗马影响的范畴。从广义上看，文艺复兴是一个人类社会产生新的思想（人文主义思想），有新的发现，发展出现飞跃的时期。西方音乐史中，文艺复兴时期一般指从1430年前后至1600年前后这一历史时期。“人文主义对音乐最重要的影响是使音乐与文学艺术（歌词）更紧密地结合在一起。诗人们更关注其诗歌的音响，而作曲家们则着意去模仿这一音响。”格劳斯帕利斯卡第一章从文艺复兴早期到若斯坎第一节英国音乐第二节勃艮第地区的音乐什么是勃艮第乐派勃艮第乐派西方音乐史上把15世纪上半叶（文艺复兴早期）出自欧洲北方的第一代作曲家称为勃艮第作曲家或勃艮第乐派。勃艮第地区包括荷兰比利时、法国东北部、卢森堡、及法国中部偏东中世纪勃艮第公爵领地和伯爵领地。代表作曲家迪费（最重要）、班舒瓦。迪费迪费是勃艮第时代最重要的作曲家。他的音乐作品的主要体裁是弥撒曲、经文歌和尚松。尚松一词在西方音乐史上是14世纪至16世纪以法文的世俗诗歌谱写的复调歌曲的概称。迪费的经文歌最近玫瑰开放是在1436年佛罗伦萨的多莫（指圆顶）大教堂的的祝圣典礼上演出的。经文歌四个段落的有量节拍的比例是6423与文艺复兴著名建筑师布鲁内莱斯基设计的教堂圆顶的比例相符。定旋律弥撒曲在弥撒的各个乐章中都采用一个相同的旋律作为定旋律，以此作为音乐统一的“轴心”把各乐章联系起来。这种形式的弥撒曲称为“定旋律弥撒曲”。迪费至少创作了9首五乐章的弥撒曲，有7首留存下来，后期的4首都是定旋律弥撒曲。迪费的两个贡献他是第一位采用世俗旋律作为弥撒曲的定旋律的作曲家，也是第一位采用完整四声部织体进行创作的作曲家。班舒瓦第三节法佛兰德作曲家时间15世纪下半叶到16世纪末；地点这些作曲家一般来自南部尼德兰地区的佛兰德（约在今天的比利时）以及与其相邻的法国的北部地区；代表人物奥克冈、若斯坎、拉絮斯。约翰内斯奥克冈比斯努瓦第四节若斯坎和若斯坎的同代及后一代作曲家若斯坎若斯坎是谁简述他的音乐风格。若斯坎是世纪之交的一代法佛兰德作曲家的突出代表，也是文艺复兴最重要的作曲家之一。若斯坎留存下来的作品有18首弥撒曲、100首经文歌和70首尚松。其音乐风格1在弥撒曲创作方面更引人注目是若斯坎的创作促进了一些弥撒曲类型的发展。2经文歌是若斯坎数量最多的体裁，也是最能代表其个性和创造性的体裁。3连续的模仿在若斯坎的复调写作中占有重要的地位，作品以赋格式的模仿形成结构的基础。4受到人文主义的启发和影响，若斯坎谱曲时不仅注意歌词的音节重音，而且探索以音乐的手法对歌词进行形象的解释与象征，这种谱曲的方法被称为“绘词法”。若斯坎的同时代作曲家若斯坎后一代法佛兰德作曲家第二章16世纪的新趋势新倾向表现为三方面1民族倾向的发展给欧洲音乐的面貌带来重要的变化，它打破了自15世纪以来法佛兰德的泛欧洲性的语言长期占据的统治地位，使欧洲的音乐语言逐渐丰富起来。2世俗音乐的发展和繁荣逐渐改变着欧洲音乐以宗教体裁为主的单调局面。3在声乐体裁丰富起来的同时，器乐音乐也逐渐增多，并开始独立发展。第一节意大利的牧歌及其他声乐体裁佛罗托拉和劳达赞歌意大利牧歌什么是16世纪的意大利牧歌简述它的发展意大利16世纪的牧歌是文艺复兴时期的一种重要的世俗音乐体裁，他是以较高水准的诗歌为词谱写的复调歌曲。牧歌的特点1一种通谱体（没有歌词段落的反复，根据歌词贯穿的歌曲）2歌词多为单段，韵律自由，包括各种诗歌3牧歌的歌词多为著名的诗人的诗作，一般有较高的文学水准4音乐注重对歌词的细致表达，织体越来越丰富，既有主调，又有复调。意大利16世纪的牧歌的发展大致分为三个时期早期的牧歌为四个声部，基本是主调风格，但已经开始融入少量的模仿等复调手法。代表人物雅各布阿卡代尔特。中期的牧歌音乐以五声部居多，也有四或六个声部的，注重对歌词韵律节奏和词义的表达，既采用主调的风格，又大量运用复调的手法，还探索大胆的和声。主要作曲家有罗勒。晚期的牧歌已经发展为一种高度精致的音乐作品。中期牧歌的试验性手法已走向成熟，半音化的伴奏的风格，以取代牧歌传统的多声部织体，歌词与音乐的戏剧性效果得到普遍的重视。代表人物杰苏阿尔多、蒙特威尔第。意大利其他声乐体裁第二节法国尚松和德、西、英等国的音乐法国法国尚松的特点1法国尚松一般按音节谱曲，强调规则的重音，音乐植根于诗歌的韵律，节奏鲜明轻快。2尚松多为四个声部的织体，各声部基本上是以同步的节奏陈述歌词，但也不乏模仿的运用。3音乐开始的段落一般要重复或在作品的结尾再现。重复减轻力度（弱唱）。4大部分尚松用一长两短的节奏型开头。德国西班牙英国第三节16世纪的器乐肖姆管古双簧管，双簧管的前身。琉特琴文艺复兴最流行的乐器，可以弹和弦（六组弦），属吉他类乐器。16世纪器乐的三大体裁舞曲、即兴的独立的器乐曲、变奏曲。第三章16世纪的宗教改革与反宗教改革的音乐宗教改革是16世纪欧洲教会的一场重要的变革运动。1517年发生的马丁路德领导的德国新教改革，结果使欧洲北部许多国家脱离了罗马天主教会。第一节宗教改革的音乐德国宗教改革的音乐什么是众赞歌德国宗教改革在音乐史上最重要的成果是会众的赞美诗，即众赞歌，也叫新教圣咏。发展阶段1起初，众赞歌主要是单声部的。分类以新创作的德文诗谱曲的和旧曲填新词两种。2多声部的众赞歌，它们的众赞歌曲调都在固定声部（男高音声部）。3和弦式的众赞歌更为重要，它代表了德国新教音乐的主要风格，其中的众赞歌旋律逐渐从固定声部移至最高声部，成为四部和声的主调和声织体。其他国家宗教改革的音乐第二节帕莱斯特利那及其同时代作曲家反宗教改革一方面是作为对欧洲新教改革的回应，另一方面是迫于教会内部日益高涨的改革的呼声，16世纪的第二个25年中，罗马天主教会自身也开始了一场改革运动，它通常被称为反宗教改革。帕莱斯特利那帕莱斯特利那是谁什么是“帕莱斯特利那风格”帕莱斯特利那是反宗教改革时期（文艺复兴后期）意大利的作曲家。帕莱斯特利那音乐的历史贡献它是反宗教改革精神观念的限制之下，顺应着文艺复兴音乐的发展的基本方向，对复调音乐所做出一种富有创造性的发展。帕莱斯特利那风格1帕莱斯特利那风格是在对位、模仿基础上的复调无伴奏合唱风格；2以四声部居多；3旋律平静庄重、舒缓均衡，以级进为主；4回避半音化，坚持采用自然音的调式音阶；5低音与上面的声部多构成三度和五度或三度和六度的和声音程；6非常小心不协和音，经过音和其他的不协和音安排在弱拍。帕莱斯特利那的同时代人第三节威尼斯乐派威尼斯乐派是文艺复兴晚期的重要乐派。威尼斯音乐文化的中心是圣马可大教堂。创作风格复合唱的风格代表人物加布里埃利代表作经文歌在教堂里第四编巴罗克时期音乐概述从大约1600年（第一部歌剧诞生）到1750年（巴赫逝世）这一个半世纪，在西方音乐史上被称为巴罗克时期。“巴罗克”一词来源于葡萄牙文BARROCO，原意是指形状不规则的珍珠。巴罗克音乐的总的特征1一种宏伟壮观、热情如火、充满活力的艺术；2它强调情感的表现和充满戏剧性的对比；3在细节上它又非常注重装饰性。历史背景参见教科书94页。巴罗克标志着古代向西方近代音乐史过渡第一章巴罗克音乐的主要特点第一节两种常规蒙特威尔第认为文艺复兴的复调传统，即“古代风格”，可以叫做“第一常规”，而他自己所采用的新的作曲手法则可以被称为“第二常规”。第二节通奏低音这是巴罗克音乐的最重要的特征之一。第三节“情感论”第四节调性和声与对位第五节节奏与记谱第六节声乐与器乐第二章歌剧的诞生及其早期的发展歌剧的诞生及其早期的发展。最早期的歌剧和最早期的清唱剧都是在意大利的佛罗伦萨产生的。第一节歌剧的来源歌剧是一种用音乐来表现的戏剧。它的全部或大部分剧词都需要唱，还需要适当的器乐服务于情节和伴奏。它是一种综合的艺术形式，艺术形式，也就是说，在歌剧中，音乐需要和美术、文学、戏剧和舞蹈等其他姊妹艺术相融合。歌剧的最直接的来源是16世纪末意大利北部的宫廷娱乐活动和在这种活动中产生的幕间剧（话剧幕间穿插的音乐短剧）第二节最早的歌剧第一部歌剧的产生是和佛罗伦萨的“卡梅拉塔”的活动直接有关的。达夫尼于1598年上演。第一部音乐完整保留下来的歌剧是由佩里和卡契尼作曲、利努契尼作脚本的尤丽迪茜，它取材于古希腊的神话，于1600年作为宫廷婚礼的助兴节目在佛罗伦萨上演。它所运用的是介乎于说白和旋律之间的一种歌唱，即宣叙调风格。宣叙调风格构成了早期歌剧风格的特点。第三节蒙特威尔第和他的奥菲欧蒙特威尔第是巴罗克早期的一位最伟大的作曲家。他的创作可以被看作是从文艺复兴晚期通往巴罗克的一座重要的桥梁。1607年2月他的第一部歌剧奥菲欧（早期歌剧最成熟的杰作）在曼图亚上演。奥菲欧是蒙特威尔第的第一部歌剧，也是他现存的最早的舞台作品。第四节罗马、威尼斯和那不勒斯的歌剧罗马威尼斯1637年，威尼斯建立了第一座公众歌剧院圣卡西诺剧院。它的经营主要依靠票房收入。上演的第一部歌剧是曼内利作曲的安德罗梅达。1640年和1641年，蒙特威尔第的歌剧尤利西斯还乡记也是在这座歌剧院里上演的。这时期，宣叙调与咏叹调成为明确分开的两种形式。那不勒斯18世纪意大利歌剧的标准形式（正歌剧的特点）1出现了两种不同形式的宣叙调，一种是干唱宣叙调，另一种是带伴奏的宣叙调；2返始咏叹调得到了很大的发展；3咏叙调也继续被运用在那些既不像宣叙调那样节奏自由，又不像咏叹调那样抒情和有规律的段落中。这些形式风格上的演变最明显地体现在那不勒斯歌剧学派的创始人和代表亚历山德罗（A）斯卡拉蒂的身上。总之，在1600年前后诞生的意大利歌剧，经过蒙特威尔第、卡瓦利和切斯蒂等人的努力下，在斯卡拉蒂的作品中达到了一个新的高潮。第五节法国、英国和德国的早期歌剧法国法国早期歌剧的主要代表是吕利。吕利歌剧的特点它们由一个序幕和五幕戏组成，这成为法国歌剧的固定格式。在写作歌剧时，吕利认为唱词是最重要的必须以准确的音调为之谱曲。豪华的机关布景和芭蕾舞场面更是吕利歌剧的重要的组成部分。吕利的乐队特点吕利的乐队包括五个声部的弦乐器、双簧管和大管，以及数字低音乐器。两支双簧管和大管的三重奏经常与弦乐形成对比。在需要特殊效果时，吕利也使用小号和鼓。英国普塞尔是英国巴罗克时期最伟大的作曲家。代表作迪多与伊尼德国海因利希许茨是德国宗教音乐的重要作者。第三章其他大型声乐体裁第一节清唱剧清唱剧与歌剧的不同之处1唱宗教体裁，圣经中的歌词；2本身分成两部分（中间有布置）；3不注重独唱，而更注重合唱，合唱处于中心地位；4最重要不同，不需要舞台布置和化装表演。创作清唱剧的最重要的作曲家是卡里西米。清唱剧这种体裁在亨德尔的创作中达到了一个新的高峰。第二节康塔塔康塔塔与歌剧最大的不同在于不需要舞台布置和化装表演。亚斯卡拉蒂是最重要和最多产的康塔塔的作曲家。第三节受难乐受难乐是用音乐表现圣经福音书中有关耶稣受难故事的一种古老的体裁。第四节协奏风格的宗教音乐代表人物德国的许茨巴罗克三大歌唱形式歌剧、清唱剧、康塔塔。第四章器乐的发展第一节博洛尼亚乐派巴罗克奏鸣曲和协奏曲的发展。（见本章第一节和第四节）奏鸣曲通常是无标题的、多乐章的室内乐合奏作品。以小提琴为主。奏鸣曲两类，即教堂奏鸣曲和室内奏鸣曲。教堂奏鸣曲是在教堂演奏的，通常是在弥撒仪式的各段之间穿插演奏。它一般有四个乐章，速度按“慢快慢快”的顺序排列。前面的慢乐章常有即兴演奏的性质，随后的快乐章经常运用赋格的模仿手法。室内奏鸣曲是在宫廷娱乐的场合或私人的饿音乐会上演奏的，它包括一组风格化的舞曲，如阿拉曼德、库朗特、萨拉班德和基格舞曲等。实际上它已是一种组曲。此外还有三重奏鸣曲（四人演奏）和独奏奏鸣曲（三人演奏）。代表人物科雷利第二节德国的键盘音乐巴罗克时期的键盘乐器包括管风琴和古钢琴这两大类。管风琴制造业在德国尤为发达。管风琴曲的主要体裁有三种。它们是托卡塔、赋格曲、以众赞歌为基础的作品。托卡塔是一种比较自由的接近即兴创作的体裁，它的技巧性也比较高，特别是脚键的运用。它一般包括若干段落，在慢速和快速之间交替，常以慢速的狂想曲式的段落开始，与随后的比较严格的赋格式段落形成对比。赋格曲是一种严格运用卡农模仿手法的复调体裁。在这个时期，布克斯特胡德的最高，他是在许茨与巴赫之间的最重要的一位德国作曲家。键盘乐器的另一类是古钢琴。它包括两种类型，一种是拨弦古钢琴，另一种是击弦古钢琴。拨弦古钢琴也叫做羽管键琴（音量较大，适于音乐厅演奏）。古钢琴音乐的体裁其中最重要的是主题与变奏和组曲这两种。组曲这种体裁也是在17世纪17世纪最后25年间定型的，它来自意大利的室内奏鸣曲，仍然是由四种风格化的舞曲为核心组成的，这些舞曲是阿拉曼德舞曲、库朗特舞曲、萨拉班德舞曲、基格舞曲。组曲类别拍子速度来源法国序曲2/43/4慢快法国阿拉曼德四拍子中速德国库朗特3/4或6/4活跃法国萨拉班德三拍子慢西班牙基格6/8或6/4快美国代表人物德国作曲家弗罗贝格曾出版过三卷古钢琴组曲。弗雷斯科巴尔第音乐之花第三节意大利和法国的键盘音乐17世纪上半叶意大利最重要的键盘音乐作曲家是弗雷斯科巴尔第。库普兰的古钢琴音乐。法国键盘音乐的代表人物是弗朗索瓦库普兰（巴罗克晚期法国古钢琴音乐的代表）。他被认为是在吕利和拉莫之间的最重要的法国作曲家。大库普兰的古钢琴曲一共有两百多首。每卷包括若干首组曲。四卷共有27首组曲。这些组曲的特点主要有1一首组曲中的小曲都在同一个调性上，包括大小调和平行调；2有些小曲标有阿拉曼德、基格等组曲的标准名称，但大部分小曲都采用奇特的标题，如莫尼卡姐妹、神秘的夫人、蝴蝶等；3他并没有把这些组曲作为一个多乐章的整体来构思，曲目可以由演奏者从中自选的；4在乐曲的结构上，他主要运用了二部曲式和回旋曲式；5他还在一些作品中运用了典型的“破碎风格”，特别是对一些装饰音的记谱非常仔细，他认为这些装饰音体现了作品的灵魂和实质。第四节协奏曲协奏曲是巴罗克时期最重要的器乐体裁，是强调独奏者或独奏组与乐队之间的那种对比关系的器乐体裁。巴罗克的器乐协奏曲有两大类，一类是大协奏曲，另一类是独奏协奏曲。大协奏曲是其中一个独奏者组成的小组与较大的乐队之间互相抗衡。独奏协奏曲是为一个独奏乐器（巴罗克时期通常是小提琴）和乐队而作的协奏曲。代表人物托雷利托雷利的贡献1最早的独奏协奏曲是托雷利创作的；2这些作品大部分是三个乐章（快慢快）对巴罗克协奏曲的发展作出最重要贡献的是意大利作曲家维瓦尔第。他的很多协奏曲都有标题，例如著名的四季。他的主题比托雷利的更简洁，节奏更富于动力。他的大部分协奏曲的三个乐章同等重要。在两端的乐章中，乐队全奏部分的回归与独奏部分的插段不断交替，构成典型的回归曲式。第五章巴罗克晚期的几位大师第一节让菲利普拉莫让菲利普拉莫是法国18世纪最重要的作曲家、理论家和键盘乐器演奏家、管风琴师。他的第一部理论著作和声学于1722年在巴黎出版。拉莫的赞助人普普利尼埃尔代表歌剧殷勤的印度人、双子星座、希波利特与阿里西亚拉莫最引人注意的创作4卷羽管键琴独奏曲，30部舞台作品（歌剧）。第二节多米尼科斯卡拉蒂D斯卡拉蒂最重要的作品是大约555首键盘奏鸣曲斯卡拉蒂的键盘奏鸣曲的特点1单乐章的2技巧性3音响效果新奇大胆，不协和音的碰撞十分尖锐，在和声节奏放慢的基础上运用多动机的手法，预示了前古典主义的风格。4在结构上开始运用带再现的二部曲式。第三节格奥尔格弗利德里希亨德尔亨德尔的伦敦时期在创作上有什么重大变化举出他的几部最著名的清唱剧。亨德尔喜欢写歌剧，他一生大部分时间是在创作歌剧。在伦敦时期，亨德尔从写作歌剧转为写作清唱剧。亨德尔最优秀的创作还是他的清唱剧。亨德尔清唱剧的特点1用英语演唱的清唱剧是他首创的2用英国中产阶级熟悉的圣经故事3清唱剧自身的一些优势无需服装布景，经济上花销较少4他把歌剧写作的经验用于清唱剧，特别是在合唱的写作上显示了超凡的天才。合唱在清唱剧中也比在歌剧中具有更重要的作用，在作品中处于中心的地位。如弥赛亚（西伯来文，就是耶稣基督的意思）清唱剧代表作扫罗、以色列人在埃及、英语清唱剧弥赛亚。第四节约翰塞巴斯蒂安巴赫1巴赫的创作可分为哪几个时期每个时期各有什么主要的创作体裁2简述巴赫的生平及其创作。JS巴赫出生于德国中部图林根地区（德国新教地区）的一个著名的音乐家族。巴赫出生在新旧交替的时代，这在巴赫的身上和作品上都有所体现。巴赫重要的三个时期早期在魏玛，做管风琴师，以创作管风琴作品为主。代表作18首众赞歌前奏曲、管风琴小曲集等。中期在科腾，做乐队指挥，以创作世俗器乐曲为主。代表作平均律钢琴曲集第一卷、乐队作品方面有6首大协奏曲勃兰登堡协奏曲。晚期在莱比锡，做托马斯教堂的乐监和莱比锡市的音乐指导，以创作宗教合唱作品为主。代表作两百多首康塔塔，如我们的上帝是坚固的堡垒、马太受难乐等。巴赫的历史地位巴赫死后，由于18世纪末欧洲音乐趣味的变化，古典主义音乐风格兴起，导致了人们对巴赫的普遍忽视。对巴赫的再发现是19世纪的事。1802年，第一本重要的巴赫传记出版。1829年，德国浪漫主义作曲家门德尔松在柏林重新指挥上演了马太受难乐，聆听这首自巴赫逝世后一直未曾上演的杰作，促使人们开始重新认识巴赫音乐的价值和他在音乐史上所处的重要地位。这次演出成为一个转折点，复兴巴赫的运动便从此广泛而深入地开展起来。巴赫的音乐风格纵观巴赫的音乐风格，我们可以看到，尽管他一生足不出德国，但他却在自己的作品中广泛吸收了18世纪初流行于欧洲各国的各种音乐风格与形式，并把它们发展到了新的高度。他使和声与复调这两种对立的因素在作品中取得了完美的平衡，其水准之高远远超出了他的许多同时代的作曲家。他的作品不仅在数量上浩如烟海，而且具有极高的质量，既有十分简洁而极有个性的主题，又有丰富的想象和强烈的表现，以及异常完美的音乐技巧。正是这一切，使巴赫不仅成为巴罗克音乐的一个辉煌的重点，而且也成为后来的西方音乐的一个取之不尽的伟大源泉。第五编古典主义时期音乐概述一般音乐史将1750年（巴赫逝世）到贝多芬划归古典主义时期，它包含了两大时段“前古典时期”和“维也纳古典时期”。前古典时期1声乐喜歌剧的兴起和正歌剧的改革2器乐奏鸣曲、交响曲的成熟与发展维也纳古典时期1海顿的交响曲和四重奏、莫扎特的歌剧和协奏曲2贝多芬的交响曲在思想文化领域里，法国“百科全书派”掀起了“启蒙运动”，他们提出了“自由、平等、博爱”的口号。结果在1789年发生了法国大革命，推翻了封建王朝。启蒙运动提倡“回归自然”启蒙思想运动最深刻的影响真正意识到艺术家自身的独立价值。“前古典时期”的音乐风格“洛可可风格”一词来源于装饰艺术中典雅精致、轻盈飘逸风格的描述。这是巴罗克风格的分支。“华丽风格”是指一种自由的和声式写法，与讲究严格对位、精心构思的巴罗克风格相异。常用终止式的周期性乐句（方整、规则的对称乐句）“情感风格”这种风格与巴罗克时期追求类型化的情感表现不同，它脱胎于“华丽风格”，但更注重内在的激情，避免过多外在的装饰。代表人物CPE巴赫、WF巴赫。古典主义新风格的特征1旋律倾向于对称的方整性乐句结构；2调性、和声的安排上升为结构作品的重要因素；3段落或乐章有更加明确的终止式；4短小动机得到蓬勃发展，乐章中出现了主题间的对比变化；5“通奏低音”逐渐被明确的乐器记谱所替代；6在曲式结构的变化方面，奏鸣曲式的发展最为充分。第一章意大利正歌剧的改革和喜歌剧的兴起与繁荣18世纪正歌剧的改革和喜歌剧的产生歌剧自诞生后经过了一百多年的发展，已形成了以意大利、法国为中心的两大派别。但意大利正歌剧逐渐背离了佛罗伦萨卡梅拉塔社团的艺术理想，无论是作曲家、脚本作者，还是歌手、听众都沉湎于虚饰浮华的时尚。内部结构与角色配备已完全程式化，炫耀技巧的咏叹调；华丽的服装、精美的舞台装置更是不可缺少。这导致了音乐与戏剧脱节。第一节格鲁克和他的歌剧改革格鲁克在音乐历史上的地位正是以他对意大利正歌剧的改革而确立的。格鲁克的歌剧创作原则要求音乐服从于诗歌。格鲁克歌剧改革的具体措施1混合了意大利、德国和法国歌剧的特点；2强调合唱、舞蹈和乐队与戏剧情节的联系；3限制歌手过分的声乐表现；4减少咏叹调和宣叙调之间的鸿沟；5在扩展的场景中统一多种因素。格鲁克的代表作奥菲欧与优丽狄茜、阿尔采斯特第二节喜歌剧的兴起与繁荣18世纪2030年代，正当意大利正歌剧处于停止衰退之时，欧洲各国出现了带有轻松喜剧风格的新型歌剧喜歌剧。喜歌剧的特点1在启蒙思潮的影响下出现，追求自然的艺术表现；2角色不多，常是社会中下层；3场景是熟悉的日常生活；4剧词幽默口语化；5音乐通俗并有民族特点。意大利喜歌剧无对白，宣叙调、咏叹调为主的分曲结构代表作佩格莱西的女仆作夫人，这是第一部意大利喜歌剧（来源于佩格莱西的正歌剧高傲的囚徒的幕间剧）。其中，乌贝托的音乐唱段成为喜歌剧男低音的典型。法国喜歌剧有对白，宣叙调、咏叹调为主的分曲结构代表作卢梭的乡村卜者（1752）德奥歌唱剧有对白，以民歌风的曲调为基础代表作JA希勒的魔鬼出笼（1766）英国叙事剧有对白，常用民谣填词代表作盖伊佩普什的乞丐歌剧（1728）第二章前古典时期的器乐前古典时期器乐的发展及其代表作曲家1钢琴奏鸣曲代表作曲家CPE巴赫2交响曲代表作曲家J施塔米茨3协奏曲代表作曲家JC巴赫4弦乐四重奏代表作曲家博凯里尼这时期，钢琴奏鸣曲和交响曲开始充分发展。奏鸣曲式也被确立。第一节前古典时期“奏鸣曲”和室内器乐曲的发展奏鸣曲和奏鸣曲式其他室内器乐曲纯粹的“弦乐四重奏”是室内乐中最为重要的形式，由4位演奏者（2把小提琴、1把中提琴、1把大提琴）各自演奏一个独立的弦乐声部。第二节前古典时期协奏曲与交响曲的发展协奏曲在JC巴赫的曲式结构中，已经预示了奏鸣曲式的主要原则主题在调性与材料间的对比并置及变化统一。交响曲交响曲这种体裁的直接来源是意大利序曲。西方音乐史下学期复习资料授课余志刚电话66416514复习第五编古典主义时期音乐“古典主义时期”是西方音乐历史发展到高峰的一个阶段。第五编的重点声乐器乐前古典时期1正歌剧改革（格鲁克）2喜歌剧兴起（意法德英）1奏鸣曲2交响曲维也纳古典乐派海顿（交响曲、四重奏）莫扎特（歌剧、协奏曲）贝多芬（交响曲）第三章海顿和莫扎特时间18世纪下半叶海顿（年龄最大）、莫扎特、贝多芬（年龄最小）三者的区别海顿和莫扎特的创作标志着古典主义风格高峰期的到来；贝多芬虽然紧随其后，成为“维也纳”古典乐派的第三位大师，但贝多芬的创作和他生活的时代一样，横跨两个世纪，属于两个时代。维也纳是哈布斯堡王朝的都城，从18世纪起就成为欧洲音乐生活的重要舞台。节奏鲜明的小步舞、波尔卡、圆舞曲、进行曲，娱乐性的嬉游曲、遣兴曲、小夜曲等都很流行，这一切使维也纳在18世纪成为名副其实的文化城、音乐城。从格鲁克到海顿、莫扎特、贝多芬，以及后来19世纪的舒柏特、勃拉姆斯、约翰施特劳斯、马勒等等，与维也纳和它的音乐相连的音乐家在西方音乐史上数不胜数。第一节海顿海顿一生的三个时期第一个时期（17321761年）海顿1732年出生在一个农民家里，8岁时被维也纳圣斯蒂芬教堂（位于维也纳中心，是维也纳最著名的教堂）的乐长挑去学习歌唱，后因倒仓而离校，此后业余学习作曲。海顿性格乐观、纯朴，有幽默感。海顿的第一份工作1759年海顿到莫尔津亲王的乐队任职。第二个时期（17611791年）在莫尔津亲王的乐队任职期间，结识了匈牙利贵族保罗埃斯特哈齐亲王（匈牙利最富有的贵族），并于1761年受聘为亲王宫廷乐队的副乐长，对于海顿来说这是其生涯中的重要转折点，结束了相对不稳定的第一个时期。海顿为匈牙利望族埃斯特哈齐亲王兄弟服务了整整30年，从副乐长后升任乐长的海顿根据所签定的合同，必须按亲王的旨意进行创作活动，其一切成果也都属于亲王所有。在这个阶段里，海顿创作出他一生绝大部分的管弦乐、室内乐、歌剧及宗教性作品。这30年里的众多作品和第一个时期有所不同，逐渐显示出海顿的个人风格及变化轨迹。1781年，海顿与年轻的莫扎特相识。第三个时期（18世纪90年代至海顿逝世的近20年）这是他创作的第三个时期，也是他功成名就的光辉年代，海顿此时已经离开埃斯特哈齐宫廷去维也纳居住。这时期的重要作品，首推12部“伦敦”交响曲，这是17911792年和17941795年两次赴英国期间的创作。海顿最重要的贡献是108部交响曲和68首四重奏，在这两个领域里集中体现出他那永不停息的探求精神。海顿交响曲的常用曲式第一乐章快板，奏鸣曲式；第二乐章行板、慢板或广板，即整个交响曲中最慢的部分，常用变奏曲式；第三乐章中速，用带三声中部的小步舞曲，这已逐渐成为古典交响曲的固定结构；第四乐章在18世纪通常使用快板或比第一乐章更快的急板，使用偶数节拍来代替三拍舞曲，常用回旋曲式或奏鸣曲式，或二者的结合即回旋奏鸣曲式。对海顿的音乐风格和历史地位的总结海顿对音乐的热爱，对人生、世界、自然所持的豁达态度和他乐观坦然的性格，以及18世纪下半叶奥地利松动自由的信仰环境，使他的音乐里充溢着健康、质朴、幽默、轻松的情趣。他的音乐风格与奥地利维也纳丰富的城市音乐和民间音乐紧密相连，清新明快的旋律、简明清晰的和声织体、合理匀称的结构、别出新裁的细节处理，以及从力度对比的出人意料到不规律的节奏等等，都导致海顿的与众不同，既不同于前期或同时期的作曲家，也区别于莫扎特或贝多芬，他所完善的维也纳古典主义风格与样式，还需要由其后辈去继续充实和发展。海顿受到启蒙时期的思想影响，始终坚持音乐能给人以幸福和鼓舞的信念，但他毕竟是属于法国大革命时代以前的人物，而那个更富于强烈激情的时代，是属于贝多芬的。听辨1第94交响曲（惊愕）第二乐章（晚期作品，是海顿第一次访问英国时所写，乐曲主题方整、对称、纯朴，采用了变奏的手法）。2第94交响曲（惊愕）第一乐章3弦乐四重奏（OP26，NO3，）原献给约瑟夫国王，后填词为奥地利国歌，名为上帝保佑弗朗兹皇帝。4弦乐四重奏作品64之5，第四乐章第二节莫扎特（17561791）莫扎特的三个时期第一个时期（17561772）1756年生于巴伐利亚管辖下的萨尔斯堡（现属奥地利）。第二个时期（17721781）从希罗尼穆斯科洛雷多成为萨尔斯堡的新任大教主，到莫扎特忍受不了这位主教大人的欺辱，愤然辞职独自赴维也纳为止。第三个时期（最后的近10年间）这是他的辉煌时期。在维也纳他写出了一生中最重要的代表作。歌剧创作歌剧是莫扎特音乐创作中最重要的体裁。他一生创作的20多部作品涉及歌剧的各种类型意大利正歌剧、意大利喜歌剧、德奥歌唱剧，以及节日剧、音乐剧、幕间剧等形式。费加罗的婚姻取材于法国18世纪文学家博马舍的话剧。听辨歌剧费加罗的婚姻第一幕选段（ABACA，五部回旋曲式）歌剧魔笛选段，夜后的咏叹调莫扎特在维也纳时期的主要歌剧剧名创作年代类型脚本作者后宫诱逃1782歌唱剧施蒂凡尼费加罗的婚姻1786意大利歌剧达蓬特唐乔瓦尼1787同上同上女人心1790同上同上魔笛1791歌唱剧为主席坎内德莫扎特继格鲁克之后，给歌剧这种艺术形式注入了新的活力，但与格鲁克不同的是他强调诗词要顺从于歌唱；角色性格的刻画与内心情感的表述，是用令人信服的美妙音乐来实现的，音乐在歌剧中占据着支配的地位。莫扎特是个戏剧天才，他巧妙地将音乐的旋律结构和戏剧的情节动作完美地连接起来，成为名副其实的歌唱戏剧艺术，因此莫扎特各种类型的歌剧，至今仍保持着动人的魅力。器乐创作莫扎特对协奏曲，尤其是钢琴协奏曲所做出的贡献相当于贝多芬对钢琴奏鸣曲的贡献。莫扎特创作的27首钢琴协奏曲经历了一个成熟的过程，他把奏鸣曲式引入到协奏曲中，并且出现了双呈示部。听辨4莫扎特第四十交响曲第一乐章（G小调）5A大调钢琴协奏曲K488第一乐章的第二呈示部（钢琴）和华彩乐段的开始。莫扎特的旋律优美、明亮、欢