如何进行钢琴艺术的再创造

1、如何进行钢琴艺术的再创造【内容摘要】 再创造是演奏者演奏作品的过程。演奏者通过表演技巧把乐谱上的符号形式及个人内心的情感体验转化为充满生命律动的音响运动。通过准确、完美的艺术展现，使作品充满生命力和感染力。本文从演奏者的审美取向原则和作品表现原则的角度，谈如何进行钢琴艺术的再创造。【关键词】审美 表现 艺术再创造【Abstract】 : Recreation is the process of performing an composition. A performer turns the syllabus of the music and personal emotion into soun

2、d movement full of life through performance skills. And the composition will be active and impressive through the accurate and perfect performance.This article is mainly about how to recreat the piano arts from the aspects of performances aesthetics and composition performance. 【Keywords】: aesthetic

3、s performance recreation of art 引 言演奏者对作品的艺术处理即艺术再创造，是演奏者通过表演技巧把乐谱上的符号形式及个人内心的情感体验转化为充满生命律动的音响运动。通过准确、完美的艺术展现，使作品充满生命力和感染力。演奏艺术表现的特殊魅力能使作品的艺术形象更为丰满、情感更为丰富、内容更为深刻、风格更为鲜明。好的艺术处理甚至可以弥补乐谱上所无法记录的人类情感运动细微变化的差异所造成的遗憾，提高作品的美学价值。在记谱产生的漫长岁月，音乐的历史由一代代的演奏者继承、发展。这些演奏者以不同程度的创造使音乐越来越丰富多彩。在记谱法确定以后，一、二度创作有了明显的分工和区别。

4、演奏作为二度创作，是赋予一度创作生命的创造，是联系作曲家与听众之间的中介。二度创作有很大的自由性，但是否二度创作就是演奏者完全的自由发挥呢？在朱工一先生“谈钢琴教学”文章的开篇，有这么一段话：“有一种观点，认为艺术具有与纯数学一样的空筐结构，它可以囊括宇宙万物中的一切对象。艺术，尤其是音乐艺术，确实能为演奏者和欣赏者提供想象的广阔天地。就如同一只神奇的空筐，让人们充填进各自不同的人生体验。”j潘一飞朱工一谈钢琴教学 钢琴教学与演奏艺术人民音乐出版社2003年我觉得这段话很好地说明了钢琴艺术再创造的相对性。演奏者可以自由的发挥，但任何发挥都只能在这个“空筐”中。这个“空筐”就是钢琴艺术再创造的原

5、则。下面，我将从演奏者的审美取向原则和作品表现原则的角度粗略的谈谈我个人对钢琴艺术再创作原则的看法。1、审美取向原则再创作是演奏者演奏作品的过程。这种再创作是把无声的音符、旋律变成活的情感、运动的音响。在这个再创作的过程中，演奏者的审美取向将得到充分的体现。而演奏的审美是一种心理活动，它和人的听觉直接联系。在演奏过程中，钢琴的具体音响作为一种适宜的刺激，引起人的听觉，随着听觉的产生，一系列的心理活动也随之相继展开：知觉、记忆、联想乃至情绪的激发、欣赏者产生审美快感。由此看来，演奏审美快感来自音乐的表现力，而音乐的表现力在很大程度上是取决于演奏者的审美取向的。甚至可以说，审美取向与表现力之间是因

6、果关系。我认为，由于钢琴演奏这一特殊的音乐形式是通过手的触键与内心情感有机结合的过程，这就决定了演奏必然要以“歌唱性”、“乐队性”作为其审美的价值取向。1、1“歌唱性”撼人心魄的音乐演奏，通过跌宕起伏的音韵变化，准确地勾画了人类心灵的颤动，真切地体现了生命和情感的内涵，其本质如人声的歌唱。但由于钢琴是击弦乐器，它不像弦乐器、管乐器那样较容易地演奏连贯的、歌唱性的旋律。意大利钢琴家布索尼就认为，按钢琴的发音原理是不可能弹奏出真正的歌唱性的。但是，大量的钢琴曲制作和演奏实践早已不容置疑地证明了歌唱性是钢琴艺术中最根本的美学原则之一。然而，要怎样才能做好钢琴演奏的“歌唱性”审美和演奏呢？我认为可以分

7、四点： 感受旋律的美感；内心歌唱的带动； 触键的帮助； 踏板的运用。1、1、1 感受音乐的美感 俗话说“乐如其人”，不可设想一个对音乐无动于衷、毫无感情的人能弹奏出美妙绝伦的旋律。欲打动听众，就必须先打动自己，演奏者应善于运用自身所积累的知识、才能和艺术实践经验去感受与观察钢琴作品从形式到内容所涉及到的方方面面，用心灵去体验作品中所描绘的艺术情景、刻画的形象、表达的意境，使内心深处产生强烈的共鸣，感受到音乐的美，才能真正做好钢琴演奏“歌唱性”的审美和演奏。1、1、2 内心歌唱的带动 歌唱要求有丰富的情感、动人的音色、自然的语调和语气、连贯流畅的旋律线条、悠长的气息及合理的呼吸、准确清楚的吐字等

8、等。这些要求对钢琴艺术的表现也有很大的帮助，但演奏者不可能在演奏时手边弹口边唱，这就只有把歌唱放进心里，由内心去歌唱，让内心歌唱带动钢琴演奏，使所弹奏的乐曲也同样有歌唱的美感。1、1、3 触键的协助 触键在钢琴演奏中的重要性是毋庸质疑的，触键的方法直接影响着音响效果的好坏。触键与“歌唱性”之间存在着一个相互协助的关系。而我们就应该把歌唱的感觉从嗓子转移到手指上，歌，有明、有暗、有欢、有忧，弹奏的手指，也要带着明、暗、欢、忧的感觉。真正有了感觉，就会在触键上反映出来，而正确的触键也能帮助曲子更好的“歌唱”。1、1、4 踏板的运用 踏板的运用能极大的美化旋律，能让音和音之间的关系更连贯，而连贯性又

9、是“歌唱性”的一个基本要求。我们经常听到由雄浑、厚重的和弦低音，丰满、充实的中音和明亮、灿烂的高音和弦共同构成的动人的音响效果，这没有踏板的运用是弹不出来的。俄国著名的钢琴家鲁宾斯坦就曾说过：“当踏板意味着一切的时候，它的地位也就显现出来。随着我演奏时间的延长，我越来越确信，踏板是钢琴的灵魂。”k转引自韩里他的艺术气质和创作道路 人民音乐 1984年第3期第51页试想，一首没有灵魂的作品，又怎么能够“歌唱”呢？因此，在弹奏作品时，要恰如其分的使用踏板，使音乐增色生辉，让声音产生延留和共鸣，使旋律真正的“歌唱”起来。但在踏板的运用上，还要注意踩放时间要适当准确，要换得干净。1、2 “乐队性”我国

10、民族音乐源远流长，以弦乐器为主。音乐线条以单线条旋律为主要特点。我们深受本民族音乐文化的影响，乐思结构呈单线条、单层次化，缺乏对多声部、多层次的感觉。而钢琴这件乐器却正具备多层次、多复杂声部交替的特点，并因此被称为“乐器之王”。也正是由于它可以表现整个乐队的效果，在很多情况下常常代替乐队演奏。有很多作曲家充分展示了钢琴这一特点，将乐曲赋予了乐队化的气势。另有很多伟大的钢琴家指出演奏作品时要具有丰富的想象力。研究乐谱时，根据乐曲的情绪、记忆和音型，将其想象成多种的乐器，甚至乐队，继而加强钢琴的音色表现力，更加丰富乐曲的色彩。一首乐曲完成演奏的最高标准不仅是只将每个层次、每个声部交代清楚，更重要的

11、是演奏者赋予这个不同层次的旋律于不同的音色，使用多种触键方法，这样才得以让这首作品表现出丰富多彩的乐队化效果，并展示钢琴独有的魅力。俄国著名的钢琴家、作曲家拉赫玛尼诺夫的钢琴作品就具有强烈的乐队化特点，同时他写的交响乐、合唱曲也都十分出色。俄国另一位伟大的钢琴家吉列尔斯也曾说过：“我经常幻想我正在指挥音乐的演奏，我总是想象自己是一位大名鼎鼎的指挥家，正挥舞着手臂指挥乐团的演奏。”l转引自张佳谈钢琴艺术的音乐表现 音乐教育论坛 2005年5月第72页正如吉列尔斯所说的那样，像乐队指挥一样指挥自己的演奏，对演奏者的演奏及乐曲的处理都有巨大的帮助。当演奏者面对一首乐曲时，如果以指挥的身份去分析全曲、

12、组织全曲，并像指挥一样驾驭钢琴演奏作品，其气势将非同一般。除此，有很多伟大的钢琴家同时又是杰出的指挥家，普雷特涅夫就出色的将两者结合了起来。普雷特涅夫在1978年获得柴科夫斯基国际钢琴比赛第一名时就已显示出其多层次、立体化、交响化的演奏特点。这与他的指挥才能是分不开的。普雷特涅夫能将结构最简洁的古典乐曲同样演绎得十分立体化，而他指挥的作品也是气势磅礴。固然，不是每个钢琴家同时也是指挥家，但是注意做到钢琴演奏乐队化的审美取向却真正可以提高钢琴演奏的水平。所以，钢琴音乐的“乐队性”也是钢琴艺术审美取向的一个要点。2、作品表现原则在钢琴艺术处理过程中，演奏者应能面对各种不同的题材、体裁，不同风格、类

13、型的作品，充分发挥个人的主观能动性，采用各种不同的表现手法去进行艺术的再创造，同时表现个人不同的演奏风格。但是，我认为对于作品的艺术再创造，应有一些演奏者所必须遵循的原则。2、 1 尊重作者、忠实原作现实生活激发了作曲家的创作欲望和创作灵感，作曲家把自己在生活中的体验、感受、情感用乐谱这种符号体系把它尽可能准确、详尽地记录下来。作品被作曲家烙上了自己的烙印，谱面上的每个音乐符号和文字符号都记录着作曲家的情感体验和创作意图。而二度创作是在一度创作基础上的再创造，是完成音乐创造的最后一个环节。因此，二度创作就要受到一度创作的制约，就要受到一定范围的限制。这就是说，在创造中要以一度创作为依据，不能随

14、心所欲的改变其性质，以主观臆造的音乐形象来偷换作品原有的形象，导致一度创作面目全非，甚至二度创作完全取代一度创作。许多杰出的钢琴家均提出过尊重并忠于作曲家的言论。但如何做到“忠实”，这就需要演奏者在弹奏之前做大量的工作：了解作曲家的生平，其创作特点、创作阶段。尽可能多的研究作曲家的作品，并了解所演奏的作品创作于作曲家的哪一个创作阶段。此外，对当时社会的情况、背景和文化思想方面也应有所了解。这是因为社会的大环境造就了当时的社会思潮，作曲家的思想必然会受到影响。音乐是用来表达思想感情的一种方式，音乐的性格正体现着作曲家的感情、情绪。作曲家创作一首作品都是在一定的社会环境、一定的情绪之中写出来的。因

15、此，了解作曲家写作时的背景，才能真正深入的体会乐曲的内涵。尊重、忠实作品的事例很多。柯托就要求学生在学习一首新曲之前，先要交一份有关作曲家和作品的背景资料。霍罗维兹也说过：“一件重要的事情便是尽可能地了解作曲家、尽可能深地研究作他写的作品在研究和弹奏一部作品时，必须使自己沉浸或进入到产生该作品的文化与时代中去。”m转引自张佳谈钢琴艺术的音乐表现 音乐教育论坛 2005年5月第73页佩拉希亚强调要“准确的弹奏”，“准确”这一概念首先意味着钢琴演奏要竭力去理解作品的情感和作品的观念，以及作曲家完整的意图。2、 2 独创性、激情性艺术的生命在于创造。演奏者在进行二度创造的过程中，接触到的大多数作品往

16、往都是前人或他人演奏过的。如果演奏者采取处处模仿，亦步亦趋的态度，那就失去了再创作的意义。而历代的音乐理论家也都从不同的角度和侧面在不同的层次上对其进行研究、分析，写下大量有关作品的研究材料，并形成某些较固定看法。这些都为作品的再创作提供了可资参考、借鉴的东西。但由于音乐艺术非语言性、非可视性的特点，使其在创作的空间更广。而我们也应认识到原有的研究成果、表演传统都在不同程度地受到研究者、表演者所处时代、阶段审美意识、个人审美观及素质、条件的限制。因此，在对某一作品进行二度创作时，既要认真研究前人成果，吸取精华，还要不受前人、他人的约束，以先进的审美观寻找自己的新角度，挖掘再创作的新可能性。并结

17、合自身的素质、才能、条件、修养及独特的审美感受方式、表现方法，扬长避短地发挥自己的创造力。真正热爱音乐创造的演奏者，除了音乐创造的独创性外，每次演奏都会给听众新的感受和收获。这就要求演奏者要具有不断创新的意识和激情。苏联钢琴家索普罗尼兹斯基演奏肖邦的F大调夜曲可以演奏十次，每一次都像初次听到一样。涅高兹演奏任何一首作品无论多少次遍，遍遍常新，这均是诗意的冲动和有灵感的即兴演奏的产物。而著名钢琴家鲁宾斯坦在批评那些演奏缺乏激情的演奏家时说：“有不少艺术家当他们学会了一个作品，就把这个作品放进口袋里从那以后，他们就只是从口袋里再也不是从心里演奏了。”n转引自韩里他的艺术气质和创作道路 人民音乐 1

18、984年第3期第53页这就指出缺乏激情的演奏是千篇一律、单调乏味的。钢琴演奏作为一种再创作，如果没有不断创新、精益求精的热情去寻求新的美感，使演奏逐步趋向完美的努力，就是不完全的。2、 3 重视风格、追求个性在演奏艺术处理中，重视风格有两层意义：一是掌握作品的风格；二是形成演奏的风格。风格常有鲜明的个性特征。作品风格是由作曲家生活经历和认识态度形成的具有稳定的个性特征的风采和格调。它不可避免的汇聚着作曲家身心的文化印迹，因而，根据作曲家的情形来解释作品风格就似乎具有必然性。像贝多芬早年受法国大革命的影响，爱国情绪激发，使其将战争诗谱成音乐，并影响了其英雄性的音乐性，而贝多芬中年后，深受耳聋带来

19、的痛苦，其作品逐渐显露出向大自然、向上帝倾诉苦恼的心境。华沙革命、长年远离家乡造就了肖邦强烈的民族感情，而他只有通过感人至深的乐曲来表达对祖国深沉的爱和对故乡的眷恋。而处于一定历史阶段的作曲家，其创作又总会受到社会风尚、思想动态、文化倾向、音乐风格的影响，使他的作品又有一定的时代特征。如巴洛克风格、古典主义风格、浪漫主义风格。除此，地域性和民族性也是风格分析的要点，如北欧的芬兰，寒冷与多湖泊使它的音乐往往更偏重于低沉、浓重；而气候炎热的西班牙，它的音乐则带点懒洋洋的感觉。每首作品都有自己的风格，每位演奏者也要有自己个人的特点。这就要求演奏者在演奏中要形成个人的演奏风格。而演奏风格的形成，一方面要尊重作品的历史个性，置身到创造作品的时代和文化中去；另一方面，演奏者要以自己时代的观点来研究作品的内涵，以自己的审美观来研究、认识作品，丰富作品的表现，展现前人未曾注意到的美的因素。例如钢琴家傅聪在演奏外国作品时，就能体现出