初学者如何训练小提琴基本功练习题

1、小提琴基本功的练习方法很多人都不知道自己在练什么，目的是什么，基本怎么考。我在这里给大家稍微解释一下。希望你有方向，练习的时候更有效率。基本功怎么练:你需要的:一面镜子，练习者站在里面。1.空弦练习:节拍器见速60，一个音拉4拍。一旦拉完弓，就用全弓。一般用这种方法练满弓。(可以用中弓和上半弓，先分开练。)注意不要练单下半弓。具体内容:先停弦上的弓毛，一定要停。你会看到弓毛微微向下压弦，然后用手臂启动弓，放开弓。在声音的开始，你通常会听到“嘎”的同时，弦会被拉向与弓相同的方向。注意音质的变化，不断实验什么样的压力和弓速，在弓的接触点得到自己满意的发音。注意保持弓的接触点不来回移动，保持选定的点

2、直到弓完。发音要求清晰，干净，不空泛，不停顿。练习目的:练习右手强大的控制能力和肌肉协调能力，是每天练琴的必练课。要求:体验当弓走到任何位置时，右手的所有关节如何以放松的方式引导弓。练习时间:20-30分钟。中间注意休息。如果遇到右臂紧绷，立即停车，检查紧绷位置。音阶:成人初学者:一个基本音阶，有许多教材。建议使用，和新音阶练习，第一册，第二册。方法:节拍器速度60。一个音的满弓。目的:左手按弦比空弦更难。右手的要求和练空弦一样，一个音的四拍很慢。为了让练习者区分音高，同时注意检查左手按音的手型。每个手指都要竖起来，不能平压在弦上。如果音调不准，绝对不允许在弦上打滑。必须提起并按下，直到满意为

3、止。要求:针对每一个音。发音清晰干净。按音一定要准，不能在没打到位置的时候溜手指找音。锻炼目的:练习右手发音，放松控制能力。左手的手型，手指按弦的动作，音准都是练出来的。这是演奏音乐的必要努力。看到乐谱可以通过视读来演奏，可以举一反三。当上述练习的要求得到满足时，您可以将节拍器的速度增加到80 100 120 140。提高速度的前提是手指按音准确，右手弓松弛。练习时间:40-60分钟，中间注意休息。一定要以每次练习3首练习曲为重点，根据自己的特点进行选择。每种技术都有许多练习曲。但是组合难度不一样，所以分很多等级。经典练习曲:沃尔法赫特、凯泽、马拉斯、克莱尔、登特、(大、小)、帕格尼尼。每套练

4、习曲都有不同的版本，比如俄语版和美国版。大家要注意自己的选择，现在各种著名教育家都有视频，可以买。比如林耀基讲解凯泽和马拉斯练习曲，对大家会很有帮助。一般来说，相同的技术会在不同的阶段被实践，但是练习时间:10-30分钟。目的:练习控制能力。3.音乐: 对于成年人来说，学习水平高很多的钢琴曲是最忌讳的。那样练习你的关节会一直紧绷，进步缓慢甚至倒退。最好根据自己的情况来选择，和同时期的音阶调性是一样的。这里只是说明一下主要的练习方法和途径。按照每天2小时的练琴时间，练音阶和空弦至少要花一半的时间。其他时间练习练习曲和音乐，学习。 HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%

5、20%20sooker%20%20%20%20/xiaotiqin/ t _blank 小提琴只有循序渐进地练习，才能提高技能，拓宽道路。拉弓小提琴的练习方法及注意事项1.鞠躬是四种基本鞠躬方法之一。这种弓也叫重断弓。一般有以下三种类型:(1)全弓弓法:也叫大弓弓法，长音是用全弓弓法的弓法，常见的是一个音的一拍，音符上加一些点，实际演奏时间是半拍。(2)半弓弓法:半弓弓法用于中音。(3)四分之一弓形弯曲:四分之一弓形弯曲用于短音。以上三种鞠躬都是一鞠躬一发声。演奏方法是:用右上臂或下臂快速运弓，猛拉，猛停，有音头，拉得快而脆，停得稳而干净。把弓放在弦上，永远不要提起它。这种弓法的效果是坚定、果

6、断、有力的。2.用两种不同的演奏方法鞠躬(1)冲击拉弓:每次拉弓开始时，通过右手食指将右臂放松的重量压在弓轴上，以短跑式的快速拉弓动作进行，然后减轻重量，稍微减慢拉弓速度，再将弓停在弦上。这种表演方法不需要明显的鞠躬“咔嚓”声。练好这种弓法，对提高弓的表现力大有裨益。(2)压弓法:弹这种弓法的压力是以右臂肘关节为轴向内向外旋转。小臂向内时，食指按压弓条，小臂向外时，食指释放压力。这种表现有明显的“咔嚓”声头。这种弓法多用于快乐。3.连续拉弓:是单音拉弓的变化。演奏方法与上述弓奏法相同，只是两个弓音以一个弓连续演奏。4.弓法中容易发生的故障及其纠正方法。(1)打弓时，某人上弓弱于下弓，这是容易发

7、生的情况。弓要弹得和弓一样强一样弱。更正:在每次鞠躬之间暂停一会儿。暂停时，检查右臂是否已通过食指将放松获得的重力压在弓杆上。拉之前检查每个弓之间。注意上弓的重量要比下弓重一点。(2)拉弓时，弓杆在弦上跳跃。这是因为拉弓的时候右臂不够松弛，或者是因为拉弓没有完全放平，夹杂着上下动作，导致弓杠跳起来。纠正方法；搬运弓时，动作要快，但不要紧。首先，你可以放慢拉弓的速度，在每次拉弓之间暂停一会儿。当你暂停时，试着放松你的右臂，然后拉它。拉的时候注意弓面。慢速动作练好后，再逐渐加速，最后达到合适的运弓速度。(3)弹弓时，右手手指用力拉弓，手指过紧，甚至导致小臂收紧，使弓有上抬的感觉，发音变轻、飘、飘。

8、这是因为有些人单纯从模仿效果出发，而不是把这种效果建立在正确的玩法上。结果方法不对，效果也不好。纠正:右手放在弓杆上，不要用力。运送弓的动力源应该是你的手臂，而不是你的手。5、拉弓换弦:在 HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% t _blank 小提琴很少在一根弦上演奏弓法，演奏者往往要频繁换弦。所以，换弦的技巧很大程度上决定了拉弓的技巧。弓变弦是各种弓法的基本功。方法是抬起并放下上臂。把弦从高音换成低音，用上臂向上提起到弦的平面。把弦从低音换到高音，用上臂落在弦的平面上，停了之后再弹下一个暂停。用弓的上半部分鞠躬时，从外观上看，上臂和下臂应该有明确的分工。

9、上臂管换弦，下臂管拉弓，换弦和拉弓两个动作要有明确的界限，不能混淆。练习方法是:拉一把弓停在原弦完成上臂的换弦动作停在要换的弦再拉一把弓再次停在同一个地方完成上臂的换弦动作如此反复练习，可以得到一个上臂和下臂共同努力换弦的好结果。6、弓过弦:弓过弦法也是玩弓过弦时经常遇到的技巧之一。没有好的过弓技术，几乎不可能有好的过弓技术。掌握过弓技巧几乎是所有事情的基本功。弓弦演奏的方法和注意事项如下:(1)弓不离弦。(2)上臂的升降动作完成跨弦动作。(3)跨弦时，弓始终对弦保持一定的压力。(4)跨弦时只有跨弦动作，绝对没有拉弓动作。这是跨弦时不会有噪音的保证。(5)弓作急拉、急停、跨弦等动作时，注意不要

10、影响发音的纯正。(6)节奏要平稳，休息时间要充足。一般很容易越来越快，因为音调之间断开的时间越来越短，甚至音调几乎都是连在一起的。克服这个问题的方法是在练习时让弓在每个音之间停顿更长的时间。用心体会，弹钢琴本来就是好吃的！ HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% t _blank 小提琴跳弓表演。 HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% t _blank 小提琴四大弓法(分弓、连弓、弓、跳弓)之一，在表演中经常使用。弓法表演的所有弓法都是以跳弓为基础的，所以在运弓中更为重要。第一，跳弓是用弦上的弓演奏的一些不相连的短音。二、弓

11、跳可分为两种:1。人工弓跳，依靠人工控制弓使其跳跃，一般用于慢乐段。2.与人工弓跳相比，自然弓跳是演奏时由弓本身演奏的一种弓跳，通常可以快速演奏，所以用于快乐段。3.人工弓跳可以在中间弓或中间左右打。通常以中速使用。是人为的跳弓，离不开人为的控制。一旦失控，就很难发挥好，它的速度是由起跳的高度和左手的控制决定的。想要拉好人工跳弓，第一，跳弓的高度要一致，力度要均匀。一旦变了，跳弓的速度会变慢，会有杂音，音色会不好听。如果你失去了人工控制，跳弓就会中断。第三，这种控制是建立在左手整体放松的基础上，利用弓弦本身的弹性进行人工控制的弹奏。与自然弓跳不同的是增加了人工控制，在演奏过程中可以较慢的速度拉

12、出并改变旋转速度。四、人工弓跳的练习方法；1.弓自然地从弦上方两英寸处落下。触弦后立即拉，提起。再落下，推弓，再举起.注意；a、每次琴弦的高度要一样，B、琴弦之间的间隔要一样，开始的间隔可以更长，以后会更快。c、各组音之间的音程要一致，这样可以练习控弓的能力。d、改变音程时间时，弓在空中会有停顿，这样可以练习对弓的控制，以便以后改变弓的位置。2、先在一根弦上用空弦练习，每根弦练完之后，再练习换弦。换弦时注意音量，保持一致。换弦时，弦的高度要一致，不能因为换弦而产生噪音。3.人工跳弓的速度是由弦的高度决定的，离弦的距离要一步步减小。练完就算琴弦低也能跳。这需要使用手碗的控制功能。4.加上你的右手

13、，这就是你双手练习使用跳线的时刻。从慢到快。从字符串到字符串的变化。从手柄到手柄的变化。想练习手动换弓，换弦很重要，也很难教。否则就拔不出清晰的弓跳。练习时，弓跳要随着时间值的变化而变化。比如A慢，A快。一慢三快，一慢四快，五快，六快。b是二慢三快，二慢四快。诸如此类。练习流畅的连接。1.快速弹弓中间部分的短弓，找到最佳点，弓自然会跳起来。2.利用换弦的跳跃性，当低音弦拉动相邻高音弦时，弓弦会自然跳跃。6.注1。弓弦应该在所有的弦上连续跳跃。2无论如何，必须是偶数。3.每个声音都必须绝对清晰。4.不要按。放松你的左手。5.换弦时，要均匀地弹奏声音。6.不要破音。7.大弓手的拍子大，用中弓，他的

14、演奏效果强，欢快，活泼，刚劲有力。梢短无力时，他用中弓。八、小跳弓的弓靠近弦，中弓发出轻脆的声音。九、换跳弓的弦，跨弦；一般A用大臂的放下和抬起，B在两根弦之间来回变换时用手碗。x，跳起来断弓。弓断的时候在弓尖弹，下弓和上弓都可以弹。慢的时候在中弓打。建议练琴的目的、要求、方法。问及练琴的目的，每个人的想法都不一样。有人说是为了陶冶情操，提高艺术修养，也有人说是为了中考。 HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% t _blank 高考加分，有人说是为了有一份体面的工作，有人说是为了填补自己的空闲时间，消磨孤独，还有人说是为了给自己找一个投入的伴侣其实，说到底，

15、练琴是热爱音乐的表现，不管你一开始是有意识的还是被迫的。练琴需要练到什么程度才比较成功？在我看来，演奏要有纯净的音质，良好的节奏感，精准的音准，优美的音色，丰富的力度，速度的变化，情感的对比，各种弓法的掌握，左手指法的灵敏，换手的自由，双手配合的默契，高度的控制，对音乐风格的把握，作品结构的完善都能得到很好的体现。这就要求我们在日常练琴时，要非常注重语音、音准、节奏的训练，始终贯彻以发音为第一原则。注意任何阶段的音阶练习，从音阶上注意语音语调。并通过“Cleezer”和“Rhodes”练习曲的训练，加强音准和右手发音的各种练习，使我们有扎实的左右手基础。另外，为了准确表达音乐作品的原意，必须把

16、握不同时期作品的整体性。深入了解和研究不同时期的作品，在练习的过程中准确把握音乐形象。无论是西方音乐作品还是中国作品；巴洛克或古典浪漫主义时期，德奥作品或法国作品要能准确把握音乐形象。当然，练什么样的作品也是很讲究的。我们学习 HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% t _blank 小提琴作品要学习经典曲目，在接触20世纪以后的作品之前，要熟悉不同音乐时期不同音乐作品的音乐语言。除了练习一些协奏曲，还要注意奏鸣曲的训练，因为不同时期的奏鸣曲的音乐语言都是非常细腻丰富的，这是培养音乐素养的最佳途径。这些作品应该包括德奥风格的巴赫、莫扎特、贝多芬、勃拉姆斯、理查

17、施特劳斯；法国浪漫主义的弗兰克和福利；印象主义德彪西和拉威尔；俄罗斯作品普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇等风格各异的作品。在练琴中，我们要仔细感受音乐想要表达的不同国家、不同民族、不同时期的音乐语言特征，结合自己的特点，在学习中逐渐形成自己的演奏风格，但那种机械的模仿其实是不可取的。要从“取”开始，然后要懂得“舍”，通过其他玩法的综合运用，丰富自己的演奏技巧。就像做菜一样，每个人都可以不用同一个烹饪手册做出一样味道的菜，有时候烹饪手册也是不断更新的。有人说参加一些比赛可以检验自己的学习水平，带来学习钢琴的动力和压力，获得荣誉。其实在我看来，参加比赛只是一个学习的过程和手段，而不是一个急功近利的工具。

18、为了在比赛中取得更好的名次，重复练习少量曲目会浪费我们宝贵的时间。为什么不拓展自己的练习空间呢？用心体会，弹钢琴本来就是好吃的！你知道如何练习钢琴吗？小提琴美国1984第一阶段:把种子埋在土里，浇水。这个时候，你看不到任何变化。但是种子部分开始生长。在这个阶段，你不会觉得有兴趣，但我们必须继续浇水。而且，好像很久没见动静了。很多同学在种花的第一阶段一直没有做好，却急于看到花开。他们知道花很美，却没有耐心等待它自然绽放。结果花经常因为不成熟而枯死。对于我们这些练琴的人来说，就是由于缺乏认真的反复练习，形成不了正确的概念。有些同学只是玩而不练，相当于不断地把种子从土里挖出来，看是否会长出来，实际上

19、阻碍了种子的生长。这样的学生往往想把一首曲子作为一首完成的作品来演奏，而不是先把它练透。这样耳朵就习惯了听不好的音高、音质、节奏。令人惊讶的是，有天赋的学生特别容易受到这种灾难的伤害！原因可能是有天赋的学生在学琴之初就学会弹那些小曲子，而别的孩子却要苦练！这在这些有天赋的学生心中留下了错误的估计。后来，当他的老师要求他努力有规律地练习时，他怀疑老师的建议，不习惯在自己的乐器上做严格的劳动。这样的学生往往要奋斗很多年，直到最后现实迫使他们认识到，想要达到的结果，只有通过不断的努力才能达到。所以他“重新编程”了自己。这个过程远比一开始就学会严格要求学习难！要有耐心，不要急躁；遇到困难不能“绕过去”

20、。这样坚持下去，学生会发现他学弹一首新曲子的时候，比以前快多了。但是，在这个过程中，要不断为每个难点增加“营养”，否则，原有的学习就会退化！如果三天不练琴，对于大多数学生来说，已经开始的学习很可能会彻底死掉。第二阶段:种子发芽，很快从地下冒出来。种子还向两边生出小根，以便吸收养分和支持主茎的生长。从萌芽到长成大植株，可见一斑。当它的根又深又多叶，而且成熟时，它开始形成芽。第二个阶段是练琴，也就是准确的重复，让这首曲子能够很轻松，没有障碍的演奏出来。我们的大脑就像一台电子计算机。每一次练习都像是在添加信息。重复就像编程序。因此，在实践中要慎重考虑许多基本问题。也就是说要注意所有的细节，比如音准，

21、节奏要准确，要弹什么样的音色。如果你重复一些犹豫不决的事情，你会错误地规划你的大脑，从而减慢你的进步。高度集中的正确练习能迅速产生极好的效果。要有耐心，不断练习难点，不要觉得没用。如果你漫不经心、三心二意地练习，你的大脑很容易停止工作。在学习弹奏任何音符之前，你应该先在头脑中听到音符的音高。原理是一个空点。哪怕是最难懂的句子，学习的过程也应该是由内而外的，也就是先把声音的音高听在心里。很多同学不是背每个音符或一组音符的音高，而是背手指的数字。这种做法在背分数的时候会吃亏。根本原因是音乐是声音而不是手指和数字。第三阶段:当花蕾完全成熟时，一朵美丽芬芳的花就会展现在人们面前。第三阶段需要防护技能。

22、为了练习这种花的健康生长，上述的修剪、除草、施肥等工作必不可少。一场漂亮的演出真的像一朵珍贵稀有的花，值得种在花园里。我还想补充一点，你不一定要成为专业的表演者才能玩得漂亮，就像不是只有花卉研究者才能种出漂亮的花一样。那些认为自己“不想成为职业演奏者”的人，练琴漫不经心，他们不知道音乐最基本的目的是让听者和演奏者都感到快乐。试试吧，你会喜欢的！林耀基小提琴教学法摘录林耀基教授觉得，如果在中国这片土地上，中国人教中国人学习西方乐器，肯定不可能完全照搬外国的经验和完整的体系，应该有自己特殊的规律。在教学中，用通俗的语言简明扼要地概括事物规律的本质，是一个非常重要的环节。认为中国古代乐师自学习古琴曲

23、开始，就与元、明、苏三人相伴已久。 HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% 声乐在器乐和戏曲课的教育中，各种音乐技能和心法都是通过家传、师承、师友学习的方式，以谚语和诀窍为载体，代代相传。然后，“我在中国这片土地上出生长大。为了教学的需要，我整理了小贴士来辅助。 HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% t _blank 小提琴教的很自然。这很有效，为什么不呢？在中国的各行各业中，在教学艺术中使用“提示”是很常见的。小学生计算乘法时背诵乘法口诀，学习珠算时使用九归九除口诀；学中医，要背汤头歌；在武侠小说中，有很多为一个武林秘笈而

24、战的例子，可见“战术”的重要性。多年来，他把一些关键的演奏要领(包括心理和技术上的指导思想、演奏理念)用诗意的语言提炼出来，总结成系统的、易于记忆的公式，让学生心中吟诵公式，手中拉弓拉弦，将公式的含义与琴音融为一体，比把僵化的概念强加给学生更有效。他的小费有什么特点？我们认为首先在于简洁，把一些小提琴技术书籍中大量次要的东西排除在外，把最重要的内容合理地联系起来，加以提炼。比如左手的技术难度就归结为“三变”换指、换弦、换柄。诚然，一些左手技能在这里被“调掉”了，但如果我们不抛弃次要的，人们就不会把注意力放在这段关系的“三变”上。将复杂的内容简化为清晰、相互关联、有机结合的条文，显然比零散的技术

25、知识更容易记忆。比如，如果把基本功的最低规格概括为“整齐、准确、美观”，学生在检查自己的表现时，头脑就会清晰很多。其次，赋予它们外在的韵律和节奏，并加以编译。 HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% t _blank 朗朗朗朗上口的公式可以增加兴趣，尤其是对颜来说。有着国外任何教学理论书籍都无法替代的独特功效。比如:左手抓住，右手拉开。“我们的钢琴男孩很容易理解和记忆。再者，“提示”尽量把一些技术规则引导到学生的感受上，让他们220；跟着感觉走”，这是让学生扬帆远航最有效、最有启发性的方法之一。例如，在不同的道路上以不同的速度(即，使用不同的接触点)进行的快速

26、、中速和慢速拉弓分别与顺风、微风和逆风进行比较。学生在练习全弓的时候很容易找到感觉。最后，这些要求中只提出了总体模式、方针、方向和原则，避免了许多复杂的规章制度，有利于 HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% t _blank 小提琴教学已经从以传授技能为中心的传统轨道转向以学生主动和创造性学习为中心的现代轨道。利用谚语作为一种有效的音乐教学方法是中国的专利。总要求的关键是“提前听心唱，提前量好双手的动作；应该去除冗余，清除紧张因素。”这里提出了两个“预期”和两个“必然”，逐一预期。古人云:“凡事预则立。不预则废。”福里斯特和梅纽因来中国讲课时也多次提出“大脑

27、第一”的重要性。但是很多人弹钢琴。他们的大脑在动作后面，换句话说，他们的手在大脑前面。有些同学擅长在做出不准或音质不好的东西后检查，然后重新开始，当然比不知道怎么检查的同学强。但是不能只停留在检查，比如拍摄。知道自己无法东山再起有什么用？有句老话叫“锅里有，碗里有”。当你把它运用到练琴上，就意味着“你脑子里有，你手里就能有”。林耀基在授课时，经常启发学生在发出声音之前，先在脑海中听到语调、节奏、发音、情感表达等理想的效果。提前听完，就有了必须提前“量”手的问题。对于右手来说，“量”就是分发弓。包括:弓段分布(位置和长度)；重量分配，即手的重量按照弓的自然重量进行分配，从而达到平衡和速度分配(如

28、果体积不变，弓速与弓对弦压力成反比；如果压力不变，弓速与体积成正比)。对于左手来说，“测”就是在指板上找到反映正确音程关系(包括节奏体系)的距离，然后精确估计手指在空中的位置。要先量好，也就是在指板上方搭一个键盘(也就是做一个“模子”)再按弦，尤其是弹奏速度较快的音阶、琶音、双音节、通句的时候。不仅要提前量好手柄的变化，还要提前设定好手指的前后和横向移动(换弦)。我觉得这和古代兵法一样，“不发报价，必有所得”。在一个手柄位置，相邻手指之间的音程关系无非是二、二、二、三度，偶尔有三度(以半音为计算单位主要是一、二，有时三，偶尔四)；1-4指的是这个框架的音程关系，通常是纯四皮，有时是增四度、减五

29、度或纯五度(比如有同音异义或五声音阶旋转的句子)，偶尔是六度(比如弹十度双音音阶)。我们把每个音的这些音程关系当做各种规范的一部分，通常会把规范做的很准确。到了使用的时候，只需要把它们吃掉、组装好就行了(当然也有超密集、超扩展的指弹位，但偶然的，也不能认为是“常规武器”)。关于左手的“预量”，还有一点要提的是，第一指(食指)就像二胡的“1000斤”，往往是“量”的标准，但是第三、第四指如何才能按得舒服、准确呢？是大拇指。如何更合理、更科学、更适合自己生理条件的放拇指，前面已经详细讲过了，要多注意，因人而异。“量”好之后，就要用最简单最科学的行动来实现目标。这就到了两个“要领”的问题。去掉多余的

30、动作和紧绷的因素，挤前面提到的多余的力，可以总结为一个R20“减”这个字。左手的保留指、引导指，遇到纯五度旋律音时一指按两弦，是去除多余动作的方法之一。很多演奏者，心血来潮，喜欢一层一层的加重，不计右手压力，左手手指压弦按，再加上虎口掐琴颈，给演奏制造了很多不利条件。从长远来看，应该不断去除多余的动作和紧绷的因素。在简单的技术阶段(如拉空弦)，放松动作是合理的；随着音乐的技巧难度和情感幅度的增加，身体状况、演奏环境等主客观条件的变化，出现新的多余动作和紧张因素。所以他的“两要”(或者说“减”方针)应该是贯穿整个学习过程乃至整个表演生涯的方针。2.一个基本要求:“心用双手歌唱，双手服从跟随；基本

31、要求统一美观，大胆细致。”这两个公式的前半部分是关于心唱和动作的主从关系。当我们计划对于一首音乐，我们应该对如何表达和解释它有一个先入为主的想法。从这个角度来看，当把所有的“部分”组装成一个完整的艺术形象(或称“意象”)时，必然是受到内心不断歌唱的驱动。林耀基也说过，“手就像两条狗，听从主人的命令”。主人是谁？是玩家内心的歌唱。哲学上有句话叫“整体大于部分之和”。演奏音乐时，是否用心“牵”手，不仅仅是大于或小于的价值观差异，而是有无生命的差异。当然，另一方面，只有把“零件”磨得符合标准，双手才能“服从和跟随”。但是，歌唱对动作“率”的影响是一个应该引起高度重视的问题。美国著名音乐教育心理学家塞

32、尔(Engineering Searle)和M. Gelian:不仅要在演奏时在心里唱，而且要在演奏前后反复在心里唱你想演奏的音乐。他们说:“学习所有技能的主要途径应该是通过歌唱(包括无声歌唱)。唱歌的时候，力学被限制在一个绝对的最小值，它的技巧和直接的乐感几乎一样。因此，我们认为有一种方法可以克服我们在器乐中发现的技术困难，那就是，开始通过唱歌来建立运动神经对音乐的感觉和理解。”(音乐教育心理学，张梅译)当林耀基觉得学生的表演很“白”的时候，他常常会情不自禁地唱起歌来。他不仅唱得很有味道，而且指挥自如，眉眼间充满了表情。他说:“ HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%2

33、0%20% t _blank 小提琴首先是歌唱乐器，当然也是技术乐器。在教学中，首先要培养学生的音乐情感。我唱给学生听，然后让他也唱；心里不唱，拉出来就是没心没肺的歌。我不是要求学生唱得好，而是唱得有味道。”正如山戏三姐妹所唱:“歌唱是发自内心的，没有船来载。 HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% t _blank 小提琴除了技巧高明，妙处还在于“唱功”。林耀基的快速段落句子应该用音阶和琶音来唱。当然，歌唱的方式也是多种多样的:抒情的， HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% t _blank 戏剧性，悲伤，喜悦，兴奋，和平

34、等等。比如弹奏音阶、琶音时要理性歌唱。虽然有时候可以带点好感。 HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% t _blank 色彩，但千万不要激动。练习一首曲子。以标准速度唱，慢三四遍再唱唱得很美。总的来说，技术好但钢琴不好的原因是一个人不会唱歌。声音之间没有联系。公式的后半部分强调“统一、准确、美观”。它是统一美的基本形式之一。它有速度、节奏、音色、力度等内涵。同时，0；“均匀”也是乐器和人的身体动作达到和谐平衡的一种表现形式。有人会说这只是一个古典的美学概念，现在已经过时了。但是我觉得基础练习一定要以此为基础。尽管浪漫主义和现代主义有时并不讲究整齐划一或参差不

35、齐，但历史是无法在艺术的长河中被割断的，尤其是作为一个表演者，他必须先掌握“均匀”，再掌握“参差不齐”，才能掌握各个时代、各个流派的作品。比如用分弓演奏连续十六分音符时，上下弓力度要统一，音长要相等，音色要一致，这是基本要求。再比如玩长弓。有时候由于艺术需要，要掌握“快-慢-再加速”的技巧。但如果你连运弓的速度都不一样，这水平就谈不上了。准确性主要是指过去高度和节奏的不确定性；还包括对拍子和节奏的掌握(拍子规则不能任意)，发音时接触点的选择，弓名就其实际效果而言的准确性。其中音高方面还包括三大基本定律(五度定律、纯定律、平均定律)的正确选择和“综合平衡定律”的正确运用(见上一篇)。节奏方面还包

36、括左右手协调的准确性等。这里的美只是指发音优美。即不是指音乐艺术水平的美，而是指发音时噪声比控制在一定范围内时的音色美。统一、准确和美观是相关的。比如单音准的时候，每个空弦的泛音都是共振的；双音(纯节奏)产生一个差音(即双音下面的第三个音，其频率为两个音频速率之差)。这些都可以让音色更加优美。再比如，有了“甚至”这种行动的自由形式，真正的“准”就有了保证；反过来，节拍的准确也是节奏统一的保证；等一下。但整齐、准确、美观只是“基本要求”，不是最高要求，不是音乐本身，而是建筑艺术建筑不可或缺的有用材料，是基本功训练中的一把尺子，一个考核标准。在达到均匀、准确、美观的基础上，可以考虑三大变化:音色变

37、化、力度变化、速度变化；往前走。可以考虑一下。 HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% t _blank 色彩对比(虚实、明暗、明暗、软硬、清浊)、表情幅度对比(例如不同幅度的渐变)、节奏对比(疏密、克制)等。是过渡到音乐和艺术的手段；但首先要有这个基础。再来说说“胆大”和“心细”。如果你太胆小不敢拉，那将一事无成。不敢上街怎么开车？玩的时候，考试的时候，比赛的时候，永远抱着220；“被告心情如何时拉琴？你要有大师的姿态，要有导游、领队、皇帝(艺术上)的思想境界。不要放 HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% t _blank

38、 小提琴作为上帝，四根弦和一把弓只是工具。但如果你胆子大，就不会总是对统一、准确、美观的规格进行细微的对比和检验。林耀基不同意不管音高和节奏就开始拉下来的主。他认为一次平和的、专注的、因而成功的慢练(哪怕他的成功是在老师的帮助下取得的)远比几次盲目的探索和失败有意义。练琴时一定要“揭露、分析、解决矛盾”。不要掩盖矛盾。在慢练中，思维一定要快提前倾听和衡量，聚在一起找准感觉，然后“一次成功”。能够“慢练轻拉快改”就是细心。第一次成功后，怎样才能继续“寻求”快乐？“当局者迷，旁观者清”。用录音机录下你练习的声音，然后听乐谱，再圈出不满意的地方，然后练习，录音，听，再练习.这是一种方法。用拍子机检查

39、速度和节奏的准确性是另一种方法。所以，林耀基有时和他的学生开玩笑说:“回去先用拍子机，再用录音机，再来林耀基。”“学习的本质在于创造。”林耀基每练习一次，都要提高和突破某些方面的统一性、准确性和美感，或者说他表达的感人程度。优秀的要求包括技术和艺术两方面。艺术要求越高，技术规格就越高。“东西南北，四面八方；踏大地，顶天立地松；爱我心，箭从弦出；祝你更加成功，展翅遨游太空。”古人云:“他山之石，可以攻玉”。林耀基向一切值得学习的人和他们的艺术技术学习，不管他们属于什么派别，什么辈分，东南西北，四面八方，古今中外，上下左右；我们应该学习和了解他们成功的经验和失败的教训。在古代，原始人用弓箭射杀猎物

40、。现在的小提琴手都要用弓“射”，但我们的“猎物”应该是观众的心。就像丘比特的箭射向恋人的心，我们的箭(声波)从弦上发出，射向表演对象。如果能抓住他们的心，演出基本上就成功了。但是要到达目的地，首先要爱一对音乐，爱艺术，爱观众，爱人民，爱作品，甚至爱 HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% t _blank 小提琴你必须爱自己。否则，再好的技术，充其量也只能让人惊艳，而不能打动人。爱是对人类社会和自然界一切真、善、美的事物(和精神)的爱，是一切好的艺术作品的内容和出发点，一个伟大的艺术家也能站在时代的前面，看到未来，他的创作体现了他对未来美好世界的信心、希望和热

41、爱。从爱出发，林耀基常常要求学生在弹琴时，以充满爱的心情弹奏每一个曲调、每一个主题、每一段旋律，甚至钢琴和弦，让弓发轻轻柔柔地触碰琴弦。即使在演奏类似西班牙交响曲第一乐章主旋律的粗糙旋律时，也不要忘记在拉圣桑的引子和回旋曲的结尾之前，还有类似一系列短和弦的灵活的一面。不要“砍”下来。相反，使用 HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% t _blank 小提琴痛苦被从中抽离的感觉，音乐被从钢琴中“抽离”的感觉。不仅仅是玩弄爱情，在教学中，老师也要对学生有爱。以前有些音乐学院的老师只是为了“规范”而“严格”，学生最后不愿意弹琴，导致教学失败。这一历史经验值得我们关

42、注。我觉得R20音乐是教不来的，但对音乐的热爱是可以引导的。只要引导学生爱上 HYPERLINK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% t _blank 小提琴艺术，并鼓励他(她)多听多玩。他(她)自然会对音乐有所感悟，对他(她)要求的标准自然会逐渐上升。展翅遨游太空讲的是想象力。想象、联想、幻想可以超越时间，超越空间，少说一点，上下五千年，跨越万里，丰富起来，从保罗时代到未来世界，从空间到人心。不仅作曲和演奏需要想象力，欣赏音乐也需要想象力。比如，在听德沃夏克出色的演奏家大提琴协奏曲第一乐章第二部分的主题时，林耀基甚至觉得他(演奏家)是抱着大地在唱歌，就像上帝抱着一只迷途的羔

43、羊。这是想象！那么，想象力和技巧哪个更重要呢？林耀基的回答是:“诚然，技术不错，表演很舒服；手段越完善，越容易体现。但技巧只对想象力丰富的人有用。从这个角度来说，想象力比技能更重要。无论你在银行里有多少钱，如果永远冻结了又有什么用呢？没有想象力的纯技巧，就像机器玩老婆。技巧越高，离音乐越远。没有对美的想象和追求，就谈不上音乐和艺术表现。”可以说:“一寸光阴一寸金。一寸弓可以压倒一切；集中对乐谱的想象，一个美丽而崭新的音乐和绘画。”正如伟大的科学家爱因斯坦所指出的:“想象力比知识更重要。”即使在实践中，你也要有想象力和意境:一段音乐以标准的速度和力度演奏，就像一条奔腾的河流，如果演奏得慢，就能像

44、涓涓细流；另一段可以弹得像暴风骤雨，练得像和风细雨。不仅主题要有意境，任何技术片段都要有意境。比如跳弓，达到标准速度就像冰雹一样落下，慢下来就像雪花一样飘起来(当然前者可以用手臂，后者可以用手腕，有时两者还可以结合)。推而广之，即使没有意境，枯燥的手指练习，空弦练习，也可以想象一个环境，比如想象自己在一个安静的花园里练习。这种想象中的环境叫做“心情”。好心情对练琴有好处。就像古人说的“任何一个鼓手都必须选择一个干净的房间，一个高厅，或者一个高楼层，或者在树和石头之间，或者爬山，或者在水中游泳，或者观察宇宙。当值两魂，是清风明月夜，静室焚香，静坐，心安，血脉平和。方与神和，灵与道和。”可见古人对

45、练琴环境的重视。然而，我们只要闭上眼睛，想象环境在我们的头脑中是自成一体的。创造好心情比古人更经济有效，因为想象力是自由的。林教授跳弓公式两个“提前”和两个“需要”提前倾听自己的心声，提前量好自己的手，应该去掉冗余，清除紧张因素。基本要求双手歌唱，双手追随；基本上要求统一美观，大胆细心，精干。游戏心态东西南北，四面八方；踏大地，顶天立地松；爱我心，箭从弦出；祝你更成功，展翅遨游太空。改变自己的手指模式指根对指尖发力，手指关节不枯萎；手指休息是为了耐力，手指独立而坚定。更改字符串公式改弦为肘，以颈为中心；四个手指成一条线，手肘与手腕和脚跟。改变公式小臂带动手腕和手指跟部，手腕和手指要小心配合；第

46、一个手指是最重要的。不要白按。串揉配方如果坐在摇椅上，如坐在轿子上，就像在摇手中的扇子；你可以识别这个中国味，它的宽、宽、快、慢都是可以自我调节的。运弓基本要领一直二平三稳是运弓最基本的要领。用重量发音的精神。把手放在弓上，把弓放在弦上。重量是多少？一加一等于二；弓被握紧，弓弦被分开。重量是多少？一减一等于零。右臂动作协调要领肩、肘、腕、环扣，整体动作不散；上臂和下臂一起动，声音宽广。不同弓速下的性能要点弓快如风，弓慢如风，弓快如风。右手换弦要领平面要均匀，要改的话先靠下弦；流畅过渡到下一弦，无缝美工更高。短弓、快弓、跳弓简洁的记忆公式手动静拉短弓，上下均匀拉快弓；弓最轻的时候会自动跳，弓不会

47、离弦。压力和鞠躬。先放松，再冲，再放松；声音有余晖，类似于敲钟。或者“动起来，放松；去吧，拉什”。双手合作左手抓住，右手拉开；两只手握在一起，紧紧分开。三点相连。三点相通，声相通。三点成珠，串珠闹天宫。四行连续变化。文字在不断变化，大脑也在不断变化；左手一串珠子，一把弓穿起来。换个词就是时空！认真攻击改词，坚持。努力寻找规律小提琴规则经常被发现，你不能努力思考，科学指导钢琴练习是有好处的。慢速训练慢就是快，要在不破坏基本功的情况下进行构建。不在乎小技巧，只在乎能不能驾驭。练琴之前，你一定要想好我发给大家的“五不拉”。规则一:不要唱或拉。没唱对是拉不到谱的。第二条:不松，不软不拉，不僵不弹。第三

48、条:像上一条一样僵硬是弹不好钢琴的。第四条:心不唱不拉。弹钢琴的时候，心里唱有助于音准，也有助于放松。第五条:准备好了再玩。如果你没有准备好就演奏，你就不会听到第一个音符。记住，你不会得到第一个音符，后面会更紧，会导致错误。你通常只有一次机会。浪费了，就得不到。小提琴的各种拉弓技巧弓:一把弓拉两个或两个以上的音。分弓:每个弓拉一个音符。B型弓:开始时扩张一点，然后声音逐渐减小，就像弓一样。它取决于每个音的开头，小心翼翼地加一点压力和速度，但并不真正形成重音。音符之间可能有也可能没有间隙，但即使连续弹奏这种弓法，也给人一种音符之间有间隙的感觉。弓:一种用一张弓演奏多种波浪的技巧。分浪寺:一种短而

49、快的弓型交通工具，特点是开始时速度很快，结束时速度很慢。一般来说，音符明显是一个音符接一个音符断开的，可以在快弦中延续。音的开头既不是重音，也不是扩张。这种弓法可以和没有明显启动的钝弓相比。Fenlangsi可以单独用在需要短弓且没有音调变化的乐句中。拉弓:用重弓从单独的弓上拉弓。这里的重音是通过快速从弦上提起弓，然后突然有力地敲下。一般都是用上弓演奏，大部分都是从上弓开始。首先要从上弓开始练习这种弓法，当然也要从下弓开始掌握类型。冲弓:这是所有弓法中最基本的弓法。这种弓法对右手法的好处大大超过了这种弓法本身。好的冲弓特别有助于开弓，对龟来弓和连盾弓都有好处。冲弓无疑是一种打击弓技法，每个音的

50、开头都有一个辅音性质的尖音，两个弓之间总有停顿。这种弓法中的应力需要预先的压力准备。在运弓之前，弓必须“咬”弦，而用来“咬”弦的压力要大于弓本身所需的压力。这种压力持续的时间只要能够产生声音开始时的重音，然后立即降低到所需的水平。如果这种先前的压力过早放松，就不会有压力；如果放得太晚，会有唧唧声。所以正确弹奏这种弓法的主要问题在于时间值和配合。柯莱:弓从空中放在弦上，碰到弦时轻轻而尖锐地钩住弦，同时清晰地拉出声音。与此同时，弓从弦上提起来弹奏下一张弓。钩的外观与弓相似，但准备时间减到最少。就像用弓做了一个拨弦的动作，却没有发出拨弦的声音。这种弓的技术是用弓的下半部分来完成的，弓的长度可以从很短

51、到相对较长。你应该先用靠近弓根的最短的弓练习，然后用弓的其他部分，甚至用弓的上半部分来练习。在演奏像柯莱那样短的弓时，只有手指是活动的。跳弓:弹这种弓技时，弓从空中落下，发音后，弓又离弦。它形成一个弧形动作，弓与弦的接触点在这个弧形的底部或底部附近。这个运动由水平运动和垂直运动组成。如果水平运动比垂直运动更被强调，那么它的弧线就会相对平缓，这样发出的声音就会真实、圆润、柔和，更具元音性质。如果垂直运动更突出，弧线会更窄更深，结果声音会更尖，有音头和打击乐。音质和强度受弓的高度影响；升力越高，声音越大，一般来说越尖锐。就弓的长度而言，跳弓可以从很短的弓到很宽的弓。通常使用下三分之二。弹慢而宽的跳

52、弓时，更靠近弓的下部。弹快短跳弓时更靠近中间部分，有时甚至略高于中间弓。有一种特色的短锐跳弓，几乎所有的垂直动作都是完全在弓根弹奏。也可以在弓尖或弓尖附近打跳弓，但只能是竖弓。这种拉弓技术只有在需要这种特殊音效的时候才能使用。最常见的是左手串句，用来放那些不能拨的音。跳弓的一般特点是，在演奏每个音符时，弓要从上方抛向琴弦，然后向上提(至少在长弓运弓中)。在短而快的跳跃弓中。弓在回弹力的作用下从弦上跳起。这个时候，可能需要也可能不需要抬起来。就弓投弦而言，每个音都需要单独的力量。所以速度是有一定限度的，超过了就不行了。由于演奏这种弓的技巧是从空中开始的，所以众所周知，弓是有支撑的。这就需要手臂和

53、手腕抬高一点(也就是把手肘抬得离身体远一点，但注意不要耸肩)。运动的动力主要来自手臂，但手指和手半主动半被动地参与运动，配合手的垂直和水平运动以及手指的垂直运动。需要的时候。为了使弓和马平行，可以增加一些手指的调整。速度越快，运动的中心越从手臂移到手和手指。弹跳弓和换弦时，一定要注意使用等量的弓毛与琴保持接触，否则跳弓会变得不均匀。换弦时，弓和弦的距离还是要保持接近，因为换弦前弓跳得越高，失控的可能性就越大。换弦动作主要靠整个手臂，加上小臂的旋转，手和手指参与一点点动作。快速跳弓:与普通跳弓不同的是，在弹这种跳弓时，不需要每一个音都有抬弓、降弓的动作。跳跃动作主要靠弓的弹性。这种弓法最好在中弓

54、附近演奏。如果你想慢一点，响一点，去弓根* * *。动作要快，动作要轻，直接去弓尖* * *。不同的弓因为弹性不同，选择的部位也不同。偶鞠躬:通常人们称这种鞠躬方式为“真鞠躬”，以区别于飞鞠躬。这种弓法是一连串的短弓。属于辅音性质的定义明确的声音。演奏时，弓毛始终与琴弦保持接触。在大多数情况下，它是作为一系列连续的小划水来练习的，方向与弓的方向相同。可以是上弓，也可以是下弓。每张弓都拉得很紧。每奏完一个音，放松压力。但是，这样练。它的速度是非常有限的，就像打弓箭一样。然而，在音乐中，即使是鞠躬也可以比鞠躬做得更快，而且通常要做得更快一点。甚至鞠躬也是一种因人而异的鞠躬技术，每个人的方法可能都不

55、一样。飞弓和跳弓:这两种弓法很相似，但各有特点。从名字就可以看出，前者出自连盾弓。所用的动作与连墩弓相同，只是每奏完一个音后，要减轻压力。将弓推离琴弦。但是，提升动作应该非常轻微。基本上要保持水平动作，不影响弓继续向前流。这种弓技术通常是用上弓来完成的。飞弓是用弓演奏一系列跳弓音符。可以用上弓，也可以用下弓。但是用下弓弹的时候，弹的音比较少，用的机会也不多。这种拉弓方法要求弓从弦上提起，比费尔顿弓高一点。由于其跳跃性，每个音符都主动将弓抛向琴弦。正是因为这个原因，它的演奏速度与飞盾弓相比受到了很大的限制。手指的垂直运动和手的垂直运动是演奏这种弓法的两个主要因素，只有少量的水平运动混合在一起。动

56、作越小，动作的中心越在手指上；每个弓越大，手甚至手臂参与的动作就越多。飞弓也能非常有效的停留在弓的某一点，持续恢复。就地连续回收有两个优点:可以用来不间断的演奏很长的句子，在一张弓里也能一直保持同样的音质。弹飞弓的时候，弓甚至可以倒着弹。结果玩了一系列上弓的弓箭手居然走到了弓尖。倒弓是一个很好的做法，因为实际演奏中有时需要将弓移到弓的较高部位。抛弓:这种弓法完全是基于弓的自然弹性。同一个弓上弹几个音，不管是上弓还是下弓，但动力只有一个，就是第一个音上把弓甩到弦上。在第一个音符上的这种动力之后，弓本身应该像球一样跳跃。从这个角度来看，投弓可以称为“不受控制”的弓法。飞盾弓与飞盾弓相比，飞盾弓靠弹

57、力使弓离开弦，但实际上是通过连盾弓本身的运动给每个音增加了一个单独的力量。与飞敦弓相比，更大的区别是在弹飞敦弓时，每个音符都是用一个单独把弓抛向弦的动作来拉的。投弓的速度是可以调整的，否则没有实用价值。调整是通过弓的不同部位来实现的，弓的弹跳高度也是受控的。演奏时，最好用的地方是弓的上三分之二。离弓尖越近，跳得越快。离弓尖越远，跳得越慢。跳得越高，跳得越慢；跳得越低，跳得越快。跳跃的高度可以通过第一动力来调节，也可以通过食指极其轻微精细的按压来调节，这样食指就可以使弓弹到一定的高度，从而加快它的速度。为了获得最佳的弹性，弓杆应该完全直立在弓毛上，而不是倾斜的。小提琴练习方法综述 HYPERLI

58、NK ./%20%20%20%20:/%20%20%20% t _blank 小提琴实践总结。以下是一些方法，供大家参考:1干练:这是对某一首乐曲做了多次综合练习，用足了感情，对音乐处理的布局反复考虑决定的调整练习。对自己来说一切都是饱和的，所以可能会继续全面练习。如果投入感情练习，就会失去新鲜感。做干操的时候，不要感情用事，要纯理性，分析，解剖，更深入，要求更高。逐断和轻咬练习:列出要解决的问题，可能是一段很难的音乐，几个很难搞对的双音，一些很别扭的组合，或者一个弓的技巧。最有效且不烦人的练习方法就是在零碎时间练习这些项目，可以是“一枪换一个地方”的试练，找到感觉，加强适应能力。有些时候，一

59、些所谓的困难，可能并不是真的困难，只是不习惯而已。多和他们接触几次，不要造成什么心理紧张，自己就行了。虽然做这些练习不一定总能很快见效，但可以肯定的是，每次练习，印象都会加深，适应能力也会增强。当这些困难被“咀嚼”后。2之后在音乐练习前后一起练习会轻松很多。扫马路的话，先挪开几块石头，扔掉几个瓶子，再去扫地，会轻松很多，不那么烦人。不然扫地的时候要停下扫帚搬石头，碰到瓶子要弯腰捡瓶子。3交替练习:为了合理使用大脑，缓解疲劳，你可以交替双手的松紧，交替分类，交替音乐部分和技术部分，在重点解决左手的问题后转移到右手，交替熟悉和不熟悉，交替背诵总之，交替的目的是改变大脑的兴奋状态，让你在休息和放松的

60、同时安排使用的不同部分。4.强化练习法:把要演奏的曲子连续练习几遍后，偶尔的问题做完后做一些处理练习，然后在强度、表情、速度上再做一遍、再做一遍、再做一遍，也可以故意加大、夸一下、加快。这种运动是一种超负荷运动，强行发力的方法。5分类练习法:将形式不同但性质相似的项目放在一起练习。比如可以练习搓弦、颤音、手指变化的组合练习、双音练习等。同时。经过这样的集中练习，你可以从各方面充分锻炼自己的双手，借助这些项目的相互促进，强化自己的能力。练右手的时候可以跳，可以打，可以扣篮，可以投弓。甚至鞠躬等。可以一次练完，效果会整体加强，前面说了。6.简单做法:玩。 HYPERLINK ./%20%20%20