西洋古典音乐欣赏课件

1、西洋古典音樂欣賞課程單元主題：音樂的構成要素、創作要素、與十大審美規律的認識環球科技大學 通識教育中心多元藝術學科領域 苟彩煥 老師 藝術的類型現今藝術的類型，除卻與文學較接近的詩歌外，共有八種，分別是：(一) 建築 (二) 舞蹈(三) 繪畫 (四) 音樂(五) 雕刻 (六) 戲劇(七) 電影 (八) 照相在這些藝術類型中，可發現其中有創作藝術形象的三個共通條件，分別是藝術的構成要素、創作要素、以及審美規律。藝術的八大類型時下八大藝術包括：音樂建築舞蹈繪畫電影雕刻 戲劇照相八大藝術藝術的構成要素主題形式內容代表作品所欲表達的核心意念組織或結構主題內容之規律 主題 形式內容主題所表現的實際感性形

2、象各類藝術的五大創作要素線條形狀色彩空間質感/紋理音樂藝術的八個創作要素旋律調式節奏織度和聲力度曲式速度音樂藝術的八個創作要素音樂藝術的美學特徵(一)音樂是由上述的八個要素加以組織與結構化之後所形成的藝術形象。儘管音樂比其他藝術來得抽象，但在傳遞情感的功能上，卻比其他藝術更直接實際。作為一種藝術形式，音樂有其獨特的表現手段。它是把創作者的情感體驗與心靈悸動，藉由八個音樂要素間接地表現出來。因此，音樂無法像繪畫或雕刻那樣將現象界的表象素材轉化為具體的視覺形象，或是像文學那樣，透過文字概念，在讀者想像中浮起某種較具體確切的生活圖景或抽象觀點。音樂藝術的美學特徵(三)音樂形象的創造需經過二次的過程，

3、具有創作與表現的雙重特徵，一次是作曲，一次是演唱或演奏者的詮釋。因此，不同的演奏者或演唱家常依據自己的理解，採用不同的表現手法，運用不同的藝術處理，而產生不同的審美效果。而聽眾的生活經驗、文化修養、藝術品味，也會對同樣的演奏或演唱獲得不盡相同的藝術感受。各類藝術(含音樂)的十大審美規律比例對比反覆漸層對稱變化統一均衡調和簡約審美規律音樂藝術的十大審美規律1.陳述：音樂就像文章一樣，需要由第一句作為整首作品的起源，這第一樂句的出現就是一種陳述的功能。個具有潛力的樂句能生動活絡地帶動整個樂段乃至整個作品脈絡的發展、轉折、最後達到巔峰的意境。2.反覆：反覆的功能在於重點的強調與穩定性的確立。無論是樂

4、句的反覆、樂段的反覆、節奏或和聲的反覆，皆具有上述的聲音美學功能。3.對稱：音樂中最常見到對稱原理的地方就在樂句的兩兩對仗的情形，例如第一句四小節長的樂句，其後跟著同樣四小節長的第二樂句，已達到形勢上的工整與清晰。這種情形不但是古典時期旋律創作的特色，同時也無獨有偶的發生在現今流行音樂的創作上。我們的耳朵事實上早已習慣這種聲音樂長度上的對稱形式。音樂的十大審美規律(續)4.均衡：又稱平衡。在形式美學上的定義是指用不同色彩、材質、造型等元素加以整合，以產生一種穩定統一的和諧感。這種均衡的特色是一種質量上的均衡美。均衡的另一種意義也就是對稱。在音樂裡，這兩種意義的均衡皆適用。第一種均衡的意義強調各

5、種不同音色與音質的樂器在時間中的經過特殊分配與組合的交互整合作用，第二種意義指的是音樂形式本身的對稱美，這種對稱美特別在古典時期的奏鳴曲式裡最明顯。在古典樂派裡，用奏鳴曲式包譜寫的音樂通常包含三大段落：呈示部、發展部、再現部。其中呈示部與再現部便是對稱結構的功能。5.調和：在音樂中，調和的意義常涉及調性音樂中不諧和的和聲進行到可以解決原先不和諧和聲聲音模式的和聲的整個過程。在意義上，使音樂由焦慮不安邁向和諧平靜。音樂藝術的十大審美規律(續)6.對比：在音樂中，對比的原理非常重要。為避免音樂出現過度的重複而產生的枯燥乏味與單調，就必須適當地運用對比的原理來平衡，進而使單調的音樂產生變化的趣味與驚

6、喜。對比通常可節由變化高低音域、力度的強弱、速度的快慢、樂段性格的差異、音樂紋理的變更(例如由單音織度改成主音織度)等等要素與技法來達成。7.漸層：在音樂中，漸層原理最常見於力度的逐漸強或減弱，用以逐次累積或漸次沉澱的意義上。二十世紀始，則出現用樂句長度在內容上的逐次遞減來增加一種緊湊的逼近感，是一種非常特殊的創作思維。巴爾托克奏鳴曲的第一樂章就是個最佳說明。8.比例：在音樂中，特別是在古典時期，比例可用來說明樂句(4小節長)、樂段(8小節長)、複樂段(16小節長)間長度的比值，或是巴洛克時期大師巴赫運用黃金比例來創作的複音音樂作品。音樂藝術的十大審美規律(續)9.統一：在音樂中，統一講求的是

7、音樂在整體結構上各音樂要素間的一種分工與統整的關係。另一層意義是指運用單一創作技法來做為統一音樂架構的工具，例如巴洛克時期盛行的頑固低音便是一例。巴洛克時期大師帕海貝爾創作的D大調卡農與基格舞曲便是運用一組包含八個和絃的低音組在該曲中不斷依序重複，總共反覆了28次之多。10.變化：在音樂中，變化是音樂藉以維持多樣中的統一的手段。音樂需要透過變化來增加音樂生命的視野，然而，太多的變化則會讓音樂失去重點而莫衷一是。因此，必須與統一的原理取得適度的平衡，則在能產生更多的趣味的同時，又能保持一定程度的認同與統整。音樂史上六大風格時期中古世紀文藝復興時期巴洛克時期古典時期浪漫時期二十世紀音樂的線條旋律(

8、或樂句)音樂的線條就是旋律線。旋律線是一列具有流動性、方向感、及延展性的樂句，呈現出來的形狀往往具有高低起伏的輪廓。旋律的目的是表達人類各種情感與該情感淺淡深濃的層次，例如從淡淡的憂傷到戲劇性濃烈的悲憤。音樂好比文章，一首樂曲由旋律構成，好比一篇文章由許多文句構成，因此旋律有時又稱為樂句。旋律的產生基礎調式無論旋律藉由音高和音程所形成的線條形狀，還是由級進或跳進方式形成的起伏程度與涵蓋的音域有多大或多小，基本上，旋律的產生基礎來自於調式(Modes)。調式最早同樣出現於古希臘時期，共有七列。所謂調式就是一列由低往高或由高往低逐步增高或降低的音階(Scales)。到了十七世紀巴洛克時期，以關係大

9、小調音階為一組的調性音樂(Tonality)蔚為旋律創作的主流，沿用至今，成為現代人最熟悉的二個調性音階。旋律的元素音高與音程旋律的元素包含二種：(1) 音高： 所謂音高，意指一個音符的聲音在音階 上的高度位置，聲音的高低是依據該音高的 振動頻率，來決定音符的高度。(2) 音程： 兩個音符之間高度的差距就稱為音程， 以度為計量單位。兩音之間最小的差距 稱作小二度，又稱作半音。對稱性旋律長度的特質-比例音樂的旋律長度到了十八世紀中葉前後受到繪畫方面的新古典主義比例與形式美學的影響被整頓成以四小節的長度出現，並以樂句來稱呼。通常在一個四小節的樂句出現後，會在其後跟上另一四小節的樂句，形成一個具有因

10、果對仗與前後上下文關係的八小節樂段，有時又稱因果樂句組。這種以四小樂句、八小節樂段、甚至延伸為十六小節長的複樂段或更多的樂句群組作為旋律在長度比例上的結構與表意手段，正是十八世紀中葉古典樂派的特點。而比例正是古典主義要求對稱平衡、條理清晰、和諧工整最重要的審美規範。對稱性的旋律長度李斯特的愛之夢第一樂句與第二樂句各6小節長 有對仗結構非對稱性旋律長度的特質不對等比例這種型態的旋律常出現在古老的民謠，或者是音樂史上古典樂派之前的十七世紀巴洛克音樂風格與古典樂派之後十九世紀的浪漫樂派音樂風格。這些時期的音樂旋律在長度的比例與結構上則就不可能出現對仗工整與結構平衡的情形，這樣的音樂便稱為非對稱性旋律

11、結構的音樂。茲以巴洛克時期音樂家瑋瓦第的春小提琴協奏曲第一樂章，以及浪漫時期音樂家拉赫曼尼諾夫的無言歌與西貝流士的D小調小提琴協奏曲第一樂章為例。非對稱性的旋律長度比例十九世紀浪漫樂派 拉赫曼尼諾夫無言歌第一樂句長7小節 第二樂句長12小節非對稱性的旋律長度比例浪漫樂派 西貝流士小提琴協奏曲第一樂章電影新天堂樂園主題曲的二個樂句旋律的創作方式旋律的創作方式主要有四種，第四種是結合模進與動機發展而產生。 直接模倣情感起伏而起伏的創作技法 動機發展的創作技法 模進的創作技法(4) 模進與動機發展的結合的創作技法1. 直接模倣情感起伏而起伏(a)十九世紀浪漫樂派音樂家李斯特愛之夢第一樂句與第二樂句各

12、6小節長 有對仗結構1. 直接模倣情感起伏而起伏(b)十九世紀浪漫樂派 拉赫曼尼諾夫無言歌二個樂句無對仗結構1.直接模倣情感起伏而起伏(c)電影新天堂樂園主題曲樂句無對仗結構由義大利國寶級電影配樂大師顏尼歐莫里克尼為電影新天堂樂園 (Cinema Paradiso)創作的愛的旋律主題曲，由顏尼歐莫里克尼現場親自指揮，生動地傳達出男主角對逝者的至情至性的感激 。音樂有如復刻品一般散發出對逝去的戀情濃郁的懷舊鄉愁，讓人陷入已走遠的遙遠回憶，無法自拔地一句一句的細細品酌.。這首音樂基本上也是採用無對仗結構的樂句，第一樂句的長度就有17小節長，第二樂句是19小節長。 電影新天堂樂園主題曲的二個樂句2.

13、 動機發展曲例(a)辛德勒名單電影主題曲的創作技法採用了以下行大跳的曲調音程概念，做為該樂曲創作樂思的核心動機。2. 動機發展曲例(b)貝多芬第五號命運交響曲第一樂章下列譜例在音樂開始的二小節音型設計或輪廓即是古典樂派大師貝多芬在其第五號命運交響曲第一樂章裡所使用的核心動機。整個第一樂章便是由這個核心動機延伸擴展而成。3. 模進的創作技法(a)比才卡門組曲第二組第六首波西米亞舞曲 3. 模進的創作技法(b)舒曼鋼琴四重奏Op.47第三樂章如歌的行板3. 模進的創作技法(c) 克萊斯勒的愛之悲4.動機發展與模進技法的結合約瑟夫科斯馬秋葉4.動機發展結合模進技法的執著美學音樂的旋律若由模進的技巧創

14、作而成，常帶有一種鑽研執著的精神，旋律的樂思常配合適當合理且方向明確的和聲進行，產生出一種思緒無限延伸的美學意義。二度音程與調式的關係 鋼琴鍵盤內，兩個音高之間最小最短的距離就是小二度，又稱半音。在這最小的距離內沒有其他音的介入。若將兩個相鄰的半音音程合起來，亦即由小二度加上相鄰的小二度，即形成大二度，又稱全音。全音與半音是組成與排列各種調式或音階的基本因子。調式的名稱中古時期八種教會調式自希臘以降，中古歐洲共出現八種教會調式，分別是1.多里安調式 (Dorian Mode)2.弗里吉安調式 (Phrygian Mode)3.利地安調式 (Lydian Mode)4.米索利地安調式 (Mixo

15、lydian Mode)5.海波多里安調式 (Hypo-dorian Mode)，即巴洛克時期以後的小調音階。6.海波弗里吉安調式(Hypo-phrygian Mode)7.海波利地安調式 (Hypo-lydian Mode) ，即巴洛克時期以後的大調音階。8.海波米索利地安調式 (Hypo-mixolydian Mode) 中古時期八種教會調式範例本圖為中古時期的八種教會調式音階，其中Authentic 表示正格調式，Plegal 表示變格調式。電影魯冰花主題曲旋律多里安調式以多里安調式為旋律基礎寫成的魯冰花與橄欖樹。李泰祥橄欖樹-多里安調式音樂的另一種線條節奏節奏是音樂的另一種線條，與旋律

16、線條同樣具有向前行進移動的橫向特質。依其性質共分三類：敲擊節奏、2. 旋律節奏、與 3. 和聲節奏。1. 敲擊節奏的功能在增加音樂的活力與躍動；2. 和聲節奏的目的在呈現多樣特殊的音樂個性；3. 旋律節奏的功能則在於具體表述音樂的意義與情感。每一種節奏的原動力或驅動力就是拍速。拍速的緩急決定節奏的步調。節奏與律動節奏是以節拍(meter)內的拍子(beat)與拍速(tempo)為基礎所創造出來的特殊律動樣式，因此，節奏又稱為律動。節奏或律動在音樂中的主要美學功能是具有規律與反覆的特質，因此與三種節奏類型中的和聲節奏與敲擊節奏關係密切。有關律動樣式的定義有二種：(一) 律動或節奏就等同於節拍。(

17、二)事先在節拍內以各種長短音值所設計出來的特殊律動樣式。敲擊節奏敲擊節奏的定義是使用一項或一組非旋律性的樂器，反覆敲擊經過特殊設計的節奏樣式。有時在某些音樂中只用到一種敲擊節奏樣式，有時則遇到多種敲擊樂器共同營造出繁複精密的敲擊樣式與聲音。這些敲擊樂器結合熱鬧繁複的敲擊節奏樣式，彼此相互穿插交織，不但為音樂注入了精力充沛、活力旺盛的動感與快感，並且毫無例外地在聽眾的聽覺與心理上掀起一波波亢奮的驅動力。試以影片火焰之舞、破銅爛鐵為例。火焰之舞片段在我們所節錄的火焰之舞的影片中，我們可以同時看到與聽到踢踏舞繁複多樣的節奏變化。卻在整體舞團中以統一整齊的審美規律來呈現，適足以用希臘古諺於雜多終見統一

18、、與寓變化於整齊的美學思想來觀賞。在獨舞部份，我們可從麥可弗萊利的舞步漸慢與漸快的變化中，認識到漸層的審美規律在五部的速度變化中的運用。破銅爛鐵片段Cresswell和Steve McNicholas在英國成立了STOMP，中文翻譯為破銅爛鐵。 . 他們也結合身體、環境、律動與聲音的互動關係，並且加上變幻莫測的打擊節奏樣式，以及現代舞、喜鬧劇等複合元素，共同營造出動感十足的另類表演藝術風格。 旋律節奏每首有旋律的音樂必然有其自身的旋律節奏。旋律線的旋律節奏就是由長短不一的音值所構成。因此，旋律節奏就是由旋律線內所有具有音高的音符的原始音值所構成。這些音符的原始音值就是構成該旋律的旋律節奏。當作

19、曲家想要表達一種急速緊湊、窮追不捨的忙碌感覺時，就可用音值短小的音符來製造這種急促飛奔的效果。當旋律的屬性是抒情或表意的性質時，則可選擇音質較大的音符，讓旋律節奏的速度舒緩適中，徐徐道出旋律的意境。旋律節奏的殊異性請聆聽以下二首音樂，並試著聽出二者之間在音值長短與音域高低方面的懸殊性。A. 林姆斯基高沙可夫的大黃蜂飛行。B.由顏尼歐莫里克尼為電影狂沙十萬里創作的吉兒之歌。林姆斯基高沙可夫的大黃蜂飛行大黃蜂飛行的主要特色：在大黃蜂飛行裡最主要的音樂特色是密集、急湊、飆速的旋律節奏，以及透過這些密集、急湊的音符所營造出來的起伏頗大的旋律。 文字參考出自音樂欣賞音樂的要素 作者：苟彩煥電影狂沙十萬里

20、的吉兒之歌由義大利國寶級電影音樂大師顏尼歐莫里克尼為電影狂沙十萬里裡的女主角吉兒所創作的主題曲吉兒之歌，其旋律節奏非常舒緩，旋律的起伏與延展性非常豐富曲折。在本曲中有一段由鋼琴演奏的間奏段落，其旋律的起伏猶如潮水一般愈堆愈高，配合逐漸加強的力度，最後終於將累積至極的情感巨浪，如驚濤拍岸傾瀉而出，爾後逐步整理沸揚過的情緒，重新鋪敘心情，讓心平靜下來後，接著迎向下一段音樂。和聲節奏與其形成的方式所謂和聲節奏共有二種主要的創作技法，第一種就是將一列和聲內的每個和聲加以節奏化。第二種就是把一組包含數個和絃的和聲進行套用到一列事先設計好的節奏樣式上去，然後將這一組和聲進行加以反覆，形成頑固低音的型態功能

21、 。形成和聲節奏的步驟有三：(一) 先找出適當的和聲節奏樣式，(二) 選擇欲用到的和聲種類數量或和聲進行，(三) 把每一個個別的和聲套用到是設計好的單一特 定的節奏樣式上。音樂史上最早的和聲節奏頑固低音頑固低音就是一種將和聲進行節奏化的技法，盛行於十七世紀巴洛克時期。可視為最早的和聲節奏技法。以下的音樂皆有使用頑固低音作曲。1.巴洛克時期義大利帕海貝爾的D大調卡農與基格 舞曲。2.巴洛克時期德國音樂家巴赫的D小調夏康舞曲3.巴洛克時期英國音樂家普賽爾的歌劇狄朵與阿尼亞斯的詠嘆調當我行將入土。當代台灣流行音樂中運用頑固低音作曲法的音樂以有周杰倫爸，我回來了、夜曲。 巴洛克時期作曲家帕海貝爾 D大

22、調卡農與基格舞曲巴洛克時期義大利作曲家帕海貝爾的D大調卡農與基格舞曲是一首以頑固低音的技法完成的曲子。在這首音樂的卡農部分，共有八個低音所形成的八個和聲，這八個和聲依序進行完畢後，然後再從第一個和聲重新依序開始。這一組八個和聲進行在本首音樂被重複了共28次之多。每當這組低音和聲進行被反覆時，在其上方的旋律會不斷產生變化。這種不斷頑固地重複低音和聲伴奏且不斷變化上方旋律的作曲法，特稱為頑固低音變奏曲。第二號d小調無伴奏小提琴組曲夏康舞曲 by J. S. Bach本首曲子出自巴赫六首小提琴奏鳴曲及組曲中的第二號組曲的最後一個樂章，第五樂章，BWV1004。這首夏康舞曲，是一首三拍子的音樂。低音伴

23、奏處出現了一組具有和聲節奏的頑固低音，作為本曲變奏的主框架。本曲共有32段變奏。 亨利普賽爾的歌劇狄朵與阿尼亞斯的詠嘆調當我行將入土巴洛克時期英國作曲家亨利普賽爾所寫的歌劇狄朵與阿尼亞斯，其中一首詠嘆調當我行將入土，又稱為狄朵的悲歌，是以g小調與三拍子寫成的音樂，以二分音符為一拍。左上圖是這首音樂的和聲節奏律動，右上圖是以這個節奏律動配上十個低音：Sol生Fa還原FaMi降MiRe降SiDoReSol，再以頑固低音的方式，將這五小節長的十個低音從頭到尾依序進行。總共在音樂中反覆了十一次。周杰倫爸，我回來了爸，我回來了是一首四拍子具饒舌音樂風格的作品。這首作品最主要的特色之就是在樂曲的低音和聲伴

24、奏部份包含了一組由四個低音所形成的四個和聲，這四個和聲依序從第一個和聲進行至第四個和聲之後，再依相同的順序加以反覆。這個創作技法就是巴洛克時期盛行的頑固低音。周杰倫 夜曲在周杰倫的十一月的蕭邦專輯裡的夜曲同樣用到了頑固低音的創作技法，讓上方的七個和絃依序出現後，再加以反覆，直到音樂結束為止。這七個和聲的前五個最低音出現了一條級進下行的低音旋律線，這七個低音是：Fa降Mi降Re Do降SiDoFa。流行音樂中常見的和聲節奏前面曾提到，和聲節奏的目的在呈現多樣特殊的音樂個性。在我們所耳聞的聽覺經驗中，常見的和聲節奏有三種：一、 探戈 (Tango)二、巴沙諾瓦 (Bossa Nova)三、哈巴奈拉

25、 (Habanera) 探戈(Tango)的和聲節奏樣式以一步之差與愛的探戈為例。請注意這二首曲子的低音和聲伴奏Bass的部份。一步之差的賞析 這首音樂的作曲家是卡洛士嘉多(Carlos Gardel)。音樂洋溢著阿根廷式的探戈民謠風格。所用的曲式是AB二段體。二段音樂的低音伴奏部份各有自身的和聲節奏，尤其在第二段裡，所用的和聲節奏就是典型的探戈和聲節奏樣式，因此音樂充滿不斷向前推進的動感與熱情。愛的探戈的賞析 愛的探戈是西班牙作曲家皮耶左拉(A.Piazzolla)所創作的音樂作品。這首音樂深具探戈的個性。最主要的風格特色在於其低音伴奏部分出現了一個下圖所示的和聲節奏。在第2小節，被連結線連

26、過去的第2、第3個音符，以及第5與第6音符，還有第8個音符皆不得出聲，但其拍值必須合併計算至其前連住它們的音符內。新浪潮爵士樂 (Bossa Nova)的和聲節奏Bossa Nova是由巴西作曲家Antonio Carlos Jobim發明的，也因此他被稱為新浪潮爵士樂之父。Bossa Nova音樂的特色在於其有個特殊的二拍子和聲節奏。新浪潮爵士樂假如賞析假如這首曲子的作曲家是大衛蓋茲，是麵包合唱團的經典抒情代表作品。在音樂風格上屬於典型的新浪潮爵士樂(Bossa Nova Jazz)。 新浪潮爵士樂最獨特的地方在於其有一個特殊的和聲節奏持續出現在伴奏的部份。就是這個特殊的和聲節奏為新浪潮爵士

27、樂製造出一種欲走還停的悠閒步調與速度。 新浪潮爵士樂我也不賞析我也不這首音樂的作曲家是多力弗凱米，同樣是一首以Bossa Nova Jazz 的和聲節奏作為低音伴奏，呈現出一種午後漫步的悠閒畫面。哈巴奈拉 (Habanera)的和聲節奏哈巴奈拉是一種產生於古巴哈瓦納的舞曲，在該舞曲裡有個特殊的和聲節奏樣式，同時以緩慢的速度演奏。哈巴奈拉舞曲是個二拍子的音樂，第一拍用附點八分音符與一個十六分音符，第二拍則以2個半拍的八分音符平均分配拍值長度。 比才卡門的哈巴奈拉舞曲請聆聽浪漫樂派法國音樂家比才的歌劇作品卡門的哈巴奈拉舞曲，音樂的伴奏部分是否有聽到左邊出現的和聲節奏樣式？這個和聲節奏樣是甚至也成為

28、本首音樂旋律節奏的樣式。卡普瓦我的太陽義大利作曲家卡普瓦所寫的我的太陽這些音樂的低音伴奏Bass處所呈現的和聲節奏，是否與左邊所列的和聲節奏樣式很類似？電影快樂腳裡波波的離去在電影快樂腳一片中，當主角波波要被族人驅逐出境時，他的異族朋友卻為他唱了一首離別歌，同學是否在這首歌曲內也聽到了這個節奏呢？音樂的空間音域音樂的空間在一般的定義裡指的是音域，也就是一首音樂的最高音與最低音所涵蓋的範圍。不過，除了這個定義外，音樂的空間可從二個美學觀點來解釋：一、水平式流動性的空間氛圍，用以營造情緒空間的轉折；二、垂直式的和聲聲響模式分別設置於高低二音域之間，用以營造深度空間的次感苟彩煥製作TVBS新聞短片配

29、樂阿里山日出。水平式流動性的空間氛圍是藉由和絃的進行來達成，使得整首音樂的情感氛圍隨著和絃豐富的流動而更多彩多姿、饒富變化。當然，並非所有的音樂皆須用到大量的和絃進行，某些音樂甚至只用到三、四個和聲種類與和聲進行而成為一首成名佳作周杰倫的爸，我回來了。音樂的色彩和聲與和聲進行和聲(Harmony)或和絃(Chords)一般在音樂中扮演的角色是正確適切地詮釋旋律的情感意蘊。為達成這個目標，於是就發展出許多的和絃種類，以及和絃如何進行至下一個和絃的連結方式或公式，亦即，和聲進行方式。在以主旋律為主導、和聲進行為伴奏的主音音樂風格中，每個和絃存在的意義必須倚賴與同一大調或小調內的其他級數和絃或其他種

30、類和絃進行連接與交織的互動。和聲進行不是一種任意妄為、不假思索的過程。如果沒有依照一定的和聲進行原則，所詮釋出來的音樂，就算說不出個所以然來，我們依舊會覺得該音樂某些地方不順、不對勁。以蕭邦第四號前奏曲、德布西第一號華麗曲為例。建立三和絃的三個步驟 A. 任取鋼琴鍵盤上的任何一音作為建立三和絃的根音，或稱第一音。B. 以根音為基底音，往聲音高的上方去找到第三階，也就是第三音，行程第一個三度音程。之後再從第三音往聲音高的地方去找到第五音，形成由第三音至第五音所構成的第二個三度音程。C. 將這兩個三度音程以垂直相疊的方式結合起來，即可建立一個三和絃。轉位和絃的定義與方法 各種調式或音階的音級皆可建

31、立各級原位三和絃，各音級除了原位三和絃的型態外，還能藉由轉位的方法步驟行程各音級的第一轉位與第二轉位和絃，用以擴充和聲的情緒色彩與意義。轉位和絃的三步驟是：1.維持原位三和絃內上方二音不動，2.把原位三和絃的最低音，移高八度，3.如此一來，就產生了三和絃的第一轉位型態，稱為第一轉位和絃。在此第一轉位和絃中，新產生的最低音與最高音形成一個六度音程，因此，第一轉位和絃又稱為六和絃。蕭邦e小調窒息前奏曲 Op.28 No.4這首音樂最主要的二個特色是它的旋律創作與和聲進行。旋律創作的技法是運用下行曲調音程作為旋律的核心動機，從下行小2度的半音開始鋪陳出第一樂句，然後以大2度鋪陳出第二樂句。在和聲進行

32、方面，是以降低和絃內一個或二個半音的下行方式向前行進。因此形成曲內豐富多變的和聲心情，與隨之而來的情感變化之附屬意義，並完美的詮釋表面看似平靜的旋律。音樂的色彩和聲進行的公式化和聲的進行有時會出現公式化的情形，而使得聽眾在聽到某些音樂的當下會產生聯想或錯覺，覺得該首音樂與另一首音樂聽起來很像。這是因為這兩首曲子伴奏部份是用了相同的和聲進行模式寫成的。試聽巴洛克時期作曲家帕海貝爾創作的D大調卡農與基格舞曲以及歌手永邦主唱的每次都想呼喚你的名字的副歌段落。這二首樂的低音和聲進行部份皆使用了DoSolLaMiFaDoFaSol相同的八個低音所構成的和聲與和聲進行。每次都想呼喚你的名字的副歌段落與和聲

33、進行模式(移為C大調)帕海貝爾D大調卡農與基格舞曲第十變奏的旋律與和聲進行模式(移為C大調)如果你仔細注意每次都想呼喚你的名字以及D大調卡農與基格舞曲的低音譜和聲的進行模式 ，你會發現在這二首曲子的和聲進行底下出現了相同的羅馬數字序列：IVviiiiIVIIVV。這排羅馬數字說明兩件事：(一)、在同一大調內(C大調)各個音級和絃( I表示C大調內的第一級和絃，V表示C大調內的第五級和絃，以此類推)，(二)、可被允許使用的和聲進行規則，例如第六級和絃(vi)可以進行到第三級和絃(iii)，第三級和絃(iii)可以進行到第四級和絃(IV) 。另一個常用到與常聽到的和聲進行模式這一組特殊的和聲進行模

34、式又稱為低音循環五度和聲進行(A Circle of Fifths)，換言之，每一和絃進行到下一和絃的距離皆是五度音程的距離。(音程是計算兩個音之間距離的術語，其換算單位稱作度)。更好的說法是，每一個和絃的最低音由自身開始往音階下走五個音，所進行到下一和絃的最低音正好是五度的距離。若將這組和聲進行的最低音排列出來，則形成：(La)ReSolDoFaSiMiLa。大多時候，使用這類和聲進行的模式時，會從Re音的和聲作為旋律的起頭，少部分時候，則會直接由La音形成的和絃作為上方旋律創作的起頭，早期校園民歌手王海玲主唱的我心似清泉的第一樂段就是以La小音階的主和絃開始，所形成的循環五度和聲進行。而此

35、曲的第二樂段則以Re和絃為起頭，延展出具有循環五度的和聲進行與模進特色旋律樂句。循環五度和聲進行此外，韓劇冬季戀歌主題曲從那時到現在的副歌段落、黃品源主唱的最愛你的人是我的副歌段落、蘇芮主唱的心痛的感覺副歌段落、以及秋葉的第一樂段的和聲伴奏，皆用到ReSolDoFaSiMiLa的和聲進行。而由這個和聲進行所創作出的音樂皆順應用到模進的作曲法！換言之，有時，作曲者會採用相同的和聲進行模式來思考並創作不同的旋律，先有和聲進行模式，再有旋律的產生。使用低音循環五度和聲進行的曲例(A Circle of Fifths)1.韓劇冬季戀歌主題曲從那時到現在 的副歌段落2. 黃品源的最愛你的人是我的副歌段落

36、3. 玉山銀行電視廣告配樂4. 法國香頌秋葉5. 蘇芮主唱的心痛的感覺副歌段落。6. 齊豫主唱的走在雨中7. 王海玲主唱的我心似清泉。低音循環五度和聲進行的曲例-冬季戀歌主題曲從那時到現在副歌段落低音循環五度和聲進行的曲例-最愛你的人是我的副歌段落低音循環五度和聲進行的曲例-玉山銀行電視廣告配樂低音循環五度和聲進行的曲例法國香頌秋葉低音循環五度和聲進行的曲例蘇芮心痛的感覺副歌段落循環五度和聲進行與模進技法的關係你有否發現，運用低音循環五度和聲進行(A Circle of Fifths)的和聲模式，所創作的旋律線條，幾乎都是用模進的技法創作而成！這是一個非常特殊的音樂創作現象！古典音樂也不例外喔

37、！那就是以和聲進行的模式操控旋律創作的思維模式。音樂的形式 (Musical Form)音樂的形式又稱為曲式(Form)。一首音樂是由許多旋律線條，亦即許多樂句構築而成。在某些音樂裡有些樂句會被重覆，有些則不會被重覆。哪些樂句需被重覆，為何被重覆或為何不被重覆，何時被重覆，以及如何被重覆，種種原因皆須透過音樂的要素在時間流程裡，經過適當的比例分配被組織結構化後，產生出具有前後上下文的因果邏輯思維關係與敘事方式(平鋪直敘式、累積漸進式、戲劇式)來解釋。每首音樂都由此種創作邏輯誕生，這種創作邏輯的具體呈現就是音樂的形式，亦即音樂的框架。常聽到的音樂形式常用的音樂形式包含：一段體(One-Part

38、Form)、二段體(Binary Form)、三段體(Ternary Form)、分節反覆歌曲形式(Strophic Form)、通作歌曲或樂曲形式(Through-Composed Form)。古典音樂除了使用上述曲式外，還使用奏鳴曲式(Sonata Form)、輪旋曲式(Rondo Form)、巴洛克時期的連續變奏曲式(Continuous Variation Form)、古典時期的主題變奏曲式(Theme and Variation Form)。古典音樂形式之曲例一段體：蕭邦a小調前奏曲Op.29 no.2。二段體：巴洛克時期各種舞曲阿拉曼舞曲、庫朗舞曲、小步舞曲、薩拉邦德舞曲、基格舞曲

39、。三段體：布拉姆斯A大調間奏曲 Op.118 no.2， 莫札特A大調豎笛協奏曲K.622第二樂章。分節反覆歌曲形式：舒伯特鱒魚、60年代反越戰 流行歌曲Where have all the flowers gone、台灣早期民謠青蚵嫂。通作歌曲或樂曲形式：舒伯特魔王、羅西尼威 廉泰爾序曲、薩拉沙泰的流浪者之 歌。莫札特 A大調豎笛協奏曲K.622 第二樂章這是由Andrew Marriner演奏的莫札特A大調豎笛協奏曲K.622第二樂章(緩版),其優雅溫柔的音色，透過起伏溫和的旋律，娓娓道出了古典主義特有的靜穆、婉約與含蓄。 音樂共分A-B-A三大段落，B段在2分28秒處開始。第三段A樂段則

40、從4分33處開始。在6分24秒的地方出現了尾聲(Coda)的樂段，直至音樂結束為止。古典音樂形式之曲例(續)奏鳴曲式：貝多芬第五號命運交響曲第一樂章， 莫札特G大調小夜曲作品號碼525 第一樂章輪旋曲式：莫札特G大調小夜曲作品號碼525 第二樂章連續變奏曲式：帕海貝爾D大調卡農與碁格舞曲主題變奏曲式：莫札特小星星變奏曲音樂的紋理(Texture) -織度音樂的紋理又稱音樂的織度，共有三種：1.單音織度 2.複音織度 3. 主音織度。單音織度指無加任何伴奏的單旋律；複音織度指兩條以上不同的旋律主題同時唱出或奏出；主音織度指主旋律加上和聲進行的伴奏。音樂織度的第一個定義就是音樂的紋理。音樂織度的第

41、二個定義涉及音量的雄厚或稀薄的程度。無論是哪一種型態的織度，皆會遇到音樂情境改變或須被強調的時刻，最普遍的作法就是增加樂器數目與音量，來營造出一種磅礡淋漓、波瀾壯闊、甚至崇高偉大的音樂氣勢。因此，音樂的量塊指的是音量的稀薄或雄厚程度。單音織度單音織度風格的音樂以西方中古世紀的宗教音樂葛利果聖歌最具代表性。這些聖歌皆由男性僧侶修士每日於固定時辰吟唱。以單純淨化的單旋律聲音讚美主。複音織度上面左邊是高音域的主題樂句，上面右邊是低音域的主題樂句；下方左邊則是這兩個主題同時呈現的樣貌，二者的重要性不分軒輊，彼此都是主題，彼此也都是對方的支撐，共同帶來一種均衡與和諧的聲音美感。作品為巴赫的觸技曲 BWV

42、 914。主音織度主音織度音樂風格是最普遍用到與聽到的織度風格，也是最為大眾熟悉的一種音樂織度紋理。其最主要的特色便是一條主旋律配合上低音域的和聲伴奏。幾乎90%的流行音樂皆是以此種織度紋理創作音樂。織度的變更功能與意義 在認識了上述的三種音樂織度之後，我們不難發現，這三種音樂織度常出現在音樂風格或音樂類型廻異的樂曲中。甚至在某些音樂作品中也可遇到二種以上不同的音樂織度。這是因為作曲家為了因應音樂中的敘事情境的變化，所作的織度變更，以求適情適意地呈現音樂的表述意義與敘事情境的變化。這就是變更音樂織度的主要意義與功能。音樂的形式與結構概念既然音樂藝術是一種在時間內展開的活動過程，並且具有形式的創

43、作邏輯或組織原則，那麼創作的組織手法則透過執行音樂藝術元素的十大結構概念或表現手法來完成。這十大結構概念分別是1.陳述 2.反覆 3.對稱 4.均衡 5.調和 6.對比 7.漸層8.比例 9.統一 10.變化。巴洛克（Baroque）的字義巴洛克（Baroque）的字義源自於葡萄牙文 “barroco”，意指形狀不規則的珍珠（A pearl of irregular shape）。在音樂裡，形狀不規則可比喻為音樂的樂句長短不一、曲式結構不規則與不平衡；珍珠可比喻為音樂聲響的亮度。巴洛克時期的音樂風格以亮麗輝煌、尊貴堂皇、以及精緻優雅的貴族氣息見稱。巴洛克藝術風格的特徵巴洛克藝術風格的興起主要是

44、針對文藝復興時期追求復甦古典主義的精神所產生的反動思潮。文藝復興時期嚮往的藝術風格是以古希臘羅馬藝術為首的古典主義風格，也就是在理性的思考下，發展出具有比例、對稱、和諧等等形式規範的藝術傑作，包含建築、雕刻、繪畫。巴洛克藝術風格則恰恰與文藝復興時期的古典主義風格相反，它試圖打破穩定、勻稱、與均衡等種種古典主義的形式規範，追求不穩定、不對稱、不平衡、不精確、具強烈對比的形狀，並運用複雜的變化來取代簡潔，因而使得巴洛克的藝術作品充滿動感與活力。 巴洛克時期五大音樂風格要素 一、方塊力度（Terraced Dynamics）二、數字低音（Basso Continuo or Figured Bass）

45、三、行進的低音（Walking Bass）四、利用各式各樣簡短的音型透過模進的作曲技巧與連續的和聲進行或轉調，達到一種綿密不斷的，如織帶般的音樂段落。並且，低音部的律動相當活躍。五、頑固低音（Ostinato） 巴洛克時期音樂的三大歷史貢獻與成就 巴洛克時期在音樂史上最具歷史意義的三大貢獻與成就是：(一) 歌劇（Opera）與清唱劇（Cantata）的誕生與 神劇（Oratorio）的成熟。(二) 調性（Tonality）的確立。(三)各種器樂的音樂言語與器樂形式若非於此時期誕 生，便是於此時期成熟。包括奏鳴曲、協奏曲、 交響曲、室內樂、組曲與變奏曲（組曲與變奏曲 於文藝復興中期以後，而成熟於

46、巴洛克時期）。巴洛克時期是音樂史上第一次出現純粹為器樂音樂創作旋律句法、形式、曲式、與風格的時期。巴洛克時期的音樂美學主義情愫主義（The Affections） 巴洛克時期的音樂美學主義。強調每首器樂曲只表達一種情感，充分體現該時期盛行的專一一致的精神。而且該情感不是作曲家個人的主觀心境感受。此外，由於在當時某些約定俗成的音型或動機被認定具有修辭學（Rhetoric）上的意義，因此，當時候的作曲家可運用這些具有修辭意義的音型來表達激動、生氣、悲嘆等情愫。但是，每首曲子或樂章只能表達一項情愫。同一首樂章還沒有形成可表達二種以上或具有對比性質的情愫這類的可能。巴洛克時期的協奏曲(Concerto

47、)的曲式特色 協奏曲的原文是 “Concerto”，自十七世紀開始，其原文字意從原先的加入、連結增加了競爭、較競、競鳴的意思，意指一首帶有各種聲音組合的樂章從原先各種聲音(包括人聲與器樂聲)的加入合作，轉為以各類小器樂組(concertino)或獨奏樂器(solo)，與管絃樂團全體(tutti)在單一樂章中作音量大小的輪番交織變化。絕大多數時候，為配合管絃樂團全體奏（或稱合奏）與小器樂組輪番交替演奏，以達成一種競奏在音色與音量的交織對比。巴洛克時期的協奏曲特色巴洛克協奏曲在創作方式方面，特別是在第一樂章部分，為管弦樂合奏的地方設計了一個稱作複奏樂節或複奏樂段（ritornello）的特殊段落。

48、這個由管絃樂合奏的樂節或樂段將在該樂章中不斷重複出現，並且與小器樂組部份或獨奏部分交替演奏。小器樂組或獨奏的音樂部份不需要重複出現，但管絃樂合奏部分出現時必用同樣的音樂旋律作部份或完整的演奏，用以統整整個樂章。通常，複奏樂段會完整的出現在樂章一開始的地方與樂章結尾處，而在樂章進行的中間則會以部份的形式出現。而小器樂組或獨奏的音樂部份每回出現的旋律以及樂句數目或長度都不需一致。於是，整個巴洛克協奏曲在創作與演出的形式上就是：Ritornello-solo-Ritornello(Part)-Solo-Ritornello(Part)-Solo-Ritornello以下列舉之音樂曲目皆具有巴洛克時期

49、典型的音樂風格與要素，請仔細聆聽。1.巴赫 A大調雙簧管協奏曲 第一樂章 BWV 1055 。2.巴赫 A大調雙簧管協奏曲 第二樂章 BWV 1055 。3.巴赫 A小調小提琴協奏曲 第一樂章 BWV 1041。4.韋瓦第 四季小提琴協奏曲中的春。 5.阿爾比諾尼 G小調慢板6.巴赫 D大調第三號管絃樂組曲 第二樂章 BWV 10687.韋瓦第 B小調第十號協奏曲 第一樂章 Op.3 RV 580 來自調和的靈感。8. 帕海貝爾 D大調基格與卡農。 巴赫 A大調雙簧管協奏曲 第一樂章 BWV 1055我們可在這第一樂章中聽到巴洛克時期的協奏曲特有的音樂風格，包含曲子一開始處與結尾處小節數目完全

50、相同的複奏樂段(顧名思義，在一首音樂中重複演奏的樂段)，以及複奏樂段以片段的部份出現於曲子的中間。還有各樂句的小節長度不等長、不對仗的情形。整首曲子所表達的情緒傾向於活潑熱絡的動感氛圍。巴赫 A大調雙簧管協奏曲 第二樂章 BWV 1055我們可以從接下來的第二樂章裡聽到這首曲子所呈現的情感比起第 一樂章來顯得憂傷一些，絃樂合奏在此曲中擔任的幾乎完全是伴奏的功能。而由單簧管吹奏的主旋律，旋律線條的起伏很有延展性，其福的幅度也很大。在各樂句的長度方面也同樣出現不規則的情形。音樂除了一開始的地方與結尾處的合奏部份用到了複奏樂段地音樂段落做為統整音樂的功能外，獨奏的部份可說是利用通作曲式(Throug

51、h-Composed)的概念創作而成的音樂。巴赫 A小調小提琴協奏曲 第一樂章 BWV 1041同樣，我們在這首音樂中聽到了巴洛克時期的音樂風格。首先，這首音樂因著各樂句長度不一，使得樂思呈現出的一種自由不受拘束的發展與延伸，把充滿動感活躍的精神一氣呵成地表現出來。其次，音樂的色除了樂句長短不一之外，還包還了動機音型綿密地進行羅織與發展、循環五度的和聲進行、以及樂句模進等巴洛克音樂首創的且獨特的作曲技法。韋瓦第 E大調 四季小提琴協奏曲春第一樂章 RV 269在韋瓦第的這首音樂中，出現了幾個典型的巴洛克音樂風格的特色。第一，這首協奏曲在曲子的首尾與中間部份皆運用了複奏樂段。第二，首尾的複奏樂段

52、樂句使用了方塊力度，這是巴洛克時期特有的力度表現方式。第三，整首協奏曲演出的方式完全遵循巴洛克協奏曲特有的合奏獨奏合奏獨奏合奏獨奏合奏的交替呈現過程進行。第四，採用當時盛行的音樂美學情愫主義，以修辭學的概念來引導音樂音型的創作發展，因此出現了春水潺潺、春雷聲、閃電等意念。阿爾比諾尼 G小調慢板 (Adagio in G minor)巴洛克音樂巨匠托馬索阿爾比諾尼(Tomaso Albinoni, 1671-1751)擅長用抒情的線條概念創作，使他的器樂作品中保有著悠長而起伏適中的旋律線。這首G 小調為弦樂與管風琴所作的慢板本身共有三個音樂段落，類似今天的ABA三段體。A段旋律用了模進的技法。B

53、段出現了類似歌劇中朗誦調(Recitativo)的對白風格。另一個重要的音樂風格特徵就是在大提琴的低音伴奏使用了撥奏的行走低音(Walking Bass)的和聲伴奏方式出現於前後兩個A段，B段的伴奏方式則運了巴洛克時期特有的持續低音(Basso Continuo)。巴赫 D大調第三號管絃樂組曲 第二樂章 BWV 1068這首旋取自巴赫（J. S. Bach,1685-1750）第三號管絃組曲中的第二章。由於這首音樂僅用小提琴的第四根弦演奏，小提琴的四根弦又稱為G弦，是四根弦裡最低音的一根弦，音色柔和且豐富；因而又稱為G弦之歌。在這首音樂的低音伴奏裡，同樣出現巴洛克時期主要的音樂風格特徵，也就是

54、行走低音(Walking Bass)。韋瓦第 B小調 第十號協奏曲 第一樂章 Op.3 RV 580這首音樂最特殊的地方在於使用不同的音型動機， 讓他們在不同的和聲進行中，利用反覆或模進的作曲技法，穿梭或前進。另一個重要的特色是複奏樂段(Ritonello Form)分別以完整或不完整的樣式出現於本音樂的首尾與樂曲中間之處。特別是在音樂的一開始處，還出現了方塊力度的運用。音樂一開始的樂句， 方塊力度先以獨奏的小提琴小聲出現，之後再跟著合奏以大聲重複。帕海貝爾D大調卡農與基格這首樂曲最著名的特色就在於使用了頑固低音變奏曲的作曲法。所謂頑固低音變奏曲就是指在一首音樂的伴奏部分，先選定好所要使用的和

55、聲級數與和聲進行，然後依照順序一一進行後，將這些和聲依照原先的順序加以反覆。這首音樂的低音和聲進行共有八個，依序是DoSolLaMiFaDoFaSol，並在本首音樂中反覆了共28次之多，每次這組低音被反覆時，並沒有以明確的終止示先結束前一變奏再重新開始新的變奏，而是讓低音依序輪流出現後，再配以新的旋律，讓音樂持續不間斷。秘訣就在於第八個和絃是個半終止V和絃。正統古典時期音樂風格四大特徵與代表大師 正統古典時期（Classical Period, 1770-1830），其代表性的音樂風格又稱為維也納古典樂派。代表音樂家有海頓、莫札特、貝多芬、和舒伯特。 古典主義音樂風格的四大特徵：(一)古典主義

56、風格的音樂語言必須是具普遍性(universal)， 而不會受到地域、疆土或個人個風格限制。(二)音樂的情感內涵必須有條件的被限制在形式的架構內作發 展，音樂的內容與形式必須獲得一定程度的統一。 (三)古典主義追求高貴的單純與靜穆的偉大，因此必須脫 離複雜創作技術，使音樂呈現自然的感覺。(四)該音樂風格必須能夠及時取悅一般大眾的聽覺感知力。 古典樂派興起的四大文藝背景 古典樂派興起的四大文藝背景是：A.受到十八世紀啟蒙運動與理性主義古典美學思想的影響。B.受到盛行於十八世紀中葉以後以法國為中心的新古典主義藝術思潮的影響。C.受到古典主義以散文的清晰、活潑、生動、優雅作為文學創作形式與精神的 影

57、響。D.對洛可可藝術所呈現的華麗矯情風格的反動。 古典主義音樂風格的十大審美規律古典主義在風格上具有十大特色 ：(一)比例、(二)反覆、(三)平衡、(四)對稱、(五)對比、(六)統一、(七)調和、(八)次序、(九)單純/簡約、(十)變化。這十大特色也因此成為古典主義的美學精神與審美規律。 在美感上呈現出來的是追尋一種諧和與寧靜，一種超越凡間的理想美。德國藝術評論家溫克爾曼指出希臘藝術的特質是高貴的單純與靜穆的偉大。這種特質順理成章的成為新古典主義的規範。古典主義追求的並非易於飄逝的、瞬間的、現實的華麗性，而是與永恆世界相通的本質性。 古典時期的音樂美學思想形式美：內容與形式的統一受到上述四方面

58、文藝思潮的影響，十八世紀中期以後在音樂藝術方面便首度在歷史上出現了以古典主義為創作原則的古典樂派，古典樂派最重要的美學原則就是形式美（The Beauty of Form），這些音樂的代表形式包括奏鳴曲式、輪旋曲式、以及主題變奏曲式。奏鳴曲式的認識奏鳴曲式原則上分三大段落， 依序是呈示部、發展部、再現部。這三大段落相當於三段體A-B-A的曲式結構。第一段的呈示部與第三段的再現部在形式美學的審美規律上呈現出對稱的美感，而中間的發展部則與前後的呈示部和再現部在審美規律上形成對比的美感。再現部 基本上是把呈示部的音樂素材重新依序再呈現一次，因此，在個性上與呈示部同樣屬於古典主義審美規律中可被預期的次

59、序美， 因此，次序美是一種靜態美。而發展部由於原則上是把呈示部的第一主題、第二主題、或新出現的主題旋律加以轉調、延伸、發展，因而常會產生一種浮動不安的情緒與個性。因此，這個段落呈現出來的美感是一種充滿動態的變化美或對比美。 簡述奏鳴曲式的呈示部在呈示部中通常會包含二個音樂主題。第一主題常透過緊湊或急湊的旋律節奏來呈現活潑陽剛的性格；第二主題則透過抒情舒緩的旋律線來呈現優雅陰柔的性格；接著在第二主題會出現一個稱為尾聲（Coda）的段落，是運用第一主題或第二主題加以整合重組，以便結束呈示部。在古典樂派中，每個主題幾乎都是由一個四小節的樂句以及另一個四小節的對仗句所構成。另外，高低音域間透過相同的旋

60、律動機來對話也很常見。輪旋曲式的認識輪旋曲式在結構上通常包含五大音樂段落，其中會出現一個主要主題（又稱rondo或是refrain），這個主要主題會重複出現在第一、第三、與第五音樂段落，而第二與第四音樂段落則分別安插副題B與副題C，以致於形成A-B-A-C-A的音樂形式，其中以副題C的音樂段落最具戲劇張力與情緒綻放，作曲家們在該段落藉由各樣音樂要素的激化，比如力度的加強，和聲節奏或旋律節奏速度的加快，更多不和諧的和聲進行，更趨起伏的旋律線，或更厚實的樂器音量織度等來達成該音樂段落的激昂高亢的目的。之後，音樂再回到主要主題，以便讓這整個曲式有一個完滿的回歸與平衡。在十八世紀下半期以後，輪旋曲式通