平面设计师成长(合集 适合在校生阅读)

平面设计师成长(合集适合在校生阅读对于各个层次平面设计从业人员的职业困惑，同济大学传播与艺术学院院长林家阳教授说，现在全国有1000多所高校有平面设计本科专业，以每个班30个人算，每年本科毕业的平面设计人才就有3万多，加上各类大专、高职、中专以及社会培训机构培养的平面设计人员，每年最少有10万，但是广告公司依然埋怨招不到满意的人。这是为什么？这说明现在我们国内的平面设计人员没有达到较高的水准，整体上处在较低的层次。从上面的例子，我们就可以看出我国平面设计人员存在的问题：首先，接受平面设计高等教育的学生文化成绩不高。一般情况下，他们具有比较厚实的绘画基础，但在文化素质、学习习惯以及接受知识的能力上都比较欠缺。这直接导致他们文化底蕴比较薄弱，作品的文化成分少就在所难免。同时，这些学生的英语水平一般较差，无法直接了解到国外平面设计的理念和潮流，同时对国外优秀作品的理解也难以深刻。其次，学校的培训方式有问题。由于平面设计专业在国内还是一门新兴的课程，所以很多授课老师缺少一线工作的经验，对市场也不了解。老师对学生的传授也停留在模仿上，对于创造力的培养缺少意识和方法。获奖的支婷同学，如果不是自身意识到要加强创造力的培养，不管她本身的素质多好，最终也将“泯然众人也”。还有，刚毕业或者刚从培训机构出来的平面设计人员，由于掌握了平面设计的技能，都以为自己可以成为一个平面设计师了，所以疏于学习，没有意识学习最前沿的知识，既不满现状，但也找不到突破的方法，久而久之就失去了向上的动力。总的说来，中国内地的平面设计师最缺乏的就是创意，这成了他们发展的“瓶颈”，在一些大型的设计公司，起灵魂作用的创意总监有相当多的是来自香港、******等地区的人才，而内地做得好的平面设计师往往只能到艺术总监的层次，缺少向上发展的实力和机遇。实现梦想：保持激情，做好功课内地平面设计师的出路又在哪里呢？林家阳教授认为，平面设计师如果对平面设计已经没有激情应该赶快调整方向，可以向印刷、业务等其他方向发展，如果打算继续做下去并取得成绩，则有很多功课要做。林教授和拉萨尔国际设计学院中国区副总裁周国础先生都提出了很好的建议：苦练内功是第一。好的平面设计师需要的是综合的素质，绘画以及会使用电脑软件只是最基础的技能。因此想成为一名优秀的平面设计师，一定要有不断学习的习惯，要有追求创新的原动力。内功还没练到家就追求经济利益和社会影响最多昙花一现，难以取得真正的成就。中外结合是关键。国外的平面设计很发达，因此一定要充分学习他们的技巧，尤其是创意。同时，也不能盲目照搬和模仿，而是要在学习的基础上融会中国的传统文化，“中国印·舞动的北京”就是中国文化的集中体现。所以，在中国，最好的作品一定是具有中国传统文化的底蕴。创业之前要工作。由于现在的广告公司多如牛毛，所以刚毕业的学生创业的难度相当大，不仅是业务水平的问题，在社会关系上也相当欠缺，因此不应急于创业。可行的办法是先找一份工作做起来，一方面锻炼自己的设计能力，争取在业内做出名气，同时和客户搞好关系。等水平到了，客户有了，创业的梦就不远了。平面广告设计师的成长之路？这真是个不好回答的问题。如同任何事情一样，不是努力就会成功的，但是不努力成功的可能性更小。同样，不是所有学习平面设计的都会成为设计师的，尤其看你说的好像要成为大师。很多人可能是一多半的人工作后都不会从事本专业的工作，所以，这没什么。如果，如果你坚决肯定一定要成为一名设计师，一名成功的设计师，那么，加倍努力吧，当然，也许最后也不一定会成功。我觉得一个人的成功性格很重要，兴趣+坚持+坚强+坚韧=成功，如果运气不好，可能成功花的时间要长些而已，但终会成功的。基本上，设计，特别是艺术设计，就是创意+表现的问题。你上面所列的不过只是最基本的表现问题而已，还是比较基本基础的。我们需要有敏锐的感知力，去观察去体验甚至去尝试这个社会的各个方面。如果，你没有这方面的爱好，或者你对周围的事情比较迟钝，再或者你对周围的事情没有自己的看法，观点，那么，基本上你不会成为一名成功的设计师。我们还需要丰富的想象力，观察事物只是第一步，如果我们要表现，还需要精心加工，这需要我们有扎实的审美能力，从众多事物中找到美的，我们需要的素材，加工，想象来得到我们要的东西。以上2方面是培养的创意能力，下面，我们还需要精湛的表现能力，你上面所列的几个软件，只是表现的一点点而已，远远不够。当然，这方面好说些，扎实的基本功需要时间训练，只要审美跟上去，多花时间是可以弥补的，因为我们需要选择用何种最佳的表现技巧去最佳的表现自己的创意，这个选择才是我们需要长期培养的。观察力+想象力+创造力+表现力，差不多就是要走的路。这些需要兴趣+坚持+坚强+坚韧的性格来培养这些能力。这是大方面的我对这个问题的回答。更具体的就比较啰嗦了，你可以查看我的其他一些这方面的回答，当然，这些都是我的一些个人见解而已，只供参考。说容易，做起来难。看看一位设计师的成长过程，还挺真诚的是设计，不是装饰——吴勇访谈录（一）◎你是什么时候对设计感兴趣的？▲我在中央工艺美院学书籍装帧的时候，脑子里还没有设计的概念。那是80年代中期，我的想法就是当画家。不光是我，当时我们全班的兴趣都在纯艺术上。全校也如此这般，以至院长在全院大会上郑重其事地警告我们：你们想要当艺术家是进错了校门！弄得我们灰头土脸的，一腔追求纯艺术的豪情无处倾泻。当时全国大地新潮美术运动正作强势，而我们这些人的作品在纯艺术面前被认为太装饰；而搞工艺的又认为太纯艺术。所以说当时在这种大环境下有关设计给我们的概念是模糊的，甚至是消极的。我毕业时分到中国青年出版社做美编。8小时外继续做我的纯艺术梦，以至挣小康费都是靠画连环画、插图这种接近绘画的形式来获取。不象今天搞纯艺术的也能靠"搞设计"来养纯艺术。当时我的绘画作品也被授予"新人奖"！各种杂志报章也有登载，被当作新一代之一而为当时的《中国美术报》推上"排行榜"，故画的卖相也不错。在这种呈上升的趋势下，以为自己从此会沿着纯艺术的道路勇往直前了。不料我的工作扭转了我前进的方向。当时我刚分去，是小字辈，工作自然承接别人不屑干的-为政治经济类的书籍作"嫁妆"(那时出版社大都不重视美编，认为我们是一群可有可无的"做嫁妆"的寄生虫，于是我试着在这种枯燥的书上用了点工夫做得与以往的这类书不太同，有出格之处。而我的领导吕敬人先生既是一位杰出的设计师又是一位优秀的领导，知道怎么鼓励下属。在他夸大其辞的善诱下，我那挺不经夸的毛病被激发出来，而且一发不可收拾。正好我的绘画也是那种理性多于感性分析型带点哲理性的东西，于是我角色的转换也较为自然。设计正是一种需要在感性基础上归纳理性的工作方式。在工作中逐渐意识到平面设计作品案头上工作的完成只是完成了作品的一半，另一半的完成要在印刷厂里去实现。而当时学校里除了教我们花一天的时间捡了一堆铅字用来排一小块版式以及匆匆在几台不知名堂的印刷机前转了几圈，对印刷工艺的了解几乎为零。所以我这个只知理论不懂实践的毕业生跌跌撞撞地在实践上学会了运用印刷机来设计。几年后，大概是90年代初，因为社里要做一批画册，我出差到深圳，当时那里是全国印刷业最先进的地方。我在郊区的印刷厂里泡了近三个月，这三个月对我很重要，我就象自己给自己实习一样，了解了整个印刷的过程、设计的流程和商业操作方式。那时候，咱们做设计用的都是"美术"的概念，还不是设计的概念。设计是很理性的，它要把最初的感性因素，通过设计和工艺的过程一步步地归纳到理性上。在深圳的这三个月，使我从印刷入手倒过来看这个过程，了解了印刷的技术和印刷的效果，等于让我了解了自己的工具，同时也让我摆脱了美术的概念。比如有人告诉你这个能印四色，如果你真懂印刷的话，你还可以在有限的条件下创造出四色以外的印刷效果，既能节省成本，又能设计出好东西，这其实也是一种设计，是工艺手段的设计和平面设计的充分结合，这样才能做出不同凡响的设计。◎这么说，这三个月在印刷厂的"蹲点实习"，让你对平面设计开了窍儿。▲没错，我们出校门的时候，都不了解印刷是怎么回事，权当它是绘画的颜料了。最容易犯的毛病就是在想象中调颜色，我调出这个颜色儿来了你给我做。却不知道到了印刷厂，一个颜色就是一块版，根本没法儿做。按照当时内地印刷厂铅印的要求，不同的颜色是靠叠印、按不同的百分比做出来的。于是我发现制作的过程，也是创造的过程，有很多的快乐在里面。比如，我把金、银两种颜色混合起来印，视觉效果很特别，有人称它为"吴勇色"。当然那是当时在印刷条件有限的情况下的产物，今天印刷业的迅猛发展，几乎已是没有做不到的只有想不到的。在技术高度发达的今天，电脑程序化的今天有了很多现成可挑选，留给人能做出震撼创意的空间越来越小，一如纯艺术中再出凡高式人物的机会越来越小。当然这是个牛头不对马嘴的比喻。◎看来我们的艺术设计教育沿用了不少美术教育的思维，对设计与商业、技术和社会文化的结合关注得不够。▲这话也得从两个方面来说。国外的许多设计大师，他们的确没有绘画的能力，如果在他的封面里需要画一只手，他画不了可以请个专门的人画好了再拼进去，因为对设计来说最重要的是设计思想--整体的创意，而不是局部的某种技术。但是从中国目前的整体文化环境来看，我觉得在设计教学里注重美术的训练没有错。你看在国外特别是在欧洲，无论做不做设计或美术，一个人从他受到的文化影响中就能获得一定的视觉修养，在那儿我碰到一些普通人谈起视觉艺术来头头是道，至少他们一般人对视觉艺术的理解普遍要比我们高。他们的设计师即使不学美术，恐怕也能懂得美术。但是在咱们这儿，一个设计师如果没有经过美术的训练，我相信他的毛病在他的设计中会很明显，因为他的视觉修养不够，象构图、色彩的运用等等，就咱们中小学的那一点美术课哪儿够用呀！可是除了美术课，你就没机会接触这些东西了。全国完整的大型美术馆就只有中国美术馆了，其它的都变成了展销馆，当然最近又建有一个上海美术馆，但对十几亿中国人民来说仍是杯水车薪、凤毛麟角…；而一些国家一个城市里就有几百家甚至上千家的大小艺术博物馆、画廊，让你一不小心就染上点"艺术细菌"。当然博物馆光靠数量也不行，关键是质量。我们一个国家级的美术馆质量都不怎么样，再建更多岂不是太浪费，还真不如展销馆给老百姓以实惠。光发展经济不提倡真正的文化艺术，提高生活品质，再有钱也象暴发户，有钱不知怎么使，以至有了富贵思淫这种词的再现。对不起！话说得有点激动有点跑题，不过说到文化，咱们三四十年代文化是个活跃期。我看那时的书籍设计就不太一样。它很简洁，但是又很讲究，虽然是手工画的，也有字体的设计，不象我们后来往封面上搁一张图再搁上一行字就算完了。再看书里版式的编排，象字体大小的变化、横向与纵向的关系、文字组合排列的疏密等等细节，都有整体的考虑。让人感慨的是这些版式的设计者，还不是专业的平面设计师，而是些无名的编辑或校对，这说明当时在读书人的圈子里有一个特别好的文化氛围，有了这个氛围，不用学美术也能有感觉。◎你的意思是，做设计的人学画画不单是为了掌握一门手艺和技术，更主要的是在这个过程里积累自己的视觉修养。能不能具体说说？▲就说造型能力吧，对于一个平面设计师来说，你可以不亲自动手去画--虽然到目前为止我还一直是自己画，但是你在设计中，比如用电脑对各种图像的加工和改造却是需要你的绘画功底来给你"掌眼"的。象我做的"蒙娜丽莎"抱着个婴儿的合成影像（瑞士诺华公司1998年挂历），你看那些细节都很厚，其实这两张照片的色度完全不同，你能不能把它们严丝合缝地吻合在一起，全靠你的绘画功底了。这不单是技能上的事，对你的整体设计都会有帮助。◎现代设计在中国只有很短的发展历史，它和工艺美术的"装饰"和"美化"有什么区别？▲设计和装饰是不一样的。设计是一个整体的构筑，首先需要的是创意、想像力，把无变有，其中还包括对工艺的肌理、印刷、装钉、纸张材料等等各方面表现力的挖掘。而装饰是原本就有一个东西，再往上面添点枝、加点叶。◎假如是一张报纸，设计从一开始就得对整张报纸的功能性、可视性等等所有东西作整体地考虑，而装饰只是把版面里的"报花"、"报尾"弄漂亮。是这样去理解吗？▲以设计和中国传统文化的关系为例来说吧，有的设计者从传统里拿些纹样出来拼贴成自己的设计，以为这是对传统文化的兼容和吸收，其实这不叫设计，它还是装饰。对于传统文化，我们需要吸收的是它的思想和观念，然后把它融化到自己的创造意识里来。这样你做出来的东西，看着可能很时髦，但是骨子里却有传统文化的脉动。我们常常强调"民族性"，可究竟什么是民族性？难道就是把传统的东西"切"一块"贴"过来吗？如果仅此而已，洋人比咱们做得更好，因为他们不太了解我们的历史文化，只是从形式入手，所以更好看。而我们比他们更懂点自己的文化，所以不敢象他们那样胆大妄为东拼西凑的，怕别人说自己是外行。故带着"规矩"去做反倒逊色于外人，加上对现代设计手法运用得不是那么娴熟，只是盲目的copy，出来的东西更是四不象。所以要从内涵上承袭一些有用的传统精神，才能出新东西，而不要再去撬老祖宗的金牙了。◎能不能以你自己的作品为例，说明设计究竟是怎样的一个整体构筑？▲1995年底，中国青年出版社建社40周年之际出版了一套礼品书--"典藏开明书店版名家散文系列"，一共16种。这套书的原版本都很薄，怎么通过整体的设计使它在当代文化中再现魅力呢？我首先在开本上作文章，选择16开的高度，32开的宽度，使整本书六个面的视觉效果既很大气，也平添了三四十年代老书的味道。为了适应这种开本，版式上拉大行距，突出了散文轻快的风格，也在无形中把页码增多，有了礼品书的厚度。封面的设计，我选用了蓝色。中国传统的书籍多用藏蓝色调，它是中性色调，深沉柔和、不冷不俗，符合朱自清、周作人等现代名家的身份，不失朴实却又隐约透出一股旧时代知识分子的贵气和孤傲。封面上我还设计了一些小方孔，让人联想起老宅书斋的窗子，也令人想到中国方块字的结构与排版方式。封面上用的是老字体，从各书中精选一段经典的文字，印在朴拙的底衬上，恍惚是在读旧时的报纸。每个封面上的作家人像，我都只突出眼睛部位，因为它们犀利、敏锐，蕴藏着作家本人对时代生活的洞察与感悟，这一双双眼睛望过来，可以直通我们今天的人生感受。我用金墨和银墨混合成封面人物形象的色调，突出古典幽远的韵味。在这套书的版式上，天头和地角都留了很多空，页码用的是中国的大写数字，行距间不规则的小方孔造成意识流的感觉，体现了散文的闲适与随意。◎在你看来，什么是好的设计？▲我觉得好的设计，它的漂亮是为了用，也就是说可视性与功能性结合得比较好。还有它的创造性能够给人以启发，让人心生异想。设计永远应走在生活的前面，她引导生活，给生活以不断更新的内容，永远呈现给生活的是一个又一个意想不到的新视觉。也就是说设计即是时尚，永远领导潮流；反之，设计师没尽自己的职责，为了蝇头小利敷衍、盲目顺从客户，不提出自己经过深思熟虑的具有创意的积极意见，那就是在干“行活”，不是在做好设计。好设计是争取来的，她多少是带有点前卫意识的，她的实现是会有阻力的；一成不变，“风格”永远的不叫好的设计，标新立异，不断推翻自己的才是优秀的设计。◎创意对于设计来说是个关键，你认为什么是设计的创意？▲创意包含了很多方面的内容。简单地说，就是怎么样通过形象将你要传达的内容和传达的载体巧妙地结合起来，怎么样将所有元素综合起来汇入一个传达方式里，让人能够直观得到。做到设计与受众心领神会的沟通，便是一个设计创意要达到的效果。如果只是孤芳自赏，还要一大堆解释才能完成的创意，就不是一个好的创意；不是一个巧妙的创意，最起码不是一个完整的创意。◎象你设计的本书封面，将“与当代艺术对话”的概念，转化为手机按键这样简单的载体，每个按键上的人名，巧妙地与通常手机按键上的字母象形，而且这些艺术家本身就是与当代艺术“通话”的“一指键”，每按一位，就可以接通当代艺术的一个领域，与艺术家一起探讨当代艺术的问题。手机通话的形象，既与此书“口述”的性质相吻合，也与书名“有事没事”所寓的日常口语感不谋而合。不知道你这个创意是怎么产生的？▲最初我也不知道怎么做，就把有关的图片罗列在一起，做了出来发现连自己都感动不了，还怎么去感动别人。再说，这些图片从书里面也能看到，何必还要出现在封面上呢？后来我就进了一步，想虚拟一个形象——一个对话的形象，他不能太具象了，而且还得有一定的共性，按照这个想法我又做了一个人物头像，出来以后我自己还是不满意。你这本书涉及了电影、美术、音乐、建筑等等许多的领域，虽然它们都属于艺术范畴，但是它们给人的感官印象是不一样的，所以与它们相关的视觉形象也是不同的。最后我发现，要想在画面上找到一个能包含各个艺术领域的视觉形象几乎是不可能的。这条路是走不通了。后来，我借用超现实的观念，想到了手机这么一个既现实又虚拟的形象。当然这里面也还有一个文字和形象结合的问题。为了让读者对书中的内容能一目了然，最好是将书中的12位受访者罗列在封面上。最初我想到的是12位艺术家的形象，后来逐渐抽象为12个人名，但是文字和形象的关系是什么？如果没有经过设计的思维，文字和形象之间往往是脱节的，各说各的，或者是文字随机地见缝插到形象之中。我希望能够把文字的信息和视觉的形象自然结合，通过形象的载体巧妙地传达给读者。所以我仿照手机按键第一个字母大写的形象，将每个人名的姓氏放大，这也符合中国人重视姓氏的习惯，也与手机的形象相吻合。我把这些人名的文字本身也当成了画面的元素，把文字也当作形象来设计。我觉得这对中文来说尤为便利。◎我常听人抱怨说中文不如英文好设计，因为没有英文的流动感，所以有人宁愿用汉语拼音来"美化"自己的设计。你怎么看？▲其实，起源于象形文字的汉字，在设计上有西文没有的优势。关键是看你能不能去挖掘方块字的造型潜力和设计空间，还是一味地copy西方的字形设计。我觉得汉字是很重要的设计元素，我喜欢把它设计成图形化的东西，这时你会发现汉字不单有语言的含义，而且它的形象也很好看，它的字义和字形都可以传递内容和信息，所以很有设计空间。象我1994年做的《老子他说》、《孟子旁通》（南怀瑾著），“老”字的一笔，我用了一只作禅手，“孟”字的一笔，我用了两只交会沟通的手。“手”喻示着人的意会能力，这两部书是对老子和孟子的思想的解说，我用“手”的形象传达出古人“意在言外”的旨趣。我自己的体会是，文字设计好了，它的效果可能会比具体的图象还要强烈，因为它还有内容藏在后面，可以推着表现力往前走，因此文字比具体的图象更具张力。◎1996年，你和吕敬人（中国青年出版社美术编审）、宁成春（三联书店美术编审）、朱虹（中国社会科学出版社美术编辑）一起举办了四人设计展，并出版了《书籍设计四人说》一书。此举在大陆出版界影响很大，也是平面设计走向自觉的标志。能不能谈谈展览前后的情况？▲国内出版界拥有一支美术编辑的队伍，但是美术设计的“地位”在出版行业是很低下的，谈不到主动的创造。当时我们的努力，是使书籍的设计成为一种独立的传达媒介，象我当时在中国青年出版社，新上任的领导也比较年轻，头脑比较开放，在我们这种体制下一个明智的领导是非常重要的，能决定一些事情，创造一些条件。所以有