诞生(西方视觉艺术分析)

《亚当与夏娃》《亚当与夏娃》以古希腊雕塑艺术为典范，试图恢复古典艺术的理想化形象。作者充分运用严谨的人体解剖结构和精致细腻的描绘手法，把亚当与夏娃刻画成两个健康、美丽并充满青春活力的艺术形象，赋予宗教人物以生动的世俗感情和生活趣味，宗教的原罪意识变成了人间浪漫的艺术情境。亚当的头微微地侧向夏娃，左手拿着苹果枝，右手是优美的平衡动作，比亚当显得更为白皙的夏娃站在知识之树旁边，一只脚放在另一只的后面，她的右手放在一树枝上，而左手则接受了蛇给予的苹果，树枝上悬挂着的标牌上写着画家的名字和作画的日期，无论是优美的体态，随风飘浮的头发还是健康的肤色，脉脉念情的眼神都是对人的形象本身的真是描绘与倾情赞叹。阿尔布雷希特·丢勒的艺术特点：丢勒把意大利人文主义艺术的高度成就与日耳曼艺术传统结合在一起，实现了南北欧艺术的融合，日耳曼人的严谨与幻想，对大自然的热爱，以及意大利式的人文主义气质，古典的稳重，包容性地存在于他的艺术之中。在他的油画作品中，肖像画是最令人称道的一部分，这些作品把画中人表现成新兴道德和智慧的化身，具有日耳曼人特有的严峻，刚毅的气质，提供了新时代的德国人形象。铜板画技巧在丢勒手中被运用得完美无缺，在微妙的质感和影调对比中，把形象刻画得栩栩如生。丢勒的版画是严谨与幻想水乳交融的杰作通过完美的技巧和合情合理的想象，他忠诚表达了对艺术与上帝二位一体的信仰。

《创造亚当》米开朗基罗米开朗基罗是西方艺术史和文化史上的灯塔式人物。在雕塑、绘画和建筑方面，米开朗基罗难逢敌手，甚至他通过艺术创作表达美感（这是他许多诗歌作品中最重要的主题）的热情，也很少有人能比得上。米开朗基罗执著、大胆、坚定，全身心地投入到他的艺术使命中，不愧是艺术创作天才中的典范。在西方文化史上，米开朗基罗的人艺术成就有至高无上的地位。西斯廷教堂里的绘画表现了米开朗基罗的抱负、精湛的技艺以及他与人性直接对话的强烈愿望。《创造亚当》这可能是西方艺术中最具标志意义的绘画，描绘了上帝将生命赐予亚当时那电光火石的一刻。这幅画表明了受到古典主义启发的米开朗基罗心目中理想的裸体男性想象。如果说达芬奇的艺术源于自然、源于观察，那么米米开朗基罗的艺术则从一开始就得益于它对人体结构的认真研究和他的思想表达能力。这是理解米开朗基罗艺术的关键，既可以用来理解他的雕像，也可以用来理解他的绘画。作为画家，米开朗基罗的成就主要体现了西斯廷教堂的壁画上。在绘画史上，人体从未发挥过如此重要、如此强大的作用，它将基督教神学和经典人物造型融汇起来，成为传播人文与精神剧本的介质。、《创造亚当》展示了人体的完美和秩序的神圣，是天顶画中的重要场景之一；祭坛墙上的《最后的审判》则是对灾难场景的描绘，画中被诅咒的灵魂受到了永远的刑罚。这两幅作品都是西斯教堂里的壁画。在壁画中，米开朗基罗即有创新又有破话，穹顶上的壁画是文艺复兴盛期绘画作品中的典范。

《维纳斯的诞生》《维纳斯的诞生》是桑德罗·波提切利的代表作品，该主题取材于希腊神话，传说中的维纳斯从爱情海中诞生是就是成人，生来就是完美无缺，而后被风神吹送到米洛斯岛，有春神给她披上美丽的衣服，画家所展现的就是这一场景。画面中的维纳斯虽然有着苗条的身姿和青春的生命，但它较弱的体制和略带迷茫的神情却充满了惆怅感，表现出女神对世界的困感和对未来的不安，这种成熟肉体和稚嫩神情的结合形象地描绘了维纳斯诞生时的心理。一画，原是为装饰劳伦佐的别墅而作的，作于1485年间。据说，画家从波利齐安诺一首长诗《吉奥斯特纳》中受到启迪，诗中形容维纳斯女神从爱情海中诞生，风神把她送到岸边，春神又从右边急忙迎来，正欲给她披上用天空的星星织成的锦衣，纷飞的鲜花加强了这种诗的意境。画家处理这个场面时，舍弃了原诗中一些喧闹的描写，把美神安排在一个极幽静的地方，背景是平静而微有碧波的海面。维纳斯忧郁地站在象征她诞生之源的贝壳上，她的体态显得娇柔无力，对迎接者以及这个世界似乎缺乏热烈的反应。它告诉观者，女神来到人间后对于自己的未来，不是满怀信心，似乎充满惆怅。维纳斯这个形象在一定程度上反映了艺术家自己这个时期对现实生活的惊惶与不安。画家为了造型的优美而牺牲了部分自然的形体，从而更增强了艺术的感染力。修长的身躯、细软的双手、柔和的脸庞、梦似的眼睛略带着困惑与忧虑，这是波提切利笔下所有女性的特质。她们尽管娇柔之极，但却使观者在对美的凝望中屏息凝神，仿佛有一束来自天国的光将她们沐浴在神圣的光环里。人物的眼神并不落在画面上的某个物体，也没有和观者发生直接的交流，而是用这种没有任何落脚点的目光在观者与画作之间引入了第三个空间。她在哪儿？看着谁？导引观者很自然地从视觉进入沉思。他笔下人物的与众不同之处，并不在于诸如匀称等具体的美的原则，而在于他提供给我们的对于美的思索。可惜，这仍然是传统的基督教会所不能容忍和接受的。当美第奇家族倒台并被赶出佛罗伦萨后，波提切利也因为失去庇护人而很快被世人遗忘。他的晚年贫困潦倒，最终在孤独寂寞中死去。直到19世纪末期，一些追求设计感与精致趣味的人重新发现了这位善于创造美的大师，波提切利才重新回到人们的记忆里，他让我们或许已经有些麻木的神经再次感觉到：美，是一种体验，绝非他物。古代希腊人想象的维纳斯，是成人般地从海中诞生的，即生下来就是个少女。古希腊哲学家柏拉图却把这段神话作了唯心主义的解释，他说，美是不可能逐步完成或从非美中产生的，美只能自我完成，它是无可比拟的。波提切利这一形象也为这种哲学作图解，这个维纳斯的姿态，就是按照古典雕像的样式来描绘的，只是按照古典雕像的那样来描绘，只是把两只手换了个位置，然而画上的形象并没有古典雕像的健美与娴雅，给观众的印象是萎靡和娇弱，并且充满着对生活的迷茫。这就是画家自己对现实的矛盾反映。我们这样分析，不是说这幅画的艺术价值不高了。而是指出，画上的维纳斯形象，有着画家自己的影子。再从表现技法上看，作者的写实手法中掺杂一些变形的因素，如维纳斯的脖子过长，头发用线太过分，好像是以一绺绺有弹性的物体。手足的比例也夸张些。这一切，似乎在故意强调形象地精神，而不是着重表达肉体。波提切利很善于用线。线条在维纳斯裸体上变得极为流畅，至于那个风神形象上的线就更复杂，具有旋转的趋势。全画的色调也极明朗和谐，艺术家用这一切来尽量强调形象的秀美与清淡，只能让人感到作者的意图是神秘的，主题思想是隐晦的。《春》这幅作品里，博提切利表现了美神维纳斯和她的庭院。维纳斯最初是司雨的天神，代表的象征含义很多：春天、繁殖、丰饶等，而“创造天地万物的爱与美”是她最主要的象征意义。在传说中，无论是谁，包括众神，都无法逃脱她爱情的诱惑。她连走路时都会荣光焕发，这时百花吐艳，群兽也会从森林中跑出来跟在他身后。波提切利是最早将这种超群脱俗的“美”还给维纳斯的画家之一。站在画面中间的就是维纳斯，她的中心地位通过其身后与众不同的植物得以烘托。她呈S形体态，身着白色的丝绸长裙，长裙外又披一锦缎长袍，一面为红色附菱形图案，另一面是蓝色底上以金丝线刺绣花纹，其上更装饰有点缀着珍珠的流苏。这种红色与蓝色的主色调是当时表现圣母时才经常使用的。在新柏拉图主义者看来，古代神话中的维纳斯同《圣经》故事里的圣母一样，都是年轻、美丽、高贵的理想美化身。她们可以通过自身的美丽来提升人们的灵魂。最早将这幅作品命名为《春》的，是文艺复兴时期的美术史家瓦萨里。他说这画的是一位象征春天的维纳斯，因为“她的左右满是鲜花”。此画在1890年得到修复后，专家们总共在画中辨认出500余种植物，它们中的90%全都能够在三、四月份的佛罗伦萨采集到。由此可以肯定，它确实表达了春天的主题。神话中，每当春天，维纳斯的到来便会使万物生长、百花盛开，而到了冬天，她就又到地下的冥府。也可以说，春天寓示的其实是一种孕育生命的能力。维纳斯不仅在自身中采纳神的光辉，而且能够通过生育与创造将这光辉的火花传递给世界的各种物质。因为有了这种火花的存在，世界上的所有物质便可以根据他们本质的接受能力，显出不同的美。而这种美，又可以由人的眼睛感知到，从而再次引起对于天国的爱和深思。可以说这幅作品描绘的是关于诞生与转变的主题。它通过不同人物的组合，描绘出一片生机盎然的意象，经历严寒的冬季，生命在此时焕发出动人的光辉。维纳斯在画面中，左手握住棉缎长袍，右手优雅地舒展伸出，邀请观者一同进入她的世界，这里不仅有女神与鲜花，也有生命之美令人唤起的欢愉。它让我们记住这句名言：“爱从美开始，终结于欢心”。《受胎告知》达芬奇达芬奇是整个文艺复兴时期最杰出的代表之一，他学识渊博、多才多艺，所涉及的领域包括绘画、雕像、哲学、音乐、医学、生物学、地理学、建筑学、军事学等，是一位富有科学探索精神和艺术实践能力的天才人物。《受胎告知》选自圣经故事，讲述的是玛利亚许婚给了木匠约瑟后，没有同房就受到圣灵感召而怀孕，天使加百列受众神差遣去向玛利亚问安，并告诉玛利亚她已经承蒙怀孕，可以给孩子起名叫耶稣。画面中描绘的正是天使面见玛利亚的场景，天使跪在草坪上传达神旨，正在看书的玛利亚听后左手向后退缩，表现出内心的惊讶，画家采用开阔的横幅构图来展现贵族庭院视野，同时用运动科学的透视法来安排画面中各种事物的位置，画面中所有物体都指向地平线上的单一灭点，是直线透视法最典型的运用范例之一。达芬奇对待绘画总是秉持着精益求精的态度，绘制这幅作品也不例外，他在早期的草稿上画满了各种设计草图，还有许多说明文字，以此来探索客观真实，表现世界的真实面貌。《受胎告知》安杰利科安杰利科的这件作品画面纯洁温馨，又有一丝童真，使欣赏者感受优雅，梦幻以及那诗一般的抒情色彩。作者非常注意人物的写实描绘，人物被置于真实的透视空间里，环境背景是罗马式拱券结构建筑物，立着细长的科林斯式廊柱，使环境显得古老而有深度，人物形象虽然写实，但缺乏生命力，内中隐含着某种神秘性。安杰利科始终是只弹已跟弦的画家，而这根弦始终发出一种明朗的调子。他的作品对后来的拉斐尔颇有影响《受胎告知》罗伯特·康宾罗伯特·康宾1406年在今比利时的图尔内获得画师称号。以后就一直住在那里。作为低地国家的著名祭坛画家，他有许多门徒，如罗吉尔·凡·德·威登等画家。这一幅祭坛画《受胎告知》以前归梅罗德收藏，故又称梅罗德祭坛画。现被收藏于纽约大都会美术馆。此是祭坛画的中央一幅(左翼一幅画着供养人英加布列赫特夫妇像；右翼一幅画的是圣徒约瑟)。尽管康宾在图尔内的绘画声誉极高，也有许多后来很出名的学生，但就这一幅画的风格看，它残留着尼德兰早期宗教画的诸多不足；人物动作僵硬，透视不准，圣母的衣褶画得象一块多褶的硬板，极不自然。天使报喜的目光不专注，马利亚闻喜也不惊讶，只顾自己阅读一卷厚厚的圣书。可是其他细节，包括壁炉架、桌椅、窗框等道具，都画得出人意料的细腻、匀整。其用色的水平，使人惊奇，几疑不是用画笔画出