试论美术史作为美术基础课教学的重要性

试论美术史作为美术基础课教学的重要性苟亚萍

导读：任何时期的美术活动都不是孤立存在的，都是活跃在美术史的长河中，并建构着新的美术史。现今美术教育蒸蒸日上，但美术史作为美术教学的基础课却因为种种原因一直处于薄弱环节，且长久得不到重视，令人堪忧。现今一些高校美术教学中过于偏重对学生技术的训练，即所谓专业课的教学，忽视了对学生审美意识的培养，是偏离了艺术的审美本质的，更偏离了现代艺术体系对美的解读。艺术美区别于自然美，甚至高于自然美，正是由于创作主体审美意识的参与，是由创作主体按照美的规律，并为着美的目的而创作的事物的美。关键词：美术史，基础课，美术教学，审美意识

一切美术根植于传统，成长于传统。任何时期的美术活动都不是孤立存在的，都是活跃在美术史的长河中，并建构着新的美术史。

现今美术教育蒸蒸日上，但美术史作为美术教学的基础课却因为种种原因一直处于薄弱环节，且长久得不到重视，令人堪忧。

美术≠技艺

柏拉图曾要将诗人逐出理想国，他认为艺术仅是模仿，是“第三种床”，艺术家就是手持镜子的人，是骗子。古希腊将绘画、雕塑、造型艺术划归平民艺术领域，视为体力劳动的一种，盖伦称之为“粗俗的艺术”、“奴隶的艺术”。古罗马继承了希腊轻视体力劳动的观念更将绘画、雕塑置于低下艺术之列……直到文艺复兴时期建立了现代“美”的概念，艺术的社会地位才得以提升。

就现代艺术体系而言，美术，不是技艺，更不是技术，而是一种特殊的意识形态，是美的艺术。现今一些高校美术教学中过于偏重对学生技术的训练，即所谓专业课的教学，忽视了对学生审美意识的培养，是偏离了艺术的审美本质的，更偏离了现代艺术体系对美的解读。艺术美区别于自然美，甚至高于自然美，正是由于创作主体审美意识的参与，是由创作主体按照美的规律，并为着美的目的而创作的事物的美。

表达自我，是艺术的自我

高校美术教学，主要目的是培养学生独立进行艺术创作的能力。艺术创作，是艺术家表达自我的一个过程，即美术家将本人内心对外界客观事物的真实感受通过媒介转化为视觉形象。这其中的“自我表达”与无逻辑的自我发泄行为有本质的不同，艺术中的“自我表达”是美术家对艺术表现的规律性进行认真研究和审视之后通过艺术途经表现出来的自我，是艺术的自我。此过程中对艺术表现规律的研究，最直接的就是对美术史的研究，这就要求学院加强学生学习美术史系统知识的意识，在教学中加强美术史作为美术基础课的重要作用，切实的把美术史课重视起来，而不是作为所谓的“大课”应付了之。

美术创作过程首先是创作者通过观察体验事物形成一定的认识，其次运用媒介、手段表现而形成可视形象。简而言之，即是从构思到物化的过程。

美术创作的第一步，观察体验形成认识，即通常所说的意在笔先。这看似应该是由学生自己独立完成，与教学无关的内容，恰恰相反，此过程是教学的关键环节。其主要任务就是培养学生对生活的敏感性，引导学生掌握如何在日常生活中发现不同，发现美。这一关键的环节便是通过美术史基础教学建构起来的，学生通过学习美术史，对史实有了一定的了解，易于在习以为常的现象、行为中发现差异，系统的教学让学生对整个美术发展历程了然于胸，通过对重要历史阶段的主要流派、主要画家、主要作品的研究，形成观察生活的独特视角，发现生活中的亮点和可深入点，完成创作的构思环节。这也是学生形成自我审美意识的过程。美术创作中通常提到典型形象，而这个典型形象正是基于创作者对个别进行分析、综合、概括、集中创作出的充分体现一般的个别形象。如米开朗基罗的作品《大卫》，他选择了表现建功立业前的大卫，一个充满愤怒和力量的年轻人的形象。这个年轻人代表了文艺复兴时期向往自由的无数个人文主义者。他的不朽正是因为他不是一个个别的大卫，而是一个特殊时期一个特定人群的缩影。此过程如果没有美术史知识的架构，学生的视角一般是散乱的、个别的，很被动，难以形成一个特定的内心视像，也就是审美意识的不成熟，“眼中之竹”转化不成“胸中之竹”。

其次便是选择媒介传达的物化步骤，将创作者的审美意识通过特定的媒介转化为可视的审美形象。这是强化技艺的过程，主要通过严格专业课教学达到，要求学生掌握各种可能物质媒介的特性，以及提高表达的能力和技巧。那么传达过程中是否有美术史的参与？回答是肯定的！传达中有一个重要的环节，即创作方法的选择。此创作方法不是狭义的艺术手法、技法，是指某种艺术思想在创作上的体现。这个过程是与技艺相制约，创作手法不能随意选择，要受到一定造型手段和物质媒介特性的制约，要求将创作手法与造型手段、物质媒介有机结合而达到和谐美的高度。。通过专业课的教学，学生掌握了物质媒介的特性，拥有了表达能力和技巧基础上，便是对创作手法的必要研究。美术史中创作手法主要有现实主义，古典主义，自然主义，浪漫主义，西方现代主义。每一种创作手法发生的时间，原因，主要艺术家，主要作品这类美术史知识不能留有空白，否则就可能闹下笑话，也使得作品显得不和谐。如自然主义的代表画家米勒的作品《拾穗者》，画家截取了一个生活片段，农民弯腰拾穗的瞬间，甚至没有面部的表达，仿佛下一秒这几位农妇就会发生变化。再如其作品《晚钟》，暮色中，远方的教堂钟声响起，穷苦的人满怀着希望静静祈祷，画面很宁静，但是你会感觉前一秒人物会是在做着另一个动作，下一秒随着钟声结束，人物马上会发生转移。论文格式。两幅都是不朽的作品，都是在描绘生活中的一瞬，平铺直叙，放佛不涉及创作者的情感表达，这与古典主义的理性、永恒美差别很大。这就要在教学中引导学生研究这一时期的社会背景，十九世纪的法国科学技术的发达令宗教的神圣地位发生了动摇，画家有了直接观察的兴趣，热爱即刻可及的现实就导致了批判现实主义产生，此时，认为绘画的本质是一种具体的艺术，只能存在于对真实具体事物的再现中，绘画的本质是对真实事物的再现，重视再现的真实，以生物学物理学的角度认识自然、社会和人。这些如果在教学上缺失，仅靠学生解读作品，解读画家，很难宏观的把握，也就很难领悟到这一创作手法的本质精神，创作中很难得心应手。物化阶段，学生必须充分理解了各种创作手法构建美术史的重要意义，在教学中，教师可以引导学生将同一题材尝试用不同的创作手法表达，以培养学生创作的和谐美感。波洛克不仅仅是波洛克

在美术教学中，经常会遇到有学生喜欢前卫艺术，崇拜波洛克，便模仿波洛克的行动绘画。用纯颜料，或者掺和了某种材料滴撒出无规律的痕迹，并命名为某某1号，某某2号……甚至于误解大师就是如此形成的。完全不理解抽象表现主义形成的原因，及其在美术史建构上特定的意义。

波洛克不仅仅是波洛克，波洛克的行动绘画是抽象表现主义的一个高峰，他之所以能成为建构美术史的重要一环离不开二战后美国特殊的社会背景，他主要表现美国的知识界在工业化社会中的狂躁，忧虑不安的情绪，也表达了美国人不墨守成规、勇于进取、不断开拓客观世界的民族精神，更体现了美国战后昂扬的精神状态。就艺术高度而言，波洛克的绘画不是通常所理解的无意识的，盲目的行动绘画。其吸收了印第安沙画的传统形式，看似无规律的轨迹更是以画家对美的规律的掌控为基础的，对作品的剪裁也是和着美的目的体现着画家审美意识的。

学习波洛克学什么？学习波洛克勇于创新的精神，更要研究波洛克在美术史上的重要意义。

美术史教学为创新提供平台

艺术成长于自身遗产及传统中。美术史教学，不仅要教会学生如何看待历史，还要引导学生创造历史。

对美术史整体架构的解读可知，记载的每一个艺术流派，每一次艺术潮流都是对前一个美术运动的修正。以十九世纪法国为例，随着大革命的到来，新古典主义取代罗可可，以复兴希腊罗马古典艺术为名表达勇敢、牺牲、英雄主义的新思想，并积极参与现实。既而浪漫主义兴起，反对新古典主义理性的冷漠，强调自然、本真，表现异国情调及戏剧化的动态。论文格式。其保留了新古典主义与现实的联系，但将其对冷漠的牺牲、英雄主义的表达转变为对感性的异域情调的表达。之后出现的批判现实主义则更关注现实所见，选择日常生活的普通主题。每一次创新都是在传统上的偏离，偏离但不远离。即是贡布里希的“预成图式”和修正观点，预成图式会在进一步的操作中不断地进行修正以达到满意的效果。