婚庆美学世界艺术发展史

婚庆美学——世界艺术发展史

第四部分：17世纪艺术对一切爱好美术的人来说，17世纪艺术大有看头。这时有第一流的绘画、雕塑和建筑，艺术家能出色地表达故事情节，巧妙地唤起感情、表现人物、渲染气氛。不同艺术家表达同一故事时可以有不同方法，对所画人物和所熟悉风景的观察也不同，但他们都非常直接地对观众说话。概述

17世纪是艺术活动蓬勃向上的时期，这是个伟人辈出的时代，产生了像伯尔尼尼和鲁本斯、克劳德和普桑、伦勃朗和委拉斯开兹这样一些巨匠，以及在今天知名度虽较小，但实际上是处于相同级次上的其他许多大师。这也是个充满信心和乐观精神的时代，至少在成果最丰硕的几个中心是这样。

我们给这时期的艺术一个正式的名称叫“巴罗克”（巴洛克，barogue）。巴罗克艺术并不是铁板一块，每一个巨匠都有他自己的风格，个人风格上的差异又反映在国与国之间更大的差别上。文艺复兴艺术起源于佛罗伦萨，巴罗克艺术则起源于罗马，它是在为天主教会和富裕的宗教贵族效劳时产生的。一、巴罗克艺术的兴起

1、17世纪初的罗马：教会的胜利1527年，教会已经处在路德这些改革家的猛烈攻击和西班牙军队的洗劫下损失惨重。教会靠自我改造进行了反击。教会同意用以往的基督肖像来开导信徒，但开始时把重点放在建筑上。艺术家和他们的主顾都不觉得在基督教信仰和生活提供的欢乐之间有什么不一致。他们也大胆地使用由文艺复兴时期的人文主义者们留传下来的异教神话的丰富遗产。

2、从文艺复兴到巴罗克艺术：绘画

欢快的气氛、纵深的感觉、现实主义的绘画和动态情景，这些特点后来成为许多巴罗克绘画的典型特征。但在拉斐尔的天顶画上，这些特征从未表现得这么充分。阿尼巴·卡拉奇作《巴库斯和阿里阿德涅的狂欢游行》3.雕塑和建筑巴罗克特征也在很大程度上从雕塑和建筑方面表现出来。有三位艺术家的作品当时表现出这种特征——伯尔尼尼、博罗米尼和皮耶特罗·达·科尔托纳。

3.雕塑和建筑

伯尔尼尼和米开朗基罗设计的小礼拜堂在伯尔尼尼的礼拜堂中，雕塑、绘画和建筑物融为一体，不仅不使我们有闯入之感，而且把我们拉入其中。罗马巴罗克建筑具有动态，就像伯尔尼尼的《大卫》一样，而文艺复兴建筑则是静态的，即使它如米开朗基罗的《大卫》那般紧凑有力也罢。3.雕塑和建筑

我们还可以说在《圣德肋撒的幻觉》中，雕塑具有绘画的某些特色。人物安排得只能从前面看，配合着房屋的结构，隐蔽的窗户调节光线，加强了金线和彩色大理石的色彩效果。同样，画在穹顶上的天使和云朵也具有雕塑的某些特质，因为它们创造出三维空间的幻觉。二、雕塑：大理石上的动态和血肉1.神话故事雕刻17世纪初期，欢快的自信感体现在作品当中。2.教皇的墓棺

3.人物胸像

在人物胸像方面也可作类似比较。现在比较的一方是朱利亚诺·菲内利为乌尔班八世的宫廷诗人兼才子弗朗切斯科·布拉齐奥利尼作的胸像，另一方是伯尔尼尼（及其助手）为英国贵族贝克先生作的胸像。菲内利为保险起见把他所塑造的人物表现于静态之中，伯尔尼尼则选了瞬息即逝的一刻；对菲内利的胸像我们可以使用诸如静止、细致、纹理精美等形容词，对伯尔尼尼的则可用动态、粗犷、傲慢等等。三、绘画：用光表现的现实17世纪许多艺术家追求的现实主义，部分是针对16世纪下半期一些极端矫揉造作的艺术品而产生的。那些艺术品有一种独特的对好趣味的看法，主张对真实世界作夸张的理想化反映。1.卡拉瓦乔

卡拉瓦乔的革命——事实上这的确是革命——有两方面。首先他拒绝古典的规范，比如在画基督生活场面时就特别顾及普通人民，那些渔夫和收税人，这些人才是基督所真正交往的。他把这些人收入画面，努力使他们对当代人显得真实。其次，为加强现实感，他把人物放在画面前部，用强光照射，从而使注意力集中在发生的事件上，次要部分则隐没在阴暗中。他甚至把一些人画得好像走出画布、走向观众，或者把手伸出向观众打手势。这基本上是伯尔尼尼的相同手法，要把观众拉入行动——虽说卡拉瓦乔是首先运用这种手法的，而且用于绘画，而不是大理石。2.卡拉瓦乔在佛兰德斯和荷兰的追随者

3.伦勃朗的宗教作品

伦勃朗的宗教情感是纯粹个人的，来源于他自己的经历和对《圣经》的深刻了解。在信奉新教的荷兰，人们阅读《圣经》、思考《圣经》，用这些取代天主教的听神父说教、回顾圣人生平、修行礼拜等等仪式。伦勃朗选择的题材也是他自己的，卡拉瓦乔、伯尔尼尼、鲁本斯这些天主教艺术家的绘画雕塑题材是别人指定的，为的是张挂在一个特定的教堂或私人礼拜堂里；荷兰的卡尔文派教堂则没有这种要求。阿姆斯特丹市民享受着新商业繁荣带来的财富，他们的艺术需要是人像画、风景画、花草画等等。但宗教题材的版画也有市场，因此伦勃朗作为17世纪最伟大的画家之一，同时也是这个世纪最伟大的蚀版雕刻家，尽管不一定是古往今来最伟大的蚀刻家。伦勃朗的宗教作品

蚀刻版画用板印制，通常是铜板印制，画家先要在板上画出相反的图形，这一般是用一根针在一层薄薄的抗酸蜡层上涂刮，然后用酸腐蚀这刻露出来的铜板表面，再把墨水施于其上，然后擦去，只在刻出来的槽线中留下足够的墨水，让它印在覆盖于板面的纸上。这个过程还可以改成在板上直接用一根较硬的针刻画，从而使槽线边缘比较粗糙。这粗糙的边缘可以磨平，也可以保留下来，使印出来的线条比较模糊。伦勃朗的宗教作品

伦勃朗的光不是卡拉瓦乔那种热辣辣的南方光，可以把形体如塑像般准确地托出，以致我们都能触觉到。他的光是一种柔和的光，轻抚着物体的表面，把它和周围空间协调起来，使空间本身几乎都变得可感触了。由于伦勃朗的画不是为挂到祭坛上，不必在老远的地方造成强烈的印象，而是在较为私下的场合中从近处观看的，因此他可以在画的主体周围画上很大的空间以创造一种气氛，也可以把这个主体往后移，而不必使它显得好像要胀出画布。他之把我们卷入主体，不是使我们觉得自己当真在场参与其事，而是用更巧妙的方法：他揭示当事人最深刻的情感，由此来鼓励我们分享它。伦勃朗《以马忤斯的晚餐》伦勃朗的宗教作品

伦勃朗《被解下十字架的基督_1》伦勃朗《被解下十字架的基督_2》

伦勃朗的宗教作品

伦勃朗《拉撒路升天》四、绘画：佛兰德斯的色彩和华丽画面佛兰德斯（比利时）人早先对色彩的热爱，在一类绘画中继续得到表现，而又不受意大利影响，这就是花卉画。1、鲁本斯和意大利艺术

鲁本斯既能表现基督在尘世间生活经历的气氛，又能表现古代异教诸神田园诗世界的气氛。他丰富的想象力和全面的油画技巧使他能绘制最复杂的图画，画出生气蓬勃的形象在从事戏剧性的活动。鲁本斯的佛兰德斯背景还使他能够欣赏提香绘画中温暖的红色、黄色和绿色，他自己也使用一套主要是暖色的色彩。他给画上较亮的部分涂上许多透明的色层，调料中颜色少而油料多，这样下面的色层就能透过来。鲁本斯的宗教作品

在《上十字架》一画上，鲁本斯集中以冲突与运动为基础，设计了一个从左上角向右下角展开的对角线构图。强光来自右下方，行刑的兵丁出现在与强光相背的方向。耶稣被钉的十字架刑具是从画面的右下往左上方向竖起的。这支十字架显得很沉重。行刑的人物都很紧张，右边一个兵丁紧拽着绳索，左边的执行者托着十字架，身上的肌肉似都要绽开的样子。可是十字架上的耶稣却现出坚定的神态，脸上毫无痛苦的表情。他举目斜视着天际，突出了一种英雄般的精神力量。耶稣与下面一群执刑的暴徒，构成了力度上的对比。《上十字架》鲁本斯的宗教作品

画家以强烈的明暗对比，卡拉瓦乔式的聚光法布置画面，人物组合成对角线式安排：基督的尸体处于中心的亮区顶端，那位老者用嘴含着布，托着基督的臂膀，他就是信徒约瑟。承受降下基督身体的穿红袍者是约翰，对应的那位长胡子老人是彼得；抬手扑向基督痛不欲生的是圣母玛利亚，那位虔诚而多情地捧着基督脚的是抹大拉。在这幅画中没有激烈的人物动势，没有强烈的激情，只有充满崇敬的爱和深沉的哀伤，画中人物被黑暗所包围，沉浸在无限的悲痛之中，好似山川大地也为基督的死而默哀抽泣。《下十字架》鲁本斯的宗教作品

鲁本斯的乐观精神

爱之园画家仍以浪漫主义的激情将人与神、神话与现实和谐地统一于一画。画中一对对多情的男女以各种姿态传递着爱的情意，一个个身着华丽服饰的丰艳女子骚首弄姿，在期盼和享受爱之温暖，小爱神欢腾飞跃穿梭于人们中间，传播爱的信息。这是一幅充满柔情、温馨、欢乐的画境。画面右上角那位裸女雕像，正在向人间喷洒乳汁，那是天后赫拉在用乳汁浇灌人间爱情，施给他们以爱的力量。

帕里斯的审判

丽达和天鹅和平与战争2.花卉画中的色彩

花环中的圣母玛丽亚17世纪下半期，这种流行的花卉画形式传入英、法等地，并以不同颜色的木片、象牙、珠贝和骨器巧妙地拼接于其中，有时用来取代颜料。它表明这是个寻欢作乐的时代，但也是一个精神现实离表面尚不太远的时代。五、绘画：受理性抑制的感情有一些17世纪绘画没有这么鲜艳，这个世纪下半期法国艺术所特有的拘谨，而在17世纪早期，类似的拘谨甚至在阿尼巴·卡拉奇的某些作品中也很明显。这种绘画退到拉斐尔著名的沉静与和谐平衡之中，也退到古希腊罗马更早的作品那里去，这些作品都有相同的特征，而这些特征本身就构成后来所谓的“古典风格”。但这样的和谐与平衡并不是我们周围世界的特点，它是艺术家心灵和想象的产物，因此我们应有思想准备，它是在向我们的心直接呼喊，而不是诉诸感情。1.阿尼巴.卡拉奇及其门徒

2、普桑普桑对古罗马艺术崇拜至极，他不仅崇拜那许多塑像浮雕的平衡形态，而且崇拜它们宁静写真的情调。他拜倒在其魅力之下，便想在自己的绘画中再现它们。《圣家族在台阶上》就是一幅安宁平静、高度节制的画。画中没有丝毫的偶想之作，一切形态都精心配置、细心平衡。古典建筑的横直线条强壮有力，倚天而成峭立的壁影。空间结构如数学般精确，人物成三角形，圣母直身而坐，两个孩子是一根运动的链，到两边由安娜和约瑟收束。在这样一种有节制的结构中，人物和建筑相辅相成。这就是巴罗克艺术中古典一面的特征。3.路易十四的宫廷艺术17世纪比较古典化的艺术家的作品对我们显得索然无味，感情太受理性抑制了，以致除浮华的高雅外一无所剩；最小的细节都事先安排好，也就失去了真实性。但我们仍可以学那些偏爱这种绘画的主顾们，不把它看得过分认真，而去欣赏画家们在设计和色彩方面的高度技巧，以及他描绘其主题精髓的能力。六、绘画：巴罗克肖像画我们现在所谓的肖像画，是和文艺复兴重新对个人感兴趣同时并举的，16世纪时，它在丢勒、拉斐尔和提香的绘画中已达到高峰。但也许是在17世纪，它才在色阶层次、表现能力和探测人物内心等方面得到最充分的发展。不幸的是，在我们时代，肖像画因摄影师和画家、雕塑家之间的直接竞争，也因为摄影已诱使我们过分注重“酷似”，而受到严重打击。然而最伟大的画家追求的，一是使其画像活灵活现，二是使之有最典型的个人特征，酷似可说是附带的产品，但也几乎是不可避免的。1.鲁本斯和凡·代克的宫廷画像

凡·代克赋予对象的风流雅致，不仅源于其背景或画面结构，而且源于他对人的处理。他给人画上漂亮的双手，十指修长，脸部相貌较为规整，去除缺陷。他在宫廷画像中美化了对象，从而给他们一种可资钦羡的特征，就好像现代时装杂志模特儿引起其他女人的嫉妒那样。摄影师也同样操纵光线、背景、模特儿的动作、风微微吹起衣裙的柔软质地等等。因此凡·代克在17世纪30年代确立的肖像画标准，一直鼓舞英国的肖像画家达两世纪之久，庚斯博罗和雷诺兹都从他那儿受益匪浅。2.法国的宫廷画像

在法国，生动活力却受到图中主线条古典质朴的约束。到世纪之末，路易十四成为欧洲最有权势的统治者，他把自己说成是承天命实行统治，这时约束就不需要了。亚森特·里戈的画像几乎不表现国王的个性，因为一切手段都用来消除国王的人性而夸张他作为国王的气质。3.荷兰市民的群体像

4.伦勃朗揭示人类灵魂伦勃朗善于画人物之间和人物周围神秘气氛的能力，让我们不断自问他笔下的人物是否有某种隐示。

5.委拉斯开兹

七、

绘画：风景、市容和室内只是在17世纪，艺术家才把风景当作一个独立的题材来画。早先的艺术家——不管是佛兰德斯的、德国的还是意大利的——都把他最了解或在旅行中看到的风景记下来，然后以这些写生为基础，来为《圣经》或神话故事作背景。

背景上的风景往往表现主题的气氛：它们或如诗、或抒情、或神秘、或恐怖。有时，比如在乔凡尼·贝里尼的某些宗教画中，这种风景