中华传统文化教学课件（共8章）第六章 体会民间艺术之趣

体会民间艺术之趣壹贰叁肆雕刻的时光——剪纸艺术返璞归真的创造——塑作艺术人生的写照——戏剧艺术诗意的追求——织绣艺术CONTENT目录壹第一节雕刻的时光——剪纸艺术

剪纸艺术是指以剪、刻、凿等方法为主进行艺术作品的创作。剪纸艺术是一种造型手段，艺术家借助剪、刀、凿及其他辅助性工具，可以创作出一系列栩栩如生的作品，令人叹为观止。剪纸是中国最普及的民间传统装饰艺术之一，有着悠久的历史。剪纸艺术在我国分布广泛，基本上各个地方都能见到剪纸，具有鲜明的地域风格。剪纸既表现了人们的审美情趣，也蕴含着民族的深层社会心理。一、剪纸艺术的含义

剪纸艺术是一种用剪刀、刻刀等工具，在纸上或其他薄质材料上剪刻花纹，用于装点生活或配合其他民俗活动的民间艺术。剪纸艺术蕴含着丰富的文化历史信息，先后入选中国国家级非物质文化遗产名录和人类非物质文化遗产代表作名录。

剪纸技法主要包含阴剪（图6-1）、阳剪（图6-2）两大类，也有二者相结合的剪纸形式。阴剪法是指将图形从纸上剔除而保留图形以外的纸面，即在一张纸上抠出一个形状来，在制作过程中去除绘图中的造型线，留住的是大块面。阳剪法是指将图形保留而剔除图形之外的纸面，即在一张纸上有保留地剪出一个形状来，留住绘图中的造型线，而把其他部分去掉。剪纸艺术以线、面为主进行造型，或以线画面，或以点破面，点、线、面有机结合，讲究疏密、对称、重叠、对比、反复和连接等手法。图6-1阴剪图6-2阳剪二、剪纸艺术的演变

剪纸艺术在我国民间广为流传，根据历史的记载和出土的实物来看，剪纸有将近1500年的历史。真正意义上的“剪纸”应该从纸的出现开始，造纸术的发明为剪纸的出现提供了有利条件。

剪纸艺术的用途广泛，每逢春节、端午、中秋、冬至等时令节日，或者有人出嫁、生子、寿辰等场合，人们都会用大红纸剪出各种吉祥图案，装饰在室内、物品等上面，增加喜庆吉祥的气氛。三、剪纸艺术的分类

依据不同的标准，剪纸艺术可以分为不同的种类。依据用途不同进行划分，剪纸可以分为屏花、门笺、窗花、团花、礼品花、喜花、角花、顶棚花、墙花、箱柜花、壁花、边花、灯花、寿花、丧花等。依据用纸及制作不同，剪纸可以分为单色剪纸、彩色剪纸等。这里重点介绍单色剪纸和彩色剪纸。窗花屏花寿花1.单色剪纸

单色剪纸是剪纸中最基本的形式，由红色、绿色、褐色、黑色、金色等各种颜色剪成，主要用于窗花装饰和刺绣的底样。其表现形式主要包括折叠剪纸（图6-3）、小鸟剪影（图6-4）、撕纸（图6-5）。折叠剪纸是指经过对折或多折叠起制作而成的剪纸。“对马”“对猴”等团花就是经折叠剪出的。最早的折叠剪纸折法简明，适于表现结构对称的形体和对称的图式。图6-3折叠剪纸图6-5撕纸图6-4小鸟剪影

剪影是通过外轮廓表现人物、物象形状的一种剪纸方法，受轮廓造型的局限，剪影多表现人物或其他物体的侧面，一般用黑色纸或重色纸，适合表现透光效果，是一种很有特色的剪纸类型。

撕纸是传统剪纸的一种变形，它利用不同类型的纸，以手代刀，通过手撕、整形、粘贴创作出丰富的造型。这种方法不适合表现精巧的细节，多用于表现意象风格类作品，创作随意，极具自然韵味。2.彩色剪纸

彩色剪纸是指在同一画面上有两种及以上颜色的剪纸。彩色剪纸的形式和技法十分丰富，有点染、套色、分色等。

点染剪纸（图6-6）以阴刻剪纸为主，保留大的块面，在其上面进行色彩的点染，类似于木板年画的效果。点染剪纸所使用的纸多为白色生宣纸，所用颜色为品色，即民间染布所用的品红、品绿等。点染时，用色宜少不宜多。图6-7套色剪纸图6-6点染剪纸

套色剪纸（图6-7）以阳刻为主，留出大面积镂空，再从作品的背面贴上色纸块进行套色，多用黑纸或金纸剪刻，按肤色、服饰、器物、花木等分别贴以不同的颜色，相比单色剪纸更加生动。所套颜色要少而精，以一个色调为主，可全部套色，也可局部套色。

分色剪纸（图6-8）类似于剪贴画，是将两种及以上的单色剪纸进行组合，构造出一个整体画面。单色剪纸的组合颜色过渡要协调、自然，应充分考虑构图中各个物象的形状、大小、位置等关系，不宜过于琐碎。图6-8分色剪纸四、剪纸艺术的题材

剪纸艺术的题材多以人物、动物、草木、花卉为主，通过谐音、象征等手法，构成寓意性的艺术画面。表达喜悦、吉庆、祥和的寓意是剪纸艺术永恒的基调。

龙是剪纸艺术中常见的物象，是我国神话传说中的神奇动物，是权威、尊贵、祥瑞的象征。龙的角似鹿、头似驼、眼似兔、项似蛇、腹似蜃、鳞似鱼、爪似鹰、掌似虎、耳似牛，各地的剪纸艺术中也大体遵循这样的特征。民间剪纸中与龙有关的主题有“二龙戏珠”（图6-9）、“龙凤呈祥”（图6-10）等。图6-9剪纸——二龙戏珠图6-10剪纸——龙凤呈祥

虎在民间剪纸中被视为镇妖辟邪、保佑平安的兽中之王，是刚强、威猛的象征。尤其是在虎年，虎在剪纸艺术中更为常见。一般在剪纸创作中，虎经常被塑造成一副可爱的形象，既顽皮又憨态可掬。

民间剪纸艺术中，鱼因其音与“余”“裕”相近，从而具有了富裕、丰收的象征意义。其中，人们以金鱼谐音“金玉”，因此具有了富足的象征意义。剪一个鱼缸，里面有好多游动的金鱼，被称作“金玉满堂”；剪一个胖娃娃，抱一条大鱼，再配上莲花，被称作“连年有余”（图6-11）图6-11剪纸——连年有余

牡丹花被誉为“花中之王”，因其花朵大、色彩艳丽、品种繁多而深受人们的喜爱，具有很高的观赏和药用价值。在剪纸艺术中，牡丹花具有繁荣昌盛、国泰民安、富贵吉祥的寓意，不少剪纸艺人都会在制作一些喜庆题材的剪纸作品时，将注入作者感情的牡丹图案融入作品中，如“花开富贵”（图6-12）、“国色天香”等。

梅花是我国传统名花之一，其花形美丽、花味清香，被古代文人用来比拟顽强的人格。梅花与兰花、竹子、菊花一起被列为“四君子”，与松、竹并称为“岁寒三友”，是不屈不挠、坚忍不拔、高洁谦虚的精神品质的象征。在剪纸艺术中，梅花的五个花瓣象征五福吉祥，作品主题有“梅开五福”、“喜鹊登梅”（图6-13）、“喜上眉梢”等。图6-13剪纸——喜鹊登梅图6-12剪纸——花开富贵五、剪纸的地方风格

我国的剪纸艺术一般来说可以分为北方风格和南方风格两大类型，即使如此，每个地区的剪纸也有着不尽相同之处。陕西剪纸是比较有代表性的北方剪纸艺术，广泛用于春节窗花、结婚的喜花、丧葬中大量的纸活儿装饰、社火表演中的道具、庙宇中宗教气氛的营造等，各种民俗活动也离不开剪纸。此外，剪纸还用于刺绣等艺术品制作的底样。剪纸形式上大多以单色为主，造型简洁、洒脱、粗犷，注重夸张变形，内容上多以传统的花草、动物、人物、戏曲为主。河北蔚县染色刻纸是剪纸艺术的形式之一，相传已有200多年历史，尤其以窗花见长。后来河北武强县的木版浮水印窗花传入，刻纸工艺吸取其色彩特点，仿其透明效果，以刻代剪，形成蔚县刻纸的独特风格。蔚县刻纸以阴刻和色彩点染为主，故有“三分工七分染”之说。题材多取自戏曲人物，也有花草鱼虫、飞禽走兽等吉祥形象。此外，山东剪纸、湖北剪纸、浙江浦江戏曲剪纸、浙江乐清细纹刻纸、广州佛山剪纸等也都非常有名。贰第二节返璞归真的创造——塑作艺

塑作艺术是指以捏、塑、堆、纳等方法，利用不同的可塑材料，进行创作的一种艺术形式，主要有泥塑、面塑、糖塑等造型艺术。塑作类艺术往往靠艺人以手施艺，靠手工方法造型，由于采用了与雕刻不同的创作手法，它们的艺术效果也不同。塑作类艺术还常结合彩绘装饰方法，在塑形后再施以彩绘，以增加艺术品的欣赏性、象征性和吉庆祥和的气氛。一、泥塑艺术

泥塑艺术是一种古老的民间传统艺术，它以泥土为原料，手工捏制成形，或素或彩，以人物、动物为主，素有“三分塑，七分彩”的说法。泥塑于2006年5月20日入选第一批国家级非物质文化遗产名录。（一）泥塑的历史演变

泥塑艺术起源很早，是一种古老的艺术形式。在我国古代传说中就有女娲“抟土造人”的故事。我国泥塑艺术可以追溯到新石器时期。例如，浙江河姆渡文化遗址出土的陶猪、陶羊，河南新郑裴李岗文化遗址出土的古陶井及泥猪、泥羊头等，都是人类早期手工捏制的泥塑实物。

新石器时期以后，我国的泥塑艺术一直没有间断，发展到汉代已成为重要的艺术品种。汉代的丧葬习俗中大量使用陶泥偶像作为陪葬品，目前考古发现的汉代贵族墓葬中有品种丰富的泥塑物品，如动物、人、车辆、器皿等，这些泥塑作品姿态活泼，气质生动。课外延伸

泥塑雍正像（图6-14），高32厘米，现收藏于北京故宫博物院。此像面颊清瘦，头戴盘龙结秋帽，头后梳辫，白面朱唇，身穿石青云纹对襟长袍，衣纹简练流畅，足蹬朝靴。此像是养心殿造办处从苏州招募的捏像人捏制的，得到皇家承认，才流传至今，是难得的塑真艺术品。图6-14泥塑雍正像（二）我国的四大泥塑

泥塑艺术能够用天然的或廉价的材料制作出精美小巧的工艺品，其中以天津的泥人张、江苏惠山泥人、陕西凤翔泥塑、河南浚县泥咕咕最为有名。1.天津的泥人张

天津泥人张彩塑（图6-15）发展于清道光年间，为张明山先生首创，流传至今已有180多年的历史。天津泥人张彩塑继承了我国古代泥塑的优秀传统，并有所发展和创新，具有鲜明的现实主义艺术特色。泥人张彩塑在刻画人物性格、体态上讲究真实、灵动；追求解剖结构，夸张合理，取舍得当；在色彩塑造上，用色典雅秀丽。一般尺寸不大，适于室内陈设；在制作上，选用含沙量低、无杂质的纯净胶泥，经过风化、打浆、过滤、脱水等环节，最后加入棉絮反复杂糅，制成熟泥。泥塑艺人使用制作好的熟泥进行捏制创作，自然风干后再对作品进行彩绘。图6-15泥人张彩塑——少女走近名家

张明山（1826—1906），名长林，字明山，祖籍浙江绍兴，著名民间艺术家，是泥人张的创始人。张明山自幼随父亲从事泥塑创作，练就一手绝技，其“技艺高深、触手成像”。泥人张彩塑作品取材广泛，有的反映民间习俗，有的讲述民间故事，有的演绎文学名著等。1915年，其创作的《编织女工》彩塑获得巴拿马万国博览会一等奖。泥人张经过四代人的传承，成为中国北方泥塑艺术的代表。2.江苏惠山泥人

惠山泥人历史悠久，明末清初，江苏无锡开始出现专业性的泥人作坊，因作坊大都集中在无锡惠山附近，因此称为惠山泥人。

惠山北麓，地面一米以下有一层黑土，这层黑土泥质细腻柔软，搓而不纹，弯而不断，干而不裂，可塑性极佳。惠山泥人的代表作是“大阿福”（图6-16），是两个被神化的民间健壮孩子的可爱形象，被“中国旅游年”“金鸡百花奖”定为吉祥物，北京奥运会吉祥物《福娃》的原型也来自“大阿福”。图6-16大阿福

惠山泥人经世代艺人反复锤炼，产生了两种风格迥异的惠山泥塑，分别为“粗货”与“细货”。“粗货”用模具印制而成，大多以喜庆吉祥的题材为表现内容，寄托着民间祈求祥瑞、辟邪纳福、丰衣足食的美好愿望。“细货”则是手工捏制，主要取材于传统的戏曲人物、神话传说、民风民俗等，人物塑画生动传神，色彩明丽，堪称中华一绝。2006年，惠山泥人被国务院列为国家非物质文化遗产。

惠山泥人被誉为“无锡三宝”之一，以“手捏戏文”和“大阿福”名满天下。在传承、发展的过程中，惠山泥人又产生了许多精品，其中惠山阿福（图6-17）被中国国家博物馆收藏。目前，惠山泥人面临着手工制作成本飙升、人才大量流失、惠山泥日益稀少等严重问题，亟待抢救性的保护措施。图6-17惠山阿福3.陕西凤翔泥塑

凤翔泥塑是陕西省凤翔县的一种民间艺术，当地人称为“泥货”，是目前我国保留最古老、最具民族特色的泥塑类手工制品。凤翔泥塑具有浓郁的乡土气息和巨大的美学研究价值，其塑造的形态逼真，艳丽喜庆，装饰华美；用色大胆，以大红、大绿和黄色为主，以黑墨勾线和简练的笔法涂染，给人以强烈的视觉冲击，凤翔泥塑——生肖虎如图6-18所示。

凤翔泥塑的题材以花鸟鱼虫、祥鸟瑞兽为主，大多是空心的圆形塑，也有浮雕式的挂片。凤翔泥塑可以分为泥玩具、挂片和立人三大类型。泥玩具以动物造型为主，如十二生肖的形象。挂片主要有脸谱、虎头、麒麟送子、八仙过海等。立人主要是以民间传说、历史故事中的人物为创作对象。图6-18凤翔泥塑——生肖虎4.河南浚县泥咕咕

河南鹤壁市浚县位于河南省北部，古称黎阳，这里历史悠久，文化底蕴丰厚，形成了独特的民间文化，最具代表性的就是泥咕咕。浚县泥塑形体小，尾部有两个小孔，吹气后能发出“咕咕”的声音，这种泥塑就被称为“泥咕咕”。浚县泥咕咕的题材多以人物、动物、飞禽为主，制作工具十分简单，主要是塑型的竹筒和竹棍。泥塑艺人利用当地的黄胶泥为原料塑成作品，之后再对作品进行涂绘，一般以黑色为底色。二、面塑艺术

面塑艺术俗称捏面人，是一种用面粉、糯米粉等原料制作各种人物或动物形象的传统民间艺术，是在劳动人民做面花食品的基础上发展起来的。面塑艺术的材料柔软、可塑性强，塑造出的作品极具立体感、色彩明艳、形象生动、栩栩如生，它既具有我国传统绘画的风格，又富有民间艺术的淳朴气息。（一）面塑艺术的发展情况

据文献资料记载，面塑艺术早在汉代就已经有文字记载。宋代吴自牧《梦粱录》中记载了把面塑用在春节、中秋、端午、结婚、祝寿的喜庆日子的习俗。逢年过节，人们会用面粉做“枣花”“月糕”“面鱼”“面羊”等，这些面食一般是作为蕴含祝福意义的食品或祭祀的供品，既好吃又好看，饱含着求吉纳福的祝愿，深受人们喜爱。

近现代的面塑艺术已经发展成熟，包罗万象，面塑作品能够做到不霉、不裂、不变形、不褪色，得以长期保存。近现代面塑名家中以“面人汤”“面人曹”“面人郎”等最为著名，他们通过一尊尊面塑作品鲜活地反映出不同时代的气息，同时也让传统文化生生不息。例如，面塑作品——荷花（图6-19）。图6-19面塑作品——荷花课外延伸

我国第一代面塑大师汤子博首创“面人汤”，他以深厚的国学和艺术功底，博采众长，将民间面人由“签举式”改为“托板式”，进而创出核桃面塑、浮雕面塑、悬塑面人等多种形式，题材也极为广泛，有书卷人物、戏曲人物、仙佛人物等，以大量成功的作品确立了“面人汤”面塑流派的地位。北京故宫博物院收藏的一些人物面塑就是出自汤子博和他的兄弟之手，至今仍色彩鲜艳，技术相当成熟。（二）面塑艺术的特点

面塑艺术具有颜色丰富、造型优美、体积小、携带便利、成本低廉等特点。其制作过程较为复杂，它不同于泥塑艺术的先成形后着色，而是用已经染色的面团组合捏制而成，需要面塑艺人具备巧妙的创意和细腻的手法。

面塑作品的主题广泛，多以传统戏曲、四大名著、民间传说、神话故事、儿童卡通中的人物及十二生肖为创作原型。一件完整的面塑作品需要经过构思设计、和面、蒸熟、揉面、配色、捏塑、干化、包装等过程。在捏制过程中，需要使用主刀、点刀、尖刀、开眼刀、开嘴刀、压板、擀面杖、切刀、剪刀、梳子等工具，采用揉、捏、压、搓、滚、碾、拨、切等多种技法，才能创作出构思新颖、形象独特的面塑作品。（三）面塑艺术的分类

依据使用功能的不同，面塑可以分为两类，一类为观赏的面塑，另一类是可食用的面花（礼馍）。用于观赏的面塑通常用精面粉、糯米粉、盐、防腐剂及香油等制成，而用于食用的面塑则用澄粉、生粉等制成。材料的不同使这两种面塑在制作工艺上也有少许不同。

食用面花的制作工具简单，全凭妇女的心灵手巧，其方法是先将白面搓、捏成面团，用剪刀、切刀和梳子等工具对面团进行造型。观赏和装饰性面塑的制作方法则是将开水倒入面粉、糯米粉、防腐剂中并用筷子搅拌，将面团反复揉搓均匀；然后把品红、品黄、品蓝、大白粉、锅烟黑等颜色分别加入面中，制成多种色面，再综合多种方法来塑造形象。观赏的面塑面花三、糖塑艺术

糖塑俗称吹糖、糖人模，是指糖料经由艺人的吹、塑、画等技艺手法塑制成形，制作出具有观赏性、可食性和艺术性的食品或装饰品的制作手艺。在我国民间，糖塑遍布南北各地，有着广泛的群众基础，与民俗生活息息相关。（一）糖塑艺术的溯源

糖塑由来已久。在我国古代，糖塑被称为糖供，古时候人们把祭祀当作极为隆重的大事，祭拜时要用上好的供品，糖供就是供品之一。唐宋古籍里就有对“糖供”的记载，用糖供做成人物、鸟兽、果品等形状。后来，人们在寿礼、婚礼上也使用糖塑作为吉祥物品赠送。随着制糖原料、制糖技艺的不断发展，到了清代，吹糖人已经成为各种风俗中最常见的技艺。（二）糖塑艺术的技艺

糖塑多以麦芽饴糖、玉米糖等为原料，综合采用捏、堆、贴、剪、吹、搓、拽、按、浇、拉等制作手段，配合绘、染、刻、划、点、戳、印、插、缀等装饰手法完成作品的塑造。糖塑制品既可以欣赏娱玩，又可以直接食用。一般来讲，糖塑的技艺有吹、塑。吹糖是用手指挤压气囊将气体鼓入柔软的糖体中，糖体在压强的作用下开始膨胀，然后进行艺术造型的方法。想要掌握吹糖这一技艺，操作者需要具有一定的原始积累和天赋。吹糖时，糖体具有一定的热度，操作者必须掌握糖的特性，一边鼓气，一边造型。塑糖是将糖坯团成需要的实心状，再利用剪刀、小梳子、小刀、小竹棍等辅助工具，经过搓、压、挑、剪、接等工序制作成品。吹糖人如图6-20所示。图6-20吹糖人（三）糖塑艺术的代表

糖塑艺术已被列入国家非物质文化遗产名录，其中以成都糖画、天门糖塑和丰县糖人贡为代表。成都糖画

成都糖画（图6-21）俗称“倒糖饼儿”“糖粑粑儿”“糖灯影儿”，是流行于四川省成都地区的一种兼具雕塑性和绘画性的民间艺术。成都糖画多以花鸟鱼虫、飞禽走兽及戏剧人物为题材，其成品既是甜美的糖食，又是可供观赏的艺术品。

成都糖画的表现手法丰富多彩，品种多样，有大货、小货、子子货、丝丝货等。大货是诸如龙凤、孔雀、狮虎、花篮、金鱼等体形较大、构图复杂的作品；小货是诸如单个的虫、鸟、水果等体形偏小、工艺简单的作品；子子货是直接倾倒的一个个圆形糖饼；丝丝货是以糖液所形成的缠绵的线条来构图，类似于国画中的白描和西洋画中的速写，又有中国民间剪纸的神奇韵味。

糖画的制作分为两步。一是熬糖，将白糖或红糖放入锅中熬制，熬制时要不停地搅拌，以免糖受热变焦变煳，直至糖水凝成块，颜色金黄透亮，熬糖这一步就完成了。二是画糖画，糖画要画得形象，线条匀称，一气呵成。画糖画的工具十分简单，只需要一把铜勺和一块大理石板即可。艺人师傅将熬制好的糖置于铜勺加热融化，以铜勺为笔，糖液做墨，在光洁的大理石板上，凭借娴熟的技法绘制出各种形象。最后，只要掌握好等待的时间，用刀子将糖画取起即可。图6-21成都糖画

天门糖塑是流行于湖北省天门市一带的民间雕塑艺术，其历史悠久，源远流长，在民间文化生活中有着重要影响。2015年，天门糖塑被评为“湖北最美非物质文化遗产”之一。天门糖塑以特别熬制加工的麦芽糖为原料，将糖加热，使其变软，调入红、蓝、黑等色素，根据需要可以调出数十种不同的颜色，然后借助剪刀、小梳、小篾刀等工具及竹片、弹簧、石膏粉等辅助材料，经由糖塑师傅塑制成形。

天门糖塑题材广泛，寓意丰富，作品多以褒忠义、寓吉祥、避邪恶为内容，是历代世俗文化的沉淀。天门糖塑的造型夸张饱满，拙朴简洁；色彩明快热烈，浓郁和谐，主次分明；肌理糅合叠加，层次分明，变化无穷；作品巧用弹簧，动感十足，妙趣横生。天门糖塑——狮子滚绣球，如图6-22所示。这些巧妙的艺术处理充分显示了来自民间的审美趣味和创造智慧。天门糖塑图6-22天门糖塑——狮子滚绣球丰县糖人贡

丰县糖人贡（图6-23）俗称“贡品”，是流行于江苏省丰县一带的民间雕塑艺术。丰县糖人贡早期曾用于宫廷祭祀，后流入民间，清代中期传到丰县一带，在以丰县为中心的苏、鲁、豫、皖交界处的广大农村地区应用颇广。丰县糖人贡技艺为世代口授家传，历史上很少有文献著录专门论述。

丰县糖人贡以优质白糖为原料，采用梨木模具塑造成形，主要用于传统丧葬祭祀礼仪。在长期的发展过程中，丰县糖人贡已形成独特的个性风格，有着鲜明的地方特色。有人将丰县糖人贡称作古代丧葬文化的“活化石”，为人们认识传统风俗提供了形象资料，具有民俗学、文化学、社会学等多方面的研究价值。图6-23丰县糖人贡叁第三节人生的写照——戏剧艺术

戏剧艺术是中国传统文化的一个重要组成部分，它以富于艺术魅力的表演形式为人们所推崇。在民间戏剧艺术中，木偶艺术和皮影戏入选我国十大民间艺术之列。一、木偶艺术

木偶原是我国古代的一种手工艺品，后来演员操作它演戏，于是成为我国古代民间一种很受欢迎的表演艺术，称为“傀儡戏”或“木偶戏”。

木偶在我国起源很早。《列子·汤问》记载，周穆王时，曾有一个乐师带着演员给他演出，“歌合律，舞应节”，但解开一看，原来是绑着皮革的木头人。这种木头人其实就是木偶。从考古发现的情况来看，我国木偶的出现最迟不会晚于战国时期。战国古墓中曾出土过不少木俑，脸部为彩绘，身穿衣服，有的手足还能活动，这大概就是木偶。

我国汉代的木偶比较发达。1978年考古工作者在山东莱西汉墓发现了一个大型木偶人，身高193厘米，头颅用整块木段雕成，有口、耳、眼、鼻，全身关节可以活动，可立、坐、跪，关节的每个部位都有卯榫接合并画有拼合符号。这样的木偶制造是需要相当水平的，因为这种大木偶不仅要求造型准确，而且各关节的机械活动性能也要严格计算，没有一定的技术是不可能造出来的。

用木偶演傀儡戏，据说也源于汉代。唐代杜佑《通典》说：“作偶人以戏，善歌舞，本丧家乐也，汉末始用之于嘉会。”传说三国时马钧创作纤巧细腻的木偶，用以表演多种技艺，因而获得了“天下之名巧”的美称，这是很可信的。马钧是有名的巧匠，他制作的木偶如果像上述山东莱西发现的木偶那样能随意跪坐，操纵它表演各种技艺并不难。更何况汉时已发明了牵丝木偶（提线木偶），用手牵动木偶举手投足，是可以想象的事。

唐代是木偶制作和木偶戏发展的时期。新疆吐鲁番阿斯塔那唐墓曾出土过两个木偶头像，分别戴着纱帽和介帻，眉清目秀，敷彩谐和，雕刻非常精美。据记载，唐代的木偶戏“闾里盛行”，已有了杖头木偶和发达的提线木偶之分。

杖头木偶用操纵棒操纵木偶表演各种动作，木偶只有半截露在屏幕外；提线木偶用线操纵木偶，表演时木偶全身露出，制作比较复杂。唐封演《封氏见闻记》载，唐大历年间，木偶戏演出者“刻木为尉迟鄂公、突厥斗将之戏，机关动作，不异于生”。这表明木偶戏已经把尉迟恭和突厥作战的戏演活了，可见当时演出者水平之高。

两宋时期，木偶戏的种类更加繁多，有杖头木偶、提线木偶、药发木偶和水木偶等。其中，药发木偶是演出时施放焰火的木偶戏，演出现场比较热烈；水木偶是舞台设在船上，以木偶表演钓鱼、划船、击球、舞蹈的木偶戏。宋代由于木偶戏发达，演出的名家也比较多，据《梦粱录》记载，当时“凡傀儡，敷演烟粉、灵怪、铁骑、公案史书历代君臣将相故事话本，或讲史，或作杂剧，或如崖词。如悬丝傀儡者，起于陈平六奇解围故事也。今有金线卢大夫、陈中喜等，弄得如真无二，兼之走线者尤佳……其水傀儡者，有姚遇仙、赛宝哥、王吉、金时好等，弄得百怜百悼。兼之水百戏，往来出入之势，规模舞走，鱼龙变化夺真，功艺如神”。

明清时期，木偶戏遍及全国。一些民间艺人走街串巷，一根扁担把一方箱式的舞台支撑起来，围上幔布，当下就敲锣打鼓，又演又唱。这一时期，木偶戏出现了布袋木偶（将木偶套在艺人的手上进行表演）、铁线木偶（用竹管套上铁线操纵木偶表演）等种类，木偶的制作形式也有了很大改进，这是木偶在民间越来越受欢迎的结果。二、皮影艺术

皮影又名影戏，或称灯影戏，是艺人用兽皮或纸板刻制的戏曲影人、布景、道具的总称，以人物为主。表演时，用白绸做屏幕，燃灯作为光照效果，表演者手持操纵皮影肢体活动的操纵杆，隐身于灯前幕后做表演，将物像映于屏幕上，而且边说边唱，并配以音乐，富有浓厚的民间生活气息。皮影戏人物如图6-24所示。图6-24皮影戏人物

据文献记载，皮影戏的历史可以追溯到西汉时代。传说西汉文帝时，宫娥抱着太子在窗前玩耍，用桐树叶剪制成人形，映在纱窗上表演取乐，后世的皮影戏实源于此。另一个传说就是方士李少翁让汉武帝在帐帷灯火下看李夫人影像的故事。这些故事中的影像虽然还不是真正的皮影，但它们是皮影的雏形。

历史上真正的皮影戏出现于北宋时期。北宋都城汴京（今河南开封）是当时全国的政治、经济、文化中心，商业十分发达。随着商业的繁荣，市民说唱文学兴盛起来，大量的民间优秀文学作品开始以歌曲、说书、鼓词、弹词、戏曲等艺术形式出现。皮影戏就是由说书讲史演变成的形声并茂的特殊剧种。肆第四节诗意的追求——织绣艺术

织绣是用棉、麻、丝、毛等纺织材料进行织造、编结或绣制的工艺。中国织绣工艺品种繁多，绚丽多彩，主要有刺绣、织锦、缂丝、抽纱、绒绣、绣衣、绣鞋、珠绣、编织等。本节内容重点介绍刺绣艺术、织锦艺术和编织艺术。一、织绣工艺的发展

据现有考古资料显示，中国的丝织物始于新石器时代的良渚文化。经过殷商的发展，春秋战国时期的织绣工艺已具有较高水平。1982年，湖北江陵马山楚墓出土了大批丝织品、编结和刺绣等，在大批刺绣中，有绣衣、绣裤、绣袍等，绣地多用绢，用辫子针绣出龙、凤、虎、三头鸟，以及草叶、枝蔓和花朵，线条流畅，技术高超。汉

代

汉代丝织的制作工艺已非常精美，丝织物从纺、染、绣工艺到花纹的设计都有了极大的提高，常见的汉代丝织花纹有云气纹、动物纹、花卉纹、吉祥文字、各种几何纹。马王堆汉墓出土的大量刺绣实物皆制作优美，其中素纱禅衣衣长128厘米、通袖长190厘米，仅重49克，极为精巧。唐

代

唐代的织绣工艺发达。封建中央设有织染署专门管理生产，分工很细。民间的织绣生产几乎遍及全国，而且产量很大，以织锦最为著名。织锦是用纬线起花，用二层或三层经线夹纬的织法形成一种经畦纹组织，这种方法能织出复杂的装饰花纹，呈现华丽的色彩效果。此外，唐代织锦在传统的图案花纹基础上吸收了外来的装饰纹样，呈现出清新、华美、富丽的艺术风格，装饰性的花纹主要有联珠纹、团窠纹、对称纹、散花等。宋

代

宋代的织锦具有时代特色，采用小朵花、规矩纹，有变化多样的八达晕、龟背纹、锁子纹、万字流水等；组织规则严整，色调沉静典雅；可作为服饰、赏赐及经济贸易之用，也可作为装裱书画的特用材料使用。宋代刺绣由绣院组织生产管理，民间刺绣亦较发达，可作为商品出售。元

代

元代的丝织、毛织、棉织都得到了一定的发展。丝织中以织金最具特色。元代统治者喜欢用金，金锦的花纹有团龙、团凤、宝相花、龟背纹、回纹等。为了满足蒙古游牧民族的生活需要，毛织在元代得到了特殊发展，多为地毯、床褥、马鞍、鞋帽等。元代的棉花种植在全国广大地区得到推广，棉织成为一种新兴工艺发展起来。明

代

明代的丝织得到了较大发展，以南京云锦的隆盛为代表。云锦中的织金锦、妆花缎、妆花绒都是此前从未有过的优秀品种，以“色泽艳丽，纹样变幻丰富”著称，因其金光闪耀、美若彩云而被民间称为“云锦”。织锦的图案有团花、折枝、缠枝、几何纹等，造型质朴大方，表现出程式化的装饰美。清

代

清代织绣品主要产自清宫内务府管辖的江宁（南京）、苏州、杭州三大织造（统称“江南三织造”），它利用江南盛产的上等好丝及熟练的技工，在内务府织造局精心的设计和监督下，织造成各种供皇帝和后妃享用的织绣品。此外，全国各地各种具有地方特色的织绣珍品也源源不断地进贡到宫廷。这些织绣品代表了当时绣品工艺的最高水平。故宫博物院收藏的织绣文物无论在数量、品种、花色、艺术上都是无与伦比的，为研究我国的织绣历史、工艺和艺术提供了丰富的实物资料。二、三大名锦

云锦、蜀锦、宋锦是中华民族优秀传统文化的杰出代表，被誉为我国“三大名锦”。（一）云锦

云锦产地为南京，是我国传统的丝制工艺品，有“寸锦寸金”之称，因其色泽光丽灿烂，美如天上云霞而得名。云锦是我国古代织锦工艺史上最后一座里程碑，是珍贵的历史文化遗产。在古代丝织物中，“锦”是代表最高技术水平的织物。云锦浓缩了中国丝织技艺的精华，其用料考究、织造精细、图案精美、锦纹绚丽、格调高雅，达到了丝织工艺的巅峰，如图6-25所示。2006年，南京云锦木机妆花手工织造技艺经中华人民共和国国务院批准列入第一批国家级非物质文化遗产名录。图6-25南京云锦

南京云锦所使用的是传统的大花楼木织机，机长5.6米，宽1.4米，高4米，设计非常科学合理。云锦就是通过拽花工和织手两人的相互配合，通过手工操作织造出来的。每台织机分楼上楼下两部分，拽花工负责楼上，根据花本要求，提起经线。织手负责楼下，对织料上的花纹，妆金敷彩，抛梭织纬。其中，一根纬线的完成，需要小纬管多次交替穿织，十分复杂。云锦的主要品种有织金、库锦、库缎和妆花四大类，其中织金、库锦、库缎可以采用现代化机器进行生产，但妆花中的“挖花盘织”“逐花异色”至今仍然只能用手工完成。

随着现代科技的发展，丝织新品种不断涌现，市场对云锦的需求量减少，而且年轻人大多不愿从事此项工作，南京云锦木机妆花手工织造技艺濒临失传的危险。万幸的是，南京云锦研究所在政府职能部门及新闻媒体的支持和帮助下，加大了云锦的宣传力度，在传播知识方面取得了一定的成果，产生了较好的社会效益，该研究所集聚了一批云锦设计、织造经验丰富的技艺人，正是他们的努力，使云锦技艺能够继续传承与发展。（二）蜀锦

蜀锦，产地成都，植根于蜀文化，有着鲜明的地域特色。2006年，蜀锦织造技艺经国务院批准列入第一批国家级非物质文化遗产名录。

关于蜀锦最早的文字记载见于春秋秦国的惠文王年间。春秋战国时期，蜀国织造的布帛十分精细，图案生动，织纹精致，色彩艳丽，被誉为“蜀锦”，远销各地，此后，蜀锦便成为蜀地所产一切锦类的总称。蜀锦的品种繁多，传统品种有雨丝锦、方方锦、铺地锦、散花锦、浣花锦、民族锦、彩晕锦等。要完成一件蜀锦作品，从程序上说，主要经历初稿设计、定稿、点意匠、挑花结本、装机、织造等几个重要过程，每一道程序又涉及很多独特的技艺。2002年，国家开始对蜀锦织造工艺有意识地进行保护与传承；2009年，蜀江锦院蜀锦织绣博物馆正式成立。蜀锦——狮鹤团花，如图6-26所示。图6-26蜀锦——狮鹤团花（三）宋锦

宋锦主要产地为苏州，因此又称苏州宋锦，是在唐代蜀锦的基础上发展而来的。宋锦构图纤巧秀美，色彩古朴典雅，质地坚柔，形成了“华而不炫，贵而不显”的风格。

苏州宋锦的历史可以追溯至春秋时期，当时江南的贵族就已经开始大量使用织锦。北宋时期，织锦技艺得到全面提高，苏州宋锦因质地精美、技艺独特，除了用于服饰之外，还大量用来进行书画卷轴类的装裱。明清时，宋锦织物使用范围扩大，康熙、乾隆年间达到历史上的全盛时期。20世纪初，受西方现代化工业冲击及多年战乱的影响，传统宋锦一度衰落。

中华人民共和国成立前，宋锦已奄奄一息，仅剩十几台织机，不少人为了生计而改行。中华人民共和国成立后，政府采取切实措施，对宋锦进行恢复和保护。

2009年9月，联合国教科文组织保护世界非物质文化遗产政府间委员会又将宋锦列入了世界非物质文化遗产。真正让宋锦重新焕发生机的是2014年召开的亚太经济合作组织会议，此次会议各国领导人穿着体现中国传统文化的中式服装，其核心面料就是宋锦。

传统宋锦的生产制作采用经线和纬线联合显花的组织结构，应用了彩抛换色的独特技艺，使织物表面色线和组织层次更加丰富。宋代极简主义的美学风格造就了宋锦“低调内敛”的古雅气质。宋锦与珍贵书画一起传世，也为其平添了俯瞰众锦的高雅之气。课外延伸

北京故宫博物院收藏的“石青地极乐世界织成锦图轴”，高448厘米，宽196.5厘米，全幅用19种不同颜色的彩色纬丝同时织制，繁华富丽的主体纹样与深邃幽静的底色形成鲜明对比。此锦是乾隆时期苏州宋锦中的重锦，堪称佛教艺术和织造艺术的瑰