插画设计（上篇共上下两篇）117

插画设计编著：董冠妮中国轻工业出版社目录壹章节插画设计概述贰章节插画设计的入门基础叁章节插画设计详解：人物篇

肆章节插画设计详解：风景与建筑篇伍章节插画设计详解：工具篇陆章节插画设计详解：风格篇柒章节插画设计详解：应用篇章节插画设计概述壹IllustrationDesignOverview通过对插画设计的概念、分类形式、发展趋势和优秀案例的详细讲解，让读者对插画设计形成基础认知。学习要点及目标插画、图形、时代、艺术重点概念：第一节什么是插画设计插画设计的概念《辞海》对“插画”的解释是：“插附在书刊中的图画。有的印在正文中间，有的用插页方式，对正文内容起补充说明或艺术欣赏作用。”插画通过视觉化和形象化的“图象”将设计师抽象的思考予以“具体化”的表现，以视觉的艺术手法来对文字进行“再创造”，与文字相互说明、辉映，甚至能够替代文字的作用直接进行视觉传达，它不但能突出主题的思想，而且还会增强艺术的感染力。插画设计的应用范围艺术类插图——注重主观意识，体现自由的艺术化表达，可以是幻想的、夸张的、幽默的或者是情绪化。商业类插画——注重客户需求和大众喜好，为企业或产品传递商品信息，是集艺术与商业为一体的图像表现形式。《神奈川冲浪里》是日本画家葛饰北斋于19世纪初期创作的一幅彩色浮世绘作品。该画作描绘的是神奈川附近的海域汹涌澎湃的海浪，浪里有三条奋进的船只，英勇的船工们正为了生存而与大自然进行着惊险而激烈的搏斗，表达了人们乘风破浪、勇往直前的大无畏精神。整个画面不仅采用了大胆而直截了当的构图和造型手法，而且采用强烈的动与静的对比渲染，呈现出瞬间即逝的千姿百态和令人目眩的丰富表情。第二节插画设计的分类形式中国风日本欧美按地域区位分类近年大火的《哪吒之魔童降世》和《姜子牙》电影都改编自中国传统神话，同时也颠覆了传统神话形象。在其电影宣传海报中运用到不少的传统元素，如龙、乾坤圈、混天绫、风火轮等。第二节插画设计的分类形式手绘插画板绘插画电脑插画

按制作方式分类ColleenKong-Savage的儿童插画作品“DogDayinSummer”ColleenKong-Savage作为拥有扎实设计技能的多功能插画家，能够自由运用综合材料进行创作：如拼贴画、切纸、混合媒体、钢笔和墨水、风格化等。第二节插画设计的分类形式写实风格抽象风格装饰风格按绘画风格分类第三节插画设计的历史插画艺术的发展，有着非常悠久的历史。从世界最古老的插画洞窟壁画到日本江户时代的民间版画浮世绘，无一不演示着插画的发展。距今约两万年前的法国和西班牙的洞穴壁画是目前已发现的人类最早的绘画。公元前3000年左右，两河流域的苏美尔人发明了楔形文字，古埃及法老墓中的壁画与古希腊的瓶画都为现代意义上的插图奠定了基础。西方插画发展的历史第三节插画设计的历史欧洲早期的插画用于宗教书籍，绘制插画的人员也以修士为主，他们不惜工本和时间绘制精美的插画进行装饰。随后，插画应用发展不再仅仅限于宗教书籍，而是扩展到自然科学、文学艺术、儿童读物、医学地理等众多领域，插画开始大放异彩。第三节插画设计的历史

中国自古就是“书画同体”，插画一直广泛应用于文学、词典、图鉴中，插画与文字互相说明，互相补充。

中国佛教典籍的盛行，促成雕版印刷术的诞生，并在经书中用插画来图解经文。目前史料记载中，唐咸通九年刻《金刚般若波罗蜜经》是世界现存最早的、有确切题款纪年的雕版印刷品，见证了中国古代插画的发展。东方插画发展的历史唐懿宗咸通九年刊刻的《金刚般若波罗蜜经》是我国现存的有确切纪年的最早的雕版印刷品,由卷首画﹑经文及施刻人组成。其卷首的扉页画是世界上最古老的版画作品

之一。原卷长487.7cm,高24.4cm,共用6块雕版、6张纸印刷,再加一张扉页画,粘连成一幅长卷。第三节插画设计的历史到了宋、金、元时期书籍插画有了长足的进步。应用范围扩大到医药书、历史地理书、考古图录书、日用百科书等书籍中，并出现了彩色套印插画。明清时期是古代插画艺术大发展时期，全国各地都有刻书行业。不同的地域形成了不同的风格。插画的形式大体有以下几种：卷首附图、文中插图、上图下文或下图上文、内封面或扉页画和牌记等。《新刊全相成斋孝经直解》为元代上图下文式插图本的代表作品。第三节插画设计的历史

19-20世纪以来，由于战争、政治及中西文化差异的冲击，插画的发展几经波折。解放后，中国的插画以一种新的方式出现在大众眼前——连环画。由于图画的通俗性，连环画作品充实着人民的文化生活，不仅是当时青少年的重要课外读物，也是许多成年人文化娱乐的重要内容。第三节插画设计的历史

随着信息时代的到来，插画的概念已经不局限于书籍插画，它所涉及的领域越来越宽泛。除了书籍、杂志以外，还涵盖广告、报纸、动画、漫画、电影、环境、玩具、科学、医学等。在视觉语言表现和媒介表现上，插画有水彩、水粉、丙烯、木刻、剪纸、数字等形式。同时插画设计还越来越多的被运用到分为线上部分，比如网页设计，UI界面设计,H5广告推广等。当代的插画设计第四节经典插画作品赏析日本浮世绘风格插画作品日本歌川国芳浮世绘晚期作品日本的江户时代，“浮世绘”盛行。浮世绘的表现形式是以线条和色块为主，构图复杂，色彩艳丽，对欧洲的印象派绘画有很深的影响。浮世绘作品，构图非常复杂,追求画面热闹，造成了浮世绘的繁杂画风。第四节经典插画作品赏析日本浮世绘风格插画作品第四节经典插画作品赏析日本浮世绘风格插画作品田村吉康的浮世绘风格插画作品日本插画师田村吉康，他的作品就可以明显感受到传统日本浮世绘艺术与现代漫画美学的融合。画作饱含着现代漫画的元素，令整个画风都跳跃活泼，可爱又神秘。第四节经典插画作品赏析新艺术运动风格插画作品新艺术运动中穆夏的作品穆夏是20世纪初叶巴黎流行的“新艺术”的代表画家，穆夏的绘画，在富有华丽装饰美的甜俗优雅的表象里，蕴藏着升华人性的精神旨归。他的新艺术美女海报绘画，在20世纪初期即闻名欧美，穆夏晚期的作品，无论油画、粉彩、素描，更是自由奔放，造型优美精致，引人入胜。第四节经典插画作品赏析新艺术运动风格插画作品新艺术运动中克里木特的作品画家出身的克里木特是新艺术运动中最重要的艺术家。在绘画风格上同样采用大量简单的几何图形为基本构图，采用非常绚丽的金属色，如金色、银色、古铜色，加上其他明快的颜色，创造出非常具有装饰性的绘画作品，在当时画坛引起很大的震动。他为建筑设计的壁画，采用陶瓷镶嵌技术，利用其娴熟的绘画技巧，为设计增添了许多魅力。第四节经典插画作品赏析新艺术运动风格插画作品第四节经典插画作品赏析新艺术运动风格插画作品

在本章中，通过对插画设计的概念、分类形式、发展趋势和优秀案例的详细讲解，让读者对插画设计形成基础认知，了解现代插画发展趋势，有利于读者深入了解插画的概念及传统绘画与现代插画之间的关系，同时针对插画艺术结合理论进行探究和实践，以增加学习兴趣。壹本章小结感谢聆听插画设计编著：董冠妮中国轻工业出版社目录壹章节插画设计概述贰章节插画设计的入门基础叁章节插画设计详解：人物篇

肆章节插画设计详解：风景与建筑篇伍章节插画设计详解：工具篇陆章节插画设计详解：风格篇柒章节插画设计详解：应用篇章节插画设计的入门基础贰Introductiontoillustrationdesign通过插画设计的入门基础——造型，包括素描关系、色彩基础等内容的讲解为插画绘画搭建基石。学习要点及目标素描、光影、材质、色彩、创作重点概念：第一节造型基础素描的概念定义

素描：指用单色或简单的颜色的工具描绘对象的轮廓、体积、结构、空间、光线、质感等基本造型要素的绘画方法。

素描，西文统称为「sketch」，意单纯用线条描写、不加彩色的画。素描来自西方，隶属于欧洲绘画。素描最早是由德国民间木刻的版画发展而来的。直到15世纪文艺复兴时期，人们才发现了其独特的表现魅力。

丢勒博学多才，不仅是画家，而且是数学家、机械师、建筑学家。他发明了“透视窗”，即通过一个透明的纱幕（上面有细绳组成的方格）来观察绘面对象，然后在画板上画同样的方格。通过方格的对照临摹纱靠上的影像比徒手写生更准确。借助这些器具，透视画法在西方流传起来并成为传统。第一节造型基础素描分类中国写意传统素描西方写实传统素描按传统体系划分第二节插画设计的分类形式结构素描明暗素描按表现手法划分第一节造型基础形体关系

世界里物体的外部形态千变万化,但归纳起来,可概括为几种最为基本的几何形态——立方体、圆柱体、圆锥体、球体等。我们平常看到的物体都较为复杂，初学者往往不知道要从何入手，但我们可以用不同的几何形体来概括，比如:苹果首先可以被看作是球体，然后在球体的基础上进行结构划分和细节描写。素描关系第一节造型基础比例关系比例：是指一个总体中各个部分的数量占总体数量的比重，用于反映总体的构成或者结构。物体的结构、形体等造型因素体现在外观形态上必然同一定的尺度相联系，不同的尺度关系则表现为一定的比例关系。绘画和建筑中的比例就如同音乐中的和声，被达·芬奇认为是绘画必修课之一第一节造型基础结构关系

素描中的形体，主要指物像的外形特征，结构则主要指物像的内部构造和组合关系。形体与结构是外观与内涵的关系。结构是形成物像外貌的内在依据，不了解它，就无法准确把握物像的外表特征。

在素描中，结构包含两方面内容：一是解剖结构或构成结构;二是形体结构。第一节造型基础形体关系

任何物体在光的照射下都会呈现一定的明暗关系。光源的强弱，距离光源的远近及照射角度的不同，都会使物像呈现不同的明暗。光是物体明暗形成的先决条件，也是物体明暗变化的外在因素。光影绘制第一节造型基础三个大面:亮面：受光的一面叫亮面灰面：侧受光的一面叫灰面暗面：背光的一面叫暗面第一节造型基础五大调子:高光中间调明暗交界线反光投影第一节造型基础利用调子去表现质量感

任何物体在光的照射下都会呈现一定的明暗关系。光源的强弱，距离光源的远近及照射角度的不同，都会使物像呈现不同的明暗。光是物体明暗形成的先决条件，也是物体明暗变化的外在因素。材质表现第一节造型基础利用物体的纹理和细节去表现质感

在确定形体结构的基础上，先上大调子，再将毛的走势大体勾勒出来，用小线段按照毛的走势排列，须注意主次，实虚，深浅关系。第一节造型基础利用工具去表现质感。

工具也是表现质感的辅助手段。针对物质不同的质量，可以选择和运用不同的工具。如表面光滑的瓷器，就不宜选用较粗的画纸，用表面较细的纸比表面较粗的纸画出来的物体质感会更逼真。第二节色彩基础色彩：亦作“色采”，意思是颜色。在人类的古代遗迹中，很早就有色彩的应用，但色彩的科学，直到牛顿发现太阳光通过三棱镜，而有七色光谱后才迈入新纪元，在16～17世纪间有很多关于光的反射、屈折的研究，先有德国物理学家奥斯特瓦尔德色彩体系的发表，后有美国“蒙赛尔色卡”的出现，才为色彩的研究定下基础。色彩是能引起我们共同的审美愉悦的、最为敏感的形式要素。来自意大利的插画师安娜＆埃琳娜·巴尔布索（Anna&ElenaBalbusso），通过不同的色彩渲染插画的气氛，在左图中以金色表达沙漠的灿烂、辉煌，有着太阳般的光辉，象征着照亮黑暗的智慧之光。在右图中，使用深蓝色渲染孤傲、忧郁、寡言、危险而黑暗的感觉。第二节色彩基础色彩原理三原色

英国科学家布鲁斯特发现，利用红、黄、蓝三种颜料不仅可以混合出橙、绿、青、紫四种颜料，还可以混合出其它更多的颜料，并指出红、黄、蓝是别的颜料混合不出来的颜料，因此红、黄、蓝被称为三原色。第二节色彩基础色彩分类

在千变万化的色彩世界中，人们视觉感受到的色彩非常丰富，按种类分为原色，间色和复色，但就色彩的系别而言，则可分为无彩色系和有彩色系两大类。

（a）无彩色

（b）有彩色

第二节色彩基础色彩属性色相

色相即每种色彩的相貌、名称，如红、桔红、翠绿、湖蓝，群青等。色相是区分色彩的主要依据，是色彩的最大特征。纯度纯度即各色彩中包含的单种标准色成分的多少。可以通过在纯色中加黑、白、灰或对比色的方法改变色彩的纯度，混入的颜色越多，纯度越低。明度明度即色彩的明暗差别，也即深浅差别。可以通过在纯色中加黑、白色的方法改变色彩的明度，白色加得越多，色彩明度越高，黑色加得越多则明度越低。第二节色彩基础色彩心理色彩心理是指由于不同波长色彩的光信息传达到人的眼和脑，经过思维，与以往的记忆及经验产生联想，从而形成一系列的色彩心理反应。色彩的冷、暖感

色彩本身并无冷暖的温度差别，是色彩引起人们对冷暖感觉的心理联想。当见到红、红橙、橙、黄橙、红紫等色后，马上联想到太阳、火焰、热血等物像，产生温暖、热烈、危险等感觉，故称之为暖色。见到蓝、蓝紫、蓝绿等色后，则很易联想到太空、冰雪、海洋等物像，产生寒冷、理智、平静等感觉，称之为冷色。第二节色彩基础色彩的感情及象征受自身生活经验、传统习惯等因素的影响，人们会对色彩产生不同的联想和抽象感情。如红色容易让人联想到火焰、太阳、血、红旗、辣椒，包含热情、活力、奔放、温暖、幸福、吉祥的抽象感情；橙色让人联想到橘子、柿子、秋叶，具有活跃、光明、华丽、兴奋、快乐的抽象感情。第二节色彩基础色彩搭配主要方法色彩搭配是不同色相之间相互呼应、相互调和的一个过程。插画师可以通过12色相环中所处不同位置的色彩搭配来获取灵感，以获得需要的画面效果：

同类色的搭配邻近色的搭配互补色的搭配三角对比色的搭配第二节色彩基础同类色的搭配方法：先选定一种主色，然后再以这款颜色为基础进行明度和纯度的调整，通过对颜色进行变淡或加深得到其化新的颜色，如深红与浅红，深绿与浅绿，深灰与浅灰等。好处：这样搭配的插画会产生一种和谐、且具有层次感的美感。第二节色彩基础邻近色的搭配方法：在色环上相邻的两种不同色彩进行搭配。如红与黄，蓝与绿等色的配合。但是这样搭配时，其明度与纯度需要有一定变化，如用深一点的蓝和浅一点的绿相配或中橙和淡黄相配，更能显出调和中的变化。好处：采用邻近色搭配的插画可以避免色彩杂乱，达到和谐统一的效果。第二节色彩基础互补色的搭配方法：互补色就是色相环上相距180°的颜色，运用它们的搭配就叫做互补色搭配。比较常见的有三对：红和绿、黄和紫、蓝和橙。好处：互补色的搭配给人以强烈、跳跃的视觉冲击。第二节色彩基础三角对比色的搭配方法：三角对比色搭配是指色相环上呈三角对立，相距约120°的色彩搭配。它们所搭配出的效果是有类似互补色搭配那样华丽强烈的对比，但又更易于控制，是一种值得推荐的搭配选择。好处：在插画设计中通过合理使用三角对比色，能够使插画特色鲜明、重点突出。第二节色彩基础色彩搭配配色技巧明确主次色调

在设计插画配色之前，需要为画面色彩定下主次基调。通常一幅插画的主色调除了黑白灰之外，不要超过3种，如果想要色彩更加丰富，可以在色彩的明度和纯度上进行变化。注重画面情绪

合适的配色可以起到表达情绪的作用。暖色系，如红色、橘色给人传递的是热烈、活力、冲动的感觉，而冷色调如蓝色、绿色则给人稳重、理性、可靠的感觉，配色需要针对不同情绪表达需求进行选择。平衡色彩“轻重”

需要注意平衡画面中色彩的“轻重”关系。例如：浅色给人轻盈的感觉，深色则有厚重感。画面如果想要给人视觉以舒适感，需要注意深色和浅色在画面的分布尽量均匀，以免造成画面失衡。第二节色彩基础第三节插画设计的创作过程WHAT？——主题构思

在对作品动手之前，首先需要进行主题构思，也就是解决“画什么？”的问题。在这个过程中可以进行一个放射性思维，也是一个头脑风暴的过程，发散的层次越多，越能找到一些有创意、新奇的想法。思维导图（Mindmap）作为展现放射性思维的最佳工具，可以把我们的思考具体化，是一种帮助我们思考和解决问题的有效工具。它基于对人脑的模拟，是知识表征和将放射性思考具体化、形象化的方法，特别有利于日益为众多人所关注的符号表征层次的知识学习。

第三节插画设计的创作过程WHY?——前期调研

前期调研是在完成主题构思后，进行大量灵感素材收集的重要创作阶段，只有有丰富和详细的素材，在之后的绘画程中你才能游刃有余。在这个阶段需要解决“为什么这样画？”的问题。灵感素材可以分为两种类型，视觉素材和理论素材。

视觉元素是指具体的视觉形象的积累，如老火车头的具体构造，或者德国沙皇的着装，又或者玫瑰花的枝叶结构等视觉形态。要养成随时积累视觉素材的习惯：收集随处可见的视觉素材，如当你出门散步、旅游时，把所看、所听、所想到的转瞬即逝的内容，将它以视觉形式记录下来。

理论素材是指在插画创作中需要了解的人文或历史背景，如果是商用插画还需要了解公司概况，商品背景等内容。第三节插画设计的创作过程HOW?——确定艺术媒介与风格

确定主题和进行了调研后，接下来要思考“用什么画？如何画”的问题，也就是确定作品的艺术媒介与风格。艺术媒介又称艺术材料，指艺术家在艺术创作过程中用于艺术表现的物质手段。插画的艺术媒介种类繁多，如传统纸质媒介：彩铅、水彩、水粉、素描、油画、丙烯、综合材料等；也有现代多媒体媒介：如电脑、鼠标、数码相机、手绘板、iPad等；或者也可以是多媒介融合，将手绘和电脑组合创作；还有可能会选择非常规媒介，这在国外的艺术院校中非常常见，可以使用装置、摄影、拼贴、陶瓷、交互……各种表达形式进行插画主题的表达，或者说更重视观念和过程，而非技法和结果。第三节插画设计的创作过程WHAT'SMORE?——绘制草图

在确定思路和完成调研后，就可以绘制多个小草稿，通过快速的绘制小草稿来构思整体画面的构图、重心、形状与明暗。确定了满意的小草稿后，再加工画成正式的草稿，这时候草稿的也不用太大，单要体现出明确色彩、风格以及部分细节，使导师或者客户了解你的构思，以便于进行进一步讨论。第三节插画设计的创作过程CREATION——成稿创作

在草稿确定，就可以开始画完整的成稿。首先需要进行细节的增加以及修正，以及光影和色彩的研究。这时要注意，为了让思路与设计保持开放的思维，让自己不会被单一的想法所绑死，可以尝试各种不同的颜色，或许会有意想不到的发现！第三节插画设计的创作过程案例：

参考图

线稿图

配色图

成稿

在本章中，通过对插画设计的入门基础内容详细讲解，让读者了解造型基础和色彩基础的重要理论，并探讨了创意的生成、主题的诠释和艺术媒介与风格等内容，帮助读者在了解插画设计创作的整体过程，寻求创意、诠释主题和提升自我的途径，并以丰富的案例进行引导，增加读者的学习兴趣。壹本章小结感谢聆听插画设计编著：董冠妮中国轻工业出版社目录壹章节插画设计概述贰章节插画设计的入门基础叁章节插画设计详解：人物篇

肆章节插画设计详解：风景与建筑篇伍章节插画设计详解：工具篇陆章节插画设计详解：风格篇柒章节插画设计详解：应用篇章节插画设计详解：人物篇叁Detailedillustrationdesign:characters通过人物结构、动态、形象、人物服装和案例赏析等内容讲述插画人物形象塑造的方法和技巧，掌握清晰的人体结构概念和塑造方法。学习要点及目标比例、解剖、动态、五官、衣褶重点概念：第一节人体结构

人体结构研究简史东方对于人体结构的研究东方审美中，对人物的刻画主张“传神”，不过分重视人物结构特征的具象描写，而是把对人物性格的表现，寓于环境、气氛、身段和动态的渲染之中，并把人体比例归纳为“立七坐五盘三半”。对于人体内部结构研究记载，最早出现在我国战国时期成书的《黄帝内经》中，意图通过“解剖”来需求病因。南宋时期，著名画家李嵩绘过一幅《骷髅幻戏图》。其中一大一小两具骷髅，仔细数来人体骨骼206根骨头，根根完整，体现了当时艺术家对于人体内部结构的认知已经达到较高水准。宋

李嵩《骷髅幻戏图》

西方对于人体结构的研究

不管是在西方还是在东方，人们对如何塑造人物都有自己的认识和理论。欧洲文艺复兴时期，艺术与科学并无严格的界限，古典数学观念也深深地影响到了意大利的艺术。艺术家们开始思考运用数学方法在二维平面上展现空间关系，并用科学的方式理性地再现人们的所见之真实，这是这一时期艺术的重要特点。同时，艺术家们开始通过对人体解剖来研究人体的结构，达•芬奇、米开朗基罗等艺术家为此绘制了大量的解剖图和手稿，而我们也从他们的作品中感受到人物形象的真实感。第一节人体结构

人体结构比例

在人体造型的研究中，无论男女老少，其头部的大小基本是固定。因此，常以头部的长度为单位来研究人体各部分与整体之间、部分与部分之间的比例关系。古希腊雕像中大量表现出的8头身比例，是公认的身体最美的比例。实际上，除欧洲部分地区外，在生活中很难找到8头身的人，一般人为7.5头身：从头顶到下巴为一个头长，从乳头到肚脐为一个头长，从肚脐到会阴为一个头场，从会阴道膝盖为一个半头长，从膝盖中部到足底为两个头长。另外，人体高度的二分之一处在趾骨联合，双手平伸直展宽与身高大致相等。人体特征第一节人体结构成年男性

第一节人体结构成年女性

第一节人体结构少男少女第一节人体结构儿童

第一节人体结构头部头部由颅和面部两部分组成。人的面部比例结构可以归纳为“三庭五眼”。三庭：指脸的长度比例，把脸的长度分为三个等分，从前额发际线至眉骨，从眉骨至鼻底，从鼻底至下颏，各占脸长的1/3。五眼：指脸的宽度比例，以眼形长度为单位，把脸的宽度分成五个等分，从左侧发际至右侧发际，为五只眼形。掌握人的头部比例有利于准确的刻画人物形象，体现人物特征。第一节人体结构

基本骨骼结构

掌握人物内部骨骼、肌肉及筋脉结构是画好人物的基础，可以帮助我们由内而外的去分析光影在肌肤上的起伏变化。一个成年人的骨骼由206块骨头组成，人体从总体上，由头、躯干、上肢和下肢四大部分构成。他们分布在全身各部位，支撑着身体，保护内部器官，同时和肌肉共同作用来进行各种活动，它们是供肌肉附着和起着肌肉运动杠杆作用的支架。人物的骨骼与肌肉第一节人体结构人体的主要关节

骨与骨之间连接的地方称为关节，能活动的叫“活动关节”，不能活动的叫“不动关节”。骨骼结构的关节处和骨骼在人体的骨点为艺用解剖学的重点。

人体的主要关节有：肩关节、肘关节、腕关节、踝关节、膝关节、髋关节、指间关节、指掌关节。第一节人体结构肌肉如果说骨骼是人体的支架，它是支撑人体行动的基础，那么肌肉就是盔甲，保护着人体内脏，肌肉收缩牵引骨骼而产生关节的运动，其作用犹如杠杆装置。从美学角度而言，肌肉是体现人体的力与美的重要元素。人体肌肉约639块。约由60亿条肌纤维组成，其中最长的肌纤维达60厘米，最短的仅有1毫米左右。第一节人体结构

当我们绘画时要注意：肌肉是成对工作的。当一块肌肉收缩时，其对抗肌就绷直。使用二头肌弯曲胳膊，使用三头肌伸展胳膊。在你的绘画中，应当尝试夸张活动肌肉的硬度，并令放松肌肉符合重力作用。意识到肌肉的功能是描绘姿势的基础，这样你才能知道哪块肌肉该弯曲，哪块该放松。这会让你的绘画远离“静物”，走向“动态”，你所画的姿势会更具动感和冲击力。第二节人物动态动态线

动态，在艺术创作中主要指艺术形象表现出的活动神态。

如何生动的表达人物动态，首要要学会“抓住”和表现“动态线”。动态线是人体中表现动作特征的主线。是表现人体在动作中所呈现出动态走向的趋势辅助线，一般动态线少而简练，具有高度概括性。动态线一般表现在人体动作中大的体积变化关系上。人物侧面时，动态线往往体现在外轮廓的一侧；当人物正面时，动态线会突出于脊椎和四肢的变化。因此抓住动态线对于画好动态是至关重要的。第二节人物动态

我们要注意到无论是静态人物还是动态人物，都会有其动态线，只是动态人物的动态线更加舒展，更加明显；而静态人物相对动态线没有那么明显。

如何画好动态线呢？我们应该注意以下几个方面：动态线是由人体动作变化产生的，它是外形上最明显、衣服与身体贴得较紧的部位。画动态线时，要抓住大的部位，抓关键的动势并注意动态的重心。动态线是非常简练的线条，要根据动作的复杂程度决定动态线的多少，在每个动作中，主要的动态线仅有一条，其他的是动态辅助线。抓住人体的各个关键部位的结构关系，如头与肩、手臂与躯干、骨盆与腿、大腿与小腿的关节和小腿与脚的结合处。第二节人物动态几何人物动态概括绘画不是对视觉世界直接和单纯的复述，如果想要传达精神世界，画家就必须是一个眼光敏锐的观察者，能够把平面形象和体积感整合起来从而创造出一个协调一致的整体。因此我们要学会如何观察物体的体积感，以及学会如何将体积感应用到我们的人物动态设计和插画创作中。第二节人物动态

当学习理解立体组合形体后就可以尝试绘制人体了。我们可以把大块的肌肉和骨骼转化为大块的形状来理解和表达。通过把人体想像成三个大部分：头部，躯干和盆骨，然后确定一条动作趋势线，以这条动作趋势线为导向绘制出人体的三大部分，这将是正确的表达人体的基础。第二节人物动态动态人物绘画技巧躯干

躯干在人体动态中起着非常重要的作用。首先，躯干占有人体非常大的面积，并连接着头部，手臂和盆腔。其次，躯干的动向实际上对人物动态的走向具有决定性作用，因为躯干中有人体最重要的脊椎。脊柱是身体的支柱，位于背部正中，上端接颅骨，下端达尾骨尖。身体的重量和所受的震荡即由此传达至下肢。第二节人物动态动态人物绘画技巧头部

头部各部位都保持着一定的比例关系，熟悉这些比例对掌握人物头部的结构很有帮助。

新生儿的头部占其整个身长的四分之一，而成年人则占八分之一。正常人头上都长有头发，以防止热量的散失。人类的头部结构组成都基本相同，但由于头部大小、形状以及面部器官形态的不同，使得人的面貌各不相同，表现出千差万别的面部特征。第二节人物动态动态人物绘画技巧上肢

上肢是人体的组成部分之一，由肩、臂、肘、前臂和手组成。

肩带骨由肩胛骨和锁骨组成。是扁形的三角形骨，位于胸廊的后外侧上部，介于脊柱旁第2至第7肋骨之间，背侧的向外上方倾斜的为肩胛冈，上面为冈上窝，下面为冈下窝。肩胛冈外立常为肩峰，与锁骨相接，为肩锁关节。肩胛骨外角有关节和肋骨头组成肩关节。上肢运动时肩胛骨有所变化。第二节人物动态动态人物绘画技巧下肢

下肢是指人体腹部以下部分。包括臀部、股部、膝部、胫部和足部。股部分前、内和后区，膝部分为前、后区，小腿部分前、外和后区，足部分踝、足背、足底和趾。臀部由骨盆和臀肌组成。下肢骨有股骨。髋骨胫骨，及足骨。下肢肌分为盆带肌、大腿肌、小腿肌和足肌。第三节人物形象人物的五官基本概念五官，特指人的外貌长相。人们常说的“五官”，指的就是“眉、眼、耳、鼻、口”。而人们也常常以此形容一个人的容貌长相，如五官端正、五官精致，眉清目秀，鼻直口方等描述。第三节人物形象头部特征眼睛

眼睛是心灵之窗，也最能打动人的器官，《诗经·卫风·硕人》就使用“巧笑倩兮，美目盼兮”这样的诗句来形容女性眼睛的美丽。我们通常说的神态就是指眼神的变化，只要把眼睛处理好就能把人物的神态画得生动很多。而要想画好眼睛首先要理解眼睛的结构。第三节人物形象鼻子鼻子是面部最靠前面的器官，也是五官中体块转折最明确的一个，整体上呈一个梯形，主要由鼻头、鼻梁、鼻根三大部分组成。第三节人物形象嘴巴嘴唇的形状受颌骨的影响，它的基本形是一个圆柱形。嘴巴鼓起来之后，嘴角的两边自然而然地变虚，而嘴中央朝正面的位置是对比最强、最实的。通常来说，上嘴唇呈M形，下嘴唇呈W形。第三节人物形象人物形象绘画技巧形象特征不同性别和年纪的人物具有不同的形象特征，特别是在需要进行多人物设计的书籍插画中，如何用恰当的比例特征体现人物不同的年纪和性别就非常重要。第三节人物形象美国SaraKipin的人物设计SaraKipin为自己的插画作品设计了一系列人物造型，其中包括巫师、猎人、骑士、乞丐和王室贵族等，并根据年纪和性别设计其比例，如成年男性个头最高，而少女个头最低。这些各具特色的人物组成了一幅神秘的中世纪画卷。第三节人物形象女性

画女孩子的脸关键之处是要圆润、可爱，大眼睛，眼珠儿又黑又大，鼻子小巧玲珑，嘴巴娇小可爱，眉毛柔软弯曲，略微向下，从脸蛋到下巴的线条要有弧度，柔美、流畅。第三节人物形象男性：

男性的眼睛较小，位于脸部上，在细长形眼眶中眼白略多，眉毛略微上扬，嘴形清晰而且较长，鼻线画的越直越能显现出男子汉的刚毅，若画成弧形会显得温柔，鼻梁上方和眼睛高度差不多高，下巴应该画得方些，脖子要画得略粗，富有立体感，注意下巴和脖子相接处与女性的位置不同。第三节人物形象幼儿：

幼儿的五官都集中在脸部下半部1/2的部位。眼睛大大圆圆的，口、鼻较小的。下巴肉比较多，下颌也较短，因此下巴的曲线是圆的；眼睛和眉毛的位置距离远。头盖骨比较大呈园球状，比较满。第三节人物形象老人：

老人一般由于钙质流失，骨架缩小导致面部干瘪，眼皮耷拉下来，看上去眼睛都是细细的，眼神浑浊，鼻子宽阔，嘴巴皱缩，眼睛和嘴巴周围皮肤都有很明显的皱纹。

老年男性脸部的骨骼最为凸出，女人则稍为丰满些。第三节人物形象艺术手法

人物形象是能够传达感情和意义的假定形象，是现实生活中不存在而由艺术家创造的形象。插画中的人物可以是写实的人物，也可以是动物、植物，或是没有生命的物体，甚至是源于神话的各种形体的排列组合。这些形象是由设计师创造出的虚拟形象，它们源于生活又高于生活，反映了人们对生活的态度和对理想的追求。

第四节人物服饰服饰的风格东方服饰中国汉服

“汉服”全称是“汉民族传统服饰”，又称汉衣冠、汉装、华服。特指是从黄帝即位到明末清初，在汉族的主要居住区以“华夏”文化为背景和主导思想，以华夏礼仪文化为中心，通过自然演化而形成的具有独特汉民族风貌性格，明显区别于其他民族的传统服装和配饰体系。

第四节人物服饰中国旗袍

旗袍原指一种长袍，多为是清代旗人所穿。后盛行于民国20年代，成为最普遍的女子服装。于1929年成为中华民国政府的国家礼服之一，也是中国悠久的服饰文化中最绚烂的现象和形式之一。

第四节人物服饰日本和服和服是日本特有的民族服饰。其种类繁多，无论花色、质地和式样，千余年来变化万千。和服在男女间有明显的差别：男式和服色彩比较单调，偏重黑色，款式较少，腰带细，附属品简单，穿着方便;女式和服色彩缤纷艳丽，腰带很宽，而且种类、款式多样，还有许多装饰品。第四节人物服饰西方服饰中世纪时期

中世纪人们的衣着服饰,有着浓厚的宗教气息.结构上的封闭性,造型的宽大特征和头巾的流行是基督教对服装的直接影响.由于出于对上帝的奉献和对人生的禁欲,导致服装的自然美削减,而去极力掩饰人体的形态美,那种外在的,表面的,繁缛的装饰美,则是对上帝的歌颂。服装里镶金缀玉,精美刺绣,表现出一种中世纪圣歌的神圣韵律。第四节人物服饰文艺复兴时期

文艺复兴开始于意大利，这一文化运动于15世纪后半期扩及欧洲许多国家，16世纪达到高潮。随着中世纪禁欲主义的的衰落，人文主义复兴了，在服饰上体现为：男子服饰强调上体的宽大魁伟和下体的瘦劲，构成倒三角造型；女子服饰中强调女性特色细腰丰臀，形成倒扣的钟式造型。

第四节人物服饰巴洛克风格巴洛克是16世纪后期开始在欧洲流行的一种艺术风格，其特点是打破文艺复兴时期的严肃、含蓄和均衡，崇尚豪华和气派，具有刺人耳目、动人心魄的艺术效果。巴洛克在服饰上一改以前灰暗而直板的艺术风格，重视装饰甚至趋向奢侈。巴洛克女装的特点是大量褶皱和花边，着重下半身的剪裁，力求多变。第四节人物服饰洛可可风格洛可可风格是18世纪产生于法国，后影响整个欧洲的一种艺术形式或艺术风格，其形式具有轻快、精致、细腻、繁复等特点。洛可可女装保留了宽大的髋部和紧身的胸衣。在一条颜色不同的衬裙外面，套钟形的长裙，大多在前面打褶裥，身后拖着裙裾。第四节人物服饰人物服饰绘画技巧中国对衣褶的研究

中国在古代就非常注重衣褶在绘画中的表现，并对衣褶画法进行专门的研究。明代邹德中《绘事指蒙》载有”描法古今一十八等”，将不同的勾线方法归纳为十八种，称为“十八描”。十八描代表着不同时代、不同流派画家所形成不同的表现方法，其线条的用笔力度、笔迹形态各具特点。

吴道子《八十七神仙卷》《八十七神仙卷》相传为唐代画家吴道子所绘制，他善于从复杂的物体形态中吸收精髓，把凹凸面，阴阳面，归纳成为不可再减的“线”，结合物体内在的运动，构成线条的组织规律，如衣纹的高、侧、深、斜、卷、折、飘、举的姿势，完全基于线条的组织而描摹出物体的性格。第四节人物服饰西方对衣褶的研究在西方美术传统中，古希腊艺术占有十分重要的地位。当时的美学思想认为美源于形式上的和谐，数量上的精准，着重研究身体的比例与和谐，并追求身体自然和纯粹的美感，用唯美的气质刻画健壮体魄和精神饱满的人物形象，并不对衣褶进行专门的研究。

到二十世纪初，美国素描大师乔治·伯里曼专门对衣褶进行研究。他将衣褶按起源点进行分组观察和绘制，总结出整个衣褶结构其实是由被覆盖的形体所决定的，并将其概括为七种样式；圆管形，之字形，螺旋形，兜布形，半搭扣形，下垂形，稳定形。第四节人物服饰（a）圆管形

（b）之字形

（c）螺旋形

（d）兜布形（e）稳定形