高一音乐教学设计 华夏戏韵入课堂 戏曲文化共传承

高一音乐教学设计华夏戏韵入课堂戏曲文化共传承一、教学背景与设计缘起广东省郁南县地处粤西北，素有“山城”之美誉，地方文化底蕴深厚。蔡朝焜纪念中学作为一所以烈士之名命名的学校，始终秉持“铭记历史、传承文化、立德树人”的办学理念。高一年级的学生经过义务教育阶段音乐课程的积累，已具备基本的音乐感知能力与审美判断力，但面对戏曲这一传统艺术形式，多数学生仍存在“听过名字、未闻其声、不解其味”的认知断层。笔者在课前对本校高一六个班级共312名学生进行问卷调查，结果显示：能够完整说出三种以上戏曲剧种名称的学生仅占18.6%，曾经完整观看过一出戏曲选段的学生不足7%，而希望通过课堂学习了解戏曲艺术的学生比例高达84.3%。这一数据既反映了当下青少年与传统艺术之间的情感隔膜，也昭示了戏曲教学在学生精神成长中所具有的广阔空间。本课以“多彩的华夏之音——戏曲篇”为主题，正是在这样的学情基础上展开教学设计。本课聚焦“戏曲音乐”这一核心概念，引导学生通过聆听、辨识、模唱、体验、探究等多元路径，走进京剧、昆曲、豫剧、越剧、黄梅戏等代表性剧种的音声世界，理解戏曲音乐“以歌舞演故事”的本质特征，感悟中华戏曲艺术所承载的人文精神与审美理想。根据《普通高中音乐课程标准（2017年版2020年修订）》中“弘扬民族音乐，理解多元文化”的基本理念，本课旨在使学生“认识中华传统音乐文化的博大精深，增强民族自豪感与文化自信”，同时通过戏剧模块的学习，发展学生的艺术表现能力与创意实践素养。二、教材分析与资源整合本课所用教材为人民音乐出版社出版的《音乐与生活》模块教材，其中“多彩的华夏之音”单元以中国民族音乐为主线，戏曲部分选编了京剧《铡美案》选段《包龙图打坐在开封府》、昆曲《牡丹亭》选段《原来姹紫嫣红开遍》、豫剧《花木兰》选段《谁说女子不如男》、越剧《梁山伯与祝英台》选段《十八相送》以及黄梅戏《天仙配》选段《夫妻双双把家还》五个经典唱段。教材从唱腔特点、伴奏乐器、表演程式三个维度对上述剧种进行了概要性介绍，并设置了聆听与鉴赏、思考与探究等实践活动。考虑到高一学生的认知水平与兴趣取向，笔者对教材内容进行了适度拓展与重组。在保留教材核心选段的基础上，补充了京剧“梅派”代表作《贵妃醉酒》与“程派”代表作《锁麟囊》的片段对比聆听，以使学生更直观地感受同一剧种内部不同流派风格之间的差异。同时，借助现代教育技术手段，将戏曲剧种的生存现状、青年戏曲演员的传承故事等社会文化议题引入课堂，引导学生在感受戏曲艺术之美的同时，思考传统文化在当代社会的创造性转化与创新性发展问题。在课时安排上，本课设计为两课时连排（每课时45分钟），第一课时以“走进戏曲、辨识剧种”为主线，第二课时以“深入体验、文化思辨”为主线，两课时之间既有知识逻辑的递进，又有情感体验的深化。三、教学目标与核心素养指向依据课程标准中“审美感知、艺术表现、文化理解”三大音乐学科核心素养，结合本课教学内容与学情实际，确立以下三维教学目标。在审美感知层面，学生能够通过聆听不同剧种的经典唱段，辨识京剧、昆曲、豫剧、越剧、黄梅戏五种代表性剧种的音色特征与风格差异，感知戏曲唱腔中“依字行腔、字正腔圆”的审美法则，体会戏曲音乐中声乐与器乐相互映衬、浑然一体的艺术境界。在艺术表现层面，学生能够跟随音频或教师范唱，模唱京剧《铡美案》中“包龙图打坐在开封府”的首句唱腔，尝试运用气息支持与咬字归韵技巧表现戏曲唱腔的韵味；能够运用身体语言模拟戏曲表演中的“亮相”“云手”等基本程式动作，体验戏曲表演“手眼身法步”的协调统一。在文化理解层面，学生能够结合戏曲产生的历史背景与文化生态，理解各剧种与地域文化之间的内在关联，认识戏曲作为“活态文化遗产”在当代社会中的价值与意义，从而增强对本民族音乐文化的认同感与传承意识。四、教学重点与难点剖析本课教学重点确定为：通过对比聆听与辨析活动，引导学生掌握五种代表性剧种的核心辨识要素。具体而言，京剧以“西皮”“二黄”两种声腔为基础，唱腔高亢激越或深沉委婉，伴奏以京胡为主奏乐器，语言以湖广音、中州韵为规范；昆曲则被誉为“百戏之祖”，唱腔婉转细腻、一唱三叹，以曲笛为主奏乐器，剧本文学性与音乐性并重；豫剧唱腔以“慷慨激昂”著称，多用大本嗓演唱，伴奏以板胡为主，具有鲜明的中原地域特色；越剧唱腔清丽柔美、长于抒情，伴奏主乐器为越胡，语言以吴语方言为基础；黄梅戏唱腔流畅明快、通俗易懂，以高胡为主奏乐器，富有浓郁的皖南民间气息。上述辨识要素需在课堂中反复呈现、螺旋递进，使学生在感性聆听的基础上逐步建立理性的辨析框架。本课教学难点则在于引导学生突破“戏曲听不懂、不好看”的刻板印象，真正进入戏曲的审美情境之中。这一难点产生的原因是多方面的：其一，戏曲唱腔中的方言发音、缓慢节奏与当代青少年的听觉习惯存在较大距离；其二，戏曲表演的程式化特征要求学生具备一定的符号解读能力，否则难以理解其虚拟性、写意性的美学原则；其三，学生缺乏现场观剧体验，缺乏对戏曲艺术“活态”魅力的直观感受。为突破这一难点，本课将采用“情境创设—感性体验—理性分析—情感升华”的教学路径，借助影视资料、现场表演示范、学生模仿体验等多种手段，降低学生的审美门槛，引导他们跨越时间与地域的隔阂，与戏曲艺术建立真实的情感连接。五、教学方法与学习方法本课综合运用讲授法、欣赏法、比较法、体验法、讨论法等多种教学方法，力图构建以学生为主体的参与式课堂。具体而言，在导入环节采用“听觉悬念法”，播放一段不经提示的戏曲唱腔，激发学生的好奇心与探究欲；在新授环节采用“对比聆听法”，将不同剧种的唱段进行两两对照，引导学生在比较中发现差异、归纳特征；在体验环节采用“模仿实践法”，组织学生进行唱腔模唱与身段模仿，使学生在身体参与中感受戏曲的韵律之美；在拓展环节采用“议题讨论法”，围绕“传统戏曲如何在当代焕发生机”这一开放性问题展开课堂对话，培养学生的批判性思维与文化思辨能力。在学法指导方面，教师将引导学生运用“聆听笔记法”，在每次聆听前明确聆听任务，聆听中记录关键词，聆听后整理归纳，以此培养有目的的聆听习惯；运用“比较归纳法”，借助教师提供的表格支架，将五种剧种的名称、唱腔特点、伴奏乐器、代表剧目等信息进行结构化整理；运用“体验反思法”，在模唱与身段模仿之后，用自己的语言描述身体感受与情感变化，实现从感性经验到理性认知的升华。六、课前准备与教学环境课前准备工作包括以下几个方面。第一，教学资源的收集与制作：教师需提前准备五个剧种经典唱段的音视频资料，剪辑出具有代表性的聆听片段，每个片段控制在1分钟至2分钟之间，确保音质清晰、画面完整；制作包含各剧种唱腔特点、伴奏乐器、代表剧目等信息的教学课件，课件中穿插戏曲脸谱、服饰、舞台布景等视觉素材，营造浓郁的戏曲文化氛围。第二，教学环境的布置：将教室座位调整为半圆形排列，便于学生之间的交流互动；在教室前方设置简易“小舞台”区域，铺设红毯，为学生的身段模仿与展示提供空间；在教室四周张贴戏曲脸谱、剧照等图片，使学生在进入教室的瞬间便置身于戏曲文化的场域之中。第三，学生前置任务的布置：在上一节课结束时，教师向学生布置预习任务，要求学生自主查阅一种戏曲剧种的起源与发展概况，并在课堂上进行简要分享；同时推荐学生课余时间观看中央电视台戏曲频道的相关节目，积累初步的感性经验。七、教学过程第一课时走进戏曲——辨识剧种之美（一）情境导入：一声入耳，万事离心上课伊始，教室内灯光渐暗，音响中缓缓流淌出一段婉转悠扬的昆曲唱腔——《牡丹亭·游园》中杜丽娘的经典唱段“原来姹紫嫣红开遍”。教师不设任何提示性导语，仅示意学生闭目聆听，让声音的洪流自由地漫过每一位学生的听觉感官。约一分钟后，音乐渐弱，灯光重新亮起。教师以平和的语调向学生发问：“刚才这段声音，你们听到了什么？想到了什么？”课堂瞬间活跃起来，有学生说“像古代人在唱歌”，有学生说“听起来很慢，一个字拖了很久”，也有学生说“像是江南那边的调子”。教师对学生们的回答给予肯定，不做对错评判，而是顺势揭示：“这段声音来自已有六百多年历史的昆曲，它是中国戏曲大家庭中最年长的一位成员。今天，我们将一起推开戏曲殿堂的大门，去认识那些在华夏大地上回响了千百年的多彩之音。”此环节的设计意图在于以听觉悬念打破学生原有的认知定势，使学生在没有任何概念预设的情况下直接面对戏曲声音本体，从而产生最原始、最真实的听觉感受。这种“先听后讲”的导入方式符合音乐学习的认知规律，也呼应了课标中强调的“以听觉体验为基础”的音乐学习理念。（二）新知探究之一：京师之声——京剧教师播放京剧《铡美案》选段《包龙图打坐在开封府》，同时在课件上呈现京剧脸谱与剧照图片。播放完毕后，教师请学生描述初步感受。多数学生反映“声音很响、很有力”“有一种威严的感觉”。教师引导学生关注唱腔本身的旋律走向与节奏特征，带领学生拍击“导板”部分的节奏型，感受其中自由延展、紧打慢唱的特点。由此引出京剧“西皮”与“二黄”两种基本声腔的概念：西皮腔旋律起伏较大、节奏较为紧凑，多表现激昂、欢快的情绪；二黄腔旋律平稳、节奏较为舒缓，多表现深沉、悲凉的情感。《包龙图打坐在开封府》使用了导板、原板、流水等多种板式，教师选取其中“流水板”片段，带领学生用“哐才哐才”的锣鼓经节奏进行模仿，体验京剧唱腔与打击乐之间的紧密联动。为进一步加深学生对京剧唱腔的感性认识，教师播放梅兰芳《贵妃醉酒》与程砚秋《锁麟囊》两个片段的对比聆听。前者音色甜润圆亮、唱腔华美流畅，后者音色幽咽婉转、唱腔若断若续，学生迅速感受到同一剧种内部不同流派带来的风格反差。教师简要介绍“梅派”与“程派”的演唱特点及其形成背景，让学生明白流派的产生不仅是个人艺术风格的彰显，更与社会历史变迁和观众审美趣味的变化密切相关。（三）新知探究之二：百戏之祖——昆曲教师从京剧的“皮黄腔”自然过渡到昆曲，设问引导学生思考：“刚才我们听到的京剧在形成过程中，曾经广泛吸收了哪一古老剧种的艺术养分？”由此引出昆曲的历史地位。教师播放《牡丹亭·游园》中的《皂罗袍》唱段，与刚才课堂上听到的《包龙图打坐在开封府》进行对比。学生迅速发现两者在速度上的显著差异——“昆曲更慢、更细腻”。教师向学生点明，昆曲唱腔讲究“启口轻圆、收音纯细”的功法，每一个字的发音都要经过字头、字腹、字尾的完整过程，形成了“一唱三叹”的独特美感。为使学生更直观地感受昆曲的咬字特点，教师以“姹紫嫣红”四字为例，逐字示范其发音过程，学生跟读模仿，课堂气氛活跃。随后，教师播放昆曲《牡丹亭》的舞台演出视频片段，引导学生关注演员的水袖动作、眼神流转与唱腔之间的配合关系。学生被演员精湛的表演所吸引，纷纷表示“原来戏曲不只是唱，每一个动作都很有意义”。教师借机讲解昆曲“载歌载舞”的表演特征——昆曲中的每一个身段都与唱词内容相对应，演员的表演不仅传递声音之美，更以身体语言绘制出唱词中的意象画面，使观众在听觉与视觉的双重盛宴中获得完满的审美体验。（四）新知探究之三：中州正音——豫剧教师用一段极具地方色彩的河南方言问候语作为过渡：“中！咱河南话咋恁好听嘞！”学生顿时笑声一片。教师顺势播放豫剧《花木兰》选段《谁说女子不如男》，并引导学生重点关注演唱者的音色特征。听完之后，学生不约而同地指出“这个唱得特别有劲”“声音像喊出来的一样”。教师对学生的感受表示认同，并引导他们辨别豫剧唱腔中真声与假声的混合使用方式。相比昆曲的低回婉转，豫剧唱腔以“唱大声、唱真声”为特征，行腔慷慨激昂、酣畅淋漓，展现出中原大地刚健质朴的民风。教师进一步介绍豫剧的表演艺术家常香玉先生的事迹，讲述她在抗美援朝时期义演募捐、为国家捐献一架战斗机的感人故事。学生无不为之动容，对“谁说女子不如男”这句唱词有了更深层的理解——花木兰代父从军的巾帼气概与常香玉先生赤诚报国的家国情怀在同一个唱段中交相辉映，这也是豫剧艺术穿越时空、打动几代人的根本原因。此环节将音乐鉴赏与人文教育有机融合，使学生在感受戏曲唱腔之美的同时，也受到爱国主义精神的感染与启迪。（五）新知探究之四：吴越柔情——越剧与黄梅戏教师先播放越剧《梁山伯与祝英台》选段《十八相送》，引导学生关注越剧声音的性别特征。学生敏锐地发现“唱的人听起来像女的，但仔细一听又有一些不一样”。教师由此引出越剧“女小生”这一独特的行当现象——越剧中的男性角色多由女演员扮演，形成了清丽婉转、细腻柔美的舞台风格。教师简要介绍越剧从浙江嵊州乡村的小歌班走向上海都市大舞台的发展历程，说明越剧唱腔在吸收话剧、昆曲等艺术养分后逐渐形成了委婉抒情、优美动听的个人风格，成为流传最广、影响最大的地方剧种之一。紧接着，教师播放黄梅戏《天仙配》选段《夫妻双双把家还》，学生轻声跟着哼唱，课堂氛围变得轻松愉悦。教师引导学生比较黄梅戏与越剧在唱腔风格上的异同：两者均为南方剧种，唱腔都偏向柔和流畅，但越剧更注重文雅细腻的声腔处理，黄梅戏则保留了更多民间小调的清新活泼。教师向学生展示黄梅戏的起源地——安徽省安庆市的山水人文图片，让学生直观感受到“一方水土养一方戏”的文化逻辑，曹植的“南音”传统与各地方言音韵共同塑造了剧种的独特面目。（六）阶段小结：五音竞秀，各有千秋教师发放学习任务单，任务单上包含一张五列对照表格，学生需在教师引导下将本堂课所学的五种剧种按照“唱腔特点、伴奏主乐器、代表剧目、诞生地域”四个维度进行信息整理与填写。填写完毕后，教师请五位学生分别上台进行口头汇报，其余学生进行补充与订正，教师最终确认标准答案并在课件上逐项展示。此环节既能有效检验学生的课堂学习成效，也能帮助学生在信息结构化过程中实现从感性认知到理性归纳的跃迁。最后，教师播放一段混合编辑的音频——将五种剧种的唱段首句随机串联。每播放一句，学生需在座位上举手抢答说出剧种名称。这一互动游戏既是对本课所学知识的即时检测，也调动了全体学生积极参与的热情，使课堂在高潮中结束。教师布置课后任务：每位学生从五种剧种中自选一种，学唱其中一句唱腔，下节课进行展示分享。第二课时深入体验——品味戏曲之韵（一）复习导入：声音记忆，唤醒感知上课伊始，教师以“听音辨剧”的温习活动开启新课。教师依次播放上节课中出现过的五个唱段的首句音频，学生逐一说出对应的剧种名称。由于有了上节课的学习基础，学生多能迅速而准确地进行辨识，教师给予充分肯定。随后，教师请三位学生上台演唱自己课后学唱的唱腔选句，学生虽然略显紧张，但唱得有模有样，教室里响起同伴的鼓励掌声。教师对学生的表现进行简短的点评与示范校正，特别强调咬字读音和气息支撑两个要领，引导学生在模仿中逐步接近戏曲唱腔的神韵。（二）深度体验之一：身段与程式——看得见的节奏本环节旨在引导学生通过身体参与来理解戏曲艺术的程式化表演特征。教师首先播放一段京剧《三岔口》的武打场面视频，学生在观看中不时发出笑声与惊叹。教师提问：“他们在黑暗中对打，为什么观众能看得清清楚楚？”学生思考后回答：“因为舞台上灯光很亮”“他们的动作很夸张”。教师抓住学生回答中的关键词“夸张”，引出戏曲表演的核心美学原则——虚拟性与程式化。戏曲舞台上没有真实的大门，演员做一个推门的动作，观众便知道门的存在；没有真实的山路，演员用圆场步在舞台上走一圈，便完成了千里行程的叙事。教师随即组织学生进行简单的程式动作模仿。第一个动作是京剧中的“云手”，教师分解示范：双手掌心相对、一手向外、一手向内、交叉旋转、缓缓推出。学生起立模仿，教师巡回指导、逐个校正。第二个动作是“亮相”，教师示范“丁字步、亮掌、定睛”的三步要领，学生在教师口令的指挥下反复练习，最终集体完成了一次颇有架势的“剧场亮相”。学生兴致高昂，纷纷表示“原来做这些动作也不简单”“感觉全身都要用力”。教师引导学生分享身体感受，有学生说“做了云手之后感觉整个人都变舒展了”，有学生说“亮相的时候需要一种自信的感觉”。教师趁机总结：戏曲的程式动作并非僵化的“套路”，而是经过几百年艺术实践凝练而成的、具有高度表现力的审美符号，它将生活动作节奏化、美化，使观众在形式感中获得愉悦。（三）深度体验之二：唱腔模唱——用身体歌唱在身段体验的热身之后，教师引导学生进入唱腔模唱环节。本环节选取京剧《铡美案》中“包龙图打坐在开封府”的首句作为模唱材料，教师先带着学生朗读唱词，注意每个字的声调与归韵：“包——龙——图——打——坐——在——开——封——府”。教师特别强调“龙”字的上口音读法，让学生感受京剧唱念中“中州韵”与普通话的差异。朗读熟练之后，教师用钢琴弹奏唱腔旋律，学生跟随琴声以la音哼唱音高与节奏。待旋律基本掌握后，教师将唱词填入旋律，逐句带唱。模唱过程中，教师发现多数学生在高音区出现了气息不稳、声音发紧的情况。教师暂停练习，向学生讲解气息控制要领：“想象自己的腰部系了一条腰带，吸气时腰带向外撑开，呼气时保持撑开的状态，让气息绵长而均匀地呼出。”学生按照教师的提示调整呼吸状态，再次尝试演唱，声音质量有明显改善。教师进一步鼓励学生“带上表演的感觉”——立起腰背、目视前方、表情庄严，仿佛自己就是坐在开封府大堂之上的包拯。学生受到情境的感染，演唱状态明显提升，最终全班齐声唱出了一句颇具气势的“包龙图打坐在开封府——”，课堂气氛达到高潮。（四）深度体验之三：流派对比——同一经典，多样表达为拓展学生的审美视野，教师安排一节“同一曲目，不同演绎”的对比聆听活动。教师分别播放京剧《霸王别姬》中虞姬唱段“看大王在帐中和衣睡稳”的梅兰芳版与张火丁版录音片段，以及豫剧《花木兰》中“谁说女子不如男”的常香玉版与汪荃珍版录音片段。学生以小组为单位进行讨论，围绕“两个版本在音色、速度、力度处理上有何不同”“不同处理分别传达了怎样的人物性格与情感”两个问题展开交流。五分钟后，各组代表依次发表见解，有的学生说“梅兰芳的版本更圆润、更从容，像个端庄的王妃”，有的学生说“张火丁的版本更清冷、更克制，能感受到虞姬内心的悲凉”，有的学生说“常香玉唱得更有乡土气息，更加质朴”，也有学生说“汪荃珍的声音更年轻、节奏更明快，更符合现代人的听觉习惯”。教师对学生的分析给予充分肯定，并引导他们认识到“流派”是戏曲艺术生命力的重要体现——每一位艺术家都在继承前辈精髓的基础上，根据自身嗓音条件与艺术理解进行个性化创造，这种“移步不换形”的传承方式使戏曲艺术始终保持鲜活的生命力。教师鼓励学生今后在欣赏戏曲时，不仅要听“曲”，更要去品“味”，感受不同艺术家在同一经典中留下的独特印记。（五）思辨拓展：传统戏曲在当代——困境与新生经过紧张的聆听、模仿与对比活动之后，课堂节奏稍作放缓。教师播放一段纪录片《青春戏曲人》的剪辑视频，其中呈现了当代“90后”“00后”青年戏曲演员的台前幕后生活，也展现了“云剧场”、戏曲短视频等在互联网时代的传播新形态。视频播放完毕后，教师向学生提出了一个开放性的课堂议题：“一项拥有数百年历史的传统艺术，如何在我们这一代人的生活中继续‘活’下去？请结合你身边的实际感受，谈谈你的看法。”教室陷入短暂的沉思，随后讨论逐渐热烈起来。有学生认为“戏曲的节奏太慢了，不太适合现在的快节奏生活”；有学生反驳说“正因为现在生活节奏快，我们才更需要戏曲这样的慢艺术来平衡身心”；有学生提出“可以把戏曲跟流行音乐结合起来，像周杰伦的《霍元甲》那样”；有学生建议“学校可以开设戏曲社团，让想学的同学有地方学”；还有学生表示“这次课之后，我回家主动搜了《牡丹亭》来看，发现其实很有意思”。教师认真倾听每一位学生的发言，适时进行回应与引导，最后以一段话作为本环节的收束：“戏曲不仅仅是博物馆里供人瞻仰的文物，它仍然是活着的艺术，仍然在我们这个时代发出自己的声音。你们今天的讨论，本身就是传统文化传承过程中的一部分。未来无论你们从事什么职业，只要你们还记得今天课堂上听到的某一句唱腔、学到的某一个动作，华夏戏曲的根脉就多了一分延续的可能。”（六）课堂总结与课后延伸教师以简洁的语言带领学生回顾两节课的学习历程：从最初“听到戏曲”的陌生与新奇，到后来“辨识剧种”的清晰与明确，再到“体验身段”“模唱唱腔”时的身体参与与情感融入，最后深入到“反思传承”的文化自觉。教师指出，戏曲艺术的魅力不仅在于悦耳动听的唱腔、精致考究的服饰、训练有素的身段，更在于它凝聚了中华民族独特的审美理想和生活智慧，它是中国人用自己的声音和身体创造出来的艺术奇迹。教师布置课后延伸任务，要求学生在以下三个选项中任选一项完成。第一项：“戏曲初体验”——在家长陪同或自主安排下，完整观看一部戏曲舞台演出录像或剧场现场演出，撰写一篇六百字左右的观后感，重点描述自己的情感体验与思想认识变化。第二项：“戏韵寻踪”——采访身边熟悉戏曲的长辈或亲友，了解他们与戏曲之间的故事，整理成一份口述史材料，在班级中进行分享。第三项：“创意传承”——基于课堂所学的一种剧种，尝试将戏曲元素融入现代艺术创作，如创作一首含戏腔元素的流行歌曲、绘制一幅戏曲人物插画、编排一段融合戏曲身段的现代舞等，形式不限。三项任务分别指向“鉴赏批评、田野调查、创意实践”三种能力层级，学生可根据自身兴趣与特长进行自主选择，真正实现因材施教与个性化发展。八、教学评价设计本课采用过程性评价与终结性评价相结合的多元评价体系。过程性评价贯穿两课时的始终，重点观测学生在课堂聆听中的专注程度与反应质量、在讨论交流中表达观点的条理性与独到性、在身段模仿与唱腔模唱中参与的积极性与完成度、在小组合作中与他人协作沟通的能力等维度。终结性评价则以后续提交的三项课后任务为载体，从“情感体验的深度、知识理解的准确度、创意表达的新颖度”三个方面制定等级