奥尔夫音乐教育理论与实践 电子课件全套 第1-5 章奥尔夫音乐教育概述 - 奥尔夫音乐教育综合训练

奥尔夫音乐教育理论与实践第一章奥尔夫音乐教育概述认识卡尔·奥尔夫01ONE卡尔·奥尔夫（KarlOrff），1895年7月10日出生于德国慕尼黑远郊迪森的一个有艺术素养的军人家庭。外祖父卡尔·柯伊斯特勒是一名少将兼历史学家。父亲海因里希·奥尔夫是一位勇敢无畏的军官和乐迷。母亲宝拉·柯伊斯特勒更是一位接受过正统院校教育的钢琴家。在这样一个充盈着浓郁文化与艺术的家庭氛围里，卡尔·奥尔夫从小就对音乐和戏剧有着浓厚的兴趣。幼儿时期的小奥尔夫用最原始的创作展现对音乐的理解，在最优秀的启蒙教师、母亲的引导下，使他保持了对音乐的浓厚兴趣，将音乐当成他最好的童年伙伴。幼儿时期的小奥尔夫014岁时随父亲参加一个重要的庆典活动，第一次接触到了提线木偶戏，从舞台上的拉线到表演用的人偶，都给奥尔夫留下了深刻的印象，回到家后，奥尔夫开始着迷于这种表演形式，将家里的蔬菜、水果、纸片，玩具等利用起来，自编自演，各种角色的对话都出自他的即兴表演。025岁时5

岁的奥尔夫在母亲的指导下，正式开始学习钢琴弹奏。刚开始的手指练习是非常枯燥乏味的，很快，固定的重复性练习使奥尔夫失去了学习钢琴的兴趣，他更愿意随心所欲地弹奏一些自己喜欢的音符，并不断的探索和创新各种各样的音乐表现形式。036岁时这一时期，在母亲的指导下，奥尔夫开始尝试写诗，并乐于把发生在身边的事情和想象出来的故事用诗歌的形式表现出来，讲演给大人们。奥尔夫的幼年时光是自由自在、充满快乐，极具创造性的。123410岁时奥尔夫组织了一个小的表演团队，在整个表演过程中，他既是导演也是演员，同时负责舞台布景、音效、灯光等。从此，比创作和表演属性更丰富的舞台剧表演诞生了。11岁时奥尔夫的音乐素养已得到了大幅度的提升，他积极参加各种团体活动，合唱、乐队、舞台剧、音乐剧等，同时，还阅读大量古典名著、当代文学等，丰富的舞台表演经历和文学的滋养，都是他日后的创作养分。8岁时奥尔夫不再排斥钢琴技法训练，在不厌其烦的练习中，钢琴演奏水平得到了很大的提升，在这一时期，奥尔夫开始尝试创作。14岁时这个时候，他写出了第一部钢琴改编曲。大量的音乐及文学领域的经典作品感受，对他后来形成“整体的艺术”创作观念和独特的音乐教育思想产生了非常重要的影响。少年时期的小创作家17岁的奥尔夫进人到了慕尼黑音乐学院（AkademiederTonkunst），在音乐学院学习时期，德彪西的歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》，让奥尔夫深切地体会到诗歌与音乐的结合所带来的前所未有的震撼。此后，受斯特拉文斯基、理查·施特劳斯等作曲家作品和创作手法的影响，奥尔夫对民间艺术和原始艺术产生了浓厚的兴趣，这也为他提供了思考空间和创作方向，即非常重视音乐结合文学在创作中的作用。青年时期的作曲家1935年前后，奥尔夫创作出了大量音乐作品，其中舞台剧《卡尔米纳·布拉纳》（也称《布兰诗歌》），获得了空前的反响，取得了巨大成功。与当时普遍流行的音乐理念或音乐教育观点不同，奥尔夫的音乐观念，是以“绝对音乐”观为指导思想的音乐教育观念，这直接影响了奥尔夫新的音乐创作和教育思想体系的形成。1924年9月，29岁的奥尔夫和达尔克罗兹的学生多罗西·军特在慕尼黑建立了一所集音乐、体操、舞蹈为一体的“军特学校”。军特学校成为奥尔夫音乐理想的最佳试验场所。他开始尝试在音乐活动中，将节奏作为基本要素，结合语言、舞蹈，将之整合成为完整、新颖的音乐表达形式，来进行音乐教学。致力于教学改革的音乐创作家与音乐教育家1931年，奥尔夫产生了把京特学校的音乐教学经验，整理成为“基础音乐教学”，用在儿童音乐教育领域。奥尔夫意识到，想让他的研究成果得到世人的了解和认可，出版是非常重要的事情。于是，他向从事出版的好友威利·施特瑞克提出了一个革命性的新音乐教育计划。两人一拍即合，经过一番讨论，他们将这一出版计划命名为：《奥尔夫教育——基础音乐练习》。1948年9月，奥尔夫在慕尼黑电台录制了一档名为“为儿童创造的音乐”的教学节目，其中强调“如何做一心为儿童的音乐教育”。其最根本的基点是从幼儿的视角出发，通过亲身体验、实际操作，去模仿、去感知、去探究、去表现。找到适合幼儿成长特点的教学内容和方法，来开展音乐教学。致力于教学改革的音乐创作家与音乐教育家1953年，奥地利萨尔茨堡莫扎特音乐学院聘请了奥尔夫一直以来的合作者，也是奥尔夫的得意弟子凯特曼，为学生提供奥尔夫音乐课程的教学。此后，奥尔夫音乐教育体系通过公开课程、会议等方式被传递到世界各国，得到广泛应用。20世纪50年代以来，奥尔夫音乐教育法在音乐教育界获得了很大的发展。1950年至1961年间奥尔夫被慕尼黑音乐学院聘为作曲系教授；1957、1958两年间，奥尔夫的女儿戈德拉·奥尔夫在巴伐利亚电视台做一系列的奥尔夫音乐教学节目；1958年凯特曼在瑞士、比利时、意大利开展了多次的教学法讲座及示范教学活动……这些都为奥尔夫音乐教育思想在世界进一步传播和发展提供了有效途径。致力于教学改革的音乐创作家与音乐教育家1963年，莫扎特音乐学院成立了奥尔夫音乐研究所。成为首个研究这种新式教学理念和方法的聚合、交流中心。其任务主要是负责培训奥尔夫音乐教学法的相关教师，在这所研究所里为来自全世界各地的学习者提供全面的奥尔夫音乐培训课程，传播奥尔夫教育理念，交流教育研究心得体会，并且继续改进奥尔夫教学课程、原理及方法，研究新的应用和发展。1973年，奥尔夫音乐研究所开设音乐治疗课程。从1975年开始，每5年开展一次“奥尔夫教学研究会”，1975至1981年，奥尔夫共编写了8册《卡尔·奥尔夫及其著作》。卡尔·奥尔夫于1982年3月9日与世长辞。致力于教学改革的音乐创作家与音乐教育家奥尔夫的音乐教育思想概述02TWO奥尔夫音乐教育的特点01使音乐教育回归自然——原本性“原本性”又称“元素性”。奥尔夫音乐教育法所强调的即兴性、原创性使院校墨守陈规的音乐教育回归了自然。作为奥尔夫音乐教育的核心，奥尔夫“原本性”思想探究的是：如何通过音乐教育使音乐回归于人的生命。02遵循音乐的原始形态——综合性音乐的综合性是在音乐的原本性基础上延伸出来的，有利于进一步理解奥尔夫音乐教育特性的概念，它既包含原本性的内涵特征，也强调参与音乐活动的各个元素的不可或缺。奥尔夫音乐教育所倡导的实践性、综合性，遵循人类接受音乐教育的特性。03音乐发展力的延伸——创造性“创造性”又称“即兴性”。创造性是奥尔夫音乐教育的灵魂所在，不论是接受教育的学生还是负责教授课程的教师，每个人自身的发展，生命力的涌动、音乐综合能力的提高以及艺术表现力的发展，都离不开创造。奥尔夫音乐教育的特点04音乐情感的交融——参与性奥尔夫音乐教学与传统音乐教育最大的不同是，在奥尔夫音乐教学的课堂上，每一个孩子都是演奏者、参与者，几乎每一个课例都有创编环节，从模仿开始，到自由创造，鼓励每一个孩子都能积极参与其中。奥尔夫主张在轻松、愉悦、民主的氛围中，在教师和儿童之间平等的对话和交流中，共同构建音乐教学活动。05音乐的魅力——多元性在奥尔夫看来，音乐没有国界，任何国家、任何民族、任何乐曲风格、任何声响都可以用来开展音乐教育活动，与世界文化一样，具备这样的特性，音乐的产生发展与文化背景息息相关，想要了解一个国家、一个民族的音乐，首先需要的是深入了解这个国家的文化、历史等环境文化因素。奥尔夫音乐教育体系概括课程内容奥尔夫音乐教学体系的课程内容主要包括了三方面，分别是：嗓音训练、动作训练和器乐训练。嗓音训练可分为节奏朗诵活动和歌唱活动。嗓音训练当中的节奏朗诵部分的素材可选性丰富多样，儿歌、诗歌、词赋、民谣、童谣、绕口令等都可以作为节奏练习的素材。动作训练可分为律动、舞蹈、戏剧表演、声势、指挥等活动。其中，声势活动是一项运用身体各部位，通过拍打、敲击、跺脚等简单、原始自如的动作进行，使之形成内容简单，操作有趣的声音活动。器乐训练即指乐器演奏活动。这里的器乐不单单是指大家熟知的器乐或奥尔夫音乐教学用具，更多的是各种能发出声响的物体或自制器皿，可以是原始鼓乐，也可以是自制沙锤、响铃等。奥尔夫音乐教育体系概括教学形式奥尔夫音乐教育体系的教育组织形式有两个方面：组织形式——集体教学和内容形式——综合教学。01组织形式——集体教学奥尔夫认为，集体教学的目的在于给儿童创造分享、交流、合作、创作的机会。因此，即兴创作在奥尔夫音乐教学法中始终贯穿在每一个音乐元素的学习中。而团体即兴表演需要儿童有合作的意识和共同协作的技能，这可以为儿童提供集体合作学习、共同创作音乐、分享创编作品，积累学习经验的机会。02内容形式——综合教学奥尔夫音乐教学的每一个课例在内容组织上都力求实现综合教学，目的是给儿童提供丰富、多样、综合的学习体验经历。综合教学体现了两个三位一体，一是集欣赏、表演、创作为一体；二是集音乐、歌唱、舞蹈、为一体。奥尔夫音乐教育体系概括教学方法奥尔夫的创作之路始终贯穿他的音乐生涯，当他开始关注儿童音乐教育时，这种“在不断地创新中获得新的生命力”的音乐创作思想也就自然而然地成为其音乐教育体系的核心观念之一。所以，“引导创作”就成为奥尔夫音乐教育体系的教学方法。奥尔夫音乐教育体系的“引导创作”，是指通过教师的引导、启发和示范，向儿童提供具体音乐素材（基本节奏、标准音调、基础的运动模式等），帮助儿童集体学习、协助创编来进行音乐课程的学习。奥尔夫音乐教育体系概括教学教材奥尔夫音乐教育体系当中的教学材料包括教材和教具两种01教材开展奥尔夫音乐教学可以选用的教材有奥尔夫亲自为儿童编著的5卷《学校音乐教材》，还可以根据自己执教的学生群体的个体差异而选择各国、各地区、各学校、各级教师编写的本土教材。02教具奥尔夫的伟大贡献还体现在他设计了一套音准精确、音色优美的奥尔夫特有乐器，包括无固定音高、仅突出节奏训练作用和不同音色效果的打击乐器（如三角铁、串铃、响板、沙球等）；有固定音高的音条乐器（如木琴、钟琴、钢片琴等）及竖笛、定音鼓等。奥尔夫音乐教育思想述评01触摸音乐本质——使音乐教育回归自然奥尔夫的原本性思想探究的是如何通过有效的音乐教育使音乐回归于人的生命。原本性音乐不只是单纯的音乐，它是和语言、舞蹈、动作等紧密结合；它是一种所有人都可以融入其中的音乐。02遵循人类接受音乐教育的本性——实践性、综合性实践性和综合性是人类发展的原本特性，奥尔夫说过：“尝试和做在这里意味着一切。因为语言文字的解释，只有对已体验过一切的人，才能真正被理解。”这句话充分体现了奥尔夫音乐教育的实践性原则。03使本土化音乐教育实践成为可能——奥尔夫音乐的民族性与国际性奥尔夫的教学活动提倡采用自己家乡的语言、童谣、谚语、民歌和舞蹈作为基本素材，在音乐、语言和风格上都和各国的音乐和文化有着极大的亲和性。而我国的民族音乐和文化是一笔积累丰厚的文化遗产，一些表面上形式简单、短小的民族音乐作品，却往往是经过口头传唱、老幼皆知、雅俗共赏的“经典”性作品。奥尔夫音乐教育理念在中国的传播与应用03THREE播种阶段——奥尔夫音乐教育初到中国奥尔夫音乐教育在中国的传播与发展七十年代的后期，我国内地的教育受改革开放影响步入了崭新的阶段，也终于有机会能引入西方的先进教育文化思想。我国的教育工作者通过收集、研究国外各种艺术教育学派的理论方法和经验作为借鉴。1979年，时任上海音乐学院音乐研究所的廖乃雄教授慕名前往德国进行音乐教育研究及考察，奥尔夫先生本身就对中国文化有着特殊的感情，于是使得廖教授得以有机会将奥尔夫先生赠与的全部珍贵的音乐影响资料及作品、乐谱带回到祖国。1980年，廖乃雄教授将这套教材翻译成中文，还亲自动手编写适用于中国本土音乐教育的教材，并先后到成都、南京、西安等地讲学，在上海举办为期半年的“全国中小学幼教音乐教师培训班”，至此，中国音乐教育工作者才真正逐渐接触到了奥尔夫音乐教育，并将奥尔夫音乐教育体系的理论与教学方法运用到实践上。上世纪六十年代，一位来自比利时的神父把奥尔夫教育体系从国外引入了台湾。奥尔夫音乐教育在中国的生根发芽奥尔夫音乐教育在中国的传播与发展1986年中国函授音乐学院成立，该院开设了国内首个奥尔夫音乐教学法课，音乐教育系主任李妲娜女士编写了奥尔夫音乐教育相关教材。施奈德夫人再度来华讲学，这次有来自全国二十几个省市八百多名学员参加了培训学习。这次培训异常成功，广大学员大开眼界，很多人对奥尔夫教学法产生了浓厚的兴趣，他们回到各地举办报告会、培训班，介绍并推广奥尔夫音乐教学法，许多地方还自发组织了奥尔夫教学法实验小组共同学习、相互交流。此后的两年中，奥尔夫学院还派出三位教师（沃尔夫冈·哈特曼、曼努艾拉、彼得·库巴斯）来首都师范大学音乐系讲学。在廖教授的努力下，奥尔夫音乐教育体系在中国开始真正的生根、发芽。1985年，在廖乃雄教授的积极组织和努力下，奥尔夫基金会的大力支持下，德国奥尔夫专家团队开始来中国讲学，但次数相对较少。奥尔夫音乐教育在中国的快速发展阶段奥尔夫音乐教育在中国的传播与发展各级学校逐渐开始重视音乐教育，1991年6月全国唯一公开发行的音乐报——《音乐周报》上大篇幅刊登了奥尔夫教学法介绍专版。1991年8月，第二期奥尔夫音乐教学法师资培训班在北京举办。奥尔夫学院曼努艾拉、库巴斯两位专家教师被再次邀请来华讲学，学员共计700余人。20世纪90年代中期，随着电视教学的兴起，中央广播电视大学在首批师范教育课程中开设了包括奥尔夫音乐教育在内的音乐教学法课程。在理事会成员及广大会员通过多种形式大力宣传奥尔夫教学法，经常到各地举办各种师资培训班介绍奥尔夫教学法，并编写了许多新课例，在各级各类学校实验奥尔夫教学法，至此，奥尔夫音乐教育在中国迅速成长起来。1989年4月，由李妲娜带队的中国音乐教育考察团赴德国奥地利奥尔夫音乐学院进行为期两周的考察、学习，同年6月2日，在中国音乐协会批准下成立了中国奥尔夫协会。至此，我国音乐教育行业开始广泛关注、认可、并着力传播奥尔夫音乐教育。奥尔夫音乐教育在中国的壮大阶段奥尔夫音乐教育在中国的传播与发展进人21世纪后，在我国许多城市里，奥尔夫音乐教育培训仍旧开展得如火如茶，2000年，奥尔夫专业委员会主办的大陆第一个奥尔夫音乐教育网（）建立。以奥尔夫教育为主的“综合艺术素质活动与创造课”被列为清华大学教改精品课程，在广大学生中引起了强烈反响。各地的奥尔夫音乐教育培训班迅速开展，培训的对象也由音乐教师拓展为幼儿、各年龄段的音乐专业学生及音乐爱好者。011年“五一”期间，哈特曼教授到无锡市杜克双语艺术幼儿园进行师资培训，并在江苏省南京艺术学院举办了为期三天的讲座。2014年5月，德国奥尔夫协会主席维摩·柏丁恩教授也应邀在福州进行了为期两天的奥尔夫音乐教学法培训。

21世纪以来，奥尔夫音乐教学法开始由东部城市深人到中西部城市，逐步由城市带动农村。国外奥尔夫音乐教育专家来我国举办讲座和培训的频率越来越高，越来越多的音乐教师接触到了奥尔夫音乐教育。奥尔夫音乐教育对中国音乐教育的启示与影响对中国音乐教育理念的影响自20世纪80年代，奥尔夫音乐教育思想引入后，多种因素的影响下，我国本土基础音乐教育的观念在短短几年发生了巨大的转变，具体表现在以下方面：我国音乐教育逐步从教育内容以歌唱教学为主、教育目的强调音乐知识和音乐技能的掌握、课堂以教师为中心、学生被动服从的局面逐步转变为音乐教育内容不再完全以歌唱教学为主，而是强调教育内容的丰富性、多样性。音乐教育的目的不再以知识和技能为重点，更多的开始重视在培养音乐兴趣的基础上，知识、技能并重。课堂教学过程中，以教师为中心教育模式开始弱化，逐步强调以学生为主体。音乐教育活动中，逐渐将语言、歌唱、动作等融为一体，增强音乐课堂的丰富性、趣味性和综合性。奥尔夫音乐教育对中国音乐教育的启示与影响对中国音乐课堂教学内容的影响在奥尔夫音乐教育思想以及国外音乐教育理念的影响下，我国的音乐教学课堂教学内容主要体现在以下方面：教学形式更加丰富、生动：结合奥尔夫音乐教学法丰富性和综合性的特点，课堂上教师不仅教学生唱歌、识谱、还会带领学生做手指游戏、结合朗诵、歌词做身体律动、小朋友配合器乐演奏、戏剧表演、即兴舞蹈等，并引导学生在音乐实践活动中全身心投入，欣赏、表演、创作，使音乐课堂更加生动活泼、趣味十足。教学内容更加自由多样：奥尔夫教学法具有很大的自由施展空间，在实施具体教学的过程当中，教师可以根据教学条件、教学任务、教学目标等限制，去制定相对应适合不同教学对象的教学内容，并对教学内容进行适当的删减、填充、改编等，使课程内容适合不同年龄段，不同级别的学生。教学目标重视能力培养：表现在课堂上，通过不同风格或节奏的音乐，引领孩子创作出自己独有的生动活泼的音乐作品，激发学生的展现欲和创造欲。学习和借鉴奥尔夫音乐教学法的基本原则01一切从儿童本性出发——本质性奥尔夫教学法认为，在音乐教育中，音乐是用来培养健全人格的手段。它所致力的音乐，不是单纯的音乐知识和音乐技能，而是融合了语言、歌唱、舞蹈、诗歌、器乐、美术、戏剧等多种艺术于一体，以达到健全的人格教育。02亲身实践，主动学习——量力性让所有的孩子在能力范围内学习音乐。要学生“动”起来，学习音乐的“综合式、即兴式”是奥尔夫特别强调的一个重要原则，然而，我国音乐教学当中的的“综合课”却是不同概念。奥尔夫提出：学生在学习中必须动脑、动手、动脚，全身心地参与和感受音乐。03尊重并培养儿童的创造力——本土化本土化是借鉴奥尔夫教学法必须遵循的第三个基本原则，也是奥尔夫教学法的归结点。奥尔夫教学法提倡参与意识，“人们不是作为听众，而是作为演奏者参与其中”。在参与音乐活动中特别强调本土性，也就是在借鉴外来教育方法的同时，要结合本国的音乐教育文化、地域特征等，使学习内容适应本土音乐教育发展的需求。学习与研究奥尔夫音乐教学法常用的方法1234文献研究法文献研究法是根据一定的研究目的或课题，通过查阅、分析、整理来获得可用资料，从而更全面地、正确地了解和掌握所要研究问题的一种方法。观察研究法观察法是指研究者根据一定的研究目的、研究提纲或观察表，用自己的感官和辅助工具去直接观察被研究对象，从而获得资料的一种方法。调查研究法调查法是科学研究中最常用的方法之一。它是有目的、有计划，系统地搜集有关研究对象现实状况或历史状况的材料的方法。行动研究法行动研究是教师和研究人员针对实践中的问题，综合运用各种有效方法，以改进教育工作为目的的教育研究活动。感谢观看奥尔夫音乐教育理论与实践奥尔夫音乐教育理论与实践第二章奥尔夫音乐教育中的语言与歌唱训练奥尔夫音乐教育中的“语言”教学01ONE奥尔夫音乐教育中的“语言”教学，不单是指狭义的指对不同国家、不同地区的文字语言、方言的学习，而是指使用人们本能已经习得的母语，进行多样性的、有效的音乐教学方式。奥尔夫音乐语言教学的内容要素语言是健康人都具有的能力，把语言引进音乐教学中是奥尔夫教育体系的巨大贡献，也是奥尔夫音乐教学法中独具特色的部分。语言由语意、语音、语气语法等构成，语言和音乐是密不可分的，作为歌词它的语意被吸纳进音乐之中，语音的高低调、语气和音色都与音乐是相通的，语言表达人的思想。交流思想的主要工具，同时语言也饱含人类情感，也是交流和表露情感的一种载体。因此利用语言进入音乐教学的确是一个非常有效的手段。语言和音乐一样，有很多相似相通之处，都是通过发声器官来表达情感。如语言的语速、语气、语调、节奏等，这些要素在某种程度上与音乐中的音的高低、强弱、快慢、节奏、音色等要素相匹配。由于语言和音乐的核心都是在于表达情感，所以它们都能表现出不同作品、不同人物所传递出的情绪起伏、风格特征。奥尔夫音乐中语言教学的特征02把语言作为载体的音乐启蒙，符合儿童教育原则语言不仅是文化的载体，也是区别不同文化最显著的标志之一，更是一种儿童近似天赋的本能。语言是我们出生后最开始接收到的信息来源，人类最初学习的基本技能也是从语言开始的。我们每个人出生后都要学习两个基本能力：说话和走路。0～6岁的儿童正是处于语言和动作发展的关键期，同时也是听觉、视觉、触觉等能力发展的宝贵时期。01将语言作为音乐教学的开端，符合儿童身心发展的规律对于语言或者音乐的条件刺激，大脑左右两半球既有各自的分工，又相互影响作用。语言和音乐在形式、听觉、感受以及结构要素和认知需求等方面，都具有很多的共通和相似性。每个儿童在婴儿期、幼儿期、学龄期等各个阶段，虽然都有着不同的心理特征和规律，语言能力和音乐能力的发展变化也在悄无声息地进行着。奥尔夫音乐中语言的教学应用语言节奏训练——字、词“节奏基石”是指由语言中最短小的，拥有一定音乐意味的字、词拼凑成的最小节奏单元。它在音乐教学实践中，通常是以一个最小形态的固定节奏型出现，我们语言节奏的训练就是从这个节奏基石开始进行的。语言节奏训练——短句在奥尔夫音乐的语言节奏教学中常用谚语、俗语等短句做训练的素材。通常来说，儿童的语言认知能力有限，可能掌握的谚语、俗语不是很多，那么在实际的教学过程中，我们也可以根据所教授学生不同的年龄和基础水平，选择一些适度的、他们所熟悉的句子。声谱阅读结合语言进行的节奏阅读训练非常的有趣又没有任何难度。在童谣、儿歌、唐诗的基础上学习能更加朗朗上口，具有鲜明的节奏性。奥尔夫音乐中语言的教学应用语言节奏训练——儿歌、童谣儿歌，是一种专为儿童所创作的，以低幼儿童为主要收听对象的简短诗歌。因其具有内容浅显易懂、篇幅短小精悍、语调音韵流畅、节奏轻快等特点，所以成为儿童最喜欢的文学艺术样式，非常适合儿童学习，不仅有利于他们文学素养的提升，而且对于语言节奏的训练同样具有重要意义。语言节奏训练——语气、声响语言中的语气声调、嗓音发出的声响等都使得我们音乐语言节奏的学习变得更有趣味和多样性。通过语气、语调、声响等作语言节奏的训练，不仅可以培养学生注意观察周围事物的能力，激发他们学习音乐的兴趣和动力，更能够锻炼他们的音乐表现力和思维创造力等。节奏在音乐中的运用02TWO节奏的定义自然界或人文艺术界因变化而丰富进化，在包括高度、宽度、深度、时间等多维空间内的有规律或无规律的阶段性变化简称节奏。另也可解释为一种有规律的、连续进行的完整运动形式。用反复、对应等形式把各种变化因素加以组织，构成前后连贯的有序整体（即节奏），是抒情式作品的重要表现手段。节奏不仅限于声音层面，景物的运动和情感的运动也会形成节奏。节拍：是音乐中的重拍和弱拍周期性地有规律地重复进行。我国戏曲里称节拍为“板、眼”，“板”相当于强拍，“眼”相当于次强拍（中眼）或弱拍。节奏：将时值长短不一的音组合在一起（音长和音强的组合）。音乐节奏：把一段无序的节拍流组合成不同的模式，对长短不同经常重复的不同部分的整合，音乐旋律进行中音阶、音符或者音节的长短和强弱等。音乐的节奏常被比喻为音乐的骨骼。节奏教学的目的及作用目的在于通过音乐丰富学生的形象思维，开发学生的创造性潜质。节奏是音乐的灵魂。教师要利用节奏深入课堂，运用肢体语言以节奏的方式来激发学生思维，加强学生的音乐节奏感，引导学生对音乐的思考，帮助学生成功地运用到音乐中去。节奏深入课堂最大的功能是建立以尊重和爱为核心的新型师生关系，教师要平等地对待每一位学生，利用节奏的训练帮助他们树立自尊自信，使学生始终保持昂扬勃发的精神状态。节奏训练的分类了解不同的节奏型要根据其特点，使用不同的方法加以训练。在练习节奏型时，还需要注意以下方面：带休止符的节奏型练习会造成内心的紧张感，在训练中要克服内心的紧张，以平常的心态来面对它，不要一遇到这种节奏就打乱原有的速度。要注意稳定内心速度感，加强对节奏的内心感受意识。练习它时，可以在内心默念出休止的时值，这样对于练习者来说，可以更准确的掌握休止的时值。切分音的出现会改变节拍的强弱规律，在练习切分音时要注意，在切分音所在的节拍中，第一个音符并不是重音，重音转移到了第二个音符上，所以第二个音符的出现相对该节拍中的其他音符来说是强的。附点节奏型常常在音乐中出现。对附点的时值，我们往往会忽略，常常在附点时值未延续够的情况下就停止了，久而久之就会养成没延续够时值就停止的不良习惯。也会影响后附点节奏型在音乐中的特点，影响音乐的表现力，所以一定要把附点的时值延续够。在连音的练习中，连音的节奏会在固有的节拍内显出它的特别。练习时注意节拍的时值，在固定的时值内均匀的分配音长，同时它与其他节奏的连接上应多加注意。节奏的训练方法节奏训练案例分析自然界或人文艺术界因变化而丰富进化，在包括高度、宽度、深度、时间等多维空间内的有规律或无规律的阶段性变化简称节奏；节奏是音乐的基本要素之一，在音乐学习中是必不可少的，也是音乐学习的基础。01从日常生活中寻找教学内容：让幼儿从生活中寻找节奏；模拟人类在各种活动中表现出来的体态动作节奏、主观心理活动的节奏，也可以模拟自然界风、云、动物、植物等运动状态，如观察三种人（爷爷、爸爸、自己）走路的速度、姿态；让幼儿从自然声响中去发现节奏如：雷声、风声、下大雨、下小雨的声音；从日常语音中寻找节奏如：叹气声、咳嗽声、笑声等等，让幼儿寻找它们的不同之处；教学时，让幼儿用乐器创造自己的音乐，来表达自己的想法和情感；如：我先给幼儿定一个主题（暴风雨），让幼儿分组，讨论如何用乐器来表现，请幼儿自己排练，表演给大家看。也可以让幼儿自己想主题，创造音乐。节奏的训练方法节奏型的练习音乐旋律以音响的高低、长短、强弱、快慢组织起来进行交替与变化。千变万化的节奏运动形态在不同长短音符的组织与变化中得以体现，旋律的艺术表现力往往以特有的节奏型来增强，合理、规律的节奏型组合能促成美妙动听的音乐。常见的切分音节奏型有：一小节或单位拍之内的切分音，一般用一个比它前后音符时值长的音符来记写。跨小节或跨单位拍的切分音，一般用连线跨过小节线将两个相同时值的音符连结起来。注：切分音是有较强的重音的，由于它的切分重音的出现，就产生了两个连续的重音：一个是节奏和节拍重有规律的重音，一个是切分音产生的切分重音。节奏的训练方法节奏感的练习节奏运动具有强烈的情感效应和独特的表现功能，往往同人的心理活动相对应。良好的节奏感就是对节奏各因素的敏锐感知和准确表达。节奏感是音乐感知和音乐理解形成的基础和条件。节奏感的训练可以从培养节拍感开始。如：用节拍器来进行数拍练习。先一拍一个音，一拍两个音，一拍三个音，一拍四个音地跟着节拍器用嘴数拍练习，然后自己数着均衡的口令走路或跑步练习。如：有节奏的朗读一些简单的诗词、歌词，或即兴的讲一些有节奏的话，并在朗读的同时用手拍出节奏。节奏的训练方法体态律动在节奏训练中的运用体态律动是达尔克罗兹音乐教育的一个重要部分。达尔克罗兹经过对音乐、舞蹈、戏剧等多种艺术领域的研究，创造了这种新的音乐教育方法。体态律动通过身体的运动（动作）对音乐加以“反应”，从而促进人的各种感官和机能的发展，并不断发掘出对音乐的感受能力、表现能力以及创造能力。体态运动的特点是排除单纯的音乐技术训练，通过人的自然地表达方式来学习音乐。音乐活动游戏：随着音乐做动作让学生在教室里散开，老师弹奏由二分音符构成的音乐，学生随着音乐边走边做青蛙游泳的动作。模仿声音并做动作对于儿童来说，熟悉的事物更容易感知。所以，模仿声音的题材应该来自于儿童的生活。把节奏带入游戏模仿“挑水”的游戏来练习一组不同的节奏。节奏的训练方法乐曲中的节奏训练教孩子跟随乐曲的节奏，边朗诵边打出节奏。教会孩子跟随童谣言语的结构规律朗诵，然后让孩子把熟识的乐曲歌唱出来或朗读出来。奥尔夫音乐教育中的歌唱训练03THREE歌唱训练的定义歌唱是人类的声音同语言相结合的一种声乐艺术，在歌唱中，准确的把握语言发音的准确度、了解语言所表达得内容，才能让演唱者达到声情并茂的境界，从而更好的表达出作品的感情，演绎出作品的精神内核。在我国的声乐论著中也有：“如出口不分明，有字若无字，是说话有口，唱曲无口，与哑人何异哉！”的说法。所以说“歌唱艺术的发展史本身就是人类语言的不断加工、不断提炼、不断音乐化的历史”是不为过的。语言与歌唱的关系歌唱训练的定义诗的语言形象为音乐创作提供了艺术构思的基础，诗的内容、形式、结构、韵律节奏对音乐的表现有十分重要的作用。可以说歌词的文字主题在一定程度上影响着音乐主题的发挥与表现。同时，歌词的音节和词及句式结构，语言的轻重强弱变化也直接关系着音乐作品的节奏形态和节拍形式。不难想象给《小河淌水》配上进行曲风格音乐，那么无论由谁来演唱，以何种风格演唱，其结果都是不理想的。语言是歌唱的基础。没有语言就无所谓歌唱。一般来说，歌曲作品都是诗的语言与音乐的有机结合。正确表达语言，可以更好地表现歌曲的艺术。歌唱训练的定义歌唱应通过语言表达思想感情，使咬字、语调、语气都服从歌曲的情绪表现要求，只有这样才能通过生动的语言形象，揭示出歌曲深刻的思想内容，体现艺术形象。例如《到敌人后方去》，它表现八路军游击队发扬人民战争威力，运用灵活机动的战略技术，打击和消灭敌人的情景，刻画出游击战士机智勇敢，克敌制胜的英勇形象，要唱得灵活。语言是由语音、语法、词汇构成的。语音在歌唱发声中为咬字、吐字，而本人认为咬字、吐字在歌唱中处于中心地位。歌唱语言的语调因素对歌唱的影响歌唱训练的定义在语调中，包括基调变化，响度、音响和长度变化等复合音的全部属性。例如重音变化可改变句子的意思，重音是语调的另一个重要体现，它是语言生命的体现者，如：“我们的家乡在希望的田野上”，这句词由于使用不同的逻辑重音，即可表现自豪的情感来，又可以表示出无所谓的情绪来。这关键就在于如何巧妙地运用逻辑重音。没有重音的语言是没有生命的。要正确表达歌曲的内容与思想感情，必须正确处理词句中的重音，如果重音运用不当，就会歪曲歌曲的意思。语调是指词组或句子中声音高低的变化，它是情感的表达者。如果没有语调，语言就没有灵魂。从艺术性方面来看语言在歌唱中的地位歌唱训练的定义声乐作品的创作过程中，作曲家往往根据歌词语言所提供的中心思想和意境决定歌曲写作的体裁和风格等等其他因素，还根据歌词语言的组合规律和运动特点来确定旋律的基本走势。在声乐作品的演唱中，唱者的感情抒发是基于对歌词内涵深入了解体会上的，只有充分掌握歌曲内容的创作背景，作曲家的创作意图，深刻理解歌词的含义，才能在歌唱中唤起自身的共鸣，在歌声中把感情表达出来。只有把握住语言才能更好的创作，更好的演唱。声乐作为人声唱出的带有语言的音乐，他是音乐化的语言，充分发挥语言在声乐艺术中的创造功能与作用，是提高声乐艺术表现力的重要因素与基础。语言艺术丰富多彩，有时常常细语、感人肺腑、激动不止；有时高声厉色，使人胆战心惊、手足失措；有时慷慨激昂，让人心情振奋。只有把语言的这种艺术效果切实表达出来，那么歌唱的艺术效果则自然而然地流露出来，引起共鸣。声乐艺术的美体现在它的表情性上，在我国民族传统声乐艺术中最高审美标准是“声情并茂”。唱歌的时候，呼吸的节奏是十分重要的，下面为大家介绍几种歌唱的的练习方法：歌唱的气息训练这种方法是用鼻子吸气。要自然轻松，避免猛吸导致胸部上抬。体会这时小腹放松、胸腔放松。小腹微微隆起，则为吸气时的状态，小腹内收则为呼气状态。注意力放在小腹的变化上，一定要保证胸腔舒展通畅。闻花香想象自己演唱作品的时候，在嘴前有个点着的蜡烛，所唱出来的每个音所用的呼吸都均匀的吹在这蜡烛的烛心上，但是还要保证这个蜡烛不会灭。这个想象练习其实是训练在演唱过程中的均匀用气,让气息缓缓的平平的流动起来。吹蜡烛或吸尘土唱歌的时候，呼吸的节奏是十分重要的，下面为大家介绍几种歌唱的的练习方法：歌唱的气息训练这个训练目的是在对气息的控制上。练习时用口鼻同时快速深吸气，感受小腹的隆起，保持住十秒，然后让气息从齿间摩擦而出，发出“s”的送气音。快吸慢呼发s音这个练习需要身体平躺在床上，在小腹上施加重物然后吸气，体会对抗的压力。吸气后保持住，体会腰腹间的扩张，呼气时慢慢缓缓的送出均匀的气息来。  压力练习唱歌的时候，呼吸的节奏是十分重要的，下面为大家介绍几种歌唱的的练习方法：歌唱的气息训练在起音的时候就要为以后的每个音做好气息准备，不能一张口就漏掉一大部分的气，换气时要做到快而深，气息需要控制着使用。如果在刚开始时不能做到四小节一换气，可以先三小节一换，慢慢就能达到充裕的气息和强大的气息控制力。音阶练习这条练习主要针对挡气，用u这个元音是最有效果的。我们要注重这个元音的练习。u元音在发声时一定要主要控制住气息，不能漏气，但是又不能发出特别明亮的声音色彩，如果音色很明亮的话，证明自己本钱的东西用了太多。档气练习唱歌的时候，呼吸的节奏是十分重要的，下面为大家介绍几种歌唱的的练习方法：歌唱的气息训练这条练习的要领是吸气将气息控制在腰腹间，体会腰腹间的扩张力，起音就要保证不漏气。盯好一个点，不要扩大，换音的时候也要保证气息不要漏出来。所有的音都要被气息牵着走，赖在气上，注意气息走在声音的前面，带动声音。连线练习这条练习要求在唱的时候速度不要太快，要断开每个音，干净利落，但是还不能靠喉咙帮忙，每个音都是在气上做出来的，体会小腹的弹跳腰腹之间的变化，换气速度要快，但是气息还要深，不能浮在胸腔，换字的时候注意不要漏气。  跳音练习唱歌的时候，呼吸的节奏是十分重要的，下面为大家介绍几种歌唱的的练习方法：歌唱的气息训练快速练习这条主要是针对气息僵硬的练习。如果平时演唱总是感觉到气息推不动，这条练习就能帮你实现快速推动气息，让气息灵活自如的。刚开始做着困难的，可以尝试边小跑边发这条练习，原地跑但是速度要快，这样就会强迫气息运转。歌唱的吐字发声训练喉头和声带，是歌唱的发声器官，是歌唱的核心部位，是通向整体歌唱的要塞，是打开歌唱艺术宝库的金钥匙。因此，了解和搞清喉头与声带在歌唱时应处的位置和状态是非常必要的。歌唱的吐字发声训练方法1一般来说，歌唱时喉头位置应该比平时说话时偏低一些（就像我们深吸气时的喉头感觉，因为吸气时的喉位，比静止时的喉位略低一点）有很多人把喉头处于吸气时的位置称为“水平位”。在歌唱时字与字、句与句的转换中，喉头要始终处于这一位置，而不应做离开水平位的向上、向下，或向左、向右的移动，当然喉头位置的稳定是在运动中的相对稳定，而不是僵死不动的稳定。就像浮在水面上的皮球永远稳定在水面上的道理—样，若把皮球比做喉头，皮球浮在水面的状态就好像喉头稳定在吸气位的状态一样。所以歌唱时的喉头位置应始终处于低而自如的稳定位置和喉头壁打开的状态。歌唱的吐字发声训练方法2打开喉咙在歌唱训练中“打开喉咙”是十分重要的中心环节，它直接影响到声音的好坏。那么如何能帮助初学者“打开喉咙”呢?“打哈欠”的状态“打哈欠”状态可以让口腔打开自然，放松，口盖抬起，口腔内空问增长增大。所以在唱歌时，咽喉不要闭塞，要使咽喉张开，让气息自如地送出来，“哈欠”状态确实是打开喉咙的好办法，也使歌唱者保证了一个很好的演唱状态。用“微笑”状态来打开喉咙，我们讲的“微笑”不是光笑，而指的是把“笑肌”抬起来。“笑肌”抬起是要鼻、咽腔打开，大牙关打开，面部两边的笑肌（颧骨）呈微笑状，这样的微笑状态可以使你的喉咙打开，可以使你获得高位置的声音。“歌唱状态就是里边的哈欠，外头的微笑”，这话很精辟。 歌唱的吐字发声训练方法3声区是唱歌的基础，没有良好的中声区，就谈不到其他的一切。我们应当重视中声区的练习，多在中声区下功夫，不要急于唱很高的音。“练习时，我们先从中声区以中、小音量练习开始，经过相当一段时问的巩固以后，再慢慢向较高一点或较低一点的音域发展，初学者一定要遵循由易而难的循序渐进的原则，否则一开始就猛练高音，不但不会获得正确的高音，反而会毁坏声带。中声区应该靠前明亮，轻松流畅，不费力，这样才能往上发展，为演唱高音打开通路。中声区要做到吸气深，呼吸力求自然，有弹性，积极向上，有支持点，喉头稳定松驰，不沦唱高、低不同的音，喉头的感觉都在一个位置上，声音要往外送，但又要使声音从头到尾保持在同一音型和位置上。我们常比喻说“声音要像穿珍珠一样，把每个音穿在一条线上”等等，就是说声音要连贯、统一、圆润。 歌唱的吐字发声训练方法4关于换声：当你从低音往上唱时，唱到一定的地方，就会感到困难，容易卡壳，这就是到了换声区了，这时，你必须运用某种方法才能继续往上唱。歌唱者首先应基本掌握了中声区的唱法，然后因人而异地作具体调整。“倒抽一口气”的动作：就是歌者在唱到换声的音时（发元音的同时），做—个倒抽一口气的动作，好像“吓一跳”的生理状态，让喉头稍向下，向后退让，以使口咽腔充分打开，同时将中声区歌唱时向上齿龈背后发送的气息，随着音高逐渐向上挪动，嘴也随着逐渐张开，此时声音感觉更向上，向更远的前方发送。母音转换手法：就是在唱到换声区的时候提前让声音掩盖一点，声音暗一点，出气量小一点，小舌头抬起—点。在碰f到换声点时，有一点必须强调指出，就是你感到声音唱上去困难时，甚至声音感到要出现破音时，千万不要变化发声器官的形态，不要乱动，乱使劲，一定要坚持迎着声音唱下去就可以了。单声部歌唱训练要素单声部概念单声部音乐指的是在音乐进行中，音乐旋律是单一的、没有多余的左手伴奏声部音乐作品；是早期世俗形式现存最古老的世俗音乐，是一些拉丁文歌词的歌曲，其中最早的几首组成11、12世纪的一套goliard（戈利亚德）歌曲。“Goliards诗人”之称来自一个可能是虚构的赞助人Golias（戈利亚斯）主教；他们是一群学生或一群放荡不羁的僧侣，在大学创办以前从一所学校移栖到另一所学校。他们漂泊不定的生活方式为体面人所不齿。、但在他们的歌曲中却得到颂扬。单声部歌唱训练要素单声部音乐作品节奏训练二拍子音乐作品节奏训练三拍子音乐作品节奏训练多声部歌唱训练要素多声部演唱的教学方法：从聆听开始激发学生学习兴趣：用兴趣来激发学生们的学习热情是最好不过的教学方法，先从一首曲子的整体开始欣赏，使其对歌曲的旋律有初步的了解；在对一首曲子有了大概了解后，老师开始指导学生注意听音乐的音色、情绪等技巧方面的东西，其目的是为以后的合唱教学做铺垫。歌曲多声部的发音方法：一首歌曲的高低声发音方法是不同的，在学习时要注意旋律的高低声走向，要区分歌曲高段和低段发音的不同，高低音阶的不同体验可以帮助最大程度的掌握歌曲的情感走向，对学习歌曲有很大帮助。听取合唱同伴的发音效果：演唱过程中要注意聆听合作同伴的发音，这是合唱中不可缺少的技能之一，他要求学生们在歌唱时要聆听自己及他人发出的声音，及时调整和控制自己的歌唱声音。在合唱过程中，学生只有及时的调整自己的声音符合歌曲的节奏及韵律，才能将歌唱的效果达到最好。准确到位的指挥提高二部声合唱效果：准确到位的指挥是歌唱的灵魂，只有指挥到位才能发挥合唱的最大魅力。老师应具备基本标准的指挥动作，要将歌曲音阶的强弱、声部的预示、气息的支持等表现出来，只有看懂了老师的指挥，才能更好的将多声部歌曲合唱出来。合唱教学中的歌唱训练教学特点愉悦身心、寓教于乐，二者相得益彰，相辅相成，这正是奥尔夫教学法的突出优势特点之一。在课堂教学中，应该以儿童音乐教育为出发点，教师引导学生，学生自主探讨，达到提出问题，解决问题，提高儿童音乐学习的兴趣的目的，同时，这种教学方法非常注重“导”强调问题的重要性，问题可以由教师设定，也可以由学生提出。老师和学生既是师生关系，又是朋友关系，师生关系融洽，课堂效率高，教学内容和方式更加新颖，音乐教育更加硕果累累。合唱教学中的歌唱训练教育思想的概念和特点奥尔夫教育思想的内涵就是教师通过将教材的内容以奥尔夫教育思想的形式展现给学生，用奥尔夫教育思想来激发学生的探知渴望和学习兴趣，从内在调动学生的学习积极性，引导学生学习，提高学习儿童音乐的理论能力和实践能力。在奥尔夫教育思想教学下，教师课堂授课使授课内容的新颖展现，贴近学生的生活实际，引起学生学习儿童音乐的兴趣，引导学生发现问题，提出问题，解决问题的思维方式，有利于学生思维能力的发展。教师提出课堂内容的情境，让学生们围绕着这个情境进行讨论和分析，就可以激发学生不同的个性见解和展现出不同的结论才是讨论活动的追求，是设计奥尔夫教育思想价值的所在。这些效果的出现，建立在授课教师对学生思维方式，学习能力等情况的了解之上，洞察学生思维突破的瓶颈。当然，这种教学模式使得教师必须要时刻关注教学中表现的各种教学情况，查漏补缺，不断更新知识和教学方式方法，注重反思和总结的研究，更好地引导学生学习。合唱教学中的歌唱训练奥尔夫教学法在合唱中的具体实际应用—一般实施策略设计问题：在奥尔夫教学法中，设计问题是最主要的问题，教师不能将问题直接交给学生，让学生去解决，而是通过创设问题情景来引导学生去主动发现问题，激发学生探索问题的欲望，提高他们的创新能力，在教学课堂中起到积极的效果。解决问题：要求学生积极主动发现问题，解决问题这本身就是引导学生进行创新的一种方式，学生通过自我探究来解决提出的问题，可以提高他们解决问题的能力。探究问题：在解决问题的过程中，学生会发现一些新的问题，对于这些问题，他们或多或少都会衍生出一些问题之外的问题，这些问题就需要教师提供帮助。教师通过引导，将学生浅层次的认识提到一個新的高度，活跃思维，放宽思路。评价问题：教师要培养学生的质疑精神，鼓励他们大胆创新，重视思维的活跃程度，减少对学生的管束，从“束缚”转移到“引导”上来。合唱教学中的歌唱训练奥尔夫教学法在合唱中的具体实际应用—在合唱中的具体应用主要有注重音阶练习和注重合唱时感情的投入两种应用。02注重合唱时感情的投入在进行合唱时，要投入感情才能唱好，在此基础上可以对歌词进行剖析，理解其中的涵义，分析曲调的力度和速度，调性如何转换等等，要让学生能够在理解的基础上对歌曲有一个理性的认识，在合唱时才能更富有情感。01注重音阶练习每个人的自身感受能力不同，在以感觉为基础的知觉上，人的感受能力分为敏锐和迟钝两种。在进行音阶训练时，有的学生能根据音阶和旋律很快作出反应，而有的则要稍微迟缓一些。练习的过程中，要注意气息的平稳程度，气流由弱到强，音阶连贯，呼吸自然合理。感谢观看奥尔夫音乐教育理论与实践奥尔夫音乐教育理论与实践第三章奥尔夫音乐教育中的肢体动作训练肢体动作造型的基本认识01ONE肢体动作造型的内涵与目的肢体动作造型的内涵肢体动作是人的本能和本性的反应，动作是通过运动来实现的，但动作并不是个别运动简单机械的组合，而是复杂程度不同的、完整的、有目的的运动系统。人的动作不是孤立的，而是包括在人的整体活动之中的，因此动作是活动的组成部分，它以自觉的目的为特征，并且总是由一定的冬季所激发，因而具有社会性质。动作是人类开始认知时的常用手段，婴儿通过动作感知周围的世界并认识世界，因而动作是人类生命力的表现，是儿童成长的重要标志。人在成长过程中，从会爬到会走再到会跑，每一个阶段都标志着人生理上的成熟发展。律动教学不仅可以促进儿童对自己身体的认知，发展身体动觉的敏感性，提高身体的协调能力，也可以启发他们对音乐的感受能力。肢体动作造型的内涵与目的肢体动作造型的内容肢体动作造型包括律动、舞蹈、戏剧表演、指挥和声势活动。目前，在奥尔夫音乐教育中运用肢体动作造型进行的活动又包括：集体舞、表现音乐元素之律动、创意律动、身体打击乐、肢体动作造型游戏等。集体舞：其教学内容主要是不同文化的传统律动，学习这些律动，不仅可以提高儿童的音乐素养，还可以提高他们的社会交往能力与合作能力，开阔视野，使儿童通过了解不同动作的特点，熟悉不同的音乐文化。表现音乐元素之律动：其可以鼓励儿童用肢体动作去表现所听到的音乐的各种元素，包括节奏、旋律线、肢体结构等。这类律动不仅能促进儿童音乐欣赏能力的发展，还能让他们在欣赏音乐的同时认识音乐和动作之间的关系。肢体动作造型的内涵与目的肢体动作造型的内容肢体动作造型包括律动、舞蹈、戏剧表演、指挥和声势活动。目前，在奥尔夫音乐教育中运用肢体动作造型进行的活动又包括：集体舞、表现音乐元素之律动、创意律动、身体打击乐、肢体动作造型游戏等。创意律动：它是让儿童探索律动在空间、时间、质量等方面动作元素的不同和特点，并能够独立或与他人合作了解和开发动作的可能性。身体打击乐，是将自己的身体作为乐器，人们通过探索身体上能够发出的各种音色，结合各种节奏型形成丰富的声响效果。演奏者通过拍打身体既可以提高节奏感和协调性，还可以锻炼身体的敏感度及对音乐的感受力，后人又将这四个动作的活动称为“奥尔夫声势活动”。肢体动作造型训练的目的01平衡学生身心发展在我国的学校教育中，大部分的课程基本上都是以发展儿童的理性思维知识技能为主要目的和目标，而发展体能的体育课也无法弥补感性中的感觉、感知、感悟和情绪情感需要及价值观建立，唯有音乐课可以将儿童作为一个整体，对其感性与理性，生理和心理进行综合平衡教育培养。02培养学生敏锐的听力、注意力和反应能力。在肢体动作教学实践中，律动不是按照规律的动作配音乐进行的，而是人们在听到音乐后自然而然通过肢体动作反映出来的。这就要求学生在进行肢体动作活动时首先要有灵敏的耳朵和敏锐的听力、洞察力，要求学生在听的过程中集中注意力、全神贯注，只有专心的聆听，才能发自内心本能的通过肢体动作表现出音乐。03培养学生的创造能力让学生对所听到的音乐或音响即兴做出肢体动作的反应，就是训练学生创造思维的过程。这种即兴表演能够激发学生自我表现和创作的欲望，是培养学生创造能力的最简单最有效的教学方法。肢体动作造型训练的目的04培养学生的节奏感以身体作为乐器，通过动作使身体发出有节奏有规律的声响，在这个过程中就训练了学生的节奏感。人的动作本身就是富有节奏的动力源泉，从简单的走、跑再到生活、劳动动作中，都蕴含这丰富的节奏素材。05发展和提高学生的音乐感知能力音乐中包含着丰富的要素，音的高低、速度、节奏、音量、音质、音色、情绪、风格等太多了，当学生听到音乐后，会把心中对音乐的感受通过身体动作表现出来，就要敏锐的感受到这些音乐要素。我们把这种结合肢体动作的教学法运用在音乐教育上，即可以培养学生敏锐的音乐感知能力。肢体动作的初步练习02TWO培养良好的听觉习惯对学生来讲，没有良好的听觉习惯，就复发具备敏锐的听觉捕捉能力。听觉的不稳定会造成肢体对音乐信息捕捉的不清晰、不完整，会形成肢体律动的反应错误，长时间的错误反应，形成习惯性的肢体不协调，从而无法对后续音乐律动进行肢体上的模仿或创编。培养良好的听觉习惯，首先要对音乐的一些要素及理论有清晰的认知，主要练习内容包括：辨识音色的差异、音量的强弱、音高的高低、音的走向、音的时值长短、节奏的变化、音的运动与静止；以及音乐风格的不同、音乐的情绪、乐句划分、曲式结构等。教师可以结合简单肢体动作针对不同的音乐要素对学生进行专项训练，从而达到预期的效果。敏锐的音乐要素感知能力大部分音乐艺术作品是由相对固定的节奏律动的，这种节奏律动依托于有规律的强弱音之间，将他们有机的组织起来就形成了具有特点的节奏。学生在听辨音乐的时候，能够准确识别重音的分布规律，就基本可以掌握音乐的律动结构，从而进行模仿动作的编排。培养良好的听觉习惯是良好节奏控制能力的基础，控制节奏的准确性是决定参与活动者肢体协调性好坏的重要因素。因此，在培养此项能力的过程中，可以采用简单的动作让学生进行模仿，然后肢体动作逐渐复杂化。声势动作节奏训练03THREE古典声势动作的基本形式与方法1234跺脚分站姿和坐姿两类。坐姿是坐在凳子的二分之一处，方便腿部脚部有足够的活动空间。站姿是从脚根部起动作，左右脚轮流作类似原地踏步的动作，注意不能用力跺脚跟，以免振动过大而伤脑。拍腿双手自然的放在大腿膝盖部分大腿面，双臂放松，双手拍打。也可以单手拍腿，由于动作自然，所以它是四个古典声势动作中最容易做的，速度较快时比拍手更容易更轻松。拍手两肩与两臂放松，双手在胸腰前拍手。让学生尝试以右手指尖击左手掌根，注意音量、音色的特点，随着手拍击位置的变化，音量音色也会发生改变。捻指中指、拇指相捻发出的声响，这个动作难度较大，儿童不太容易做到，因此不会做的学生可以将其替换为弹舌发声。手脚配合基础练习这类教学活动教师可以先引导学生从感知心跳来感受稳定节拍的概念，并逐步用稳定的速度跺脚来模仿心跳的感觉，在教学活动中，可以在安静的环境中感受跺脚的节拍感，也可以让学生伴随音乐用脚踩踏节拍，重点是要强调节拍的稳定特点。当跺脚的节拍稳定后，加入拍手，增加练习难度，手和脚所发出的声音形成的节奏型也逐渐丰富。身体声势协调训练人的身体就像一个乐器，拍打不同的身体部位可以发出不同的音色。古典声势动作里，如果按照音的高低来分，捻指就是高音，拍手是次高音，拍腿是次低音，跺脚是低音。把它们按照一定的节奏型组合起来一起拍大，便可以形成有趣的节奏活动，同时通过这几个动作的结合能够有效的训练学生的肢体协调性。古典声势动作的活动方式动作的预示活动动作的预示活动是声势动作合奏中一项很重要的练习，它可以训练合奏者之间的默契程度。动作的预示活动在训练的时候，可以由一个人开始运用身体、眼神等动作或表情来传递信息，达到让其他同学能够一起演奏同一种声势动作的目的。声势模仿活动：由教师先示范一个声势动作节奏，学生接着模仿，达到对话的效果。教师开始先用拍手，慢慢加入捻指、拍腿、跺脚，注意：每次拍奏要在一致的速度节拍内，保证让学生能够体会出这是一个框架，即稳定的节拍。节奏接龙：在生活中我们常做接龙游戏，有成语接龙、词语接龙、节奏接龙等。节奏接龙就是把不同的节奏型以连续的方式连接起来。声势的卡农：声势卡农比较难一些，有教师拍一个四拍的小节开始，然后不断的以四拍的不同节奏型拍下去，学生需要在教师拍出第二组四拍节奏型的同时排除前一组四拍的节奏，同时必须边听新一组的节奏型边完成前一组的，这就要求学生有敏锐的听觉、集中的注意力以及很好的模仿能力。古典声势动作的活动方式动作的预示活动动作的预示活动是声势动作合奏中一项很重要的练习，它可以训练合奏者之间的默契程度。动作的预示活动在训练的时候，可以由一个人开始运用身体、眼神等动作或表情来传递信息，达到让其他同学能够一起演奏同一种声势动作的目的。声势的顽固节奏训练：顽固节奏也叫“固定节奏型”，指一段节奏不停的重复出现。在教学活动中，教师可以把学生分为几组，同时由一个人指挥，每一组有一个固定节奏及动作，党指挥点到哪一组，哪一组就拍打自己的节奏，也可以几组同时拍打节奏，形成一种合奏。声势的顽固伴奏：等学生将顽固节奏型练习稳定后，教师可以找一些他们熟悉的歌曲，先组织学生听唱一遍，再创编一个适合这首歌曲的节奏型，运用声势来为其进行伴奏，这种边长边伴奏的活动方式，既活泼有趣又可以进行节奏训练。即兴问答：即兴问答的原理跟我们日常生活中的对话类似，可以先从语言进入。教师一边拍手，一边有节奏的说一些短的问句，学生拍手回答。熟悉了这种问答方式后，教师可以引导学生把语言去掉，只用声势动作来表示问答的节奏，然后再逐渐过渡到节奏乐句的问答。古典声势动作的活动方式动作的预示活动动作的预示活动是声势动作合奏中一项很重要的练习，它可以训练合奏者之间的默契程度。动作的预示活动在训练的时候，可以由一个人开始运用身体、眼神等动作或表情来传递信息，达到让其他同学能够一起演奏同一种声势动作的目的。声势节奏回旋即兴：这种形式的声势动作训练可以先有教师拍一个节奏乐句或者乐段，也可以由学生自主创造出一个节奏乐句或乐段，作为回旋的主部，教师一边拍一边走到一个学生身边，教师停下，学生就要即兴排除一个节奏乐句活跃段作为插部，学生停止后，教师再接着继续拍主部，同时走到下一个学生身边让他即兴拍出一个插部，这样就形成了ABACAD……的回旋曲式。节奏声势讲故事：教师可以引导学生发挥自己的想象力，用声势动作即兴拍奏一段创意的情境设计，这样不仅可以提高学生的学习积极性，也能激发他们的创作欲望。节奏声势舞蹈：节奏声势舞蹈是运用声势动作创编一段节奏，然后再创编一段舞蹈，用简单的舞步把它表示出来。教师还可以将学生分为两组，一组用声势动作伴奏，一组和着伴奏进行舞蹈。简易舞蹈动作训练4FOUR简易舞蹈动作训练舞台静止队形顺“八”字倒“八”字横排直排尖形半圆形三角形扇形车轮梯形简易舞蹈动作训练手型兰花指:拇指伸直向中指靠拢，其余手指向中指并拢，从指尖到手掌各指关节要挺，尽量使中指的第二指关节上翘，用力的感觉延伸至指尖。虎口掌:四指伸直微张，虎口张开，拇指压向掌心。单指:四指并拢，空心握拳，食指伸直，微翘。剑指:在单指的基础上再将中指伸直。拳:五指握拢。掌:五指在伸直状态下，虎口张开，掌心可以随意转动。扩指:在掌的基础上，五指伸直张开。简易舞蹈动作训练手臂形态山膀位:两臂平抬于身旁，略低于肩。掌心向外，用力架住，指尖带劲。臂呈弧形，有四个人合抱一棵大树的感觉。托掌位:手臂呈弧形，手心向额前上方托起。顺风旗:双手兰花手，一手托掌位，一手山膀位。双背手:双手手背贴放于背后腰以下尾骨之上的位置，指尖相对。按掌:兰花指翘掌，手臂呈圆弧形，按在腹部正前方。简易舞蹈动作训练脚的基本位置正步:双脚并拢，脚尖朝前，重心在双脚上。小八字步:在正步的基础上，脚跟并拢，脚尖各向两旁打开25度角，重心在双脚上。大八字步:在小八字步的基础上打开双脚，两脚间隔一只脚的距离，重心在两脚之间。丁字步:在小八字步的基础上，一脚脚跟靠在另一脚侧面中央，重心在双脚上。横丁字步:在丁字步的基础上，双脚脚尖打开形成“一”字，重心在双脚上。简易舞蹈动作训练手臂动作大三节:沉肩，松肘，由肘带动小臂往手腕、手指关节处一节节顺次延伸。撩掌:掌心向下，用手腕带动手臂由下向上动作。盖掌:手臂呈弧形，由头部上方盖至胸前按掌，掌心向下。端掌:掌心向上，从身旁向上端起。盘掌:右手屈肘端于腰侧，掌心向上，指尖向腰，平端至胸前，再以腕为轴，用指尖带动至右上方，向外平转手腕一圈，成掌心向上。简易舞蹈动作训练脚和腿的动作吸腿:动力腿由膝盖带动弯曲抬起，脚尖离地时开始绷脚，沿主力腿内侧提至大腿间呈90度夹角状态。前吸腿膝盖朝正前方，旁吸腿膝盖打开朝身旁。绷脚、勾脚:绷脚时大脚趾向下压、脚背向上拱起；勾脚时大脚趾带动整只脚向上勾到最大限度，脚心向上翻，脚跟向前伸幼儿儿歌简易舞蹈动作练习找朋友两只老虎（1）双脚原地跑步跳，双手握拳，前后摆臂。（2）左手叉腰，屈腿，右手做敬礼状。（3）右手自然放下，做握手状。（4）双手屈肘，放于胸前。（5）双手上举手心朝上，向两侧打开。（1）双脚打开，左手平伸，右手上扬。（2）做跑步状。（3）伸出右脚，左手自然下垂，右手食指指向耳朵。（4）伸出左脚，脚跟着地，双手微向两侧打开，身体前倾。（5）伸出双手食指，在头的两侧转动（6）双手平托，向两侧打开，头微侧。音乐律动游戏动作训练5FIVE音乐律动游戏动作的开展原理与音乐选择音乐活动中的律动是有节奏的跳动，是有规律的运动，多指人们听到音乐后，自然而然地随着音乐节奏通过身体动作进行表达的一种方式。在幼儿园音乐教学活动中开展律动动作训练，能够极大地调动幼儿学习音乐的兴趣。开展音乐律动游戏动作教学需要科学的分析音乐，用有规律的动作、队形表达音乐曲式结构、旋律风格、节奏节拍等元素。鼓励学生在游戏中开展分享互相交流，加强人与人之间的情感互动，激发学生的创造性学习。律动活动常用《波尔卡舞曲》《华尔兹》《快步舞》等音乐。其音乐多为两段体或者三段体，每个乐段的长度大多为两个或四个乐句，且格式整齐统一，有较强的循环重复性。为了更好地让幼儿掌握，我们可以针对小年龄段的学生选择相应的儿歌进行训练。音乐律动创作常用动作、队形及设计要领1234手的动作用手拍打节拍或者节奏型，节拍拍打要求稳定持续，节奏拍打要准确。两人互动时双手可以对拍，交叉对拍，交替对拍，上下拍等。常用队形圆形、是最常用的教学队形，教师可以站在圆形中心分别用不同的站位方向示范教学，让全班学生都可以清楚地看到教师的动作。脚的动作在分析了具体活动音乐之后，在不同的乐段使用不同的脚步动作，并随着音乐的循环而重复变化。脚部动作不宜太难，要按要求做到位，要使步伐与音乐节奏节拍完美结合是活动宗旨。设计要领不同的乐句、乐段动作应有一定的区别，动作变化之间要有一定的联系。设计针对小年龄阶段幼儿的活动，手、脚动作要分开，方便幼儿完成。儿歌音乐律动游戏动作训练找朋友音乐分析歌曲语言活泼，节奏明快，歌词脍炙人口，有利于训练孩子的记忆力和语言模仿能力。游戏步骤：幼儿双手叉腰，用蹦跳步，随音乐在指定范围内随意走动，唱到“找到一个好朋友”时，幼儿站到一个朋友面前，并根据歌曲做敬礼和握手的动作。当唱到“你是我的好朋友”时，两人拥抱。继续游戏，跟随音乐节奏拍手走步去寻找新的朋友。可变换队形多重复几次。什么动作表示友好。请幼儿大胆想象见到好朋友还可以做什么动作表示友好。感谢观看奥尔夫音乐教育理论与实践奥尔夫音乐教育理论与实践第四章奥尔夫器乐造型训练奥尔夫器乐造型训练01ONE器乐是相对于声乐而提出来的一种概念，指的是完全使用乐器演奏而不用人声或人声处于附属地位的音乐，器乐是以乐器为物质基础，然后借助乐器的性能特征，结合演奏技巧的应用，以此来表现出来的一定情绪情感以及意境的音乐作品。相比于器乐来说，器乐造型的内涵更加具体和明确，在解释这一个概念之前，读者还需明确声音造型的概念。器乐造型的内涵声音造型主要指的是运用声音的物理属性、时空属性以及人的生理因素、心理因素等创造丰富的、立体的声音形象来反映客观事物的过程。而器乐造型也具有这一特点，通过各种乐器来创造出较为丰富的声音，这些声音能够带给听者比较具有美感的感受，并且这种感受还能具像化，将听者的听觉以及视觉充分的联系起来，就像一个具体的形象呈现在听者面前，这就是所谓的器乐造型。器乐造型的目的01一是可以激发学生学习音乐的兴趣以及激情。奥尔夫音乐提倡的就是“玩中学”理念，所采用的学习方式令人感到身心放松，并且由于参与感较足，学生学习起来较为轻松，相比于传统音乐教学来说，形式更加多样和丰富。器乐造型可以用各种形式的学习方法来调动起学生的学习激情，并能从中感受到学习音乐的快乐，培养学生的音乐核心素养。02二是可以培养学生乐于探索乐器的能力。器乐造型所采用的乐器都是常见的，且容易上手的，每个人都可以通过这些乐器来打造出属于自己的音乐，这对于学生来说是一种非常愉快的体验，学生的满足感较为强烈。03三是可以培养学生的综合能力。奥尔夫器乐造型强调团队合作，学生在丰富多样的游戏活动中体验知识，获得积极情感，并在此过程中，与同学进行合作交流，强化了协作能力，切实的有助于发展学生的综合能力。从其表现形式以及性质来看，进行器乐造型教学的目的主要有以下三点：1234木质类木质类乐器的特点是声音清脆、明亮、短促无延绵音、颗粒性强，因此在教学中敲打节奏较复杂、速度较快一些的节奏型，常担任“旋律声部”，奏起来节奏清晰、干净。金属类用铜等金属制作。金属类乐器主要特点是延绵音长、声音明亮、穿透力强。锣、钹类音量较大，在合奏中使用要特别小心，一般是作为特色乐器使用。皮革类皮革类即鼓类，常用的如手鼓、铃鼓、小军鼓、大小堂鼓、大军鼓、大鼓，还有架子鼓、排鼓、定音鼓等专业演出用鼓。散响类这类乐器主要是根据发声特点命名的，从原材料讲有金属制作的，如串铃、西斯特，还有铃鼓的另一种用法——摇动鼓使其环边的小铁片哗哗作响发声。器乐造型的教学类型无音高打击乐器器乐造型的教学类型有音高音条乐器01钟琴：有13个左右金属音条，一般是硬质的镀镣金属。声音清脆、明亮、富有诗意和儿童气息，在音条乐器中音区最高，常被作为高声部运用。由于它持续音响比较长，因此不宜演奏快速的音乐，在作伴奏配音时也不宜奏快速音符。一般使用木质槌头演奏。02金属琴：亦称钢片琴、铝板琴、铁琴等，主要视制作音条的材料而称。它的音条比钟琴要厚、大。这类琴一般有11-13个音条，分高、中、低音三种，如称高音铝板琴、中音铝板琴等。由于它的材料再加上配有的共鸣箱作用，它的延锦音更强烈和长久，声音更为柔和、模糊，具有神秘色彩。03木琴：由硬木（红木、紫檀木等）制成的带有共鸣箱的音条乐器，现已有压模合成的代用品，音准和质量更佳,它与一般乐队中使用的带有金属共鸣筒的木琴不同，只有13个木条。它的音色温和，常作旋律声部，亦称是整个合奏的核心。器乐造型的教学类型弦乐器弦乐器是奥尔夫乐器中较为常见的一种类型，主要是指任何振动琴弦发出声音来的乐器。弦乐器具有独特的特征，主要是由手指拨动来控制音高。弦乐器依据发声的方式不同，主要分为两大类：擦弦乐和拨弦乐。针对擦弦乐来说，主要是以琴弓拉动琴弦，利用弓的摩擦使得琴弦振动发声，比如大提琴、小提琴、中低音提琴等。针对拨弦乐，主要指的是以手指弹拨琴弦发声，由于是以弹拨的方式来振动琴弦，因此声音不能持续很久，比如吉他、竖琴等。器乐造型的教学类型管乐器管乐器一般按照发声的方式方法分为不同类型，主要有四类，即吹孔气鸣乐器，单簧气鸣乐器，双簧气鸣乐器和唇簧气鸣乐器，前三类乐器由于从历史渊源上都起源于芦管乐器，且音色缺乏金属感，所以统称为木管乐器，尽管许多乐器都已使用金属，橡胶乃至合成材料为原材料了。在管弦乐队和军乐队中，这一组乐器被称为木管组，相对应的，唇簧气鸣乐器被称为铜管组（实际上这类乐器也确实是铜制的）。一般来说，管乐器主要包括长笛、短笛、萨克管、双簧管、小号、短号等，管乐器具有自身独特的性质，由于发声原理与其他类型乐器截然不同，因此在性质上也有较多不同之处，但是也是属于奥尔夫音乐乐器家族中的重要成员。当然，针对我国来说，最常出现的应该要算竖笛，这是出现频率最高的一种教学乐器了。器乐造型的教学类型键盘乐器键盘乐器是有排列如钢琴键盘的琴键之乐器总称。这些乐器上每个琴键都有固定的音高，因此皆可以用以演奏任何符合其音域范围内的乐曲。琴键下常有共鸣管或其它可供共鸣之装置。演奏家在使用键盘乐器时不是直接打击乐器的弦来产生震荡，而是使用琴键，通过乐器内的机械机构或电子组件来产生音响。键盘乐器主要包括钢琴、手风琴、管风琴等，这类乐器在奥尔夫乐器中比较少见，虽然在奥尔夫音乐教材中会对此类乐器提及，但是几乎很少进行应用，原因自然是多种多样的，一是这种乐器学习起来较为复杂，掌握相关技巧需要大量的时间来进行练习，这并不符合奥尔夫器乐造型教学的内涵；二是这类乐器音色相当优美出色，而且音高也十分尖锐，当这类乐器演奏时，其他声音几乎就处于黯然失色的状态，不利于参与者的共同进步；三是当今社会主流的键盘乐器就是钢琴，除此之外的其他键盘乐器基本都处于销声匿迹的状态，因此无法成为奥尔夫主流乐器。器乐造型的教学类型自制乐器自制乐器包含范围十分宽广，可以按照上述五种乐器类型来进行随地取材的制作。从一般意义上来说，自制乐器有较多的形式，共包括以下4种。一是自制吹奏类乐器，这是一种十分常见的自制乐器形式，比如树叶、竹叶等，都可以吹奏出不同的音响和音色，而且这也是天然乐器出现的较多的一种。二是自制手摇类乐器，主要是指通过生活中的一些常见材料，制作小沙锤、小铃鼓等乐器，这种乐器受到小孩子的欢迎。三是自制打击类乐器，同样也是通过一些常见材料进行制作，比如奶粉桶小鼓，制作材料也是十分普通，如奶粉桶、剪刀、画笔、卡纸、小绒球、小气球，制作方法和步骤也是比较简单，奶粉桶打开，去掉盖子。四是自制弹奏类乐器，与自制打击类乐器制作方式类似，制作材料也较为常见，如瓦楞纸吉他，材料就是瓦楞纸、美工刀、胶水、吉他弦（可替换）、打孔器奥尔夫器乐造型教学在我国出现时间本就不长，而且相关成功经验较少，而器乐教学对于学生的发展意义较为重要。在这种情况下，我国学者对于奥尔夫器乐教学的研究较为丰富，目前已经成为了国内研究的热点问题。针对奥尔夫器乐造型的素材来说，主要就是指在第三节中出现的有关奥尔夫乐器的分类，包括无音高打击乐器、有音高音条乐器、弦乐器、管乐器以及键盘乐器等，这些素材构成了奥尔夫器乐造型的体系，通过使用这些乐器可以达到培养音乐核心素养的目的。器乐造型素材音条乐器训练02TWO伴奏训练器乐伴奏