梁中秀谈平遥漆器艺术演讲稿件.doc

漆器主要讲“平遥漆器”，但是所有漆器里面的有些知识和技法是共通的，像绘画、磨漆画、描金彩绘、雕塑等艺术形式。无论是什么艺术形式都通用的一些元素，都有基本美学元素在里面。漆器本身就是一门艺术，简称：“漆艺”。但是艺术为什么要表示出来？因为艺术有一定的文化内涵，是创造出来的不是照搬下来的。讲一个故事：我在四川美院上学的时候，在重庆的鹅岭公园中在进行绘画，画了各种形式和形态的金鱼。正在创作的时候，老师在旁边观看，开始是表扬我，称赞我绘画的造型准确、形象生动，但老师语重心长对我讲：中秀，这创作和写生是两个概念。意思就是没有经过大脑去思考、去联想和想象、去融入感情，然后对看到的事和物进行变形和改造。不能照搬原来的物质和物体形态，要不然就不能称之为创作，更不是艺术。所以艺术的真谛大家要明确，就像食物一样不能一味的煮熟就吃，要经过调味。所以艺术就是加上人自我。而漆艺有最核心的材质美感，它的美学就是漆和金的材质美。漆器有很多种类。四川美院有一位老师画的金鱼漆画，画的很逼真，通过罩上大漆的透明漆，罩的很朦胧，而且最后用磨漆画的手法进行打磨，把头部需要突显的地方打磨的很亮很突出，而尾巴部分就朦胧。就好像有了藏漏的概念，产生了虚实，就有了漆的魅力，并且体现出漆的成份。如果没有漆这种材质就不会有漆艺的产生。还有堆鼓罩漆的手法，如果堆的很高的话根部漆就会留的很多，稍部就会留的比较少，这一多一少也就体现了材质的美学和美感。“金”这种材质具有它特殊的感受，金，让人感到高贵、高雅、经久不厌，这就是赤金的魅力，所以漆器核心的东西就是体现材质美学。乔十光教授指出，漆画姓漆，一定要运用漆的有利条件，漆的规律作画，也就是天画一份，人画一份，运用自然的色泽，自然、古老的美去体现漆画。漆工艺一定要抓住“漆”的运用。在市场上各种绘画者和各种创作形式，这些东西都很多很好都可以发展。但是对漆画认识很深和专业的人就少。从市场营销上看，只要能卖出的东西、卖的多的东西就是好东西，但从艺术角度看那些就不一定是好的。昨天为什么请王老师讲课，因为他是美术学者。而美术界和工艺美术界区别就是，他们是从美术角度看待，但也有不懂之处。所以大家要紧紧把握材料的材质美的运用。漆艺有三种风格：市井风格、庙堂风格和书卷风格。说这三种风格之间的对于不对，我认为都对。但是你得看放到什么位置。放到对的位置体现出的就是优点，放的位置不对就只能体现出缺点和问题，（所以）得分场合。市场是多元化的系统，只要有需求，什么都能接受。比如说把普通人喜欢的一件实用漆器放到漆艺展览上就会出现问题。好多人拿着在市场上卖的很好东西让评委会去评议，评委们是搞美术的话就会不认可这件作品，所以市井风格在这上面不占优势。适应市场的是俗的东西，评比展览是雅的东西，我们要真正做到雅俗共赏才是最高明的。漆器的文化也是涵盖在“大文化”下的一种。人们搞创的作时候，一定要有一个主题。主题就是体现文化方式的一种，这种文化就是要说明你作品表达的主题思想是什么。比如说，要表达早春，那么就要把早春所有的特点，主次都要找到。古代的漆艺作品大部分是以典故、文学作品红楼梦、三国演义、封神演义等为主题，后来有了寓言寓意的主题，有步步高升，福、禄、寿、喜，步步步登高等，包括首饰盒上文学和寓意的东西都存在。西洋画大部分是以面为造型的基础，中国画大部分是以线为造型的基础，在线的运用上特别讲究，“线”是中国画的生命，线可以注入人的感情，“轻、重、缓、急”由矛盾中得到统一。线的提按顿挫就体现了生命力，就像人要有骨有肉有灵魂，就有了生命力。在普通工艺品中存在最大缺点就是线，线里面最不好的就是平均用力，就是一股劲画没有轻重。工笔画在表达时是有轻重、提笔、行笔和落笔这样就有了生命。像毛泽东诗词沁园春有人用电脑刻出来和手工刻出来是两个概念。手工刻中有意无意地就加了一种轻重，用力的大小，用力的快慢都有变化，电脑刻是一个力度没有节奏，它只是表面，没有生命感，更没有注入人的感情。线的概念最通俗的理解就是：好像骑车下坡得捏闸。这一提闸下坡就有了缓急、顿挫。线无论在什么画种中要是体现形式美的东西。漆画是多元的，漆有数量对比、色彩对比、宽窄对比和疏密对比。在任何时候表达都得强调对比关系。在创作中思想里要有这些概念。就像对联的概念一样。对联中有宽对和窄对。窄的对联格式和形式的对比是严格的（冷对热、黑对白），如杜甫的诗句“两个黄鹂鸣翠柳，一行白鹭上青天。”两个对一行，黄鹂对白鹭，鸣对上，翠柳对青松。而宽对联可以疏松，是可以变化的。但在创作中一定得围绕漆艺的材质美学来进行。在绘画中把握对立统一，在统一中求变化，在绘画中要注意不能疏忽。在古代绘画中，这种变化就运用的很好，古人对这种变化称之为“相成相破”。在变化中始终服从统一，不能太过于追求变化。每个构图中有对立统一，在统一中求变化，就像歌曲每首歌都有主旋律。作画中还有两种形式，一种是写实性的东西要形象美；另一种是装饰性的东西要形式美，这两种在美术中都存在。比如：双林寺的雕塑即有形象美，也有形式美。有写实的，还有装饰性的。图案“龙”就是形象化的，像太极图就是形式美（形式有韵律感，经过变形和夸张）。构图里还有主宾虚实，要有主有次。主要的是追随主题，次要的是围绕主题。例如；写文章，全文要根据中心思想，词汇过于华丽内容空洞就成了喧宾夺主。构图中一定要注意主次关系。根据主题加以围绕和修饰，有的人在绘画过程中，刻意淡化了主题，而在边沿和主题无关的地方细心刻画，小细节过于夸张盖过了中心，没有主次，虚实也就很难处理和把握了。给人猛看很好，细看躁乱得感觉。因此一定要注意背景服从主题思想。构图中还有一个注意点就是“趋势”。“趋势”也很重要。画山水要在画面中要造一种“势”。要“造势”就得先了解线的构成。比如静态的线、动态的线（水平线让人感觉平静，把线画成斜线就有了动感）这是基本的静与动。线型感觉的划分、动与静在绘画中很重要。动与静的结合在古代诗词中也有。唐朝诗人贾岛：“鸟宿池边树，僧敲月下门。”静静的月夜下，鸟儿在树丛中休憩，突然有一位和尚在敲门，感觉很幽静的月夜一下子被敲门声打破。这句诗就有了动和静的结合。画面感强烈的体现出来。原先这句诗中的“敲门”是“推门”，贾岛在反复思考和推敲到底是“敲”好，还是“推”好。走在马路上正想，突然挡住了当时官员韩愈(唐宋八大家之一)的轿子，就问其为何。说明了事情的缘由，韩愈笑着说当然是“敲”字巧妙。在静静的月夜下一敲门，扣人心弦、一动一静凸显对比。“以简衬繁”也是构图技法表达的一种。用简化的衬托繁多的，形象化就像是平遥现代技术学院的建筑。虽然造型都不用，但是设计师用了同一个色调，用色的统一把建筑群中各种造型的建筑统一到了一起。如果把本来造型各异的建筑涂上各种的颜色的话，想象一下是不是眼花缭乱的。色彩越限制越具有装饰性，装饰色彩就是限制色彩。青花瓷、象牙雕刻、红雕漆、木雕等都是很美的艺术品，它们的图案和纹路雕刻的很华丽、很花哨，但它整体是统一色调、统一材质。所以在创作过程中注意“以简衬繁”，如果图案多或者杂的话，那用色就简单；色彩繁杂，图案就要简单。得有对比，不能都花哨。疏密关系在漆画中也非常重要，所谓“密不透风，疏可走马”。也是对比中的一点。有了疏密在画面中就有了一种节奏感、韵律感，使故事情节有了联想、有了生命力，就像双林寺中的泥塑金刚和菩萨的飘带。线条的刚柔并行，直线硬线就有刚硬的感觉。像画山石，树是山水的衣服，树就有了柔的感觉，画面就有了刚柔并济的感觉。作画如此，做人也一样。生活中太柔了就会被欺负，而太过刚强了人们就会厌烦是一个道理。创作中夸张变形的运用，用自己的思想和感知去美化和改造生活和自然界的事物。李白诗句中：“飞流直下三千尺，疑是银河落九天。”让人对诗中所述的瀑布浮想联翩。在写生中按照比例绘画，在画面上没有经过变形、夸张就感觉到不像或画面不协调。虚实关系在全图贯穿虚实关系是相互的，相互衬托、非常密切。做人要实实在在，做艺要虚虚实实，画的都实就太死板，画的太虚使之感觉空洞无力。中国画写意画中有“景愈藏”，既所谓景愈藏，境界愈大，感受也愈深。但在工艺美术中要打点折扣。因为工艺美术中太藏了就表达不出“工”，工艺美术还是精湛的“工”和“艺”都得有，但是一定要在主题上下功夫。透视在中国画和西洋画有区别，但也有共通之处。西洋画透视称之为焦点透视、平行透视，以视平线为基准上下划分，确定构图位置的，有消失线、灭线。中国画用的是散点透视，又叫鸟瞰透视，是由俯视的角度作画的，所画的事物都在视平线以下。但也得提前确定视平线。作画的时候俯视和仰视一定要注意。（上次看到一幅画五台山的作品，所画的山是仰视的角度，而山上的塔却成了俯视的角度，出入很大。）黑白灰关系的划分在画面上体现的也尤为重要。无论是中国画，还是西洋画都要有黑白灰关系。黑中有白，白中有黑，就像太极你中有我，我中有你一样，但是得处理好之间的关系。有些学过素描的到了漆画上就不知道黑白灰关系怎么体现了，大部分都是追求静物上的明暗关系，在中国画和写意画中都有黑白灰的对比，是整体的黑白灰的对比。要灵活运用，不能只知道素描中的明暗色调，却不知道整体黑白灰的色调把握和运用。传统漆艺透视是平面展开、大线贯穿，主线很密。以前的漆画和装饰画最核心的是不苛求遵循一般规律，明代的罩漆和清代的擦色一般都不苛求规律，这也是咱们构图中的重要内容。很多作品“太甜”很柔美，却少了阳刚之气。(好的文章,三国时期的建安文章很有风骨，五代的文章就多了一份柔美，就像飞到文坛上的锦鸡，满是华丽的词藻，没有骨气。在欣赏作品时如果让人感到“甜”也是优点，但甜的过分了就变了，就成了缺点。作品中应该融入感情，酸甜苦辣都得有。人们的经历都有酸甜苦辣，回忆起来感觉很好。虽然经历过艰苦，但后来获得的成功更加幸福。没有经历艰苦，就没有幸福，都是相对的。所以作品中一定要体现酸甜苦辣，不能独品一味。原有的漆器色彩是很单纯的（黑、白、金、银、红）除了主色调外，其他都是服从主色调来运用的，不能同日而语。金银黑白属于中性色，放到那里都协调，为什么以前推光漆得描金彩绘“雅”呢？最关键的步骤就是构金，你用红红绿绿画出来用金箔一构，用金色统一变化的色彩，一下子就显得雅了。如果不描金，也是显得很难看，颜色太冲，太饱和。无论是现代漆画还是传统漆画，如果有酸甜苦辣的东西，一定有肌理，肌理就是质感，有质感就是有魅力的东西。色彩要有限制，咱们的好多东西色彩运用的太多，不强调调子和节奏。创作时一定要注意色彩的节奏、纯度和饱和度，文学作品和绘画等有些艺术创作的理念是有相通部分的。（色彩的基础和详细讲解感兴趣的同学可以关注一下有关色彩学的书籍）以前的老师傅他们有自己的一套色彩运用的口诀和经验，比如说蓝配杏黄不用试，金为肤紫为骨，属于经验主义的表达。现在学习画就有了知识性，有了书面形式来教色彩这一系统。搞工艺美术和美术有一个根本的区别就是为了生存，包括我也一样。在社会上徒弟和师傅，教师和学生是不一样的概念。俗话说：“教会徒弟，饿死师傅”是事实。在古代同一地域同一时代，那就是生存的竞争，俗称：“砸饭碗”。而学校的教师、教授培养学生是以教育为主，是他们的职责。观念不一样，没有经济和物质直接的竞争。说这些的意思就是:我们都是为了生活而奔波的情况下，创作的理念就越来越少了，市场需求的量型作品就越来越多了，能满足经济上的条件和回报。如果搞创作，创作不成功就只有喝西北风。学院派站着说话不腰疼，他们总说要创作，也不用担心经济和物质上的问题。自己搞个展览，有人想收藏想买，自己也不卖。但工艺美术者为了生存，也会忍痛割爱的。从事工艺的大缺点就是谋生的多，不能全怪大家不创作。但是谋生有了一定的经济基础和年龄结构，还是要深入的研究和探讨，技艺不能停滞不前。比如有的人学画漆盒，学了三年不去求艺于其他形式的漆艺创作，那就会停滞不前，没有了附加值，如果盒子的市场没有了那就后悔不已了。并且得有一艺之长，像薛生金大师画的猫，声名远播一些人就指定收藏他的作品。年轻人发展要给自己定一个目标，得向远看，给自己定个目标，千万不能只看眼前利益。从事漆艺行业一定要打造自己的品牌，到老了有点成就，就会有人上门收藏，要从事艺术就必须认认真真去做。创作从现象上看，好多教授到平遥说，看到的作品都是千篇一律都是一样的，复制的多，也确实是。但一部分年轻人中，他们也认识了创作的重要性，逐步向创作的境界发展、进步。这是可喜的。继承和创作很重要。继承是继承非物质文化遗产的修饰技艺，核心的是大漆和其他材料，以及基本的描金手法，继承这些。但不坚持绘画古代的运用古代的工艺，而用现代人的理念、文化来创作。继承不是照搬，要把握好发展方向。创新是时代的潮流，从每个朝代的艺术品看，就能看出每个朝代都有特殊的艺术创新和发展。如果作为商品，交易和卖出就是认可，但一定要把创作和商品分开。漆艺创作是随着潮流的，每个地域有它的不同，也有不同时代的特色。在第十一届全国工艺美术漆画展，其中有了一种新生力军的漆画，抽象的东西多，表现局部肌理的现象多，又是一种时潮。创作初级阶段，还是按照传统漆画模式，练好基础，再求创作。要是把平遥推光漆器非物质文化遗产发扬广大，必须有自己的特点，用平遥人的工艺，参考现代的理念，但是不能喧宾夺主，要有黄土高原的本色，北方人的气质，平遥的地域风格。要都成了学院派诗画，那平遥漆器就失传了。用平遥传统工艺和现代理念是肯定能成功地。只是设计理念上还