歌剧艺术欣赏教学PPT.ppt

,歌剧艺术欣赏,主讲人：徐润涛上海财经大学人文学院,第一讲歌剧艺术的起源,歌剧艺术在17世纪初，即1600年前后出现在意大利的佛罗伦萨，随后传播到欧洲的各个国家。蒙泰韦尔迪在歌剧的初创时期，起到了至关重要的推动作用。他站在历史潮头，是歌剧艺术的奠基者。早期歌剧的特点。,名剧欣赏：蒙泰韦尔迪奥菲欧,第二讲巴洛克时期的歌剧,法国的吕利、英国的珀赛尔、德国的许茨分别在他们的国家开创了17世纪歌剧的先河。,亨德尔的歌剧事业在英国取得了巨大的成功。法国歌剧在拉莫的手中延续。“红衣主教”维瓦尔第的歌剧。拿波里乐派的代表人物斯卡拉蒂。,第三讲格鲁克的歌剧改革,格鲁克之前的意大利正歌剧传统。格鲁克的革新歌剧。歌剧改革的意义、影响。,第四讲天才的莫扎特,莫扎特是歌剧发展史上的第一个高峰。莫扎特少年时期开始正歌剧的创作，既而以意大利语喜歌剧的创作风格而风行各地，尤以费加罗的婚礼、唐乔瓦尼和女人心为人称颂。莫扎特的歌剧魔笛更是德语歌剧的高峰和标志性作品。莫扎特之所以在歌剧史上占有特殊的地位，是因为他起到了承前启后的作用，他总结了过去二百年的成就，开启了后二百年的大门。,第五讲歌剧中的美声唱法,美声唱法是产生于17世纪意大利的一种演唱风格。美声唱法的特点：美声唱法以音色优美，富于变化；声部区分严格，重视音区的和谐统一；发声方法科学，音量的可塑性大；气声一致，音与音的连接平滑匀净为其特点。,歌剧的产生促使美声唱法也不断完善。在歌剧创作初期为了仿效古希腊悲剧在广场上演出的声音效果，就不能采用声音微弱的童声和假声，而需要采用有足够气息支持，有丰厚共鸣，丰满宏亮而咬字清晰、并富于穿透力的声音。蒙泰韦尔迪的进一步使歌剧音乐戏剧化，使得歌唱家们感到提高自己的演唱能力和技艺是准确的表现音乐作品的基本保障。于是，许多卓越的歌唱家以他们高超的演唱技巧、华丽的嗓音，并能清晰地把歌声送到剧场的每个落，征服了观众，使歌唱艺术达到了新的高峰。,阉人歌手曾经在歌剧发展史上盛极一时，他们的演唱技巧已经达到出神入化的地步,但在他们的兴盛时期，不仅排挤了女性，甚至在一定程度上几乎抢占了男声在歌坛上的地位。18世纪末19世纪初，欧洲封建制度开始动摇，人们纷纷要求废除这种不人道的歌唱现象，同时妇女们也要求冲破封建束缚走上舞台，加上此时的男声也通过“关闭”的技法（close技法）提高了高音演唱能力，因此，阉人歌手在18世纪末因大歌剧的兴起开始走向衰落。歌剧舞台上逐步改变了由阉人歌唱家担任女角的演唱方式，奠定了男唱男角，女唱女角的演唱形式，这是欧洲歌剧的一个重大转折。,第六讲从贝多芬到威伯再到瓦格纳,在法国大革命思潮的影响，贝多芬的歌剧费德里奥成功延续了德语歌剧的发展。而威伯则成功的开创了德语浪漫主义歌剧的先河，抵抗了意大利美声歌剧的浪潮。在1821年首演的，充满超自然力量气氛的魔弹射手，更彰显了威伯制造戏剧效果的天赋能力。当时著名的歌剧作曲家还包括马斯内、舒伯特、舒曼，然而最著名的德语歌剧巨匠，当数瓦格纳。,瓦格纳被认为是音乐史上最富革新性和争议性的作曲家。在威伯和梅耶贝尔风格的影响下，瓦格纳最终发展出集合了音乐、诗词和美术于一身的“总体艺术”的新概念。在后期的成熟作品中，如特里斯坦与伊索尔德、纽伦堡的名歌手、尼伯龙根的指环和帕西法尔。瓦格纳“废除”了宣叙调和咏叹调之间的停顿，将歌剧化为旋律永不休止的乐剧。同时瓦格纳相当强调管弦乐团在歌剧中的角色和分量，更通过在乐谱上罗织的主导动机，不断重复与个别角色和戏剧概念有关的主题旋律。,另一方面，瓦格纳尝试突破传统的音乐理论，如音调以及和声，以求更大的表达空间。瓦格纳更尝试将哲学观点嵌入自己的歌剧作品当中，常常以德意志和凯尔特传说为基础编写歌剧。最终瓦格纳更在拜罗伊特修建自己的剧院，参照自己的歌剧需求设计，专门上演自己的歌剧。,第七讲浪漫主义时期的意大利歌剧,19世纪初的意大利歌剧界，几乎为美声运动和其歌剧代表作所占据，如罗西尼、贝里尼、多尼采蒂等人的作品。美声歌剧作品的旋律往往非常华丽且复杂精细，需要相当灵活的技巧和音高控制能力。他们的歌剧时至今日，依然常见于舞台。与此同时，梅耶贝尔的歌剧作品则成为了法式大歌剧（GrandOpera）的典范，风行全法国。,19世纪中后叶则被誉为歌剧的“黄金时期”，除瓦格纳外威尔第在意大利也是独领风骚。他带动了一种更直接，更震撼的新风格，以圣经故事为题材的拿布科便是这种风格的第一击。而深受后拿破仑时代的意大利民族主义影响的歌剧观众，觉得威尔第通过自己的作品回应了他们的诉求。1850年代早期，威尔第一连推出三部最受欢迎的歌剧：弄臣、游吟诗人和茶花女。此后他更进一步发展了自己的风格，写下了法式大歌剧唐卡洛斯，并改编两套莎翁戏剧奥泰罗和法斯塔夫，作为自己的收山之作，成功彰显了意大利歌剧的复杂与精密。,第八讲浪漫主义时期法、英、俄等国的歌剧发展状况,浪漫主义时期，法国涌现出了一批伟大的歌剧作曲家。从法国大歌剧之王梅耶贝尔到奥芬巴赫、马斯内、古诺、圣桑、柏辽兹到因卡门而百世流芳的比才再到德彪西对瓦格纳风格颇有趣味的回应。,很长一段时间，意大利歌剧名家，以及风行欧陆的莫扎特、贝多芬、梅耶贝尔等的名作一直霸占着英国的音乐舞台。不过与此同时，新兴的歌剧形式，如约翰盖伊的乞丐歌剧，滑稽歌舞剧、轻歌剧、特别是吉尔伯特与沙利文的萨沃伊歌剧，一度冲击了歌剧舞台的传统。虽然沙利文声称他的轻歌剧，应该算英语歌剧学派的一部分，当时他们也承认，创作的其中一个目的，便是要赶走19世纪风行英国的法式轻歌剧。或因如此，沙利文只曾写了一部大歌剧艾凡赫。但他们的作品皇家卫队曾被形容为第一部真正的英语歌剧。,格林卡以后的19世纪，俄语歌剧名家辈出，创作了大量优秀的作品，如达尔戈梅日斯基的露莎卡和石像赴宴、穆索尔斯基的鲍里斯戈东诺夫和霍宛斯基党人之乱、鲍罗丁的伊戈尔王、柴可夫斯基的叶甫盖尼奥涅金和黑桃皇后，以及里姆斯基-科萨科夫的雪女郎和萨特阔。这些作品反映了俄国民族乐派音乐的发展，也被视为泛斯拉夫主义思潮的象征之一。,第九讲真实主义歌剧的高峰,20世纪初，欧洲歌剧继续演变出不同风格，如意大利的真实主义（verismo）和法国的当代歌剧。威尔第以后，随着马斯卡尼的乡村骑士和莱昂卡瓦洛的丑角的出现，真实主义歌剧渐渐流行于意大利。真实主义风格的歌剧，尤其是普契尼的代表作波希米亚人、托斯卡、蝴蝶夫人，更是一时主宰了世界各地的歌剧舞台。,德奥的歌剧在瓦格纳以后便已不能同日而语，瓦格纳的传奇成为了很多作曲家的沉重包袱。但理查施特劳斯却能成功吸收瓦格纳的概念，发展出令人惊异的新方向。他以极富争议性的莎乐美声名大噪，既而以灰暗的厄勒克特拉把和声推到极限。但此后施特劳斯来了个大转向，把瓦格纳的风格混和莫札特的风格和维也纳圆舞曲，创造出了巅峰之作玫瑰骑士。,理查施特劳斯其后不断推出风格各异的歌剧作品，不少由著名诗人雨果冯霍夫曼斯塔尔提供脚本，直至1942年的随想曲为止。使他成为了浪漫主义时期的最后一位歌剧大师。,第十讲美声唱法的发展,以罗西尼、贝里尼、唐尼采蒂为代表的意大利歌剧，以及法国歌剧都对这一时期的声乐演唱水平的发展起到了推动作用。声乐史上称这一时期为美声唱法的“全盛时期”。,19世纪意大利伟大的歌剧作曲家威尔第的充满爱国主义激情的歌剧问世，标志着歌剧创作的新发展。由于他在咏叹调上的成功创作，使得对声音的要求也进一步提高，既要有扎实的歌唱技术，强烈的情感表现，震撼人心的戏剧性，又要具有抒情性，流畅、灵活和柔美。以马斯卡尼为代表的真实主义歌剧演唱技巧又上了新的台阶。,瓦格纳的歌剧由于注重乐队的配置，加重了乐队在歌剧中表现的分量，因此想获得较清晰的演唱效果，演员们必须在发声上要为扩大音量而努力。为适应不断发展的歌剧舞台，美声唱法在发声技巧上经历了多次的飞跃。,19世纪初，欧洲的文学艺术出现的“浪漫主义”潮流，使得音乐在创作手法上出现了许多革新，比如，在主题的音调上加强了抒情性，在器乐作品中贯穿了歌唱性的音调等。在歌曲的创作方面，歌词大都采用名家的诗作，诗意盎然，讲究诗词和音乐浑然一体的“诗化精神”，要求将诗词的内涵充分地用音乐表现出来，同时，加强了伴奏、尤其是钢琴伴奏的表现功能和作用，形成了与歌声共同塑造艺术形象，推进高潮、揭示歌词意境，表现歌词未尽之意的新型关系。,随着以舒伯特、舒曼、勃拉姆斯等作曲家为代表的德奥浪漫主义艺术歌曲的兴起，便出现了不同于歌剧咏叹调演唱的艺术歌曲演唱风格。虽然艺术歌曲的演唱同样运用“美声”技术，但它的演唱风格和技术要求却因内容需要，有别于歌剧。,一是艺术歌曲的内容大都是浪漫主义诗人的文学杰作，要表现这些诗歌细腻的情感、浪漫的隋调、高雅的格调，就需要运用轻声、半声，以及高音区上渐强渐弱的技术来丰富声乐的表现力。,二是艺术歌曲通常用钢琴伴奏，在声音的音量上要求控制，这与歌剧演唱强烈的音响形成了对比。,三是艺术歌曲还具有室内乐的性质，不以表现戏剧性的激情见长，而以抒情为主。从而形成了以多种音色、清晰的吐字、细致的语调，以含蓄为贵的艺术歌曲的演唱特点。正如德国当代最著名的艺术歌曲演唱家施瓦尔茨科普概括的那样：演唱歌剧尤如用大刷子蘸着涂料进行粉刷，演唱艺术歌曲则像是画“工笔画”，需要极细的笔来描绘。,以舒伯特为代表的艺术歌曲的问世，还使欧洲的艺术歌曲创作进入了一个崭新的境界，在欧洲声乐艺术的发展中占有重要的地位，并且还形成了与歌剧以及宗教音乐平分秋色的局面。随着艺术歌曲创作的繁荣，还出现了以音乐会演唱为主的职业歌唱家。,第十一讲民族乐派歌剧的发展,斯美塔那、德沃夏克、雅那切克笔下的捷克歌剧。,波兰和匈牙利的民族歌剧。,在20世纪，俄语歌剧继续获得发展，如拉赫玛尼诺夫的吝啬的骑士和雷米尼的法兰西斯卡，斯特拉文斯基的夜莺、玛伏拉、俄狄浦斯王及游子历程，普罗科菲耶夫的赌徒、三橙之恋、火天使、情定修道院及著名的战争与和平，肖斯塔科维奇的鼻子和姆钦斯克的麦克白夫人等。,第十二讲印象主义歌剧大师,德彪西、拉威尔带我们走进印象派大师的歌剧音乐。,德彪西是法国浪漫主义歌剧的掘墓人，也是现代歌剧的创始人。传统的和声规则被他打破，他的和声细腻、繁复，配器新奇而富有色彩，旋律略带冷漠飘忽的感觉，他善于创造奇幻、朦胧的感觉和神奇莫测的色彩。在他唯一的歌剧作品佩利亚斯与梅丽桑德当中，和瓦格纳的乐剧一样，乐队处于歌剧音乐中的领导地位，而且全剧皆由宣叙调组成，没有实际意义上的咏叹调，但戏剧内容本身很清淡但又扑朔迷离。,早期印象派音乐热衷于明暗对比，光明与阴影中的神秘游戏，而拉威尔作为印象派音乐家则大大发展了印象派音乐的表现力，他喜爱五彩缤纷，光彩夺目的烟火，喜爱富于诗意的洪亮声响。他既是乐曲形式的大师，又赋予音乐丰富的色彩，另外他严守维也纳古典乐派的戒律，而以独创的手法运用这些传统戒律来形成自己独特的音乐语言和作品形式。对于音乐的描述性，他主张不注重事物的外部，而是关注事物的本质和浓郁的色彩，并认为真正的诗不能是长篇大论，而是在于真正的感情。他的歌剧代表作品是达芙妮与克罗埃。,第十三讲表现主义、新古典主义歌剧,看看勋伯格、贝尔格、斯特拉文斯基、肖斯塔科维奇等大师在歌剧领域的探索与尝试,勋伯格勋伯格是一位具有大胆创新精神，在20世纪最具影响的作曲家之一，他的作品曾经引起过很大的争议。他首创了“十二音体系”的无调性音乐，并且培养了许多“十二音体系”的作曲家。他和他的学生贝尔格、威伯恩被合称为“新维也纳乐派”，即“表现主义”音乐流派。他对音乐进行了重大的、具有划时代意义的改革。创作的早期，他的作品带有晚期浪漫主义的特点，禀承了瓦格纳、马勒等后浪漫主义大师的风格，运用变音体系的乐汇及规模宏大、结构复杂的手法，创作了一些颇负盛名的佳作。,中期，他彻底抛弃了后浪漫主义的手法，形式转向小型，依靠色彩的迅速替换，来获得音乐上的变化，音乐要素中节奏和对位越来越复杂，旋律线越来越支离破碎，并摆脱了有调中心的音乐风格，走向了“无调性”。,到了晚年，其音乐具有表现主义的特征，他的“十二音体系”已趋于成熟，其乐汇极不协和，非主题性，节奏裂变，旋律破碎，配器古怪，音乐也不再追求泛指意义的真与美，而是用鞭辟入里的手法，去表现作曲家极为复杂的情感，其代表作月光下的彼埃罗和歌剧摩西与亚伦体现了深刻的哲学思想，音乐表现力极强，结构雄浑一体，被公认为是20世纪的不朽杰作。,贝尔格贝尔格是促使20世纪无调性音乐风格成熟的主要人物之一。他的作品主要由少数几种中心技巧形成：（一）采用复杂的半音表现主义，这几乎使传统的调性黯然失色，但实际上仍存在于内部。（二）用无调性的内容彻底改造传统的音乐形式，即抛弃依靠一个主要音调的传统音响结构。（三）熟练地运用其老师勋伯格所创造的12音列体系作为一种构成无调性音乐的方法。由于他既运用新作曲法，又未失古典传统，从而获得了“现代音乐的古典主义者”称号。贝尔格于1917到1920年间创作了杰作歌剧沃采克。尽管音响上极其复杂，但他对士兵沃采克充满同情与人性的描绘，强烈的戏剧张力几乎令人无法承受，深深地感染着观众。,斯特拉文斯基斯特拉文斯基的创作生涯就象是二十世纪上半叶纷乱多变的西方音乐艺术世界的一个缩影。早期创作俄罗斯芭蕾舞剧音乐的成功使他步入欧洲音乐舞台。一战时期，他流亡法国，后又定居美国。与颠沛的生活经历一样，斯特拉文斯基的艺术道路也是曲折的。他创作活动有三个不同风格的时期，艺术美学观点截然不同，他不时否定着自己的过去，令人意外地向着相反的方向探索。他的音乐影响着二十世纪上半叶欧洲的一些主要潮流，而在流派纷呈、风格各异的二十世纪西方音乐世界中，斯特拉文斯基又以其特有的美学观点和音乐语言风格而独树一帜、自成一体。,在定居巴黎期间，他为芭蕾舞剧火鸟作曲，并在以后创作了大量芭蕾舞曲。在香榭丽舍剧院首演的春之祭，由于观众对这部作品的彻底反传统性极其不满，几乎在剧场内酿成一场暴动。从此斯特拉汶斯基便成了与勋伯格一样当时最为激进的先锋派作曲家。,经过一系列探索，斯特拉汶斯基创立了新古典主义，喊出了“回到巴赫的口号”。并将创作的重心集中到歌剧及室内乐上。并与其他艺术门类的艺术家有密切交往。其中对其影响最大的是艺术大师毕加索。斯特拉汶斯基在进行新古典主义创作的同时，也对爵士乐产生了兴趣。,二战爆发后，斯特拉文斯基前往美国谋生，并加入美国国籍。乐曲中爵士乐的风格越发浓郁；而在作曲上重新开始创作大型作品。完成了歌剧浪子的历程的创作。1950年代初，斯特拉文斯基开始运用十二音体系来写作，并运用整体序列主义形成了他个人的风格。,肖斯塔科维奇作为一位现实主义艺术家，肖斯塔科维奇从不旁观生活，回避矛盾，而总是置身于社会生活的湍流，满怀激情和鲜明的爱憎去反映生活。他是一位强调音乐创作的思想性而又善于运用音乐手段表达思想的艺术家。他也是一位孜孜不倦的艺术革新家，但他的创作又与传统保持着密切的联系。他的艺术面貌是异常独特的，音乐语言和风格处处表现出自成一家的鲜明特征。他的旋律常以古调式为基础，尤其是阵音级的各种所谓“肖斯塔科维奇调式”的频繁运用，以及在一个主题内经常的调式突变，形成了一系列具有特殊表现力的乐汇。,在后期创作中，他也采用十二音音列的旋律进行，但只是把这种技法作为众多的表现手段之一，而从不把自己束缚在某一种体系或法则之中。他的旋律富于朗诵性，尤其是器乐的宣叙性独白更是情味深长。他的和声很有特色，有时写得非常简单朴素（甚至仅限主、属和弦），有时又异常复杂，富于刺激性（如由自然音列全部七音或由全部十二个半音构成的和弦）。,他扩展了传统的复调技术，配器不倾向于色彩性的渲染，而着力于戏剧性的刻画，乐器的音色好像剧中角色，直接参与“剧情”的发展，是表现矛盾冲突的有力手段。他在曲式方面的独创性也很突出。他的交响套曲结构和各乐章之间的功能关系，从不拘泥一格，而是按构思需要灵活变化。,肖斯塔科维奇一生创作有两部歌剧，在他的音乐创作中不能算是重要音乐体裁，但恰恰就是这两部歌剧，特别是第二部歌剧姆钦斯克的麦克白夫人的创作，使他成为20世纪音乐界一位十分瞩的人物。音乐界高度评价肖斯塔科维奇，称赞其音乐达到了在特殊时代中艺术创作的极致，甚至将他誉为“20世纪的贝多芬”。,第十四讲歌剧艺术在时代背景下的探索与发展,整个20世纪，现代风格元素常被尝试混入歌剧当中，如勋伯格和贝尔格的无调性手法和十二音阶作曲法，以斯特拉文斯基为代表的新古典主义音乐和格拉斯和亚当斯的简约音乐。,20世纪，英语歌剧渐渐摆脱意大利风格的影响，尤其是威廉斯和布里顿的作品至今仍是各大歌剧院的保留剧目。而与此同时，美国的作曲家，如伯恩斯坦、格什温等人，也开始英语歌剧的创作，并加入流行音乐的元素。时至今日，仍有不少当代作曲家在谱写歌剧，如英国的阿迪斯、比特威素、尼曼和美国的格拉斯及亚当斯。,随着录音技术的发展，像卡鲁索（被视为现代男高音的鼻祖）等歌唱家能成为歌剧圈外人士所熟知的名字。随着20世纪科技的进步，歌剧也会在电台和电视上播放，还出现了为广播媒体而写的歌剧和大量经典歌剧电影。,多元化的信息时代，古老的歌剧艺术只有不断突破，紧跟时代的脚步，才能再度焕发青春。,第十五讲歌剧在中国（1）,关于中国歌剧应从两个大的方面进行概括：一为创作者按照西方传统的歌剧创作思路、创作技法以及表现手段而创作的具有西洋歌剧基本特征的，选用中国题材体现中国人文精神的歌剧；另一类为向我国民间戏曲、戏剧汲取营养，具有鲜明民族风格、民族气派的歌剧，这类歌剧也称为民族歌剧。,中国歌剧最早萌芽于上世纪20年代。1920年黎锦晖先生创作了麻雀与小孩等十二部儿童歌舞剧。1925年，俄籍人士阿隆阿甫夏洛穆夫以中国古老传说故事和民间传统戏典音调为基础创作的歌剧观音，这可说为西方歌剧艺术与中国的民族文化相结合进行了大胆的尝试，为探求中国新歌剧的创作与发展做出了贡献。,1942年，毛泽东发表了在延安文