中西设计文化探源的文献综述.doc

中西设计文化探源的文献综述摘要：艺术设计是艺术、科学和技术的融合，集成性和跨学科性是它的本质特征。艺术设计能对人们的生活方式产生不同的影响和变化，为人们带来巨大的经济效益。从外表来看，寻民族的根与模仿的西化是一种互相抵触的矛盾现象，一个是对本民族古老艺术传统的回归，一个是对外来艺术的模仿和探寻。中国的现代化设计道路，是通过对自己本民族的文化的不断柔合，对外来文化的不断吸收精华，为我所用，真正的让民族的成为世界的，用民族的去吸引世界的，我想这也就是比较的真正意义之所在了。关键词：艺术设计；历史文化；渊源文化；世界化 “文化”视为是一个与“自然”相对应的概念，艺术设计作为一种物化的生存方式，正是把这两种相对应的概念通过人的生物性和社会性将这两者有机的融合起来，艺术设计文化是人类作为社会群体的一切创造活动及其成果。 俗话说，“一方水土养一方人”，文化是具有很强的地域性的，不同地域的文化具有不同的特色：大到历史传统，风土人情；小到“乡音难改”。分析中西设计文化的差异和融合，首先要清楚中外设计文化的地域差异。在地理位置上，普遍意义上认为，中国指的就是具有中国特色的本源文化，而西方指的是以西方蓝色文明为本源的西方文化。同样与文化同源的设计文化更是因为地域的差异、时空的差异形成了具有浓郁的中西地域文化特征的设计文化。一、中国古代艺术文化思想 (一)中国艺术设计思想的历史包蕴性和排他性 由于主张和谐统一，中华民族有崇古的心理意识，加上中国文化守成性的大陆型农业化，地大物博，优越的地理环境、气候条件形成了中国传统社会的封闭性，使中国文化中有保守、不思进取的消极因素。原始时代，诗歌、绘画、雕塑、等艺术门类已经开始出现，原始绘画多见于彩陶。有装饰性图案和写实性绘画两种。雕刻有骨雕、牙雕、陶雕、石雕等。原始艺术是人类原始时代物我合一、人神混淆的产物。到了夏商时代，原始的文化雏形开始慢慢形成，有了青铜的礼器、乐器、兵器、生产工具等等，而且同时代产生的甲骨文和金文也在青铜器上有所体现，尤其是在图案的表现在上，更是丰富多彩。在“钟”“鼎”上出现地文化“钟鼎文”已经显示了汉字的形声化的雏形。这些原始的设计艺术的雏形为中国后来的设计文化传统提供了重要的发展依据。 (二)中国古代艺术思想对外的影响 在陶瓷、金工和漆艺等诸多的艺术门类中，中国设计思想给其它民族的工艺发展是具有直接性和历史性的影响。尤其是日本艺术受中国艺术的影响，日本的传统美学，也可溯源至中国的传统美学。但是，日本在接受中国设计文化的同时，不仅仅是始终如一、刻骨铭心地保持它、发展它，更重要的是继承的同时更是发扬了它，取得了“青出于蓝而胜于蓝”的成绩。尤其是他们对工艺一丝不苟、精益求精的精神和态度。精致是日本当代工艺的鲜明特色。而作为蓝本的中国工艺现在缺少了这种做事的态度和精神 (三)中国古代艺术设计文化渊源 中国古代思想家，尤其是儒家学者，对于人生价值的内涵、类型、层次、标准等问题，都有充分的论述，构成中国传统文化的核心内容，也是中国文化传统最典型的思想方法。儒家哲学作为中国文明早起，文化早熟的典型代表，自然是“极商明”的，子思所谓“极高明而道中庸”，虽然当今有很多人在高扬孺家现代化的价值，但是，从辩证的方法看儒家与现代化的关系是复杂的，是要具体分析的。一方面，孺家哲学产生和发展的经济条件是比较落后的，其内在价值取向是复杂的，也就是精华与糟粕共存，其精华部分是具有恒久的价值。另一方面，现在科技的发展，大量新技术的引进，改变了人们的生活方式，从而也改变了人们的设计观念。现代设计观的兴起也是在民族融合的不断发展过程中前进的。 周易说：“一阴一阳之谓道。”又说：“天地之大德日生。”“生生之谓易。”这些话，最为简明扼要地说出了古代中国人的宇宙观，同时也说出了中国美学、艺术的哲学基础，自古以来，中国人是从天地生生不息的运动变化中去感受万物之美、创造各种艺术的。正是由于中国文化的历史悠久，一脉相承的延续性，它不断地吸收、融合、消化外来的文化、异民族的文化，但是多数情况下是它“同化”了异民族的文化，但是很少被异民族的文化所“异化”，这些都是稳定的文化根基不会轻易被破坏的魅力之所在了。二、 中国古代建筑中的文化 (一)中国古建筑中的风格体现由于中国古代建筑的功能和材料结构长时期变化不大，所以形成不同时代格的主要因素是审美倾向的差异：同时，由于古代社会各民族、地区间有很强的封闭性，一旦受到外来文化的冲击，或各地区民族间的文化发生了急剧的交融，也会促使艺术风格发生变化，形成了各具特色的中国古代的建筑风格：1朴素自然的秦汉风格商周时期已初步形成了中国建筑的某些重要的艺术特征，如方整规则的庭院，纵轴对称的布局，木梁架的结构体系，由屋顶、屋身、基座组成的单体造型，屋顶在立面占的比重很大。但商、周建筑也有地区的、时代的差异春秋战国时期诸侯割据，各国文化不同，建筑风格也不统一大体上可归纳为两种风格，即以齐、晋为主的中原北方风格和以楚、吴为主的江淮风格。秦统一全国，将各国文化集中于关中，汉继承秦文化，全国建筑风格趋于统一。代表秦汉风格的主要是都城、宫室、陵墓和礼制建筑。其特点是，都城区划规则，居住里坊和市场以高墙封闭：宫殿、陵墓都是很大的组群，其主体为高大的团块状的台榭式建筑：重要的单体多为十字轴线对称的纪念型风格，尺度巨大，形象突出：屋顶很大，曲线不显著，但檐端已有了“反宇”，雕刻色彩装饰很多，题材诡诱，造型夸张，色调浓重：重要建筑追求象征涵义，虽然多有宗教性内容，但都能为人所理解。秦汉建筑奠定了中国建筑的理性主义基础，伦理内容明确，布局铺陈舒展，构图整齐规则，同时表现出质朴、刚健、清晰、浓重的艺术风格。2辉煌华丽隋唐风格 魏晋南北朝是中国建筑风格发生重大转变的阶段。中原士族南下，北方少数民族进入中原，随着民族的大融合，深厚的中原文化传入南方，同时也影响了北方和西北佛教在南北朝时期得到空前发展。随之输入的佛教文化，几乎对所有传统的文学艺术产生了重大影响，增加了传统艺术的门类和表现手段，也改变了原有的风格。同时，文人士大夫退隐山林的生活情趣和田园风景诗的出现，以及对江南秀美风景地的开发，正式形成了中国园林的美学思想和基本风格，由此也引伸出浪漫主义的情调。隋唐国内民族大统一，又与西域交往频繁，更促进了多民族间的文化艺术交流。秦汉以来传统的理性精神中揉入了佛教的和西域的异国风味，以及南北朝以来的浪漫情调，终于形成了理性与浪漫相交织的盛唐风格。其特点是，都城气派宏伟，方整规则：宫殿、坛庙等大组群序列恢阔舒展，空间尺度很大。建筑造型浑厚，轮廓参差，装饰华丽：佛寺、佛塔、石窟寺的规模、形式、色调异常丰富多采，表现出中外文化密切交汇的新鲜风格。 3雍容大度的明清风格 中国建筑终于在清朝盛期(18世纪)形成最后一种成熟的风格。其特点是，城市仍然规格方整，但城内封闭的里坊和市场变为开敞的街巷，商店临街，街市面貌生动活泼：城市中或近郊多有风景胜地，公共游览活动场所增多：重要的建筑完全定型化、规格化，但群体序列形式很多，手法很丰富；民间建筑、少数民族地区建筑的质量和艺术水平普遍提高，形成了各地区、各民族多种风格：私家和皇家园林大量出现，造园艺术空前繁荣，造园手法最后成熟。总之，盛清建筑继承了前代的理性精神和浪漫情调，按照建筑艺术特有的规律，终于最后形成了中国建筑艺术成熟的典型风格一雍容大度，严谨典丽，机理清晰，而又富于人情趣味。 北京明、清两代的故宫，是世界上现存规模最大、建筑精美、保存完整的大规模建筑群。至于我国的古典园林，它的独特的艺术风格，使它成为中国文化遗产中的一颗明珠。这一系列现存的技术高超、艺术精湛、风格独特的建筑，在世界建筑史上自成系统，独树一帜，是我国古代灿烂文化的重要组成部分。它们象一部部石刻的史书，让我们重温着祖国的历史文化，激发起我们的爱国热情和民族自信心，同时它也是一种可供人观赏的艺术，给人以美的享受。 (二)中国古建筑的独特魅力 1中国古代园林中的文化 中国园林顺乎自然，高于自然，多表现自然的气韵。春秋以来，苏州丰裕的物质、文化等人文条件和山明水秀自然条件，造就了中国园林中“江南园林甲天下，苏州园林甲江南”的局而。在刘敦祯的苏卅古典园林一书中论述的古典园林就有十五处，其中最为著名的拙政园、留园、狮子林、沧浪亭和网师园，构成了具有浓厚的诗情画意的中国古典园林艺术。古代园林之所以有如此的魅力与中国古代的造园方法是分不开的。第一，中国古典园林的园景上主要是顺物自然，即人造的景观来模仿自然，达到“虽有人作，宛自天开”的艺术境界。其次，中国古代园林受到封建思想和社会条件的限制，都要在一个不大的范围内再现自然山水之美，最重要也是晟困难的是突破空间的局限，使有限的空间表现出无限丰富的园景。在这方面，中国古典园林有很高的艺术成就，成为中国古典园林的精华所在。 2中国古代陶资设计艺术中的文化 中国古代艺术作品中的小而精的典范就数陶瓷艺术了。陶器的出现是中国新石器时代的主要特征之一，它加强了早期人类定居的稳定性，丰富了人们的日常生活中国最早的陶器资料出现于新石器时代早期古代陶瓷是随着社会前进而不断发展的工艺美术陶瓷作为工艺美术，它在功能上的实用美与造型，装饰上的形式美是统一的。中国古代陶瓷的技术与艺术，历时悠久。古代陶器不仅是我国古代艺术的瑰宝，它在世界文化艺术史上也占有重要的一席之地，它是全人类的宝贵文化遗产，是人类文明史上无比辉煌的一章。 3中国古代青铜器艺术中的文化 中国古代的青铜文化十分发达，并以制作精良，气魄雄伟、技术高超而著称于世。其历史可以上溯到公元前三千年左右。大约二千年以前，自奴隶社会的夏代开始中国进入了青铜时代，到春秋时代结束。经夏、商、西周、春秋到封建社会的战国、秦汉，每一时期都有着前后承袭的发展演变系统。我国古代青铜器种类繁多、形制多样，包括：礼器、生产工具、兵器、车马器和其他用具。其中最具艺术魅力的以数礼器中各个时期食器、酒器、水器和乐器。 4中国古代雕塑设计艺术中的文化 中国的古代雕塑艺术有着悠久的历史，几千年来，我们的祖先在这块广阔的土地上，创作了众多生命力恒久的雕塑艺术品。这些作品造型生动活泼，形象逼真、传神，处处反映着我国劳动人民的智慧和技巧，是我国几千年优秀传统文化的一个重要组成部分。中国雕塑在题材内容和雕塑技法上都具有鲜明的民族特色，在长期发展中，不断吸收、融汇了很多外来艺术成分。其发展的高峰是秦汉、南北朝、隋唐时期、五代以后，大规模的雕造活动日益减少，而中小型雕塑则有新的发展。所以我国的雕塑艺术有悠久的历史，是我国古代文化艺术的重要组成部分。从新石器时代至清代，具有代表性的雕塑艺术作品经历了由简单到复杂、由粗糙到精致、由到大、由单个到群像的演变过程。创作的题材内容有以下几个方面：一是欣赏与实用相结合的雕塑：二是装饰性雕塑：三是以为封建统治阶级和宗教服务为目的的雕塑：四是描写现实生活以及人的思想感情的雕塑。每个时代的雕塑在技术上相互启发、相互促进，在风格上相互影响，形成了具有我国民族特色的雕塑艺术。三、 西方古代艺术设计文化概述 (一)古希腊艺术设计思想 古希腊地处地中海东部，希腊艺术和设计在人类艺术史上形成了第一个顶峰。它自成一格，独具特色，给人类艺术设计的发展提供了极为宝贵而丰富的遗产。荷马的伊利亚特和奥德赛，阿里斯托芬的喜剧在人类的文学史上留下光辉的篇章：柏拉图、亚里斯多德、赫拉克利特、德漠克里特这些艺术家仍然为当今人们所传诵：优美典雅的希腊建筑已经成为建筑中的典范了：镀金、雕刻、上漆、抛光、镶嵌等工艺技术上取得卓越的成就。马克思说：“希腊神话不仅是希腊艺术的宝库，而且是希腊艺术的土壤。”可见古希腊的神话和艺术之间密不可分的联系。希腊艺术和设计的辉煌根植于这种深刻的人本主义精神。希腊神话中的众神实际上是人间的道德规范、社会习俗和生活习惯的综合体和规范物。这种人格化的宗教也是产生人格化的艺术的土壤。公元前6世纪，毕达哥拉斯形成了从数的角度以朴素唯物论为基础的美学思想：以赫拉克里特和德谨克利特为代表的两大哲学流派对美学问题进行了深刻探讨：苏格拉底、柏拉图、亚里斯多德等学者辈出，学术上出现了百家争鸣的繁荣局面。希腊古典造型艺术贯穿了两个要素，就是“自然”和“理想”，表现理想化的自然，便是希腊艺术的核心。希腊的建筑是开朗而和谐的，雕刻是充满活力和勇于展现人的精神气质的，绘画是富于世俗的生活情趣的。艺术家们把自然的秩序形式与自己内心的自然体验引起的强烈共鸣以各种各样的形式表现出来，从而引起更广泛的共鸣，甚至是一个时代的共鸣。(二)中世纪艺术设计思想 公元476年西罗马帝国的灭亡，标志着欧洲奴隶社会的结束，封建制度的逐步确立。欧洲的文化中心从罗马转移到拜占庭，基督教在罗马境内广泛传播。设计艺术更是为了更直接的为宗教服务而倾向于精神性的表现，为一切通向天堂或向往天堂的人设计。这时期的文化艺术伴随着政治上的稳定也出现了一次短暂的兴盛期，一种平面化、装饰化的风格主宰了中世纪的艺术设计，造就了了一种新的设计传统。 在早期的基督教艺术的建筑形式中，它充分继承了古罗马建筑的纪念性的气魄，出现了一系列罗马形式变种的纪念性建筑物。教堂主要由宽阔的中堂和稍稍狭窄的侧廊构成，中堂一侧是设有神兔和祭坛的半圆形后殿，有的教堂在中堂和后殿之间设有耳堂。巴西利卡教堂的主结构主要由水平轴线和纵向轴线组成，其形态很像十字架，故也称为拉丁十字式。现存的巴西利卡教堂如圣阿波利奈教堂、老圣彼德教堂，虽然其原貌都已经基本毁损，但是其作为中世纪的典型的代表其艺术魅力是永存的。 (三)文艺复兴时期的艺术设计思想 文艺复兴是欧洲设计艺术得到高速发展的时期，在设计史上，文艺复兴时期的设计从古希腊、罗马的设计中吸取营养，在设计上提倡个性的解放和自由，追求的庄严、含蓄和均衡的艺术效果，推出了大量具有创造力的优秀设计，对后来工业时代的设计产生了重大影响。在意大利早期文艺复兴艺术中诞生了众多的艺术流派，各种艺术思潮相互渗透、相互影响，同时也相互展开斗争。这一时期以佛罗伦萨的艺术家们为代表，开拓了一条路线带动文艺复兴艺术积极发展的主要路线。 意大利盛期文艺复兴的纪念碑上铭刻这三个光芒四射的名字：达芬奇、米开朗基罗和拉菲尔。他们标志着意大利的文艺复兴达到了其光辉灿烂的顶峰。三位伟大的设计艺术家进一步完善了意大利人的探索，为再现性的写实艺术确立了经典的范例。 (四)19世纪以后的艺术设计思想 在188019lO年间以英国为中心的“工艺美术运动”波及到了不少欧美国家，并对后世的现代设计运动产生了深远影响。工艺美术运动从本质上来说，它是通过艺术和设计来改造社会，岁仁建立起以手工艺为主导的生产模式。工艺美术运动不是一种特定的风格，而是多种风格并存。工艺美术运动对于设计改革的贡献是重要的，它首先提出了“美与技术结合”的原则，主张美术家从事设计，反对“纯艺术”。四、中西方古代艺术设计文化的比较 艺术是创新的，艺术也是交流的，就象力学上作用力和反作用力是互生互长的关系一样，文化的交流也同样是双方的。地球不同的版图上的国家的人民同样用不同的生活方式演绎了不同的文明，随着经济、文化和艺术领域的交流，中西方在艺术格局上形成了新的变化，在艺术气质上也由于外来宗教的传入，中国的传统的审美心理结构也有了新的变化，民族化的同时也是世界化的。古代中国和西方的交流便是在这种双向接近、交合的过程中，给中国的民族审美心理注入了新的成份、新的内容，物化到我们的设计作品中，也就造就了全新的艺术形式。 (一)泛我精神飞扬与自我精神自由 黑格尔在美学中指出：“美的要素可分两种：一种内在的，即内容，另一种是外在的，即内容借以现出意蕴的东西”这种外在的东西即是美的形式。中国传统的儒道思想强调“与人为善”，“顺应天命”，强调主体精神上的修炼，重道德，轻物质，强调“物我两忘”、“天人合一”，强调以高尚的人格精神去化他人，影响社会。对于我国的传统的思维方式，王国维有这样一种评论，认为中国的思维方式是一种具体的、整体的把握方式，与西方的抽象的、分类的思维方式是相对的。也就形成了中国派生出来人与自然相通，人与自然和谐的思维传统。在我国古代宗教中就有这样的说法：人是自然的产物易经序卦说：“有天地然后有物，有万物然后有男女。有男女然后有夫妇，有夫妇然后父子。” 西方的人文思想的核心是天人相分。古希腊时的神是人的放大，神处于宙的中心，实际上是人处于宇宙的中心。在古希腊的思想中，人生的最终目标是征服自然而获得人世的幸福。这种天人相分的观念，奠定了西方文化的心理基础，同时也给西方美学带来了相当的困惑，康德、席勒、李甫斯等都试图调和天人的隔阂，但终究没能改变这个沿袭己久的意识。以后，的希伯来宗教一基督教使人们在艺术、自然等各个领域以神为一切表现的重点，在神的奴役下生活。表现了天人相分、天人对立的人文思想，也是一种可怕而紧张的对立关系。表现于中世纪的艺术中，彻底的对自然美、人性美进行了否定。如果说西方古典绘画，是站在自然之外，力图通过模仿自然去把握自然，那么西方现代绘画则是想通过对主观精神的表现，来把握宇宙的生命，二者同是把人放在宇宙的中心。 西方思想的另外一面，是极端强调出世精神的希伯来文化，在艺术中存在着面向精神世界的原始艺术和中世纪基督教神秘主义艺术。在对客观世界排斥方面，他们在心灵上和古典主义并没有什么区别，他们所追求的那种神秘的、主观世界的所谓真实路线，为20世纪现代主义的诞生埋下了种子。最终这种直追内心的传统，终于在塞尚以后的现代主义各个流派中得到了充分的发展。 中国人重本质，西方人重现象：中国人重精神，西方人重物质，这一切构建了东西方不同的艺术价值观，而世界艺术也正是由于差异、多样才呈现出丰富多彩、生动活泼的面貌。 (二)洞观感悟与形式把握 所谓思维方式是指文化创造和文化运用的方式。形象思维、洞观感悟和整体把握始终是人的主要思维方式，有异于西方的逻揖推理、解剖分析的思维形式。中国的文字从它的形成、发展、演变的历史就能给这个理论一个合理的论据。突出的反映了中国人的思维特征：形象思维的能力，在思维活动中具体与抽象、感性与理性没有太严格的界限。李约瑟说中国是有机的自然观：普里高津也说中国重关系是对整体功能的朦胧认识，中国绝不离开整体来谈部分，也绝不离开整体功能来谈结构。 中国的各门艺术和书法一样，并不留恋模仿、写实，而很早就超越这一阶段而进入“写意”。汉字中的甲骨文就是最早的对自然的模仿，是具休的写实主义的表现但是中国书法的艺术表现却不是对这种写实主义的宣扬，在行书、草书中，它的形完全是按照人对美的规律的认识和创造。对形象的抽象或者是抽象的形象，在中国艺术创作中是普遍运用的，并广泛运用于各种艺术门类中。从西方对自然科学的成就就可以所领悟了，德漠克利特的原子结构理论：毕达哥拉斯派则以数理理论，进而进一步表现了宇宙的深澳和本质。表现在美学，形式既是实体性的知、情、意的心理结构，又是美的本质和艺术的基础。最早的人体和部分的比例关系中人的身高应是头的7倍、构图上的黄金分割比例关系等这样的模数化的理论都是在希腊这种数学逻辑的引领下完成的。因此西方的艺术设计中十分强调观察方式的必要和重要。到了19，20世纪，绘画的观念又一次得到了彻底的更新，欧洲人再一次给予数比和几何形式以独特的审美地位：康定斯基意识到艺术形式的数学基础和终极目标，认为“数是各类艺术最终的抽象表现”，尤其是它对于等腰三角形表现力的评价更是影响了无数的艺术家，也正体现了西方艺术界对数学理论应用和发挥的境界。 (三)美与和谐 中国艺术设计中浸透着中华民族的文化精神和审美意识，富有鲜明的美学个性，表现于他的和谐性中，中国传统艺术思想重视人与物、用与美、文与质、形与神、心与手、材与艺等因素相互问的关系，主张“和”与“宜”。对“和”、“宜”之理想境界的追求，使中国艺术设计呈现又一高度的和谐性。中国传统工艺造物一直在造型和装饰上保持着S形的结构方式。这种结构范式富有生命的韵律和循环不息的运动感，使中国工艺造物在规范严整中又显变化活跃、疏朗空灵。进而也主张“理材”、“因材施艺”，要求“相物而赋形，范质而施采”。 中国美学、艺术自古以来追求“和”的境界。乐记说：“大乐与天地同和。”但这个“和”，是通过大地阴阳变化、生生不息的运动而表现出来的，是一种显示了生命运动的节奏、韵律的“和”，与音乐、舞蹈密不可分。与中国人不同，古希腊艺术也讲“和”或“和谐”，但这个“和”是表现在与数学、几何学相联的高度合规律的尺度、均衡、秩序之中。所以，古希腊人认为美与数学不可分，美产生于数的恰当比例，并高度推祟几何形的美。亚里士多德说：美的主要形式是秩序、对称、明确，这些特别表现在数学中。我们看希腊古典瓶上的装饰纹样差不多都取自植物，并且是以极严格的儿何学的对称形式构成的。因此，希腊古典瓶上的装饰纹样与绘画，绝大多数是趋于静的。诚如波兰著名美学史家塔塔科维兹在论到古希腊美学时所说：它是一种处于静态的美学，它赋予在动势中被抑制的形式美和处于静态中的形式美以最高的地位，这是一种把单纯看得比丰富更高的美学。 把希腊古瓶与商周古鼎比较的同时，一个在精确符合数学比例的形式中显示其明晰、秩序、单纯、稳定之美，另一个则在颇难把握的错综变化中显示其运动、气势、力量之美。而且，即使在它看去是很稳定的情况下，它也似乎要冲破这稳定而飞动起来。这也正是说明中西方在艺术审美心理的变化了。五、 中西方艺术设计文化的融合 (一)设计文化在触合中的冲突 任何一种文化都具有其保守的一而，对外来文化总有或多或少的抵抗性，特别是外来的设计文化中的异质部分逐渐渗透到原来的设计文化中，并要顽强地表现出自己个性的时候，冲突便不可避免的出现了。 在古代中国，佛教的发展依附于玄学，也叫做佛玄。随着这种发展的深入，由佛教传入中国的外来艺术门类也越来越显示了自己真实的个性，冲突便由此而发生了。在艺术思想上的不同表现到具体的艺术门类中则是殊体相杂、殊休同居、殊体不合，也就是多元互补、多元互争的特点。在这种多元化冲突中，特定的要素之间有了互相适应的和谐一致的关系，也就出现了艺术的融通、整合了。中国的古代艺术形式中，自然浪漫主义的情感和外在夸张怪诞的意象，强烈的动感、浑然一休的流动线条，火热的呐喊式的色彩，是一个互为表里互相联系的艺术特质。而印度的佛教观念，传统的性力崇拜观念，迷狂自虐性的宗教情感和外在形象的丰满、性感，造型的舞蹈性，墉倦的神情，沉思默想的色彩，沉稳厚实的体感，也是一个互为表里互相联系的特质束。在两种特质束的交汇中，中国艺术的传统意象性和印度艺术中的写实性之间必然就产生了艺术整合性的破裂和重建。一种新的艺术风格、样式就会在这种无意识的冲撞和融合中产生了。 设计上民族化的道路，有助于设计者早日摆脱模仿，走向独立。设计作为一种文化形态，即有物质的一面，也有功能的一面，还有精神的一面，特别征精神方面应该具有中国特点。前简单的装饰不等于设计，设计不但要有美感，更要体现民族文化，这是个重要的理论问题。对这个问题不认识清楚，我们有可能会走很多弯路，可能还会长期徘徊在模仿的阴影中。 文化只能交流、融合、借鉴、渗透。1997年法国戛纳国际广告节，世界上有很多国家参展，中国送人200件左右的作品，无一获奖。有人说，没能得奖的原因在于中国没学好外国的东西，也是因为对中国自己的东西没学好，或者说是根本不想学好自己的东西!鲁迅先生有句话说得好：只有民族的才是世界的，这话既简单又深刻。作为一名设计家，不是说我们部云拿外国的东西抄抄就了事，而要用本民族的东西去丰富世界文化。外国人看我们，看的是中国自己的东西，而不是和他们一样的东西。当然我们应当学习外国的东西，但是在改造、融入先进的东西的同时一定要以我们的民族特点为主。建立有中国特色的设计文化。要用中国人的思想感情、中国人独特的视点创造出中国人可以接受的，能够理解的作品，首先满足中国人的需要。 (二)中西设计思想触合的表象 艺术的世界性主张摆脱侄桔、解放思想、抛弃民族文化传统，是一种超阶级的势力扩充。就艺术而言，是一种能为多民族所接受、容纳的形式、内容。 1966年，德国平面设计家奥拉夫卢曾经在一篇文章中提到：德国的设计已经没有任何民族性了。他指出：虽然有些人对于这个发展是非常喜欢和高兴的，但是并非人人如此，很多设计家对此是担心的。他还指出，有相当一个时期，垄断德国的装帧设计的是瑞士发展起来的国际主义平面设计风格和美国的平面设计风格，而这种情况，不仅仅发生在德同，在全世界各个国家都有不同的发展。威廉荷加斯在美的分析中说过：“最好的色彩美有赖于多样性的、正确而且巧妙的统一。”日本当代著名的平面设计师佐藤晃一作品的色彩可以说大都具有这一品质，造成分离感和张力，具有戏剧性。未来派画家曾在有名的未来派宣言中，特别提出过“补色主义”的口号。佐藤晃一用补色对比，却往往又不用它作基调或主调，而且作为和声种的一组高音，作为大统调中的一个局部统调出现，因此，他总是把补色对比和灰调统一起来，形成色渐变，造成既有冲突的因素，又有过渡与统调，既有分离的张力，亦有色彩的组合排列与细微刻划。 西方现代设计发展的经验和教训对于发展中的我们具有可资借鉴的实际意义，日本现代设计的发展就是一个极好的例子。日本在本世纪的50年代才开始现代设计的进程，但日本民族是一个非常擅长学习别人长处的民族。日本50年代发展汽车工业时，当时有欧洲和美国的汽车工业可以借鉴，欧洲的汽车技术精良、外形简洁，而美国正处于经济发展高峰，当时的美国汽车业不断推出造型独特、车体豪华宽大的汽车，以满足美国消费者求新求异的消费心理，日本汽车工业吸收了欧洲汽车的特点，注重内在质量，外形简单，而避免了美式汽车重外形、轻技术的特点。70年代中东战争爆发，能源危机一出现，美国耗油量大的豪华汽车就显示了其弊病。结果，到了80年代，日本汽车因质量好、价格便宜而畅销国际市场，并取代美国而成为汽车制造第一大国。今天，日本的产品因其外观设计好、内乏的小小岛国成为了国际经济大国。世界工业设计协会主席在北京之行中讲到“穷国出口资源，富国出口设计”，日本就是一个靠出口技术、出口设计而富起来的国家。我们国家作为发展中的国家要想在短时间里缩短与发达国家的距离，了解和学习他们的长处可以说是一条捷径。 设计史的学习过程也是一个了解西方现代设计理念、风格潮流的过程，对“功能主义”、“国际风格”、“民族特色”等语汇的认识，可以帮助设计师在设计中作出正确的定位。对这些观念的了解可以更有助于我们透过设计形式的表面来理解设计深层的含义，也可以使设计师在