简要阐述景观歌剧中的舞台美术灯光功能.doc

日 期：2008-8-14 9:41:20 来 源： 舞美中国 浏览人数：50 一、舞台布景 作为舞台表演形式的一种，舞台布景对于音乐剧的重要性是不言而喻的。它不仅能够为剧目创造适当的戏剧环境，更为重要的是，它可以将剧场内短暂的瞬间变为观众心目中的永恒。正是舞台布景的出现和发展，拓展了音乐剧的演出空间，形象地加强了时间和空间的对比，从而使音乐剧的所有舞台活动和场景得以顺利进行。 舞台布景设计是音乐剧进入具体创作后极为重要的一环。舞台设计师必须要仔细阅读剧本，深切理解剧本，在此基础上，根据导演的创作思路，为音乐剧建构将来演出的空间，为演出提供合理的调度，并用艺术手段揭示剧作的内涵和意蕴。 舞台布景设计是一项综合性的复杂工作，通常会涉及到建筑、材料、照明、科技及美学等诸方面。它的风格和形式对于一部剧作来说至关重要，能从根本上影响一部音乐剧的风格和样式。因而，导演和舞台设计师合作的默契与否，舞台布景设计的是否得当，常常会关系到剧作演出的成败。 同音乐剧自身的发展相似，舞台布景也经历了一个从无到有、从简单到复杂的发展历程。在早期的音乐剧剧目中，由于音乐剧本身剧情比较简单，一般只有几个场景，甚至是发生在一个场景的独幕戏，加上一个音乐剧中的演员人数也比较少，所以舞台布景可有可无，没有什么特殊的要求。在当时，音乐剧中的舞台布景设计师也不是一个专职固定的工作，往往是剧目上演之前，剧场经理觉得有必要进行一下舞台设计，才会临时找一位设计师来进行执导。但当时的舞台布景设计师没有一个整体的设计思路，音乐剧对舞台布景也没有一个统一的要求和规范，所以舞台布景往往是设计师的即兴创作。 在这种环境之下产生的布景，基本上都同设计师自身的水准和兴趣爱好有着极大的联系，而同剧情则没有直接的关系。尽管设计师可以画出漂亮的舞台幕布背景，但只能看作是与剧情无关的美丽的画布，无法起到塑造人物和推动剧情的作用。而且布景也很大程度上沿袭了旧日歌剧和歌舞剧中的传统的方式，局限于平面的镜框性的舞台模式，戏剧环境只是通过挂在演员身后的画布来展现。如果发生在王宫之中，就会挂一副画着富丽堂皇的宫殿的幕布，而如果发生在森林内，则把绿油油的森林场景搬上舞台。像早期的鸾凤合鸣、俄克拉荷马等剧作，都不同程度地采取了这种布景方式。 由于早期剧目场景较少，且不需要承载更多的戏剧内容，所以这种平面化的设计还能够适应当时音乐剧的要求。 但随着音乐剧各组成部分的发展和剧本在音乐剧中地位的不断提高，舞台布景和设计在表现音乐剧方面的作用越来越突出，开始逐步从平面化向立体化、实物化方向发展。传统的幕布方式受到怀疑和挑战，布景设计师开始打破舞台镜框式的模式，寻求更新的、适应现实发展的布景装置形式，舞台布景设计也成为音乐剧演出所不可缺少的艺术之一。平面式的幕布逐步被摒弃不用，取而代之的是栩栩如生的舞台道具所营造的逼真的戏剧环境。1930年的姑娘疯狂中就已经出现了“邮局”布景，并且在舞台之上搭建了小型的楼梯和在舞台一侧打开的房门，这使得演员的表演更加自然和真实。 科技的加强也大大增强了舞台设计和表现的能力。现代科技的许多成果被应用到舞台中来，从而为我们创造了布景、道具越来越精美，气势越来越宏大的舞台奇观。韦伯的另一力作歌剧魅影之所以获得巨大成功，长盛不衰，除了剧情惊险和扣人心弦的戏剧悬念外，舞台布景的功劳不可抹煞。 变化多端的舞台机关成为它吸引观众的一个重要手段，也许给观众留下深刻印象的莫过于剧中的地下湖场景了。作为“幽灵”的栖身所在，这个地下湖充满了神秘感和恐怖色彩，玛利亚布琼森通过声音、光线和各种灯光，为我们传神地塑造了这个虚幻而美丽的世界。类似电影蒙太奇的手法令这个恐怖的世界不再令人畏惧，使观众对孤独和敏感的“幽灵”有了更深刻的认识。 除了完成烘托剧情、营造氛围的基本任务，舞台布景有时还需要承载更多的使命。在剧场导演天才哈罗德普林斯的眼里，舞台布景往往可以成为反衬主题的最有力手段，有时会比剧本和舞蹈更为直接和有效。在他的成名之作1966年的酒店中，他采用了一种全新的设计来增强剧作的舞台表现力。舞台幕布上悬挂着一面巨大的镜子，可以直接反射出剧场观众的模样。镜子中反照出的观众的扭曲的面容，反衬出剧作所想表达的主题：镜后的哲学暗指着美国当时横行的种族主义，而扭曲的面容暗示着人内心的阴暗面。普林斯尖锐地指出，当时的美国同德国一样，存在着出现法西斯集权而堕落的危险。这个创意令人拍案，也使得普林斯一举成名。 这方面的例子还有普林斯与桑德海姆后来合作的伙伴们和富丽秀，普林斯重视舞台布景的理念同样贯穿于这两部剧作之中，而舞台设计师哈里森很好地领会了导演的意图，从而为观众呈现了独特的舞台表现奇观。 在伙伴们中，为了展现这部剧作所探讨的现代婚姻的矛盾和疏远隔膜以及缺乏交流的现状，哈里森凭借他多年对纽约生活的理解，设计了一个与众不同的舞台：用金属骨架搭成不同的平台，平台之间是透明玻璃组成的帷幕，整个平台中间则是一部可以上下活动的电梯。这种“结构主义”的手法形象地为观众们展现了一种冷清而又压抑的都市生活画面。 在这样的舞台设计中，演员们能够通过透明的玻璃看到平台中央的电梯中发生的一切，但对于身边左右的世界却无从得知，这很好地影射了都市生活中人造的樊篱。而中间的那部电梯除了供人上下楼方便之外，还有着更深的寓意：都市男女的活动和交往大部分是垂直性的，很少是平面的。人们为了社会所推崇的地位和名利而不断地向上攀登，却总是忽略身边最珍贵的亲情和其他一些东西。电梯成为他们逃避现实，麻痹自己的最好工具。这种寓意深刻的设计手法，很好地完成了桑德海姆所要表达的“概念”。 富丽秀中的舞台布景设计更是很好地再现了导演普林斯所要追求的“瓦砾废墟”的意境，在冬园剧场内营造了一个充满回忆的环境。舞台布景设计师鲍里斯阿龙桑充分利用了冬园剧场的高度，在舞台两侧搭起了多层次的高台，而且高台可以随意地移动，这样就把现实和回忆巧妙地通过同一高台的不同高度连接起来。但高台全部出现在舞台之上时，演员们在高台之上完成从过去到现在的转变，不同的高度代表了演员们的不同演出时期；而一旦当高台全部撤出，整个舞台显得愈发宽敞空旷，把人们带回到昔日那个风光无限的富丽秀表演场。此外，舞台上还刻意放置了缺损的塑像、凋敝的舞台镜框等暗示残缺的道具，这些交替出现的“残骸”和整个剧作所营造的“废墟”的感觉交相辉映，给观众以无限的遐想。 简单地说，音乐剧中的布景设计可以大致分为两部份：一为布景设计，一为布景制作组。布景设计当然是通过布景设计师来完成了。布景设计师的工作通常来说可以分为以下几个步骤： 首先，在详细地研究了剧本之后，将创作概念与导演讨论、沟通，然后把自己的想象与导演的想象结合，找到一个合适恰当的切入点作为创作舞台布景的入手处。 然后就要开始绘制草图，大致勾勒出自己心目中的舞台形象和布置，然后与导演再作进一步的讨论。 接下来，一旦方案被导演和整个创作小组所接纳，设计师就要充分了解演出的剧场，特别是舞台空间及其设备，对需要加以调整和改进的部分有一个准确的把握和认识。 在实地考察结束之后，设计师就要绘制平面图和立体透视图了，在平面图中要准确注明每一幕布景的位置及尺寸，每一个道具的具体摆放时间和位置以及舞台区位的运用等，作为制作装置布景及道具的依据。同时需要为灯光设计师提供明确的舞台环境，使他们的工作可以同步进行，并根据现实的变化不断加以调整。 最后，在一切都基本确定以后，舞台设计师就可以依照整个装置布景的比例，缩小制作模型，作为进一步制作布景的参考。布景模型对于剧场其它工作部份有很大参考价值，可以使导演和演员更好地了解所要接触的戏剧环境。 布景制作组的工作相比起来就更为琐碎，他们要在拿到设计师的平面图和立体图后，采购材料，并按照图示制作出符合演出要求的各种布景。正是整个小组默默无闻的努力，才有了缤纷舞台之上五颜六色的奇妙景观。 过去，观众们都是通过舞台上镜框式的布景来观看各种演出和戏剧画面，但今天，一切都得到了改进，舞台设计师已经冲破了传统的束缚和限制，立体化、人性化的舞台给观众以更多的剧场感受，观众与表演区的关系得到了彻底的改变，表演变得越来越融入观众之中，现场的感觉越来越成为导演追逐的目标所在。相信随着布景技术的进一步加强和提高，舞台表现的手法会更加多样，舞台也会变得越来越美丽。fenye 二、舞台灯光 在谈到舞台灯光在戏剧中的作用时，20世纪戏剧艺术革新运动的先驱者之一、瑞士舞台美术家、舞台灯光之祖阿庇亚(AdolpheAppia)，认为“这种能给舞台空间带来变化和运动节律的光是舞台上的灵魂”。当电灯于19世纪末初次应用于舞台时，他就预言灯光将改变整个戏剧世界。的确，光线、色彩与音乐的结合，其表意性是强烈的，又是极其美妙的。随着舞台灯光技术的发展，灯光在任何形式的舞台演出中的作用越来越明显。作为一种在舞台上展开表演的艺术形式，音乐剧同样离不开灯光强有力的支持。 舞台灯光又称舞台照明，是舞台美术造型的重要手段之一。它运用舞台灯光设备如照明灯具、幻灯、控制系统等以及技术手段，在演出过程中，随着剧情的进展和表现人物的需要，以光色及其变化显示环境，渲染气氛，创造舞台空间感、时间感和剧作所要求的意境，并提供必要的特殊效果如风、雨、云、水、闪电等。正是灯光的存在，使得舞台上立体的布景与运动着的演员统一起来，形成一幅幅移动着的画面。 安德鲁韦伯早期作品于1984年3月27日在伦敦阿波罗维多利亚剧院上演的星光快车是典型的高科技音乐剧。剧中为了表现背景幕布上的星空效果，使用了1500个灯头，1200套不同的灯光设备以及6000个装饰用灯泡。当观众进入剧场，等幕布开启，群灯闪烁时，就会有真的置身于苍穹星空之下的感觉。 舞台灯光的作用深受灯光科技的影响，它的发展演变过程是同科技的飞速进步分不开的。 早期的戏剧演出中，火把和蜡烛为舞台提供光源，起到照明的作用。后来随着煤油灯和汽油灯的发明，舞台上有了更加稳定和耀眼的光线，但这仍然没有改变灯光只是简单的照明工具的本质。爱迪生发明电灯不仅是人类科技发展史上划时代的事件，对于舞台表演来说，也产生了重要而深远的影响。电灯不仅为舞台带来了从来没有过的光明，更为之开启了一片五颜六色的天空。人类现代工业文明和科技的不断进步，为舞台灯光的发展提供了坚实的物质基础和技术基础。舞台技术特别是灯光技术在20世纪80年代末取得长足进展，引起了音乐剧舞台风貌的巨大改观，使得戏剧对灯光技术越来越依赖。 灯光技术很快被应用到音乐剧的演出中来，并且极大地增强了剧作的魅力。1907年歌舞大王齐格菲尔德喊出了“让美国姑娘们光艳照人”的口号，推出一系列豪华歌舞综艺秀“富丽秀”，这档在奥林匹亚剧院顶楼的屋顶花园小剧场上演的剧作正是凭借五颜六色的灯光、金壁辉煌的装饰和年轻貌美的舞蹈演员而取胜。灯光将这部奢华的、现场的、真人演出的娱乐秀节目装扮得富丽堂皇，为齐格菲尔德赚取了数不清的钞票，同时，舞台灯光的作用也开始真正引起音乐剧界的重视。 在20世纪音乐剧的发展历程中，灯光技术的任何一个进步和发明都被迅速应用到音乐剧的舞台。科技的发展使灯光得以超越基本的照明功能，成为一项专门的舞台美术手段。发展到今天，灯光技术已经成为一门综合性的、融合高科技的舞台技巧，在为整个舞台和剧场带来光明和色彩的同时，还能够有效地协助导演完成烘托剧情、制造戏剧氛围、塑造人物形象、带动剧情转折等多项功能。 综观百老汇近年来的成功之作，无不以精彩的灯光设计而见长。从富丽秀到悲惨世界，从猫到西贡小姐，从巴黎圣母院到夺得2003年八项托尼大奖的发胶，都有着非常出色、设计新颖的舞台灯光。它们流光溢彩的舞台效果，各种电脑灯及大量新光源所形成的动感的线条美、浪漫的色彩美和抒情的旋律美，赋予整个舞台和谐统一的整体美。 音乐剧中的舞台灯光概括说来，具备以下几种功能： 1、视觉照明。这是灯光的基本功能，使剧场观众得以清楚地观看到舞台的全部和演员们的表演。 2、突出人物。这项附加功能主要通过舞台追光来实现，用一束明亮的光线扫过较暗的舞台，由于人的视觉原理，自然地会去注意舞台上最亮的区域，从而完成对剧中人物的特写。 3、加强美感。这项附加功能需要通过舞台诸因素合力才能够得以实现，在灯光、舞台布景、服装、化妆等多要素的联合作用下，将观众带入一个如梦幻般的氛围，从而对故事发展和行进的戏剧环境有身临其境的感觉。 音乐剧中的灯光一般会由专门的灯光师负责完成，他需要在同创作小组不断协调后，准确掌握演出剧场和舞台所需灯光的数量、灯具的负荷量以及灯光布置的大致位置。在剧本和音乐以及舞蹈都基本确定并进入排练后，依据剧情和演出剧场的实际条件，设计出最佳的灯光方案。在进入最后的排练阶段后，作为舞台美术的重要一环，灯光应该参加演员的着装走台排练，检查灯光设计是否有不合理之处，直至最终确定灯光方案。 舞台灯光不仅能够创造浓厚的戏剧氛围，而且有助于形成统一的戏剧风格。剧作的主题、导演的理念、服装的华美、舞蹈的绚丽，诸多只可意会不可言传的音乐剧精神主要依靠灯光来表现。作为舞美的重要元素，舞台灯光日益成为成功塑造人物形象、装饰演出舞台的重要手段。浅议视错觉现象在舞台美术中的应用薛荫荣 舞台美术设计是利用人们的视错觉来完成戏剧空间造型的创造。所谓视错觉“是人们在认识事物时,对事物存在状态,所感觉到的客观真实与事物本质的客观真实不相同的知觉形象”。错觉的出现有生理原因,也有心理原因,“光波传到眼睛里,然后把感光元投进视网膜,这些视网膜图像无论是来自二维图形还是来自我们的三维世界,都会在一个曲面上变成半平面形状。因此,视网膜在输入图像时存在着与生俱来的歧义”。当图像中没有足够的信息来消除歧义,错觉就随之产生。最突出的错觉就是视错觉,舞台设计师常利用戏剧布景、服装设计、舞台灯光、演员化妆等方面的视错觉来增强知觉形象的鲜明性。 舞台美术设计是视觉语言的表述技法,需建立在研究、利用、诱导视错觉的基础上,才能充分有效地传达艺术家们的创作意图,让观众相信眼前事物形态的真实性。那么,如何将视错觉现象运用于舞台美术设计之中呢?笔者从几个方面,结合几十年舞美设计操作实践谈谈自己的认识。 在舞台美术设计中恰如其分地运用视错觉现象,就要探索、研究引起视错觉的原因。人们产生视错觉的原因有事物间的对比,人对事物观察时的知觉预测等各种因素,其中对比是引导视错觉的主要因素之一。事物差别所形成的对比现象“是事物相矛盾的元素产生相互干扰,从而使得相矛盾的双方产生强的更强,弱的更弱的反向诱导现象”,造成视错觉的对比主要有两种: 一、形态对比。即将不同形态进行对比时,在视觉形态外部轮廓特征上所展现出的差异,这种差异在视知觉中存在着很多歧义,比如相同的形态放置在不同环境中时,就给人们不同的知觉印象。 首先,当同一形态的事物被形态比它小的事物包围时,就会让人感觉它比实际的要大一些;当它被形态比它大的事物包围时,就会让人感觉它比实际的要小一些。把这种视错觉现象运用于舞台美术设计往往会取得很好的表现效果。上世纪八十年代初,由安康市歌剧团与陕西省歌舞剧院歌剧团联合赴京演出的大型歌剧飒爽英姿,讲述了陕南农村女民兵丹英、铁莲子、刘琳为代表的“铁姑娘连”响应党的号召、奔赴战备铁路筑路工地的故事。在“顶天立地”一场戏中,舞台背景设计为百米隧道,排架林立、灯光明亮,表现出“铁姑娘连”战士们在隧道中紧张繁忙的施工场景。为了营造隧道深处出现塌方,丹英临危不惧抱起巨大的支撑木向断裂处顶去的危险情景,我们在布景周围布置了很多小的支撑木,成功地运用了景物与视觉比例关系,使主要角色及道具的形象更为逼真。 其次,事物之间的远近对比也是重要的空间构成因素。在舞台有限的空间里,运用远小近大、远虚近实的特点,塑造戏剧空间的远近关系,充分调动视错觉,同时,分析空间深度所存在的特殊性,这决定了舞台设计人员对舞台美术设计的基本要素处理原则,可用的方法有透视法、重叠法等。 透视法本身是画家使客观事物在平面上具有立体感和空间层次感地表现出来的方法,但舞台美术设计者也可以通过多种方法对舞台透视进行充分把握和演绎,在空间有限的舞台上营造出无限的戏剧空间。在安康市歌剧团参加陕西省艺术节演出的歌剧榆钱儿、悠悠三江水等剧的舞台设计中,笔者曾充分利用视错觉的特性,使用多个墙片,利用现代灯光的变换手法加以处理,达到了“横看成岭侧成峰,远近高低各不同”的秦巴深山密林的意境。同时通过运用近大远小、近实远虚的方法,在舞台上构成了纵深的空间,营造了很好的视觉效果。 重叠法则是基于人眼的错觉,通过布景间的重叠构成舞台的空间。视觉经验告诉我们,两个事物部分重叠时,虽然位于后面的部分被遮挡住,但我们心目中仍然可以联想到它的完整形象。如流行于陕南民间的皮影戏,人物、动物、景物均为单层平面制作,景物造型及演员尺寸比例与实际平台造型,需要运用小而细腻的造型手法,利用人为灯光的铺设使观众通过视觉联想成为完整的艺术形象。造型相同而大小各异的布景,可以通过重叠构成舞台的错觉景深。为“纪念红军长征胜利70周年”演出的新长征组歌不仅把舞台的景物重叠,还利用更科学的技法,把舞台表演区进行了多层重叠,将演员的表演区扩展到更多层次,全面展现了红军长征途中不怕艰难险阻,爬雪山、过草地的宏伟壮观场景,利用现代灯光和制景,给观众一个全新的艺术享受。 “各种色彩在构图中的面积形状,位置以及色相、纯度、明度等心理刺激的差别构成了色彩之间的对比”,当同一色彩被放置于不同色彩环境中时,可以给人不同的色彩知觉印象。当一种小面积的色彩被另一种大面积色彩包围时,双方的色彩特征更为鲜明,对比更加强烈。大面积色彩与小面积色彩的相互排斥,使得小面积色彩在明亮度、色相纯度、冷暖等方面给人更为强烈的错觉现象。在现代舞台美术设计中广泛利用了这种现象,现代京剧红灯记“痛说革命家史”一场戏中的李奶奶和李铁梅、“刑场斗争”中的李玉和以及现代歌剧江姐在狱中一场戏中“绣红旗