几首国外交响月的音乐赏析

1、巴赫G弦上的咏叹调音乐赏析G弦上的咏叹调是古典音乐史上一首脍炙人口的通俗名曲。选自巴赫第三号管弦乐组曲的第二乐章主题，充满诗意的旋律美，弦律始终洋溢着忧伤的美丽。巴赫写了四部管弦乐组曲，其中以第三部D大调第三组曲流传最广。它由五首小曲组成，其中第二首叫咏叹调。G弦上的咏叹调就是根据它改编而成的。1817年，德国著名小提琴家威廉密将第一小提琴部分的曲调由D大调改为C大调，从而将旋律全部移至小提琴G弦上演奏，增强了乐曲浓郁深沉的情调，故名G弦上的咏叹调。纯朴典雅的旋律加上G弦特有的浑厚、丰满音色使之倍受小提琴演奏者的青睐。音乐开始速度级缓。逐渐长音渐强，抒发了沉思冥想的心绪，又象在轻声咏唱。第二段

2、是在第一段的基础上加以发展成的，没有象一般二部曲式那样在速度与性格上与第一段形成鲜明对比，而保持了原来意境，感情起浮较大，不断向上推，使乐曲在曲调上委婉动听。最后音乐在激情而富于自信的情感之中圆满地结束。记忆里有许多音乐，不同的人生阶段喜欢的音乐大多不同。孩提时代喜欢儿歌，青年时代喜欢一些通俗易懂的流行音乐，再到纯器乐乐曲如新世纪音乐，电影配乐，曲调或简单或华丽，但它总叙说着尘世生活的快乐与悲伤。后来，渐渐地就会爱上内涵更为丰富典雅的古典音乐。而如我这样的凡夫俗子是轻易难以理解它的美丽和深刻的。这麽说或许有点让人泄气。眼前有这样一座绚丽多彩的音乐圣殿，你可以赞叹它精彩绝伦、举世无双，却无法真正

3、走进其中，无法体味其中的美，无法与隐藏于音乐深处的精神相契合。然而还是有这样一些乐曲。它们同样来自这座圣殿。它们简单纯粹却又丰富沉醉，无须绞尽脑汁条分缕析，只要一听就可以直叩心扉，直达心底。我把它们看作这座神殿泄露出来的光芒，照在我们心里。比如梁祝，比如贝多芬的月光，比如柴可夫斯基的如歌的行板，再比如，巴赫的G弦上的咏叹调。初识巴赫的G弦上的咏叹调，是在连续剧下一站，幸福里。女主角对男主角讲巴赫创作这首曲子的故事：一七二七年至一七三六年之间。在宫廷舞会上，巴哈的大提琴被做了手脚，除了G弦之外，所有的弦都断裂了。当大家准备看巴哈出糗的时候，巴哈，仅仅只用了一根G弦，即兴演奏了一首咏汉调，该曲子就

4、是今天所说的G弦之歌。十九世纪德国的著名的小提琴家威廉密（August Wilhelmj，18451908）将这段主题改编为钢琴伴奏的小提琴独奏曲，由于主奏小提琴必须在G弦（小提琴四根弦中最粗的一根弦）上演奏全部旋律，故此得名。当时心里就很佩服巴赫的才能和勇气，在那样困难的时候，他没有想到放弃，而是坚持下去，利用有限的资源完成动人的乐章，成就自己。这首曲子最最动人之处在于它的纯净和诗意以及它神圣般的旋律与曲调。从第一段落起初开始，旋律庄重悠长，起伏平缓，如行云流水，并几经反复。大、中、小提琴共同营造了一种悲天悯人的神曲一般的意境和氛围。到第二段落，原来的意境并没有被破坏，反而在情绪上有所发展，

5、旋律起伏较大，高潮与平缓交替出现，像空气中不停流转的风，又像海上起伏的浪，但远比那美丽动人。在全曲的最后，旋律归于平缓静谧，仿佛在祈祷，在祝福。你置身于这样的乐曲中，仿佛一个罪孽深重却无法解脱的人。你跪在上帝面前祈求宽恕，而上帝则以悲悯的姿态迎接你，接受你的倾诉，你的忏悔，为你救赎，为你解脱。你又仿佛是一个历经磨难，受尽坎坷的人，身处水深火热之中。你愤恨不平，诅咒命运，心中充满黑暗。此时上帝再次来到你面前，为你抚平心灵的痛苦，精神的创伤，让你再次感受到光明，感受到美好 总而言之，这是光明的音乐，是美的音乐。这似乎也是为什么大卫.芬奇导演的著名影片七宗罪，深作欣二导演的著名影片大逃杀1都把G弦上

6、的咏叹调作为背景音乐的原因，因为他能成就那一段段动人的场景！毕竟，音乐响起时所带来的冲击和震撼是无可抵抗的。有时候我常想，巴赫的G弦上的咏叹调将音乐世界缔造得太摄人心魄了，真是“此曲应只天上有”。就像电影莫扎特传里所说的，上帝将音乐告诉莫扎特，莫扎特就随手将这些神作写了下来。虽然是比喻的说法，但无不说明莫扎特的天才。我想如果有巴赫传，同样的比喻也不为过，至少在这首G弦上的咏叹调上是这样的。它是上苍给尘世中的圣殿将失去多少光辉的色彩，而艺术的世界又将减少多少动人心魄的美？许多时候，对于来自艺术上的、生我们的珍贵的礼物，但首先是给天才巴赫的礼物，也是巴赫给予我们的礼物。没有它，音乐的活中的美，语言

7、总是显得苍白无力。如果你曾为一片风景驻足，为一幅画或一张照片而心有戚戚；如果曾看过一部电影，你为之欣喜，为之落泪，或者，被一首音乐所冲击、所震撼，我想那就是美的力量，美的强大了。这样的美令人愉悦，令人光明，让人面对人生的困苦又多了一份信心和勇气。那是一种照耀人生苦难的光明。真正的美是无价的。虽然世事沧桑，岁月老去，它们却在时光的磨洗下历久弥新，愈发经典。在多年以后，重又谛听巴赫的G弦上的咏叹调，你也许能够再次找回第一次聆听时的心灵撞击的感觉，重又看到沧桑繁复而又丰富多彩、让人含泪又含笑的人生，重新感受到失落已久的美好与光明。那是永久的关于生活的感觉与记忆。贝多芬浪漫曲音乐赏析这首乐曲叫浪漫曲是

8、西方集古典主义之大成，开浪漫主义之先河的伟大作曲家贝多芬的作品。今天让我们随着浪漫曲插上想象的翅膀飞跃时空来到欧洲音乐的发源地，聆听古典主义和浪漫主义时期的音乐浪漫曲-贝多芬g大调小提琴浪漫曲抒情、富于歌唱性 十八世纪后半叶在法国民间、十九世纪中叶在俄国广泛流行，18、19世纪产生大量器乐浪漫曲，都以其原有特性书写，贝多芬此曲亦依照浪漫曲的声乐特性写作，主题和插部都为抒情、富于歌唱性的旋律。更加富有对人情感的抒发，对爱情浪漫的写照。月光、给爱丽丝、浪漫曲、皇帝、田园、悲愴、春、小步舞曲、七重奏、英雄、钢琴与管乐器五重奏、三重协奏曲演出者：阿胥肯纳吉、海汀克、萧提、义大利音乐家合奏团、美艺三重奏

9、、义大利弦乐四重奏、巴克豪斯、殷巴尔、帕尔曼、伊瑟斯德特等。尽管贝多芬的作品经常以英雄般的壮阔豪情撼动人心，但在慢板乐章所呈现的婉约柔情，依旧令人迷醉。专辑收录贝多芬作品中膾炙人口的慢板乐章，无论是著名的月光、给爱丽丝，或是较少听闻的五重奏与七重奏，都同样深具魅力，从另外一个角度体验贝多芬音乐魅力的机会。【百科】浪漫曲（Romance）是一种无固定形式的抒情短歌或短乐曲。又称罗曼司，主要指具有抒情性的声乐曲和富有歌唱性的器乐曲。“浪漫曲”原是来自于西班牙的抒情声乐曲，因具有悠长优美的旋律，易引起听者遐思和浪漫情怀，故名浪漫曲。  浪漫曲歌曲的特点为：曲调表情细致，与歌词紧密

10、结合，伴奏亦较丰富；器乐曲旋律富于歌唱性，常由小提琴及管弦乐队演奏。有作曲家常把它们流畅抒情的器乐独奏曲取名为“浪漫曲”。例如贝多芬的小提琴独奏曲F大调浪漫曲和 G大调浪漫曲 、舒曼的双簧浪漫曲等。贝多芬是人类艺术上最伟大的创造者之一。他一方面有着卓越的音乐天赋、炽热的叛逆气质和巨人般的坚强性格；另一方面他那百折不挠的意志和对社会的责任感而产生的崇高思想，形成他作为一个音乐家的特殊品质。他通过自己的创作，反映了那个时代伟大的人民运动和最进步的思想。他以时代和个人的命运为题，通过深刻的哲理和感人的艺术形象相结合，写出了一系列交响乐作品，表现了从斗争到胜利、从黑暗到光明、从苦难到快乐的资产阶级上升

11、时期的精神历程。早在贝多芬在世时他就已被公认是具有世界意义的音乐家，他既是伟大的古典作曲家，又以浪漫派的先驱而载入史册。 贝多芬的音乐可以划分为三个时期。任何作曲家青年时期的作品和晚期作品，在风格上有所变化，在某种程度上都是相同的，但唯独贝多芬的作品，可以非常明确地加以区分。通常的分期是：自作品第一号至英雄交响曲之前为初期。约自英雄交响曲至第七交呼曲前后为中期；其后的晚年作品为后期。 贝多芬的初期作品是在他来到维也纳之后的十年里，边学习边创作的乐曲，他沿用了海顿和莫扎特的形式，在内容上也多方面受到这些先辈的影响；这些作品当然不是单纯的模仿，其中具有许多他独自的特征，但与中期和晚期作品相比，激动

12、人心之处就不多了。 1800年以后，贝多芬的创作开始形成个人风格，即由维也纳初期受海顿、莫扎特的影响，渐渐转向一种富有哲理、戏剧性和英雄特质的音乐思想，从而形成新的创作倾向和创作风格。1804年贝多芬完成了第三交响曲（即英雄交响曲）的创作，这标志着贝多芬的创作道路进入了成熟阶段。这部作品完全奠定了他创作的基本逻辑枣“通过斗争，得到胜利”，“通过艰苦，走向欢乐”。英雄交响曲标志着他创作的“英雄年代”的开始。这一时期他还创作了其它一些重要作品，包括第十四钢琴奏鸣曲（即月光，1801）、第二十一钢琴奏鸣曲（即黎明，1804）、第二十三钢琴奏鸣曲（即热情，1806）、D大调小提琴奏鸣曲（1806）、歌

13、剧菲德里奥（1805）、克罗采小提琴奏鸣曲（1803）等。1808年他完成了简洁凝练、充满斗争精神和胜利信念的第五交响曲（即命运交响曲）和纯真质朴、歌颂大自然的第六交响曲（即田园交响曲）。1810年为剧本埃格蒙特、1811年为历史剧雅典的废墟配乐。中期作品是他写了遗书以后所创作的，热情洋溢的杰作全部出于这一时期。这些乐曲都可看作是以天才的表现力体现他强烈的性格和命运对他考验的结果。上述作品所表现的深度和强度，是从其它作曲家那里难以求得的特质。 晚期作品是完全失聪以后所作，有代表性的两部巨作是庄严弥撒和第九交响曲。最能表现这一时期特征的是最后的三首钢琴奏鸣曲和晚年的弦乐四重奏曲。这些作品已不复存

14、在类似热情或斗争的内容，而变为充满冥想和诗意的音诗。年青时的音乐形式只是作为固定的音乐语言而保持了原形，即把形式放在第二位，而只夸张地表现情绪和内心的感情。1815年以后，贝多芬的创作一度消沉，抒情风格代替了英雄性的风格，18171823年间贝多芬完成了宏伟的，充满着哲理和英雄性的不朽之作第九交响曲（即合唱交响曲）。它标志着贝多芬已度过了创作的危机期，表明他对胜利的信心，和对人类命运的关切。贝多芬根据自已的经历、体验，认为最优秀的人物定会经受痛苦，并“从痛苦得到欢乐”。他在完全失聪的病痛中所创作的晚期最重要的作品枣第九交响曲强烈完美地表达了这种信念。在这部作品中，他唱出了终生向往的资产阶级理想

15、王国的最强音。这一时期的作品，在音乐风格上又有了新的变化，这表明贝多芬是一个永不停息的探索者。正如他所说：“音乐能使人类的精神爆出火花。”贝多芬的晚年是他一生中最悲惨、最痛苦的岁月，处境十分艰难。此间，他仍草拟了第十交响曲的一些主题。1826年12月，他从外地回到维也纳，路上受了风寒，从此一病不起，使第十交响曲成为绝响。综上所述，贝多芬的初期作品首先注重形式，属于典型的古典派，但中期作品表现出了强烈的个性，转向浪漫派的方向，到了晚期他跨越了半个世纪，已完全进入了浪漫派的世界。柴可夫斯基进行曲儿童进行曲 作者：柴可夫斯基进行曲选自舞剧第一幕第一场中孩子们登场时的音乐。这段音乐兼有进行曲和双拍子舞

16、曲的特点，轻快活泼的旋律生动描绘了孩子们吹着小喇叭，昂首挺胸，神气十足的神态，同时也表现了孩子们活泼敏捷的特色。柴可夫斯基进行曲创作背景当时是欧洲浪漫主义音乐兴起的年代浪漫主义音乐是在浪漫主义文学的影响下于19世纪初兴起，以奥地利和德意志为中心。19世纪中期走向鼎盛时期。欧洲资本主义的进一步发展促使文艺格局的面貌发生了变化。如英、法、德意志、意大利、奥地利等国都进行工业革命，资本主义经济的发展促使音乐艺术逐渐从封建主义的束缚和教会的压抑下解放出来，开始走向更广阔的社会阶层，更深刻地表现人性，反映更加丰富的社会生活。 第二，各国面临不同的社会问题使音乐的发展呈现出多样性和民族性。19世纪的欧洲经

17、历了拿破仑战争、维也纳体系的建立、1848年革命、19世纪六七十年代的资产阶级革命和改革等重大事件，俄国需要消灭农奴制发展资本主义。而东欧地区许多弱小和落后的国家则要完成反抗外来压迫反对本国封建统治的民族民主革命的任务。在这种形势下，具有民主主义思想的音乐家把对现实的不满和困惑以及自己的追求倾注在音乐的创作中，使音乐的发展呈现出了多样性和民族性。 柴可夫斯基的作品着重内心刻画，旋律和配器富于表现力。天鹅湖胡桃夹子至今仍焕发着生命力，受到人们的喜爱。柴可夫斯基：胡桃夹子选曲柴可夫斯基的二幕舞剧，OP71，作于18911892年，1892年12月6日首演，剧情取自德国作家霍夫曼的童话胡桃夹子与耗子

18、王，柴科夫斯基依据的是大仲马的法文译本。胡桃夹子首演于1892年3月19日在圣彼得堡举行，之前九个月，柴可夫斯基就从全曲中选出一套组曲，让胡桃夹子中最具特色的曲子广受欢迎。舞剧胡桃夹子音乐赏析 两幕三场梦幻芭蕾舞剧，作于1892年。剧本是彼季帕根据恩斯特·霍夫曼的童话胡桃夹子和鼠王及大仲马的改编本写成的。作者从舞剧中选了六首曲子作为胡桃夹子组曲，同年3月7日在一次交响乐演奏会上首演，获得了巨大的成功。同年12月6日舞剧在彼得堡首演。 这部作品是柴科夫斯基三部芭蕾舞剧代表作品之一，也是世界舞蹈舞台上久演不衰的舞剧精品之一。 首演于1892年3月19日在圣彼得堡举行，之前九个月，柴可夫斯

19、基就从全曲中一套组曲，让胡桃夹子中最具特色的曲子广受欢迎。组曲是以序曲开始，然后是第一幕的进行曲和第二幕双人舞的糖梅仙子之舞。接下来是第二幕，插曲中的四首曲子：俄罗斯舞、阿拉伯舞、中国舞、莫利顿笛舞（Mirlitons），压轴的是第二幕的花之圆舞曲，也是柴可夫斯基最知名的圆舞曲之一。 胡桃夹子是典型的柴可夫斯基后期作品，精巧地使用弦乐，是作品的背景光彩闪耀，而且战线出一般乐曲少见的逼真写实，尤其在雪花圆舞曲中的童声，和第一幕其他乐曲中的儿童乐器。为传统乐器所谱写的音乐，也是创意十足，尤其是第二幕的插曲，以西班牙舞代表巧克力，以阿拉伯舞代表咖啡，中国舞代表茶；但全曲最美妙之处仍在糖梅仙子之舞中钢

20、片琴独奏，依照剧本的描写，迷人地暗示出水滴“从喷泉中溅出”。 舞剧的音乐充满了单纯而神秘的神话色彩， 具有强烈的儿童音乐特色。 剧情大致为：圣诞节，女孩玛丽得到一只胡桃夹子。夜晚，她梦见这胡桃夹子变成了一位王子，领着她的一群玩具同老鼠兵作战。后来又把她带到果酱山，受到糖果仙子的欢迎，享受了一次玩具、舞蹈和盛宴的快乐。 舞剧音乐中最为著名的是花之圆舞曲，选自舞剧第二幕中糖果仙子与众仙女群舞时的音乐，经常单独演出。竖琴的华丽流畅的序奏之后，圆号以重奏形式奏出圆舞曲主题，旋律如歌，表现出糖果仙子与仙女们轻盈婀娜的舞姿，在单簧管相呼应的独奏之后，乐曲的主题抒情而优美。 进行曲选自舞剧第一幕第一场中孩子

21、们登场时的音乐。这段音乐兼有进行曲和双拍子舞曲的特点，轻快活泼的旋律生动描绘了孩子们吹着小喇叭，昂首挺胸，神气十足的神态，同时也表现了孩子们活泼敏捷的特色。 特列帕克舞曲选自舞剧第二幕中糖果仙子的盛大宴会中的音乐，是一首双拍子的俄罗斯舞曲，情绪欢快奔放，力度变化激烈，节奏动力感极强，音调带有浓厚的乡土气息和鲜明的民族色彩，整个舞曲洋溢着兴奋奔放的情绪。 芦笛舞曲也是选自舞剧第二幕中糖果仙子的盛大宴会中的音乐，音乐用长笛代替芦笛，以长笛三重奏的形式展开主题，节奏轻快而带有诙谐的色彩，主题愉快活泼,宛若一首清新宜人的田园晨曲，这是一首著名的体现长笛特色的音乐。德沃夏克幽默曲德沃夏克幽默曲赏析 “幽

22、默曲”是十九世纪以后逐渐兴起的一种音乐体裁，多采用 2/4 或 4/4 拍子，以各个段落的表情极富变化为特征。是一种富于幽默风趣或表 现恬淡朴素、明朗愉快的小型器乐曲，表情变化鲜明，且富于歌唱性。不 少作曲家都写过这样的作品，最脍炙人口的恐怕是捷克作曲家德沃夏克的 钢琴独奏曲八首幽默曲了。1894 年夏，德沃夏克从美国回到祖国度假， 心情舒畅，写下这组钢琴小品。其中的第七首尤为动人，后被改编为大提 琴、小提琴、单簧管等乐器独奏曲，特别是克莱斯勒改编的小提琴独奏曲 流传最广，就是我们常听的这首幽默曲 。 这是一首泥土的颂歌，生命的颂歌，表现的正是土生万物、生生不 息的自然景象。泥土是万物之母，她

23、孕育着生命，支撑着生命，供养着生 命，最后又收容着生命。你听第一段，节奏轻盈活泼，旋律时断时续，忽 强忽弱，正是初春时节，潜伏地下的种子开始萌动，拥挤着冲破泥土，一 点一点探出嫩黄的幼芽，充满着生机、喜悦和希望；第二段旋律极其优美， 行板如歌，植物在阳光雨露的滋养下，蓬勃生长，充分舒展，放眼一片碧 绿，呼吸满腔芬芳；第三段，秋天到了，丰收的季节，果实累累，稻谷金 黄，一根弦忙不过来，得用双弦并奏，才能表现出那热烈的情绪。植物完 成了一个周期，渐渐进入休眠，回归泥土。接着周而复始，第二个春天来 临，新的一代种子又开始萌动生长，生生不息，新陈代谢，生命之树常青。 这就是大自然的规律，生命的规律，在

24、德沃夏克的音乐中得到了完美的表 现。音乐之树也是常青的啊。弗里茨 克拉斯勒爱之喜克莱斯勒爱之悲、爱之喜是一对“姊妹篇”，两首小品的知名度不相上下。爱之悲依照维也纳地区民谣风格的圆舞曲作成， c小调转a小调，3/4拍子，略带烦恼及伤感。相当清丽的主旋律首先出现，接着是这一主旋律的变奏形式， 乐曲的中段旋律色彩较为明朗，仿佛是忧郁之中对幸福和欢乐的憧憬，然后经过变奏，再回到主旋律。爱之喜，具有维也纳古典民谣风格的圆舞曲，3/4拍子，C大调。明朗快活而又光辉灿烂的主部主题首先出现，然后进入旋律流利的副主题实际上是主部主题的变奏形式，乐曲的中段徐缓而宁静，与光辉的主部主题形成鲜明的对比，然后再回到主旋

25、律，全曲为维也纳固有的圆舞曲形式，小提琴演奏在光辉中带厚重、力强的变化，给人以全新的感觉。两首曲子有相同的速度和相同的形式，但两曲又各具特色，给人以不同的感觉，连起来欣赏时趣味更浓。近来总听到很多小孩说我会坚持自己的音乐梦想，我将继续努力，请大家继续听我的歌、支持我、关心我、爱护我有的还在接受采访时深情并茂地袒露，他或她曾为了音乐梦想而放弃了原来所学的专业，有的甚至和父母产生了分歧和裂痕（有孩子在说这些话的时候，面部表情平静地如同在说和自己不相干的事，真令人对年轻的一代“刮目相看”）。 虽然不排除这些孩子中存在真有音乐梦想的，但一定也有不少已学会了用“音乐梦想”这四个字来美化自己对名和利的渴望

26、。于是，一段时间以来，一听到“音乐梦想”这四个字，就能起一身鸡皮疙瘩。 当年欣赏克莱斯勒的爱之悲和爱之喜时，老师说，此人乃奇才，还曾在音乐家和医生这两种职业间游走。有个同学（此人后来入了电视行当）听后便认定克莱斯勒一定是个勤奋刻苦的人，否则在怎么可能胜任这两种都需要功力的工作呢。老师很快就毫不留情地打击了他，说虽然克莱斯勒被“小提琴家之王”海菲兹推崇为“最伟大的小提琴家”，但事实上，克莱斯勒从来不练琴（小时候除外），除了全新曲目他会看谱走几遍以外，其他曲子只有在预演时，才会和伴奏协商着来诠释，那些小提琴家们平日里的例行功课，他从来不做。 该同学讷讷地说：“那他至少是个有音乐梦想的人吧，否则中途

27、做了医生的人如何又要重返乐坛呢？”老师答复道他有没有音乐梦想我不知道，我只知道他的记忆力很好，据说有次应邀演奏许多年都没碰过的奏鸣曲，他也就和伴奏每首预演了一次，就敢凭着记忆上台了，还做出了完美的演出，所以经常和他搭档的钢琴家拉赫·曼尼诺夫有点愤懑而酸溜溜地说：“他上台的机会那么多，根本不用练琴了！” 这对师徒的交流影响了很多人听曲的注意力，又不好对老师表示不满，就只能对那个同学挥手示意让他闭嘴。如今看到他在电视节目里的提问，依旧本着当年着三不着两的精神，依旧做着不着四六的主观臆断，居然还能混下去，观众缘还不错，真令人费解。 小提琴家兼作曲家克莱斯勒生于1875年2月2日的维也纳，父

28、亲是名医，还是个狂热的业余小提琴家，因此克莱斯勒4岁时就在父亲的教导下开始接触小提琴。7岁时，就获准进入维也纳音乐学院，成为该校有史以来最年轻的学生。9岁时，他就有了第一场演出，10岁便获得了第一名的成绩。之后，他前往巴黎音乐学院继续打磨小提琴演奏。1887年，与4位都比他年长近10岁左右的学生一同获奖并毕业，时年12岁。从此在琴艺上，克莱斯勒再也不曾接受过指导。 13岁那年，克莱斯勒随著名的钢琴家罗森塔到美国旅行演出。这位年少的小提琴家在当时只被看作是称职的伴奏，这有违于常规通常钢琴是小提琴的伴奏。之后的十余年间，克莱斯勒听从了父亲的安排，没有继续练琴，而是留在维也纳研习医学，准备子承父业。

29、所幸，是珍珠总要被发现的，1899年，克莱斯勒重续了演奏生涯，并获得了比利时小提琴家、作曲家易沙意的首肯，音乐界相信易沙意的鉴赏力，口碑由此传开。 虽然有了一定知名度，但那时克莱斯勒在音乐上的发展并不顺利，甚至再度往医学甚至是美术方面发展，终因无法割舍小提琴，而再度重返舞台。1901年，克莱斯勒二度赴美演出，且大获成功。1902年，他娶了美国人HarrietLies，如今看来他太有眼光了，没有HarrietLie，就成就不了后来为人所道的克莱斯勒。精明会经营的HarrietLie一手将个性随合、从来不主动争取机会的克莱斯勒推入了大牌行列，还成为了七十八转唱片的开路先锋。看来，一个生性淡薄消极的

30、音乐家需要娶一个好的经纪人当太太。也不知，克莱斯勒和HarrietLie之间是爱之喜多，还是爱之悲多，不多，很多时候对于爱本身而言，悲喜交织才是爱之真谛。 知名度相辅相成的姊妹篇爱之悲和爱之喜是克莱斯勒最具代表性的小提琴小品之一，都是依据维也纳地区古民谣风格而写成的圆舞曲，为A小调，3/4拍子，两首曲子具有相同的速度和相同的形式，演奏时间都在三分多钟，但又各具特色，给人以不同的感受，接连起来欣赏则意境更佳、风味更浓。 爱之悲的主旋律凄清哀伤，之后便是这一主旋律的变奏形式，中段旋律的色彩较为明丽，仿佛在忧伤之中掺加着对幸福和欢快的憧憬，然后经过变奏，再回到清丽哀婉的主旋律上来。而爱之喜的主旋律则

31、轻快激扬，紧接着的主旋律变奏形式的曲调舒缓而甜美，又带点不确定的期许，还有那么一丝丝不易察觉的烦恼及伤感。 近年来人们很推崇马友友大提琴演绎的爱之悲和爱之喜，而这两首曲子早已被其他乐器和音乐家所青睐过，曾被改编为管弦乐曲及其他器乐曲，如竖琴、长笛、小号，再如弦乐合奏等。莫扎特一首小夜曲莫扎特G大调弦乐小夜曲（K525）又称第 13号小夜曲，该曲是十八世纪中叶器乐小夜曲的典范，莫扎特于1787年8月24日在维也纳完成，并以当时最时髦的德文用语Eine Kleine Nachtmusik一首小夜曲命名。最早为弦乐合奏，后被改编为弦乐五重奏和弦乐四重奏，尤以弦乐四重奏最为流行，它是莫扎特所作十多首组

32、曲型小夜 曲中最受欢迎的一首，一、G大调弦乐小夜曲（K525）原有五个乐章，后第二乐章因故失传，所以现存只有四个乐章。第一乐章（Allegro） 快板，G大调，4/4拍，是一首完整的小奏鸣曲。第一主题开门见山，以活泼流畅的节奏和短促华丽的八分音符颤音，组成了欢乐的旋律，其中充满了明朗的情绪色彩和青春气息；随后是轻盈的舞步般旋律。第二乐章（Romance） 行板，C大调，2/2拍，抒情的浪漫曲。音乐开头乐队奏出简易、动听如歌的主题，旋律温柔恬静，犹如轻舟荡漾，充满了绵绵情思。第三乐章（Menutetto）小快板，G大调，3/4拍，小步舞曲。本乐章主题节奏鲜明，旋律流畅，充满了青春的活力。第四乐章

33、（Rondo） 回旋曲，G大调，快板，4/4拍，主题是一首威尼斯流行歌曲，旋律明澈流丽，跳荡着无忧无虑的情感，象征着幸福完美的爱情。它在该乐章中共出现五次，每次都作了调性变化。最后仍重复这一主题，结束全曲。二、降B大调K.136嬉游曲，降B大调K.137嬉游曲这两首嬉游曲是莫扎特十六岁时的杰出作品，尤其是前者更透出一种清新、流畅、洒脱、愉悦的阳光气质。韦格和萨尔兹堡室内乐团赋予了曲目极为优秀的表现力。三首最著名的嬉游曲（K.136-K.138） 莫扎特创作的诸多嬉游曲中，以编号为K.136、K.137以及K.138（K6编号分别为：K.125a、K.125b和K.125c）的三部作品最 为著名

34、，至今依然常在世界各地上演，并被录制到唱片中。这三首嬉游曲作为一个整体，不但是莫扎特所有嬉游曲题材作品中最受听众欢迎的作品，更可以说是作曲 家青少年时早期创作中最具艺术价值、最能体现其创作灵感的优秀曲目。作品谱写于1772年初，莫扎特年仅16岁。当时沃尔夫冈已经多次前往意 大利旅行演出，在那里他受到许多当地知名音乐家的点拨和指导，进步异常迅速。所以从他在这一时期创作的这三部嬉游曲中，人们可以发现，意大利音乐风格对少 年莫扎特的影响不可谓不大。创作于故乡萨尔兹堡的这些作品（因此这三首作品偶尔也被称作"萨尔兹堡交响曲”），实际上是作曲家为自己下一次意大利之行而准 备的演出曲目，只是莫扎特

35、在创作这些嬉游曲的时候，究竟是为小型室内乐团而作，还是为四重奏而作，已经无法确定。而数百年后的今天，当代优秀演奏家们无论 用其中哪一种方式来诠释这三首作品，都可以令听众感到愉快室内乐团版多彩而和谐、四重奏版清澈而明快，因为作曲家原本就已赋予作品非凡的表现力。 三部作品中以D大调的K.136最为优美动听。第一乐章是快板，乐曲开始部分的行进过程中始终充满着流畅而华丽的气质，很容易让我们联想到青春的朝气和 活力。突然第一小提琴和第二小提琴在高音区部分出现一个交叉，把曲目气氛微微推向高潮，随之又一泻而下到G弦，整个过程充满着戏剧性，营造出一个非常独特 而又极具气势的效果。这个辉煌的乐段铺陈到一半的时候

36、，莫扎特突然将之转入一个迥然不同的境界第二小提琴表现出一种不安和烦躁，而第一小提琴则与之相 呼应，奏出一个平静而略显忧郁的主题。然后又是一个强烈的对比旋律重新回到乐章开始部分热情而流畅的主题上，犹如阴云散去之后阳光重现。仅这短短一个 乐章，并不复杂的结构，却让听众经历了一次丰富的听觉体验和心情旅程，足以展现出当时少年莫扎特已经在作曲方面已经具备非凡智慧与才华。随后的第二乐章行板较为简洁，属于典型的莫扎特风格。其中并没有过于华美的音色处理，也没有矫揉造作的音乐旋律，一切舒缓而平静地进行着，但也正是因为这种简洁的格调，让这个乐章因为朴实而感人。 终曲乐章又是莫扎特才华横溢的体现以及创作激情的迸发，

37、甚至有人认为它是有史以来最令人感到欢乐的乐曲之一，这并不是无稽之谈！、这个急板乐章非但行进 速度异常迅速，而且处处显现出令人惊喜的意外。如果说作品第一乐章的美源自于它为听众勾勒出一幅充满着阳光、美景的靓丽画卷，那么第三乐章给人的感觉，或 许就是在这个曼妙场景中尽情翱翔、自由飞奔的滋味。莫扎特用自己别具匠心的创作技巧和过人才思，使得终曲的旋律不由自主便奔腾、灿烂起来，由音乐内洋溢出 一股真诚的喜悦之情！旋律本身带有强烈的民歌色彩，很多乐句都是莫扎特早先用过的，然而能够让这个乐章灵动起来，却应归功于作曲家对于节拍处理的高超技 巧，正是因为这个原因，莫扎特才把本身并不新鲜的音乐元素揉捏成了一个精彩的

38、整体毫不单调却又充满着古典主义特有的平衡感，并且让乐章如同河水一般不 断地奔涌向前。我很难形容自己第一次听到这部作品时的美妙感觉，似乎如同清泉一般的旋律由明澈的弦乐奏出，真是既清新又流畅！直到得知这些作 品出自16岁的莫扎特之手，突然感悟出作品中所透出的天真无邪、纯洁坦荡以及那份无忧无虑，真有如沐春风的体验。莫扎特在自己青春萌动的年纪，写下了这般 充满阳光气息的优美旋律，从音乐中可以预见那时候的少年沃尔夫冈是何等热爱生活。我甚至可以确信，创作这些作品的时候作曲家心中一定充满着愉快的元素，因 为每当欣赏这段旋律的时候，总会令人感到心情舒畅而开朗。其余两首作品降B大调的K.137以及F大调的K.1

39、38，在风格上与 K.136都是较为近似的，只是前两者的旋律不如后者那般为人们所熟知。K.137在艺术成就上并不比K.136差，而且与众不同的是，它以慢板作为首乐 章，而且采用了作曲家一向较为少用的教堂奏鸣曲式。典型的快板乐章被安排在第二乐章，风格和K.136的第一乐章的如出一辙，活泼而洒脱，充满着跳跃的节 奏和欢快的气氛。在现有的唱片录音中，我们可能会发现有些指挥家自作主张，将K.137的前两个乐章的位置进行互换，重新回到"快-慢-快”的传统形式， 倒也是未尝不可。终曲乐章充满着幽默、诙谐的气质，听来朴实而优美。K.138承袭了K.136的结构，在风格上也延续着轻快而饱满的神情，但

40、和 K.136那种一气呵成、畅快淋漓的乐感相比，就要稍显逊色和呆板一点了。三、D大调月下小夜曲，K239这首编号为 K.239、序号为No.6的小夜曲，创作于1776年1月，当年莫扎特正好20岁。D大调的K.239有一个Serenata Nocturen”的别称，直译为“夜曲风格的小夜曲”，而人们也习惯称之为“月下小夜曲”。其实这个名称是由莫扎特的父亲里奥波德在誊写乐谱时加上的。 作曲家创作时，除了弦乐器之外，特意在配器中加入了定音鼓，从而让整首作品听起来饱满而多彩，由此也可以断定这部作品是当年莫扎特为室内演奏特别写下的， 并且成为户外小夜曲室内乐化的先声和代表。K.239有着较为强烈的复古色

41、彩，作曲家在其中巧妙地运用了“巴洛克大协奏曲”的结构元素，并在此基础上加以 全新的拓展。乐曲由三个乐章构成。第一乐章为奏鸣曲式的庄严进行曲，雄壮而威武，而主奏小提琴的旋律却显得柔美而充满着调皮色彩，穿插其中与辉煌壮阔的大背景相映成趣.第二乐章是小步舞曲，复合三段体结构，音乐在平和中透出一份雅致和轻松.第三乐章是最令人着迷的，莫扎特在这首带有鲜明民歌曲调的回旋曲中，引入了类似歌剧宣叙调的表现手法，让终曲显得极富活力并充满着典雅和优美的古典主义风范。因为这首“月下小夜曲”在短小精乾的篇幅中，充分显现出作曲家无穷的创作活力，音乐本身又无比动听，因此成为莫扎特流传较为广泛的弦乐小夜曲之一。欧洲古典音乐

42、奠基人、天才作曲家沃尔夫冈·莫扎特的作品几乎囊括了所有的创作题材。在他的众多作品中，艺术歌曲只是他信手拈来的即兴作品，但以独具的抒情性在音乐作品中占有重要的一席之地，其中一些作品完全达到浪漫主义时期艺术歌曲的水准和高度。莫扎特的声乐作品以其能够较好地体现欧洲科学发声体系的要求已成为声乐演唱者磨练技术、提升自身声乐演唱艺术水准的“试金石”。正因如此，莫扎特的许多作品，尤其是艺术歌曲被声乐教师作为教学作品面广泛使用。正如“贝尔康多”即“美声唱法”嫡系继承者麦奴·加西亚所说：莫扎特是“贝尔康多”学派最好、最理想的代表人物。要懂得“贝尔康多”作品的唱法，必须要彻底地研究莫扎特的作品

43、，无论在技巧上还是理论上，莫扎特都给了我们完美的例证。莫扎特一生创作的艺术歌曲在数量上虽然不及舒伯特，但歌曲风格各异，体裁多样、旋律和声独特，概括起来有以下几种。一、歌剧咏叹调风格莫扎特一生最喜欢歌剧，他11岁开始歌剧创作，一生共写了22部歌剧作品。因此他的几首艺术歌曲受其影响写成了咏叹调的风格，例如鸟儿喜欢换地方(Oiseaux si tous Les alas)(KV 307)，曲讲述小鸟每年飞向远方，追求阳光，是为了寻找爱的欢娱。这首歌曲旋律简单，类似宣叙调，伴奏中有很多优雅的倚音来模仿鸟叫。又如我走进树林(Dans un bois solitaire)(KV 308)，颇具戏剧性，叙述

44、一个在森林中散步的少年，不小心把沉睡的爱神吵醒，为了惩罚他。爱神一箭射穿了他的心，让他从此为爱而忧伤。莫扎特用不同的速度变化将这首歌写得像一首充满悲剧气氛的咏叹调。上面两首歌曲用法文写成。是莫扎特22岁时的作品，其风格受到当时流行的巴黎风味的咏叹调的影响。再如鲁意丝烧毁情书(Als Luise die Briefe ihres ungetreuen Liebh-abers verbrannte,K.520)，则充分展示出莫扎特过人的抒情及戏剧才能，描写一位名叫鲁意丝的女郎把她不忠实的爱人的来信付之一炬，钢琴伴奏中出现火的音乐。并使人们不断从他的歌曲中获得情感宣泄和心灵的共鸣。还有一首歌曲致克罗

45、埃是用德文写成，是为诗人雅科比(J-G-Jacobi)的诗谱写的一首轻快的小咏叹调。歌曲结构为回旋曲式，混合了一些莫扎特最常用的旋律与乐念，让人感受到热情又优雅的气息。歌曲的旋律朗朗上口，显得十分俏皮。A段在bE大调上流淌着非常流畅优美动人的旋律，在B段两次再现的时候分别作了些变化和加花，转入属关系调bB大调，到A1段时又回到bE大调直至结束。歌词中写道：“从你蓝色明亮的眼睛看出你对我的爱情，我的心在胸中跳动，我的脸儿也发红”。歌曲旋律始终处于上行的运动状态中，而四度、三度上跳的音型也是整首歌曲旋律的“核心音程”，这一音型将少年激动而昂扬的情绪很好地表现出来。歌曲坦诚地倾吐了对克罗埃姑娘的真情

46、，表示直到生命结束才能放松对他的誓言。演唱时要注意段落之间的对比和高潮，要学会在歌唱中发展呼吸，把自己全身心地投入到演唱中去。呼吸的同时要想着你向听众倾诉、述说着什么，这比任何方法都能让声音更加自如流畅。让呼吸、发音和吐字完全放松。作品中出现了几处装饰音以增加音乐的灵活性，表现出华丽、浪漫的艺术风格，在演唱时要注意把装饰音的时值加长，唱成切分的感觉，这也是莫扎特声乐作品演唱的一个特点。在德文咬字上。字头字尾的子音都要咬准到位。某些母音如U和O发音的点高而狭窄。音色必须演唱得圆润明亮。总之，要想把莫扎特所写的音符变为理想中的声音，需要极高的技巧。很小的疏忽或是技巧上的不足，比如音节与音节不够连贯

47、统一、换声区的声音不够有把握等，都会很明显地暴露出来。莫扎特声乐作品具备的这个特点，是声乐教师们乐于选其作为教材的一个很重要的原因。二、意大利歌曲风格欧洲音乐史上十七十八世纪属于巴洛克时期，意大利是这时期一个极具影响力的国家，在声乐方面诞生了歌剧、清唱剧、康塔塔等大量声乐体裁，受文艺复兴的人文主义思潮影响，作曲家在声乐创作上主张加强歌词的感染力、选用古希腊抒情歌，运用明朗、灵巧的旋律、简洁明晰的乐句、流畅的音乐、通俗易懂的语汇，重视主调音乐与和声的结合等。莫扎特小时候在巡回演出时受大音乐家J·S巴赫的儿子J·C巴赫的影响，对意大利的音乐着迷。在艺术歌曲方面写下了亲切的平静(

48、Ridente la calma)这首精致、典雅的小歌。歌词用意大利文写成，是一首莫扎特式的具有十八世纪意大利音乐风格的歌曲，内容表现了人们内心平静和对美好爱情的憧憬。旋律婉转优美、音乐线条流畅，风格高贵典雅，钢琴伴奏柔和、灵巧，很好地衬托了旋律。演唱这首歌曲时，应该围绕“恰当地表现句子间或者段落间的结构层次”这一目的而进行。起音要准确，气息控制要得当，速度要稳，要唱的优雅而从容，全然是一副古典气派。在唱高音时要保持喉咙的韧性和稳定，声带积极闭合，科学地使用共鸣。在气息的良好支持下获得轻松、柔和、明亮、圆润的声音。这首A-B-A结构的作品，曲风流畅，情绪变化小，B段为全曲的一个小高潮。这首歌是

49、对歌者技巧和乐感的一次考验，由于音区较高，混合声的假声的应用占比重较大，胸腔的应用较少，因此要把旋律唱得流畅、自然、真挚，使人感到和谐、光明和生活的美好，不能唱得太撑太重。在演唱811小节中旋律音程的上行乐句时要比较含蓄、柔和，用中等的音量。要特别注意正确地演唱十六分音符和三十二分音符以及符点音符等，不能拖泥带水。从头到尾要有变化。需要加入一些细腻的情感以及适时地加人一些小动作，体现作品的优美线条。这首歌曲用意大利语演唱，演唱时把元音咬清楚，音色明亮点才更具有意大利歌曲风格。它也是许多著名歌唱家音乐会演唱艺术歌曲的保留曲目之一。三、诗歌风格19世纪是浪漫主义诗歌繁荣的时期，歌德、海涅、拜伦等著

50、名诗人的作品在情感内容上与同时期作曲家不谋而合，他们的合作是艺术史上的必然。诗歌成为音乐的灵魂，而音乐则将诗歌的意境无限扩展、延伸。艺术歌曲是最富有浪漫气质的体裁，它打破了各种艺术门类的界限，充分体现了音乐要同诗歌相结合的这一浪漫主义美学原则和理想。正如诗人格茨德所说：“毫无疑问。当抒情诗与音乐完美结合时能给人带来更大的心灵震撼”。在莫扎特艺术歌曲中，最令人称道的是诗与音乐最完美结合的作品、至今仍经常出现在音乐会上的紫罗兰。歌词选自歌德的一首短诗，它是莫扎特与歌德的唯一一次合作，但是就因为这首歌，莫扎特被歌德认为是知己。这首作品具有浓郁的浪漫风格，它表达了一种谦仰而纯真的爱情。紫罗兰是一首民歌

51、体的诗，歌词分为三节(钱仁康译)：好一朵可爱的紫罗兰!年轻的牧羊女走来，步态轻盈，心花烂漫，走来。走来，唱歌来到草原。紫罗兰思恋：但愿我是自然界最美的花，啊只要片刻时间，等爱人采下放进怀里去，哪怕把我压扁，只要，只要享有片刻时问。可惜的是，那小姑娘并没有留意紫罗兰，一脚把花儿踩断：它倒下死去时满心喜欢：我愿意死在她脚下，被她，被她踩死我也心甘。可怜的花儿!好一朵可爱的紫罗兰!1875年6月8日，莫扎特没有采用传统的分节歌形式，而是逐段地将它谱曲。写成了一首三节歌词唱不同曲调的普通体歌曲，具有浓郁的民歌风格。三节歌词的音乐通过层次分明的调性发展，逐步走向高潮。最后，莫扎特给歌德的诗加上了最后一句

52、：“可怜的花儿!好一朵可爱的紫罗兰!”强有力地总结全曲，起到了画龙点睛的作用。“这两句不仅总结全曲，音乐也和开头的好一朵可爱的紫罗兰相呼应，使全曲浑然一体一气呵成。”作品的钢琴伴奏首次脱离了歌曲旋律。扮演了另外的角色。叙述自己的故事。学者们认为就算莫扎特只写了这一首歌曲，也足以在音乐史上占有一席之地。这首作品被认为是在德国艺术歌曲发展史上具有极其重要地位的作品。四、儿童风格莫扎特喜欢孩子，他的渴望春天、初春、儿童游戏等作品具有浓郁的民谣和儿歌风格，这几首均作于1791年，用德文写成。其中渴望春天生动体现了孩子们在凄凉寒冷的冬天里对春天的思念，表现了孩子们对美好生活的向往。虽然只是一首民谣似的单

53、二段体再现的分节歌，旋律和节奏都很简单，但歌曲音乐语言生动，旋律优美。洋溢着天真烂漫的童趣。使人感到质朴亲切。钢琴伴奏和人声始终保持同一旋律，但并不因之而感到单调，每段歌曲的最后4小节尾使人充满遐想，产生意犹未尽的感觉，至今仍是世界各国童声合唱的保留曲目。莫扎特的艺术歌曲是人类艺术宝库中的一笔财富。作品独特的演唱风格，使我们感受到高超的演唱技巧、清晰严谨的形式结构以及丰富深刻的情感表达。作品中渗透着他独特的艺术魅力，需要我们用歌声去诠释。莫扎特曾几次说过：“人生多美啊!”这句话就是了解他艺术的钥匙，也是他伟大的主要因素。肖邦夜曲op.9 no.2伟大的波兰音乐家 作曲家代表作：马祖卡舞曲、圆舞

54、曲、葬礼进行曲、革命练习曲自幼喜爱波兰民间音乐，从六岁时开始学习钢琴，在七岁时写了波兰舞曲，八岁登台演出，十六岁时加入了华沙音乐学院作曲班，不满二十岁已成为华沙公认的钢琴家和作曲家。后半生正值波兰亡国，在国外度过，创作了很多具有爱国主义思想的钢琴作品，以此抒发自己的思乡情、亡国恨。其中有与波兰民族解放斗争相联系的英雄性作品，如：第一叙事曲、bA大调波兰舞曲等；有充满爱国热情的战斗性作品，如革命练习曲、b小调谐谑曲等；有哀恸祖国命运的悲剧性作品，如降 b小调奏鸣曲等；还有怀念祖国、思念亲人的幻想性作品，如不少夜曲与幻想曲；有离别等感情的钢琴曲。肖邦一生不离钢琴，所有创作几乎都是钢琴曲，被称为“浪

55、漫主义的钢琴诗人”。他在国外经常为同胞募捐演出，为贵族演出。1837年严辞拒绝沙俄授予他的“俄国皇帝陛下首席钢琴家”的职位。舒曼称他的音乐像“藏在花丛中的一尊大炮”，向全世界宣告：“波兰不会亡”。肖邦晚年生活非常孤寂，痛苦地自称是“远离母亲的波兰孤儿”。他临终嘱附姐姐路德维卡把自己的心脏运回祖国。Fryderyk Chopin (1810一1849)生于华沙的近郊热里亚佐瓦肺掷恰母盖啄峁爬肖邦原是法国人，后迁波兰，曾参加过1794年波兰民族英雄柯斯秋什科(17461817)领导的反抗侵略者的起义。起义失败后流落华沙，靠教学等工作度日。后来，他又在家中开设了一所寄宿学校。从此，他就不再参与政事，

56、只求平安地生活下去。但是，他和华沙的文化界人士保持有较密切的来往，这对小肖邦的思想成长是有影响的。赏析肖邦的降 e 大调夜曲 弗雷德里克·弗朗西斯克·肖邦（18101849 年）波兰人，伟大的波兰音乐家，自幼 喜爱波兰民间音乐，在七岁的时候写了波兰舞曲 ，八岁开始登台演出，不满二十岁已经 成为华沙公认的钢琴家和作曲家。后半生正值波兰亡国，在国外渡过，创作了很多具有爱国 主义思想的钢琴作品，以此抒发自己是思乡情、亡国恨。其中有与波兰民族解放斗争相联系 的英雄性作品，如： 第一叙事曲bA 大调波兰舞曲等；有充满爱国热情的战斗性作品， 、 如革命练习曲b 小调谐谑曲等；有哀悼祖国

57、命运的悲剧性作品，如降 b 小调奏鸣 、 曲等；还有怀念祖国、思念亲人的幻想性作品，如不少夜曲与幻想曲。 肖邦一生不离钢琴，所有创作几乎都是钢琴曲，被称为“钢琴诗人” 。 夜深人静，万籁俱寂，此时听肖邦的夜曲，最是惬意。如流水般的琴声像一 只温柔的手触摸着你内心的最深处，将一切的烦恼融入琴声，随之流走。你所要 做的就是闭上眼睛随着琴声起伏。 肖邦的音乐，优美温柔，感情细腻，浪漫甜 美，如诗如画，令人似醉似痴，你会感叹原来这个音乐的世界竟是如此的美丽而 又深不可测。 夜曲一般指由爱尔兰作曲家菲尔德(johnfield， 1782-1837)首创的一种钢琴 曲体裁。 旋律优美， 富于歌唱， 常用慢速或中速， 往往采用琶音式和弦的伴奏型。 总的表现意境是夜的沉静与人的内心抒发。 肖邦的夜曲是这一体裁最为出色的代 表作品。 作品 Op.09 的三首夜曲， 是肖邦 1831 年 09 月到巴黎之前就已创作完成的作品。 他在沙 龙和朋友聚会时，经常喜欢演奏其中的第二号降 E 大调夜曲 ，而这首夜曲也成为现今最