美术高考色调点评

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色调训练指导随笔

——与美术高考生对话

陈重武

记得１９９３年以前，我为院里办的高考补习班上过几年课，事后因忙而中断。近两三年，又应教务处的聘请担任天津美院高考补习班的色调教学指导。事隔数年，景况大不同了，高考补习班数量之多前所未有，据说外省市也如此。众多的美术高中、中专、职校、特长班的同学们，在邻近毕业前，几乎都不满足于本校的学习，而纷纷寻求高考补习班的“充电〞，以快速加强提高来加强竞争力。有的从高一或高二就开始用课余时间在外面补习班“加餐〞，想尽早提高自己。用认真的态度来对待这样一群心急如火的“备考族〞，研究这一特别对象的教学方法和内容还是必要的、有益的。

高考补习班的教学与在校生的教学是有区别的，虽然基本的艺术教学原则一样，但高考补习班有一个应试特点：一、短期加强，二、有针对性。把时间和精力集中使用，教学内容的设置完全针对考试，我国美术院校的高考内容几乎常年不变：素描考头像，色调考水粉静物蔬菜、水果、器皿之类，速写考人物动态。迫使学生们在一个较窄的内容范围内进行训练，其好处在于精力和时间有效利用，但造成了学生专业能力的畸形发展，这一现象有待将来招生考试的改革来解决。在补习班的训练中，可以适当放宽教学内容，重视培养学生们绘画能力的全面性真实提高。

每年春节之后，来自本市和外省市的各路考生汇集到补习班来，带着各自的“艺术风格〞进入补习班，面对学生的“各具特色〞的画面，是进行画法大统一还是放任发展，生怕都欠妥，还是“因才施教〞好。在学生们已获得的绘画能力基础上，进行调整、补充和提高，以写实为原则，求取画面各种关系的确凿，而外在的表现方法和形式并不分高低，这几乎是高考阅卷老师们的共识，当然，对于那些过分风格化或写意的画法是不适合考试的。

要快速提高学生们处理画面各种关系的能力，包括素描关系和色调关系，二者的关系是相随的、不可分割的，在色调画中是一个整体。

写生只凭直觉是不够的，必需懂得必要的基础画理。叫你好好去看，就是让你认真去感觉对象，叫你多思考，就是让你从理性的基本规律去理解和分析对象。理性规律能帮助你提高感性认识，感性认识经验的积累又能充实你的理性认识。假使过分强调理性规律，只能画出具有共性的合理的但不生动缺乏特性的画面效果；那种具有生命感有灵性的东西，只能通过感觉才能捕获到。所以，要画好画必需手、眼、脑并用，感觉和理性交替互补。

画画的关键在于画关系，要真正画好关系，首先要有一个好的方法，包括观测方法和表现方法，也就是说不但要比较着看，还必需比较着画，这道理大多教学画的人都懂，但真正把它做好，真不是件易事，甚至很难。在写生的过程中，忘掉整体比较，孤立地去看去画，对写生技巧并不熟练的学生来说是常犯的毛病，也是把握不住画面关系的病根所在。所以在写生训练中，一而再、再而三强调对比观测和表现方法的重要性，

不但要通过比较的方法去把握那些明度、色相、纯度反差大的色调，更要擅长把那些类似的在画面上可能不相邻的颜色，通过视觉巡查把它们并列在一起进行比较。亮色与亮色比，暗色与暗色比，暖色与暖色比，冷色与冷色比，“不怕不识货，就怕货比货〞，只要一比较，那些最初看去难于分辩的颜色，各自的色调倾向一下子变得明朗起来，你就能胸有成竹地表现出那些不同倾向的微妙丰富的色调层次。例如，当你要画白色瓷盘时，同时要看看白色衬布、白色器皿及其它浅亮色，在比较中你即会确认各自的浅亮程度和冷暖倾向，你就会把握住它们的微妙差异，确凿表现；点高光时，也要比较那些陶器、水果等不同物体上高光的敞亮程度和冷暖倾向。那种不区分１差异，统统用一个纯白或其它亮色去点所有的高光是错误的。高光的强度能表现出物体表层的质感特点，陶器表面紧凑光滑，反光强亮；苹果表层半光滑，反射亮光较温柔；棉毛衬布表面粗糙，没有高光。

画面的关系是多样的、复合的，有构图的平衡关系，也有形体结构及比例大小的关系，还有更繁杂的色调关系。对于色调关系，重点要把握对象各物件之间的基本色块关系，物体受光照射后浮现的光影明暗冷暖的对比关系，因空气透视出现的强弱、虚实、冷暖的空间深度层次关系，以上三点是色调写生中把握关系的要点。“色块关系〞是画面的基本色调构图、色调关系的大框架，是着色时的首要着眼点，直到各个局部的深入刻画、画面层次及整体处理之后，都不能失掉画面的基本色块关系。要用色调塑造好形体，必需认识和把握光影明暗冷暖的变化规律，物体受光后产生三面五调的明暗调子变化与此相随出现冷暖变化和纯度变化。假使光源偏暖，则出现亮面偏暖，暗面偏冷，中间面接近固有色，反光较之暗面略偏暖，高光随亮度有冷暖差异，一般为光源色的亮色，假使高光十分敞亮，则浮现出与受光面反倾向的偏冷的强亮色。这种明暗面的冷暖对比反差度，与光源色的冷暖倾向程度有关，光源色冷或暖的倾向越明显，物体受光后明暗面的冷暖对比越强。反之，假使光源色越接近白光，则物体明暗面的冷暖对比不明显，而明度对比更为突出。物体纯度最高的颜色在中间面，往亮面或暗面过渡时都减弱了纯度，暗面与亮面的纯度，谁高谁低，要视具体状况而定。这些基本的色调规律，能帮助我们去认识和表现对象。画面的轻重虚实的层次及主次关系，是画面整体感的保证。近处的形体感强，明暗反差大；远处的形体感弱，明暗反差小，在风景写生中，远景走向平面感。在空间深度的走势上，大多数状况下，近暖远冷，近纯远灰，这是一般空间层次的表现规律。

以上这些色调造型规律，不仅对写生训练有莫大好处，还能指导我们进行默写。目前，大量工科院校的艺术科系，出于场地的困难，迫使高考采取默写的方式。把握这些绘画基本规律，加上写生训练中的经验记忆，画好默写是并不太难的。

作画过程首先要认真起好稿，不能草率，构图不好或形体比例不准，待着色过程再修正就太麻烦了。建房子一开始框架就走形，就很难想象该如何再建下去了。

着色步骤有相当的灵活性，不但因人而异，即使同一画家在不同的作品里可能采取不同的步骤，甚至可能在同一画幅里，采用了多种作画步骤。其实只有一个标准，只要作画顺手，有利于画面关系的控制，有

利于材料的运用和制作技术的实施都应当是通行的。一般大多数状况下，起完稿后先涂背景的大色块，再画主体，这样比较便于控制画面色调关系。当然也有先画主体再画背景的，一些考生在试卷上就是这样完成的，它的好处在于把最好的精力和时间首先用来精心刻画塑造主体，并有利于水粉颜料在未干时衔接，画完一个局部再推进到另一个局部，“步步为营〞直到完成，再稍加调整画面，这样主体刻画精到利索，画面制作效果良好，假使没有较好的写生基础的学生，采取这种局部推进的步骤，生怕难于驾驭整体效果。对于考试这样的短期作业，有条不紊地一遍完成后略加调整，比来回反复修改找关系的画法可能更适合考试一些。在塑造形体时，可以先画暗部再向亮部推移，这样的方法有利于形体的塑造。也可以先画中间色再画暗部和亮部，这样比较有利于把握画面基本色块关系，以上都是可行的。

平日在色调写生训练中不宜过分限定时间，尽量启发学生把画面关系画好，深入完整，以一天画一幅较适中，待学生表现能力提高后，于临考前一段时间，再进行压缩时间的训练，使学生集中精力在三四个小时内画出平日五六个小时才能画出的完整效果，提高自己的竞争力。至于画面表现的形式，凭我多年参与阅卷的经验来看，画法是外在形式，不管高低，写生画的关键在于处理好画面的各种关系。色调画中的素描关系很重要，它使画面完整，加强整体感，色调关系明朗，各色调冷暖倾向明确，使画面响亮，这样的卷面往往能获得大多数阅卷老师的好印象，即可取得较好的成绩。

祝愿面临美术高考的同学们，用你们辛勤刻苦的学习去取得好成绩，去圆你们美好的梦。

油画头像训练经验点滴

孙建平

我在刚刚接触油画时是走了一段弯路的。我记得刚学画风景时还算比较顺利，由于练习风景画时可以只顾色不顾形，形差点没关系；可一接触到油画头像就不那么好玩了，经常是形与色打架，顾色没形，顾形没色，顾此失彼，画得一塌糊涂，找不到头绪。现在想起来，知道是自己当时还没有确立一套正确的观测方法之故。那时自学素描，只是凭自己的感觉画，照抄对象的形和光影，并不懂得应知必会的一些规律，重要的是头脑中没有一套正确的观测方法指导，所以画对象是从局部到局部，不从整体出发。画油画时画面上的色调各自独立，没有联系，协调不到一起。有了这些走弯路的经验教训，所以当我以一个老师的身份去启蒙训练初学者画油画头像时，我深知观测方法的重要性，所以在训练中根据他们出现的问题反复讲这个问题，找出他们画不好的病根，主要在于他们的观测方法。观测方法对了，就好上路。观测方法不太正确的就只有在自己营造的泥潭中挣扎。何时注意了大关系，何时才能摆脱窘境。

学习色调比学习素描难度要大，素描要把握的问题有形体结构比例、光影明暗规律。而学习色调要求既把握了这些素描规律，还应把握有关色调的基本知识和规律。主要是学习把握画面的色调和分析对象的色调冷暖的能力。

学习色调宜从画静物或画风景开始，在画静物或风景有了一定的基础后再接触头像。学习色调先要学习把握画面的色调。这色调就是你经营的画面的总的色调倾向。或是冷色调，或是暖色调，或是蓝色调，或是黄色调，或是灰色调的同类色协调的作品。当然还有一种画面充满了色调纯度较高的对比色协调的作品。也可称作红绿色调或橙紫色调等，学习色调还要把握分析物象冷暖的才干。一个立体的东西由于在不同的环境中受环境色的影响而产生丰富的色调效果，譬如，把头部当成一个圆球，在室内一般暗部偏暖，但暗部的下方由于肩部的衣服颜色而偏红或黄，暗部的斜上方由于室内环境的影响或偏蓝色或偏紫。圆球的亮面中的灰面大多浮现固有色，亮面中的高光部分由于受光源的影响浮现光源的色调。如，受天光影响偏蓝色，受阳光影响偏黄色。作为油画的初学者应当首先明白这些最简单的道理。

初学油画开始不易上路，油画色在纸上和泥。我在训练这些初学者时，采取了分两步走的方法：一方面用单色画油画素描，练习把握油画的性能；另一方面多画油画静物或风景，可暂舍弃部分形去放开手把握色调的冷暖规律。用单色画素描对于素描好的同学不成问题，然后让他们逐步添加难度，逐步增加色调变化。黄种人的皮肤一般状况下暗部浮现赭绿色，当然在各种不同的环境中或偏冷些，或偏暖些，先用或偏冷或偏暖的赭绿色将对象的暗部及五官的暗部画好，然后再根据对象的感觉画出亮部的丰富、微妙的色调关系。

冷暖是相对的。考生的感觉略有不同是正常的，譬如画一个对象，有的同学画的画面整体偏暖些，有的同学整体偏冷些。但在他们的作品

画面中应当具有相应的冷暖关系。

画油画头像，每一笔都要听从整体，为了好记，我用“长短、深浅、冷暖〞来表示对象的形、明暗及色调关系。我常讲，画油画的每一笔既考虑它的长短，又要考虑它的深浅，又要考虑它的冷暖。这一笔若长一点，形就可能变了，若深一点，就破坏了素描关系，脸的起伏就可能发生变化，若冷一点，脸的冷暖关系就会出现问题。所以画油画是很费精力的，必需多动脑筋，形成经验，形成潜意识。画每一笔都要自然而然地考虑它的这些关系。

初画油画应当把握油画材料的一些性能和正确的方法步骤。譬如，应当懂得画布的制作，如何做油画布的底子，现在商店买的现成的油画纸往往吸油，画出画后不久，画就因吸油而晦涩不堪。所３以用这些材料还得需要自己再加工，加一遍或两遍乳胶或现成的油画底料就好用了。初学者画油画往往也不懂得用“媒介剂〞调色，经常看到考生用工业用的松节油来调色，由于松节油破坏油画颜料的成分，所以画后马上颜色就变乌，与刚刚画完时的效果大大不同了。其实，初学画油画，大多是画一次性的直接画法，所以调色用现成的调色油即可。要想把握更多的油画媒介剂用法，可以等考上再学也可。

油画的步骤很重要，应当懂得先薄后厚、逐步塑造的步骤方法。有些同学画油画，一上来就用厚厚的油画色把纸铺满，其实是自己给自己先设立了一道障碍，再往下画就“和泥〞了。初学油画应率先简单地懂得传统油画的基本方法，一般的画油画头像先用较薄的色调把画面的暗部铺好，再逐步加厚。一般是暗部薄些，亮部厚些，这薄厚的对比也增加画面的力度。

油画的写生技巧好多，或用笔画或用画刀刮等等，我的看法是，初学的考生先不要一上来就用刮刀画追求意外效果，先规规矩矩地把用笔的功夫练习好再说。

有些人为了应试而训练学生把握一套程式化、概念化的模式“套子活〞，譬如：暗部是什么熟褐加土绿，亮部是土黄加粉红，高光是钛白加群青，像中药铺的老先生开的药方。这种套子活，考生画什么对象都是一样的颜色，锁固了学生的思维，重要的是使学生的感觉能力受到了限制。学生遇到与药方不同的状况就手足无措，这是十分害人的，甚至使这些考生一生的道路都受影响。好的教师应当教授给学生以规律性的知识、启发，作为教师要训练学生不断提高自己的感觉，提高考生认识对象的感受力，锻炼他们接触各种不可怜况，画出各种“此时此地〞的那种微妙的贴切的感觉。

另外，对于考生的作业画得“特性化〞、“风格化〞问题，老师之间也观点不一：一种观点认为，还没上学就画成“大师〞样，画得太野蛮、太疯狂，招进来后也不好教，主张打低分灭掉；也有的观点认为，有特性的考生难得，有思想、有头脑，将来必有造就。我的观点是，作为教师不应当只以一种学院式的比较规范化的统一模式去要求学生，应当宽容，这样你的学生才会有各种各样的面貌。当然这个问题需要具体问题具体分析。有一个准则，就是看他尊重不尊重对象的感觉，是不是程式化。考生色调感觉好，胆子大，画得猛烈些，不太规范，没有太大的关系，但假使是一套活，画谁都一个样，就真的不适合上学了，也不

必上学了。

色调感觉能力的培养

——水粉静物写生的随想

郭振山

要画好水粉静物写生，你首先应当注意的是培养自己的色调感觉能力，由于只有感觉到的东西，才能被确凿地表现出来，水粉静物写生也同样如此。

从美学角度来看，描绘静物是人们对日常生活物品审美需求的反映。静物画题材十分富于绘画性，有着独立的艺术欣赏价值。另一方面，它在绘画基础训练中又有十分独特的地位。假使说素描是造型艺术的基础，那么色调静物写生就可以被视为色调训练最基本的手段，学生们可以在光色相对稳定的画室里，较长时间进行深入的写生练习，冷静地观测各种光影现象和色调关系，研究各种不同物体的固有色，在不可怜况下的光源色、环境色中的变化。还可以根据绘画者自身的要求和需要，任意选择对象并随意组合相应的静物内容和主题，从而组织出一个从造型到色调都符合练习要４求的画面。所以水粉静物写生常作为各类美术院校或专业入学考试（色调科目）的主要内容，并被列为绘画基础课的主要训练内容之一。

既然是水粉静物写生，必不可少地还要结合技法的运用来谈。事实上，水粉静物写生的技法有着相对的灵活性和多样性。如上篇所谈到的，它既可以借鉴油画的塑造手段，又可依据水彩画的表现技法，还可以将两种方法兼容并用，这就形成了水粉画在表现色调时所具有的优势。它为人们理解和把握色调关系及其变化规律，提供了较为灵活和便利的条件。水粉画又有其特别的问题，如简单出现的脏、灰、粉、生等毛病，对初学者，甚至对有了一些作画经验的人，都是很难解决的。产生这些现象的原因，有技法问题，同时也有观测方法的问题，然而主要问题多是由于对客观对象所产生的色调现象缺乏一定的理解。譬如，把一块很漂亮的颜色，放到一幅和谐的色调画中去，也可能会显得脏。一块在这幅画中看起来似乎很暗很脏的颜色，放到另一幅画中却显得十分漂亮。这个例子，稍有绘画经验的人都能有所体会，关键问题就在于需要我们要用色调关系及其变化规律的原理去理解、分析和表现客观对象的色调。

那么，什么是色调关系及其变化规律呢？我们都知道，自然界任何物体都存在于一定的空间之内，相互联系相互制约。色调也是如此，任何有色物体也都存在于一定的空间之内，它们的色调也必然与周边邻接的物体相互影响相互制约，从而形成一定的关系，这就是色调关系。它的变化规律就是固有色与条件色的对立统一规律。

如在我们的静物写生中，常可看到这样的现象，被描绘出来的苹果，由于过多地重视条件色对其固有色的影响，使本来颜色很娇艳的苹果，画出来后给人的感觉很脏很烂。还有在描绘物体时只注意了其固有色，忽视了条件色对它的影响，给人的感觉好像此物体不是放在这个特定环境中的物体。以上两例所描绘出来的物体都给人以不典型、不生动的感觉，原因多在于缺少用色调关系及变化规律的原理去理解和分析对象的

色调。

因此，理解和把握色调关系及其变化规律是至关重要的。它能使我们观测色调的能力得到提高，表现出来的色调也就会恳切，同时也会使我们在色调写生和创作中占有主动权，免于被动地模仿对象的颜色，而是依照客观对象在一定的条件下所形成的色调关系进行描绘，也就是我们常说的画画是画关系，而不是画东西。在静物写生中还应引起我们注意的是有些质感特别的物体，如瓷器、金属制品，它们对光源色及环境色的反射能力很强，它们所反映出来的光源色和环境色有时与被反映的物体的颜色几乎没有什么区别。还有一些如陶制品、木制品类的物体，它们对光源色及环境色的反射敏感程度很弱，有时很难辨出其受光源色及环境色的影响。这就需要我们对反射能力极强的物体要找出其固有色的因素，反射光色能力弱的物体寻觅出其光源色及环境色的成分。

总之，要求我们对待具体问题进行具体分析，避免只靠感觉作画。这里需要说明的是，只靠感觉作画有时也可能画得很好，但只限于写生，离开了具体对象你将束手无策。此外，单凭感觉作画常不能排除不必要的光源色及环境色对物体的影响，画面常出现色调凌乱、光线不统一的感觉，因此，单靠感觉作画对我们来说是不可取的。

但是，感觉又是十分重要的，由于我们看到的客观对象所反映出来的色调是十分繁杂的，我们不可能像计算机那样确凿测算出其固有色与条件色之间相互影响的程度，只能靠我们的感觉去判断。因此，这就需要我们努力锻炼并培养自己确凿判断这种色调相互影响程度的能力。需要说明的是，这种感觉是加进了理性的感觉，也是从感性认识—理性认识—感性认识的过程。５

我辅导水粉的一些体会

董克诚

我不是专门画水粉的，只因教学的需要画一些。近年来有不少考生找我辅导水粉静物，这些考生水平参差不齐，但目的性都很强，那就是应试，这就迫使我不得不思考一套教学方法在短时间内将考生的色调提高上去。几年来在实践的基础上，边总结、边教学，使不少考生顺利地升到高等艺术院校深造，在具体操作上，我是分以下四步进行的。

１．先读画，后学画

有很大一部分考生，以考上学为目的，急功近利，渴望“早熟〞，在这样思想指导下，他们十分热衷于一些很概念的学习方法。譬如几笔画个苹果，几笔画块衬布，像背公式一样全然不顾客观物体的特性，我认为这样是很危险的，由于它远离了艺术规律，所以在引导考生学习技法的同时升华到对审美规律的探求应是教师所必需做的，即所谓我们多年倡导的“既教书又育人〞。

树愈长得高，根就应扎得愈深。所以我每次给考生上的第一课总是拿来大量范画。有大师作品，有优秀学生作业，从构图、空间、冷暖、素描关系、笔触等诸多要素去分析作品，使学生们从一开始便对美有更高层次的认识，拓宽他们审美视野，深化他们艺术语言。并且以此为范图教会他们不只是看，而是如何去研读，去品味其中的内涵，提高考生们的素质，实践证明这样做往往会取得事半功倍的好效果。

２．先造型，后色调

古人讲得好：“形散神灭。〞针对考生画色调时只重颜色、不重造型这种现象，我反复强调形体的重要性。要瓶子、盘子等物的透视关系必需正确，素描关系必需确凿。所以我要求他们开始时一定要用铅笔起形，只有在形没有明显错误时，才开始着色。

上色后始终贯彻色调必需画在与之相对应形体上才能称之为色调这一指导思想。色调是用来塑造形体的，而不能用色调去分解形体、减弱形体。强调空间对比的重要性。譬如一块衬布，立面与平面因受光照射的角度不同，其空间也相应产生变化，这样做的结果使考生在画色调的同时，自觉与其所学素描相结合起到互补互助的作用，可大大加快其学习色调的进程。

３．先整体，后局部

整体与局部的关系是我们每个学画者都会遇到的，开始画什么，画到什么状况下中止，这些往往困扰着我们每一个学画者，不只是初学者。其实，繁杂高深的学问，往往是靠简捷方式来表达的。色调绘画虽是用笔调色，其实是依靠素描造型，素描是我们通向自然、通向心灵的最直接通道。所以从一开始就反复强调整体素描关系在色调表现中的重要性，使考生从学画之初就牢牢树立整体观念，使他们充分认识到这是开启艺术大门的钥匙之一。

４．先主体，后衬布

在具体画法上总结出一套完整的教学方式会让考生能在具体操作上得心应手。考试时间一般在三个半小时到四个小时之间，经常看到这样

的考生，画得还可以，就是速度太慢，四个小时只画一半，这样考试是很吃亏的。为此在具体画法上，我主张，先画主体，后画衬布。这样的好处一是当主体物形不准时可用衬布挤它，使之形体更响亮、更确凿。二是能充分谐调色调关系。衬布虽不是画面的主体，但往往它在单独色调上所占面积最大，所以用衬布来谐调主体物之间的关系是个很好的方法。另外在画法上主体物用笔硬朗，转折明确，多用干画法，而衬布则干湿并用，可将布的轻柔感表现出来，这样可从质感、干湿、空间等诸多要素上使自己的作品更完美。

以上只是我在教水粉静物中有些粗浅体会，因篇幅所限，就不再深入探讨了，其实，我想教师的目的就是起着一种文化传递作用，这种传递先是继承前人的优秀传统，后是挖掘学生们创作的潜力，这两点缺一不可，特别是在基础的教学中。

作品点评

水粉静物点评

：孙国勇

这是一组以蔬菜为主的静物作品，选择了多种物体的组合，如罐、酒瓶、盘子、各种蔬菜。构图饱满而有秩序，显示出了画者处理繁杂画面的能力。以大胆、确凿的用笔，对物体逐一作了概括而确切的描写，使我们看到画者对形体的提炼和概括，而没有陷入细节的描绘。在色调上画者关注的也是大色块之间的对比，如黑白灰的层次十分响亮，背景低纯度色调的处理和蔬菜亮部高纯度的处理，使画面色调形成显明的节奏关系，富有空间效果。在局部色调上画者同样把物体间亮面与暗面之间的冷暖关系表现得猛烈、生动。此画最大的优点是生动、概括、猛烈，其不失为一幅较好的静物作品。

点评：姜中立

：翟成林

这是一组冷色调的静物写生练习，色调清爽明快，整体效果浑然，形体的塑造富于厚度，技法酣畅淋漓。注意水分干湿变化，笔触变化生动，给人一种一气呵成之感，这是一幅极为成功的学生习作。

指导教师：路家明

：刘迎

这是一组以日常生活物品与花卉组成的静物画，很有生活气息。反映出在构思方面动了一番脑子，同时也表达出一定的艺术修养。从整幅画的色调处理来看，具有清爽、自然的特点，蓝色衬布虽纯度很高，但却有意将其纯度适当减弱，以保持其与花卉、橘子等在整幅画面中的纯度对比，从而形成画面较完整的节奏关系。对主体物如橘子、瓷碗、花卉等进行了深入的描写，笔触显明，富有动感。不足之处对形体的塑造较为死板，花卉的表现比较简单，但从整幅画面的最终效果来看其仍不失为一幅比较优秀的考生习作。

点评：郭振山

：王鑫

这幅画是张家口来的王鑫同学画的。他一进补习班我就注意到他，开始我以为他是南方省区来的，由于南方学生比较重视色调的生动性。王鑫同学擅长分析色调、表现色调，通过对色调冷暖变化的观测和分析，敢于确定色调倾向，再给予适当的夸诞，使色调的音乐响起来。他用较为轻松自然的笔触来涂沫他感觉到的色块，并以这种生动的色调去感染观者。有一段期间，我建议他适当加强形体塑造，他同时也受到班里有的同学的影响，试图改变自己的画路，结果画面形体塑造加强了，但色调表现减弱了，画面色调沉闷下来。随后，再帮助他适当控制色调表现与形体塑造的关系，在保持自己色调生动的特点前提下适当加强形体感。

指导教师：陈重武

：李汉琳

这是一组难度较大的水粉写生练习，把画面色调压缩到一种单纯的极致组合，在灰色调中寻求一种丰富的色调变化。对于花瓶与干花及衬布的处理严谨又不失松动，在协调中渗透明快的对比效果，笔触富于极强的表现性。

指导教师：路家明

：于砚

这是一幅在自然光下写生的色调静物画，整幅画面构图饱满、充实。罐中的花枝增加了画面的灵气。黄色的梨与紫红的苹果、衬布形成了补色，在雅气的白色衬布作用下，画面整体色调既猛烈又和谐。画者为增加画面色调的强度，将若干梨子统一作为一块颜色来处理，只强调了受光和背光的冷暖关系，减弱了每个梨子自身细致的冷暖色调。同样苹果也作了相应的处理，这样大大增加了画面色调的总体对比。笔触运用生动、自然有序，特别是在物体质感的表现上下了一些工夫。对罐和杯的描绘时采