中国传统艺术现代设计学交叉研究报告

...v.中国传统艺术与现代设计学穿插研究结题报告

本课题从中国传统艺术与现代设计学、中国传统艺术对现代设计的启迪、以现代设计学推动中国传统艺术的进化、中国当代艺术教育之思考四个方面对中国传统艺术和现代设计学理论进展梳理，在把握其深层的文化背景和社会功能的根底上，廓清了中国传统艺术和现代设计学穿插研究的根本概念，从不同的角度探寻了二者之间的穿插点与差异性，深入分析形成这种穿插点与差异性的原因，找到各自形成与开展的途径与模式，为中国传统艺术、现代设计学开展提供了学理依据。在把握中国传统艺术和现代设计学穿插研究的时代背景、在规律和本质特征的根底上，深入教学研究，在教学中发现问题、解决问题。推动中国艺术走向世界、走向当代，焕发出新的青春。

一、中国传统艺术与现代设计学1、现代设计与现代艺术

设计并不是现代的产物，因为设计所蕴含的构思和创造性行为早在人类文明的滥觞期就本质的出现了，人类生活的本身可以说都是设计的结果、都是一个个设计的不断完善。

但自发自觉的设计冲动并不就等同于“现代设计〞，“现代艺术设计〞起源于19世纪末的英国工艺美术运动，在工业革命以前，传统手工业时代的作坊主和工匠既是设计者又是制作者，甚至还是销售者和使用者，伴随着工业革命、近代都市的出现，标准化、机械化的大批量生产，迫使设计从制造业中别离出来，成为一种独立的职业，经过再分工，形成造型与功能设计两局部，设计师担任外观设计，而产品的在功能那么由工程师负责。“设计〞在后来的开展中逐渐成为了一门专门的学科。1877年，摄影技术创造，人类社会进入到了一个大量复制时代，摄影对现实生活的逼真记录给传统写实主义艺术家们莫大的刺激和打击，为了摆脱传统写实主义手法的束缚，艺术家们奋力开创出现代派美术，我们从塞尚的艺术创作中，可以洞察画家摈弃了对自然的完全模仿，他的作品几乎包含了20世纪所有的现代艺术要素，所以称之为“现代艺术之父〞。现代派美术的出现影响到艺术设计，设计开场从传统走向近代，现代艺术设计概念也同时诞生。自20世纪初在前联的构成主义运动开场，设计逐渐形成了以“三大构成〞：平面构成、色彩构成、立体构成为根底的模式，

作为最前缘、最现代的艺术表现形式，现代设计始终处于一种不断推出新不断进化的状态，19世纪末到第一次世界大战是现代设计的准备期、酝酿期，第一、二次世界大战之间，伴随着现代都市的开展，机械化时代是现代设计的青春期，1929年世界经济大萧条后，现代设计更合理化，并走向成熟。现代设计大概可以分为四个时期：⑴、18世纪手工业化时期：继承传统艺术设计，主要表达在产品的部设计上。⑵、19世纪工业化时期：艺术运动与设计实践展开，设计概念的形成，外部设计与部设计相别离。⑶、20世纪专业化时期：外部造型设计成为一门独立的学科，部设计方面，系统工学和计算工学诞生，设计方法、方法论以及理论的成熟⑷、21世纪信息化与多元化时期：外部设计与部设计相结合，设计遵循着艺术进化的规律，朝多元化方向开展。2、中国设计的提出

西方现代设计学自英国工艺美术运动、现代派美术开场兴起已有一百多年的开展历程了，而中国二十世纪上半叶处于战乱，下半叶大半时间又封锁国门，民族工业一直没有成为国家开展的主导，没有经历资本主义工业革命的洗礼。中国现代艺术可以说是从独秀等人叫嚣的反传统开场的，然后X悲鸿、海粟、林风眠等在西方留学归来的艺术家在中国积极推行西方式的美术教育，美术教育学制改革、容改革、方法改革，摒弃了中国传统的师徒制，素描成为了美术专业的必修课，几十年轰轰烈烈的革命文艺之后，改革开放，抱着对西方现代艺术一知半解的好奇，跳跃性地就跨入了思想方式、生活方式、行为方式大裂变时期，可以说，中国并没有和西方同步经历现代艺术自然长足的开展。当今中国经济迅速崛起，国家富强繁盛，对自己传统文化充溢着自信和骄傲，根植于五千年的文明的中国式设计能否以自己鲜明的个性与面貌，成为现代设计艺术中的一枝奇葩？2021年奥运会，很多设计就融合了中国传统元素，中国传统、中国元素、中国符号、中国特色和奥林匹克精神的结合成为了主旋律。比方①奥运会的会徽——中国印，将书法和印章与体育运动的特征结合起来，其核心形象是“书法汉字京〞和“红色印章〞，巧妙的幻化成一个向前奔跑，迎接胜利的运动人形，与“抽象符号〞、“红白两色〞的现代设计语言完美对接。用毛笔书写的英语“Beijing2008”，和篆书笔画构建的比赛工程标识，都可以说是“中国传统元素与现代设计〞

的完美结合。②奥运会的桔祥物——福娃，来源于奥林匹克五环的颜色，造型取自民间艺术和人们喜爱的动物形象，其中融入了“鱼〞、“大熊猫〞、“藏羚羊〞、“燕子〞和奥林匹克圣火的形象，它们的原型和头饰蕴含了与海洋、、火、森林和天空的联系，传达了和平和友谊，积极进取的精神以及人与自然和谐相处的美好愿望，表达了中国古代“天人合一〞的思想。③奥运会的火炬——祥云，其创意灵感来源于渊源共生、和谐共融的祥云图案，取自于有祥云和中国红的“书卷和画轴〞之中，挺拔流畅的曲线造型、上大下小的人性化设计、铝金属材质的运用、腐蚀雕刻、氧化染色和塑胶漆喷涂的外表处理，这些都无处不表达着创新的现代设计意识。④奥运会的奖牌，奖牌的正面为国际奥委会统一规定的图案，反面那么镶嵌着中国古代龙纹造型的玉璧形象，其中反面正中的金属图形上刻着奥运会会徽，整个奖牌尊贵典雅，充满中国特色，既表达了对获胜者的礼赞同时也形象的诠释了中华民族自古以来以玉比德的价值观，喻示了中国传统文化中的金玉良缘，是中国传统文化与奥林匹克精神的一次完美结合。⑤奥运会国家体育中心——“鸟巢〞是瑞士赫尔佐格和德默隆建筑设计事务所与中国建筑设计研究院的杰作，创意来源于中国的玉玲珑、竹编和裂纹瓷器等，这些表达了中国传统文化中精巧、灵动和逍遥的一面。“鸟巢〞并没有用大屋顶、红柱子和高台阶等中国传统建筑元素，而是通过挖掘中国传统文化中更深层次的精神元素来表现。同时它又是一个科技含量很高的现代化建筑，它用轻盈的曲线编织了一个现代感极强形态，很好地解决了“设计是多元的，意大利设计师吉奥庞蒂曾说过：“外乡传统的设计语汇将成为一个国家设计的重要纬度。〞民族传统艺术不仅能表达一个民族的文化语义和美学涵，还更能成为一个民族或国家文化形象的重要标志。可以说，彰显出自己民族的艺术本色，在走向现代化的同时保存传统文化、使传统文化在走向现代化的同时发扬光大，俨然成为设计师心中挥之不去的一丝情怀。随着2021奥运会的举办到落幕，中国传统文化元素转换为设计纹样，已成为当代艺术外乡化的标志性容，有中国特色的“中国设计〞呼之欲出。3、从中国古代绘画理论看设计伴随着中华文明一起成长、成熟的中国传统绘画和设计有着千丝万缕的联系，远在原始社会，我们的祖先就已在生活中孕育了艺术的胚胎，从仰韶文化为代表的的彩艺术所描绘的鱼纹、人面纹及花叶纹等装饰图形，到成熟的中国绘画模式，视觉意义上的中国传统元素和中国式的创造思维方式，是中国艺术具有强大生命力的动力，设计的理念一直是存在的。⑴、什么是“六法论〞中国艺术源远流长，博大精深，门派纷呈，风格多样，沉淀了独具一格的审美标准和美学原那么，南齐赫在其著作"画品"中提出了较完备的中国绘画理论框架，成为了后世衡量中国艺术创作和艺术水准的标准。这套中国绘画理论以“六法论〞为核心，宋代美术史家郭假设虚说：“六法精论，万古不移〞〔"图画见闻志"〕,可以说无论是历代的绘画艺术,

还是现代的中国设计艺术

,都不同程度地渗透着中国绘画“六法〞的理论原那么和思维方式。所以我们要对中国传统艺术中的设计理念进展梳理，“六法论〞就是最好的例。“六法论〞是南齐赫在其著作"画品"中提出来的，唐代美术理论家彦远"历代名画记"记述：“昔赫云：画有六法：一曰气韵生动，二曰骨法用笔，三曰应物象形，四曰随类赋彩，五曰经营位置，六曰传移模写。〞

“六法〞从表现对象的在精神、表达画家对客体的情感和评价，到用笔刻画对象的外形、构造和色彩，以及构图和摹写作品等，总之创作和流传各方面，都概括进去了，理解了“六法〞的含义,对中国古代的艺术理念就会有个大致的了解，有利于现代艺术设计举一反三、触类旁通。⑵、“六法论〞与设计①、“气韵生动〞指作品和作品中刻画的形象具有一种生动的气度韵致，显得富有生命力，流露出在的精神美感。气韵，原是、晋品藻人物的用词，如“风气韵度〞、“风韵遒迈〞等，指的是人物从姿态、表情中显示出的精神气质、情味和韵致，首先是用以衡量人物形象的，后来渐渐扩大到品评人物画之外的作品，乃至某一绘画形式因素，如说“气韵有发于墨者，有发于笔者〞〔庚"浦山论画"〕、“气关笔力，韵关墨彩〞〔黄宾虹"论画书简"〕。

叶朗先生在"中国美学史大纲"中总结出,晋南北朝美学的元气论主要概括了三方面的容:

一是概括了艺术根源的一个畴;

二是概括了艺术家的生命力和创造力的一个畴;三是概括了艺术生命的一个畴。②“韵〞既含有“音韵〞的根本意义,又指人物具有的才情、智慧、风度等超凡脱俗的风雅之美。“韵〞不能离“气〞“,

气〞只有与“韵〞结合才具有审美的品质。相对而言,“气〞偏重于阳刚,“韵〞那么侧重于阴柔。“气〞与“韵〞和合,

也暗示着阴阳的协调。③虚实相生才有气韵,

有气韵才有作品的生生不息之感。艺术设计的气韵之美应该是表达在作品的品位、风格和意境上,

虽然设计兼具商业性和艺术性,但优秀的设计作品首先也应该给人以精神享受和心灵洗练。如青年设计师少波的作品，笔墨简单,构思精湛,用以少胜多的设计语言,笔墨生动地营造了一份引人入胜的“意境〞,

在把玩的天乐中,

尽抒胸中之逸气,

有清净明洁,

洗涤心,

玄览世界,

观照万物之感,令人过目难忘,

回味无穷，②、“骨法用笔〞

“骨法〞最早大约是相学的概念，后来成为人们观察人物身份和特征的语言，在汉很流行。晋的人物品藻，除了“风韵〞一类词外，常用的就是“骨〞、“风骨〞一类评语。“骨〞字是一个比喻性的概念，“骨〞、“骨力〞乃借助于比喻来说明人在性格的刚直、果断及其外在表现等。赫借用“骨法〞来说明用笔的艺术性，笔力、力感、构造表现等等。

在设计构成中的，限制和管辖根本形在各种不同的编排，即是“骨格〞。骨格可以分为在视觉上起作用的有作用骨格和在视觉上不起作用的无作用骨格，以及有规律性骨格(即重复、近似、渐变、发射等骨格)和非规律性骨格(即密集、比照等骨格)。根本形与骨格的上述这些特性，相互影响、相互制约、相互作用而构成千变万化的构成图案：规律性，半规律性，无规律性，单一骨架，复合骨架，无作用骨架，有作用骨架，这和中国绘画的“骨法〞接近。中国画的水墨法也为现代设计师们所青睐，如著名平面设计师靳埭强为2021

奥运设计的招贴作品"京"

,

主要运用中国的水墨画技法来表现主题,

整个画面泼墨、破墨、积墨并举,

靳埭强先生以墨的高度提炼、概括、省略为根底,

突出形象的外形特征,

强调寓“神〞于“形〞,

追求形象的形态与神态的表现。他所设计的“汉字主题邀请展.海报系列——山〞，以书法的方式画出山的轮廓，其部和外形都反映同一种印象——山，即中国文字的形与意构造框架完美的结合。③、“应物象形〞“应〞是指人对事物的感应,“

物〞是指客观存在的事物。“应物象形〞是指造型要以客观物象为依据,真实地、有感受地表现出其艺术形象。东晋僧肇说“法身无象，应物以形〞，是说佛无具体形象，但可以化作任何形象，化作任何相应的身躯。对于画家来说，应物就是刻画出对象的形态外观。这一点，早于赫的画家宗炳就以“以形写形，以色貌色〔"画山水序"〕〞加以说明了。南北朝时代，绘画美学对待观察形象、描绘形象的真实性已很重视了。设计作为一门艺术,

把握和表现图形的感染力很重要，这种表现就不能只是简单地把空间物体反映在平面上了,

而是在尊重客观事物的前提下进展的取舍、概括和想象，提高手绘能力。所以,“应物象形〞应用在我们现代设计中,“应物〞应该是对客观事物的感应,

这是构思的前提;

而“象形〞那么应该是在尊重表现容的前提下进展的设计上的取舍、概括和联想。④、“随类赋彩〞是说着色。赋通敷、授、布。赋彩即施色。“随类赋彩〞从字面来看好象是指在绘画时要根据所所画物象的不同颜色进展着色。但这只是一种非常狭义的认识。其实中国绘画的“随类赋彩〞是民族色彩审美心理的表现,

是根据不同对象不同情感类型的需要而进展着色,

是一种主观与客观结合的“表情〞色彩。它根据“情感〞的需要对色彩进展大胆的艺术处理。“随类〞既是客观对象的色彩分类,

又是色彩审美心理、色彩情感、色彩表情在画家头脑中的分类,

并非是单纯的通常意义上的单线平涂赋彩,

这是一种充满了情和意的色彩观。总之“随类赋彩〞不是具象写实的“写生色彩法〞,

而是得其意的“意象赋彩法〞,

它不斤斤计较于对象的固有色,

而是以情的不同“随类赋彩〞,

以意的到达为标准。意足不求颜色似,

不追求与客观对象色彩的相似性,

不追求光影的丰富变化,

而是既源于生活又以表现作者的审美情思,

追求完美的视觉构成性和情意的表达为目的。设计同样需要根据主题、容、形式、文化寓意、受众等的不同,

来“随类赋彩〞。色彩是设计中最具感染力的艺术因素,

设计者要用色彩准确地传达作品的主题与容,

因此,

在招贴设计中设计者应该巧妙地应用色彩的感情规律,通过色彩的情调显示,使观者受到一种特定的情绪感染,从而领悟到色彩所要传达的深刻意图。靳埭强先生为世界环境日所作的设计，主体物为一朵盛开的荷花,

色调以红色为主色调,

为了丰富画面的层次感,

设计者采用了明度渐变的处理方法。花心是画面的中心,

也是突出主题的重要局部,

所以采用的是红色的补色———绿色,

大面积的红与小面积的绿相互照应和衬托,

整个画面虽绚丽却又脱俗。⑤、“经营位置〞“经营位置〞即我们通常所说的“构图〞,

经营原意是营造，建筑。赫借来比喻画家作画之初的布置构图。

古人谓之“章法〞,

指构图设计要有选择、有取舍、有组织地缜密思考,

在法那么上强调主宾、顾盼、开合、聚散、虚实、藏露、繁简、疏密、纵横、参差、动静等。东晋大画家顾恺之称此法为“置布势〞,

唐代彦远那么称之为“画之总要〞,

这说明布局的重要性。在绘画创作中常运用平远、高远、深远这三远法进展构图，虽也涉及到第三度空间，但没有西方焦点透视那样严格的规律，散点透视的法那么令中国绘画在空间上显示出了很大的自由性。讲究均衡和在的节律和“气〞的感悟

，致力于“以整体为美〞的创作，将天、地、人、艺术、道德看作一个生气勃勃的有机整体整体效果,

在布局时注重意象、气格、神韵的领悟,

强调表现形式的写意性与精神涵的哲理性。根据主题谋篇布局,

或充实、或空灵、或精到、或壮阔。在中国的艺术作品中，动与静、疏与密、多样统一、宾主照应、虚实相生、纵横曲直、黑白比照、重叠交织等传统构图法那么也屡见不鲜。远古的铜器纹样、画像石、金石篆刻等，特别是中国画，都巧妙的运了用白底的匠心，还有民间剪纸和兰花布粗暴豪放的黑白关系、明代木刻插图的疏密聚散、都可以在现代设计艺术的构图中得到印证。⑥、“传移模写〞指的是临摹作品。传，移也；或解为传授、流布、递送。模，法也；通摹、摹仿。写亦解作摹。模写的功能，一是可学习根本功，二是可作为流传作品的手段，中国绘画有着与西洋绘画不同的独特学习方法,那就是非常重视传承,

通过心追手摹来继承前人的优秀传统,

这既是共识,

也是通常的认识。但是从赫的画评中,

并不将它等同于创作，因此放于六法之末。

我们可以进一步看出他的“传移模写〞的本意,

还有着继承与创新的涵。由此可见“传移模写〞并非一般意义上的单纯的心追手摹,

传承的目的在于创造,

而不是泥古不化,

师古人迹更要师古人之心,

尤其不能忘记师法造化。设计也要不断学习、创新。善于学习、吸收、借鉴民族优秀传统文化,汲取精华,剔除糟粕,并运用到艺术创作的实践中,才能在继承前人的根底上得到突破性的开展。4、中国传统艺术里的设计思维

综上所述，伴随着中华文明一起成长、成熟的中国传统艺术，并不以客观地反映现实为己任,而和设计观念有着千丝万缕的关系，中国画的意境、绘画程式、绘画语言是构筑其艺术特色的三个主要因素，

通过以上对“六法论〞与设计的分析，我们对中国传统艺术里的设计思维可以归纳为以下三点：意境的设计、艺术程式的设计、艺术语言的设计。⑴、意境的设计

作为中国传统文化的结晶，中国艺术的意境美有着深厚的文化底蕴和哲学思想，中华民族具有以儒、道、禅为核心的中正、雄健、充实、浑厚、磅礴的阳刚气象，同时兼具自然、虚静、空灵的阴柔品格以及冲淡、冥想、觉悟、圆满的满脱禅境，它既有纵贯古今、吐故纳新的胸怀，又具横融中外，激浊扬清的气度，圆通、整合、和谐、包容的大气使它绵延千年而不衰，经历坎坷而弥坚。著名美学家宗白华先生说：“艺术家的心灵映射万象代山川而立言，他所表现的是主观的生命情调与客观的自然景象交融互渗，成就一个鹫飞鱼跃，活泼生动，渊然而深的灵境，这灵境就是构成艺术之所以为艺术的意境。〞所以中国画不仅摹形状物，以形象美感动人，更寄托历代艺术家或清幽淡雅或超脱高逸或雄浑磅礴的主观审美意趣，追求一种人格的升华。这种意境的营造带有浓郁的主观理念，或曰设计成分，构建意境的根本因素可归为“简、情、远、静、玄〞五个方面，历代画家们通过各种学识、修养、品德的磨砺来营造各自的或单纯凝练或情真意惬或虚实相生或以静制动或澄怀观道的意境气氛，实现着对中国画艺术精神的理解。倪云林的虚静、梁楷的狂放、洪绶的古拙等，都不仅是艺术家心性的表达，更是一种意境气氛的设计，这种创造性的意境设计处理使中国画从对客观自然的模仿中解放出来，获得创作上的自由、精神上的升华。⑵、艺术程式的设计

中国艺术既有高度的感性，也有高度的理性。中国画的作画程式就是一种经过深思熟虑的主观配置，用笔、勾线、应色、调墨都有一定的规矩，如工笔画中的“三矾九染〞、山水画中“十日一山、五日一水〞，使用中国绘画材料恣意妄为就缺少了中国画的韵味和意趣，与西方的水彩水粉画区别就不大了。这种绘画程式在中国画中是不可或缺的，一方面是中国画的材质所决定的，中国画的绘画材料很特殊，墨是世界上颗粒最细的颜料、色彩是天然的植物或矿物中提取的，宣纸有着与众不同的浸晕效果，要充分发挥这些材质的优势，必然要有一套行之有效的绘画程序，历史上中国画就形成了一些独特的作画程式。二是艺术精神所决定的，中国画不以描摹自然为目的，而是强调性灵的自我抒发，所以在掌握根本的程式后，画家们往往会形成一套自己的绘画程式，也就是自己的作画秩序，不同的配色方法、笔墨组织和画面的分割可以形成千姿百态的艺术效果、创造出丰富的个性风格、表达艺术家独特的设计构思。⑶、艺术语言的设计如果说中国艺术是一种创造性的精神产物，那么有这一艺术涵所衍化的外在形式——艺术语言也是艺术家主观设计的结果。如人物画中的十八描、山水画中的十八皴等等就是来自于对客观生活的加工提炼，进而形成了固定的有某种心理默契的绘画符号，绘画符号就象一个个语素,互相搭配、比照、组合，根据主题的需要完成一个又一个的风格设计。我们的心是澄静的，所设计的语素必然是虚灵的；我们的心是敏锐的，所设计的语素必然是多情的；我们的心是广博的，所设计的语素必然是空明的；我们的心是质朴的，所设计的语素必然是稚拙的，绘画语言因而融入了艺术家各自的感情痕迹。吴道子的飘逸、梁楷的狂放、洪绶的古拙等等都是艺术家心灵真实的体验，更是设计理念的升华。绘画语言的主观设计性形成了中国画多姿多彩的绘画表现形式和艺术风格，这也是中国画具有强大的生命力和创造性，在各种时代风云、艺术潮流的风起云涌中独树一格的在推动力。艺术构思的独特性是设计作品成败的关键。随着当今网络技术的日益成熟和各种新工艺、新材料的层出不穷，国家与国家之间的设计如果没有了界限，极易成为毫无特色、千篇一律的试验品。而中国画意境的营造、绘画程式的树立、绘画语言的表达无不标识着一种与西方绘画观念相差异的源远流长的理性分析与设计观念,

这是一种民族文化精神的积淀，融入了我们生活、思维、观念的方方面面。所以从现代艺术设计的角度,对中国传统绘画进展分析和借鉴不仅是在世界文化格局中，强调外乡文化的重要性，更是一种新的设计理念。

同时将中国画中的设计理念理解并运用于现代设计中，不仅有利于启迪我们的创造精神，还有利于科学、系统、客观地对中国传统绘画规律进展研究，郭清中国画中模糊的概念，改革中国画教育模式，为中国传统绘画真正融入现代语境提供一种新的思路。二、中国传统艺术对现代设计的启迪通过以上分析，中国传统艺术可以归纳出意境的设计、艺术程式的设计、艺术语言的设计三大类，其对于现代设计具有积极的意义。1、意境美在设计中的应用著名平面设计师靳埭强认为,

美的原那么有三条:

立意———意念先行,

以形取神;

创新———承先启后,

破旧立新;

活用———适身合用,

灵活生动。意境不仅仅是中国美学的本质，也应该是中国设计的重要的审美趋向。艺术创作者在观察大自然和观察社会过程中，产生了思想感情。在有了新的意念根底上，创作出有意义的理想作品。“意象〞就是形象和情趣的契合。“意境〞的涵比“意象〞更丰富。在绘画上，要把客观事物最精粹的局部汲取来，经过集中、筛选、加工、改造，融进自己的审美观点、审美感受、审美理想，再加上人的思想感情的高度概括，用艺术手法充分表现出来，就成为“意境〞。画家要具有审美的心胸，必须超越世俗欲念、成见的干扰和束缚，保持心的虚静态。在虚静之心中才会“胸有丘壑〞。东坡说“虚,故纳万景〞,这样才能感受到美好的事物，才能表现出客观真实的“境〞。就以动画创作来说，国产动画长期以来无法和国外动画片匹敌，以至于在很多人心中国产动画与“二流〞、“无趣〞等词有某种先天性的联系。但上世纪国产动画片"山水情"、"小蝌蚪找妈妈""哪咤闹海""大闹天宫"等却取得了非凡的成功，一举拿下假设干国际动画大奖，即使在今天看来，仍然是国产动画片中的精品。片中出现的声音有叶笛声、琴声、水声、风声、动物声。笛声悠扬、无忧无虑，琴声空灵飞扬，时而轻柔时而凝重，时而忧郁时而果敢，充满了中国式的优美，片子的构图，镜头移动的速度，都具有不同于欧美日，具有自己独特的中国特色。现代设计本身就是一门具有前沿性和穿插性的学科，是在文学、剧本、影视艺术、绘画、音乐、电脑技术等多种相关学科的穿插和融会的根底上逐步产生和开展起来的，目前方新未艾的动画设计、网页设计、多媒体设计中，因设计师知识构造的差异极易无视中国传统艺术精神的传承，从而导致创作的抄袭模仿、人物的类型化、情节的简单化幼稚化等等问题。“中国式〞的创作思维模式以其着绝妙的中国味道和深远的意境为现代设计开辟另一条捷径。2、程式美在设计中的应用中国艺术的程式是一种经过深思熟虑高度提炼的美的搭配，用笔、勾线、应色、调墨都有一定的规矩，也就是一定的套路，如同芭蕾舞是踮着脚尖的优雅，常说中国画是带着镣铐的舞蹈，程式有着特殊的美感，如工笔画中的“三矾九染〞、山水画中“十日一山、五日一水〞，丢掉了程式，中国艺术的韵味就淡了。中国画主要分写意画和工笔画，各有自己的程式套路。中国画和设计的“生命链〞也有共同特点,即写生变化—造型构图设计—疏密穿插—阴阳层次。假设我们在现实生活中将写生所用的素材,经过提炼布排,使之互为穿插、映衬、搭配,辅以线条的灵动流畅,色彩的亮丽合宜,绘画与设计元素高度巧妙地组合,对于提升设计水准,拓展市场是大有裨益的。⑴、工笔画之于设计工笔画既有艺术性又有技术性,

在设计中广泛应用,如双勾、晕染、接染、撇丝等诸多技法,所以在当今染织、平面、环境、服装设计专业课程中,工笔画常作为根底课对学生进展训练。①折枝花植物中的藤本———紫藤、凌宵,木本———牡丹、梅,草本———菊、兰等花卉,既是工笔画中广为描绘的题材,也是染织、平面设计、服装设计、环艺设计中常用的题材,它们常常以折枝花、团花、小朵花或大朵花的设计形式出现。折枝花是中国花鸟画常用的构图形式。“借〞自然界最美的一枝花或一组花,应用在设计上,

“一枝一叶总关情〞,这情代表了设计家对花卉的认识,对中国画元素的借鉴,对美的情感。②白描线条在中国画中可称为“生命线〞,中国画无论写意画或工笔画都离不开线,线对于中国画就好比水之于生命。白描在中国画和设计中成了十分重要的造型手段,白描的线又似中国建筑的“屋架〞,它对物象的形体起着塑造和支撑的作用。线条可以准确概括,简炼地表现花、枝、叶形体的生长构造和规律。设计中,墨线勾勒法不仅仅使用墨线,还可以用色彩的线条进展勾勒,而且勾勒的线条不再单纯囿于一枝、一花、一叶的造型,它还可以单独的线条身份出现,线的繁复简炼、疏朗开合、流动曲直或大面积的处理方式表现线条的节奏美、流畅美。线条成了表现卷草纹、云纹、水纹、宝相花、波斯火腿纹的最正确主角。白描双勾用于设计还可以不拘泥于具体的物象,它可以以不规那么的格子线、网纹等形式出现,因此,白描中线的生命力在设计中得到延续和开展并具有新的生命形式,线条的功能,及其潜在美能够得到充分的开发和拓展。③晕染不管中国画或设计,“层次〞在造型中占据十分重要的地位。工笔画中的层次有三种含义;一是花卉本身花瓣花叶的层次;二是花朵与花叶之间的层次;三是纹样主体与底纹之间的层次。画面中有了层次便有了光感,也有了主次之分。工笔画的层次是依靠晕染、撇丝等方法来表现的,这些技法也同样可运用于设计,但在设计中层次还可以用多种方法来表现，比方泥点法等等。晕染技法在工笔画中常常表现为单色晕染,有先铺后染和后铺先染之分,如以淡色染出明暗层次,再以色彩晕染。在设计常可以直接用色彩来晕染,在传统工笔画中描绘被虫噬咬的残叶往往是在残边染以赭墨色接染主体的绿色,这种技法移植到染织设计中可变为二色或多种色彩的接染,这种方法可以表现花卉的多变和各种色彩层次。植物中的花瓣和叶片都有自然脉络和纹理的丝状构造,工笔画中,这种构造往往以撇丝技法来表现,在设计中,以毛笔或其他色笔铺开平画,在花瓣上撇出的丝状纹理略呈放射状,更有演化为大撇丝的技法。其笔法可用于环境背景的设计。在设计中将晕染和撇丝交互使用,融为一体,可以更好地表现花卉的层次和质感,赋予平面设计中的花卉以全新的生命,使画面生动活泼。⑵、写意画之于设计中国古代原始社会的彩,商代的玉鸟刻刀,北朝的夔纹织锦,唐代的夹缬与绞缬,宋代的三彩碗底,这些物体上早已出现了初期的写意画,也是写意画在瓷和染织工艺上娴熟而具体的运用。从唐代的绞缬、夹缬至现今的腊染、扎染、刺绣、手绘,写意这一手法已被广泛运用于染织、艺、服装、平面设计中。一般的人认为写意画一定是“粗头乱服、捭阖纵横〞,其实中国的写意画是追求一种意象、意境和意趣,是对美的概括和提炼。在设计中,写意画可以以两种形式出现,一种是粗放的,没有细枝末节的描绘;另一种虽是具象的,但在生活中却无法寻觅,它们都是设计师心中的艺术形象的再创造———以意象的形式表现出来的纹样。写意还分大写意小写意和泼墨泼彩等等，各有特色。⑶、水墨之于设计水墨是极具中国特色的语言符号，表现出外在的形式与在的精神的统一，在笔与纸，墨与水的交融中，传达出绘者的精神寄托，这是中国传统人文思想的意象载体，是古代释、道、儒三家互补交融观念的阐述。水墨简洁，如南宋梁楷的"泼墨仙人图"，用笔酣畅淋漓，豪放不羁，如入无人之境，这种“简洁〞的画面又不同于简单，而是其形象简捷，寓意丰富，以极少的元素传达更多的信息。“计白当黑〞是中国绘画文化对简洁美感的概括总结，设计通过与传统水墨艺术元素相结合，能够形成简约之美、空间之美、意境之美等审美特征。安导演的“卧虎藏龙〞一片中，虽无具体水墨显现，但整片中给人以中国水墨之神韵。水墨，在中国，已经是一种境界。在现代设计中，单纯的元素能够紧紧吸引视觉导向，如水墨的枝条、水墨的嫩叶，运用毛笔的书法性线条和宣纸氤氲感的水墨效果，给人以诗一样的意境，显示了高雅的文化品位和人文情怀。笔中含水量的多少，产生了干、湿、浓、淡的变化。墨分焦、浓、重、淡、清，而每一种墨色又有干、湿、浓、淡的变化。浓墨的线条，饱满酣畅;淡墨的线条，清爽秀丽。或浓或淡，或疏或密，在宣纸上产生丰富的画面效果。运笔速度与技巧，形成了勾、皴、点、泼、擦等表现手法，其综合或单独运用，能够表现丰富的笔墨意象。国著名设计师安尚秀先生和中国著名设计师靳埭强先生在他们的设计里面都有一种挥之不去的水墨“情结〞，靳埭强先生一直在探索中国水墨语言与设计语言的交融，追求构图的简单与传达的丰富性的融合。其作品乃水墨与艺术设计之完美结合之典，看靳先生之海报作品，往往夺目而来的是那气贯长虹的水墨之灵韵，毛笔在运走时表现出的优美轨迹，那些由黑色到灰色所呈现出的丰富的墨色浓淡关系，使人隐约能感到古老文化在现代的中国的跃动。水墨元素已成为他海报创作的最为重要的表现形式和文化涵。水墨风格也适合制作成现代动画的。水墨动画片将传统的中国水墨画引入到动画制作中，那种虚虚实实的意境和空灵优雅的画面使动画片的艺术风格有了重大的突破。3D

水墨动画是技术和艺术相结合的创新，目的是为了在中国水墨画和电脑技术之间找到一个结合点，将水墨绘画的风格应用到现代动画创作中。这是数字和水墨的融合，也是现代科技与中国传统文化的交融，用开展的眼光和手段来重新点亮传统文化的精华，而维系这两者的，无疑就是创新的精神和探索的勇气。3、艺术语言在现代设计中的运用设计本身就是一种语言，它能为人理解认同具有说服力，也正是现代设计的初衷。以现代的审美观念对传统艺术语言加以改造、提炼和运用，使其富有时代特色，运用到现代设计中来，一直是设计界长期探讨的一个话题。凤凰卫视中文台的台标，就借用了彩上的凤鸟图形，并使用了中国特有的“喜相逢〞的构造形式，反映出一种厚实的文化底蕴，而凤鸟两两相对旋转的翅膀极富动感，表达了现代媒体的特色。在经历了漫长时间的淘洗之后，“凤鸟〞、“喜相逢〞这种积淀于中国传统的艺术语言，仍然呈现出一种惊人的生命活力，以一份熟悉的文化气息和亲和力，感动着我们现代人。中国传统的艺术语言大致可从中国图式、中国色彩、空间营造等等方面来分析：⑴、中国图式好的设计应该用有意味的形象的图形语言说话，在原始社会，我们的祖先就已在生活中孕育了艺术的胚胎，从仰韶文化为代表的新石器时期彩所描绘的鱼纹、人面纹及花叶纹等装饰图形，至明清时期的文人绘画，我们会发现从原始社会的图形符号一直到封建社会晚期的各类绘画艺术，总有一些永恒的主题，而在这些主题之中，“形〞的表现往往是中国历史艺术家借以传情达意的一种外在形式，用传统的图形来阐释现代意义，一直是设计思维的有效方向。比方靳埭强设计的“靳与设计参谋公司〞的标志以中国的桔祥图案之——“方胜〞为雏形，图形以两个方菱形互相扣叠，八角附有圆珠饰，形成构造非常完美的图纹。方形互叠象征设计师与客户的密切合作关系。八个圆点表现公司多元化经营策略，在现代的造型里蕴藏着中国文化精神，简洁而理性的造型，正适合设计公司的形象。

这种传统艺术元素很多，在我们生活中比比皆是，比方工笔画中常常描绘的花卉有牡丹、月季、荷花、梅花、竹、菊等,动物有龙、凤、麒麟、蝙蝠等,这些都成了从古到今染织设计中的主角,“出镜〞率较高。人们以牡丹寓意富贵,荷花代表高洁,石榴为多子,梅代表五福临门,龙凤、虎等那么寓意桔祥,避妖镇邪,龙凤、麒麟与牡丹花搭配水流纹更显皇家贵族气派，中国工笔山水画———界画中的山水、树木、房屋，这些如果在现代设计中运用得当，都是有特殊意味的中国设计元素。此外中国书法、篆刻印章、中国结、京戏脸谱、皮影、武术、砖汉瓦、兵马俑、桃花扇、景泰蓝、玉雕、中国漆器、红灯笼、木版水印、甲骨文、钟鼎文、汉代竹简、茶、中药、文房四宝〔砚台、毛笔、宣纸、墨〕、四大创造、竖排线装书、剪纸、风筝、乐器〔笛子、二胡、鼓、古琴、琵琶等〕、龙凤纹样〔饕餮纹、如意纹、雷纹、回纹、巴纹〕、祥云图案、中国织绣、凤眼、彩、紫砂壶、蜡染、中国瓷器、古代兵器〔盔甲、剑等〕、青铜器、鼎、国画、敦煌壁画、山清水秀、写意画、太极图、石狮、飞天、太极、对联、门神、年画、鞭炮、谜语、饺子、舞狮、中秋月饼、鸟笼、盆景、五针松、毛竹、牡丹、梅花、莲花、大熊猫、鲤鱼、芭蕉扇、风箱、唐装、绣花鞋、老虎头鞋、旗袍、肚兜、斗笠、帝王的皇冠、皇后的凤冠、泥人面塑、锄头、清朝大辫子、铜镜、大花轿、水烟袋、鼻烟壶、筷子、华表、牌坊、长城、园林、寺院、古钟、古塔、庙宇、亭、井、黄土、民宅、汉字、唐诗、宋词、"三十六计"、"子兵法"、"西游记"、"红楼梦"、"三国演义"、"水浒传"、"诗经"、金元宝、如意、烛台、罗盘、八卦、司南、棋子与棋盘、象棋、围棋、鼻烟壶、鸟笼、长命锁、糖葫芦、玉佩、刺绣、丝绸、檐，我国还有各种各样的传统节日，每个地方也有不同的民族特色等等等等民族传统元素与符号能够通过其形式符号传递民族精神并运用到我们的现代设计当中来，这需要对古代文化艺术中传统的美学思想、民族文化气质和哲学涵有深刻的理解并加以继承，如果缺乏在这方面的思考，传统文化的神韵那么无法很好地灌注于时代精神之中。因此，我们的设计师首先要提升自身各方面的修养，尤其是学习中国古典文学、哲学和艺术思想等方面。在“大设计〞的今天，做设计的学问，就应该像汉字“一〞那样，看似简单却包罗万象，传统元素的借用应以“符号化〞为基准，“中国图式〞越来越多的并成功地应用到艺术设计中，标志着设计师们对中国传统艺术文化价值的重新认定。⑵、中国色彩设计具有一定的主观性，这和中国绘画的“随类赋彩〞有异曲同工之妙。例如中国画中的竹，宋代轼喜欢画朱竹，也有些画家偏爱画墨竹，可人们却对朱竹产生质疑，认为竹子不应该是红色，我们都知道竹子的颜色无红也无黑，但人们却对墨竹习以为常，这说明传统美学观中对色彩的主观想象是允许的，而且是必要的，但这种主观想象也不等于凭空捏造，它同样要来源于生活，同样需要从客观事物中吸取成分，这才是画面所追求的。还比方中国传统绘画中的荷花，画家们把花心画成红色，而荷花的叶子却只是淋漓的几笔水墨，可人们看到它时会觉得叶子就是绿色的。“意足不求颜色似〞就说明了这一点，就像人们常从彩蝶、霓虹、彩霞等自然色彩中受到启发一样，从而创造出色彩绚丽的装饰效果，设计色彩可以使人产生某些联想，将自然风光拟人化，让事物变得栩栩如生。在设计作品中也有这样的例子，在蓝色的纸上勾勒几束灿烂的焰火，人们就会认为画纸是深邃的，而如果画上几块白色的三角帆影，这画纸就变成了无边的海洋，正是因为它只是单纯的底色，主体不同，给人的联想也就不同。

中国人对红有独钟，奥运会的会徽——中国印。它是将中国具有五千年历史的书法和印章等艺术形式与体育运动的特征结合起来，其核心形象是“书法汉字京〞和“红色印章〞，巧妙的幻化成一个向前奔跑，迎接胜利的运动人形。奥运会的火炬——祥云，其创意灵感来源于渊源共生、和谐共融的祥云图案，取自于有祥云和中国红的“书卷和画轴〞之中，祥云的概念在中国有上千年的时间跨度，这些都是典型的中国传统文化。奥运会的奖牌，奖牌的正面为国际奥委会统一规定的图案，反面那么镶嵌着中国古代龙纹造型的玉璧形象，其中反面正中的金属图形上刻着奥运会会徽，整个奖牌尊贵典雅，充满中国特色，既表达了对获胜者的礼赞同时也形象的诠释了中华民族自古以来以玉比德的价值观，是中国传统文化与奥林匹克精神的一次完美结合，设计彰显了玉的高贵品质，喻示了中国传统文化中的金玉良缘，注入了中国传统文化的精华，艺谋有句名言“越是民族的，越是世界的〞，我们的设计是民族的，也是世界的，但只有民族的才能屹立于世界的工艺设计之林，彰显出自己民族的艺术本色，那么如何在走向现代化的同时保存传统文化、怎样使传统文化在走向现代化的同时发扬光大，俨然成为设计师心中挥之不去的一丝情怀。可以说，中国传统文化已经成为理解中国现代设计艺术的一剂良方。这要求中国当代设计师应具有海纳百川的文化胸怀和综合创新的能力。⑶、空间营造①、从“气脉开合〞到视觉引线“气脉开合〞是对于国画构图经历的一种总结，在国画创作中，画面十分强调气脉的流动，这主要是从国画中“气韵生动〞的要求开展而来的。“气脉〞也称龙脉，是中国画的专用语，指画面上的形体或空白所形成和贯穿的脉络走势与感觉趋向：画面中的笔墨形体，就如同叶子长在藤上，一气贯穿。所渭“开合〞是指气脉的生发，要有开头，有收尾．中间有承转曲折，像写文章一样有“起、承、转、合“。与其他艺术相比较，“气脉开合〞是国画中十分独特的审美语言。开合是有生命的，这种“气脉〞在设计布局通常称之为“视觉引线〞。设计者在处理画面时，可以充分使用各种手段来引导读者的视线，并给读者留出适宜的视觉休息和自由想像的空间，使其整个设计在视觉上弛有度。一幅好的设计应当是富有生命力的、流动的、充满空气的，当读者阅读的时候，可以感受到视觉流程方向一致的空气流动，或婉约抒情，或欢快流畅，或会聚成静静的一片，或分散成细流在字里行间涓涓穿行，这就是空间营造在设计中的魅力。②、从“疏可走马，密不通风〞到空间分割“疏可走马，密不通风〞，是国画对于布局的一种阐释和理解。国画重视空白，我们习惯上把这种留白的布局归纳为“疏密〞、“聚散〞，有“疏〞就有“密〞，有“聚〞就有“散〞，画面在疏疏密密聚聚散散的流动中铺开了层次，灵动了空间。这种空间分割方式使得整幅画面主调明确，节奏感强，大气整体。在处理设计布局的空间分割时，借鉴中国画中的“留白〞艺术，可以很好地衬托画面的主题、集中读者视线，使布局清晰，疏密有致，防止呆板。布局中的空间分割还要看图形、文字、色块等设计元素组合后形成的整体感觉，重视细节的处理。对于空白处理不仅包括图形之间空白的安排，还包括字体与图形之间的空白，文字的行与行之间、列与列之间以及单个文字之间的空白，甚至每个字笔画之间的空白。③、从“虚实相生〞到正负形的运用在中国艺术中中，“实〞是画者落笔的地方，是有形的局部，也称之为露的局部。“虚〞那么指画者未落笔墨的地方，是无象无形的局部，也称之为隐的局部。两者相互生发，相互依存，实因虚而活，虚因实而现，称之为“虚实相生〞。在中国的山水画里，山、石、树、屋、桥是画者的着笔重点，是“实〞的局部，而水、烟、雾、雪等通常是以空白出现的，属于“虚〞的局部。“虚〞的局部不经绘染，在画“实〞的局部的同时也已经悄然完成，不加任何修饰，画面中的水、烟、雾、雪已跃然纸上，这与音乐上的“此时无声胜有声〞实在有异曲同工之妙。中国花鸟画中画鱼、虾、鸟、花等常常不画背景，只留下大片的空白，但欣赏者却可通过鱼虾栩栩如生的游动、飞鸟矫健挺拔的姿态、折枝花儿的娇艳滋润，清晰地感受到背景的存在，如水的清澈透明、天空的蔚蓝宽阔、生命的勃发繁华。国画、书法、篆刻中的“虚实〞关系与中的正负形有异曲同工之妙。设计中的图形、字体这些实体造型元素可以看作为“实〞，即正形；编排后剩余的空间包括字间距及其周围空白版面称之为“虚〞，也就是负形。负形与实形相互依存，使实形在视觉上产生动态，获得力。在设计中，不能只看到图形、字体而无视空白的存在，不能只看到字体的笔画而忽略笔画之间的空间。正是由于空白的衬托才使视觉得以集中，也正是由于空白所形成的虚空间才在人们思维意念上产生无限丰富的想像余地。在安排文字的位置、构造变化与字体组合时，应充分考虑负形的位置与大小：如方形字体空间占有率相对较大，比较适合横向编排，长字体适合作竖向的编排：同时由于字体本身笔画的多少、构造的不同、方向的不同也会制造出多样的视觉效果。中国传统绘画与现代设计学的关系相辅相成，现代设计学需要中国传统精绘画髓的渗透，然而中国传统绘画的研究也需要从现代设计中吸取创造性的思维方式，既继承本民族的优秀传统又不断吸收、借鉴现代设计艺术和西方艺术的有益成分，使得中国艺术从传统形态向现代形态转变。三、以现代设计学推动中国传统艺术的进化中国传统艺术开展自清代中叶以后,暴露出了许多弊端。一是脱离生活,“标榜门户、相因、固步自封〞“近亲繁殖〞。二是排斥科学,不重视开展。虽然在明代宫中供奉西洋传教士画家的风习一直沿袭到清朝,但对传统中国画家并没有多少影响,

中国传统艺术仍然沿袭、继承古人“随类赋彩〞“墨分五色〞,注重强调

“物体的固有色〞而开展着,

而直到今天，很多的绘画理论不是诠释古人的观点、争论古人的是非、咀嚼古人的遗意，就是全盘否认传统，主西化和现代化，或中庸一点，中西调和，很少有从艺术开展的本质深入研究中国传统绘画中合理的、有价值的、有生命力的规律，这导致了中国绘画理论的滞后，也导致了中国传统艺术始终没能形成科学的、完整的教育体系和色彩理论体系。现代设计学是一科学体系，自20世纪初在前联的构成主义运动开场。形成了“三大构成〞，即平面构成、色彩构成、立体构成，以色彩构成为例，西方自十九世纪末的印象派对色彩就开场了科学的研究和分析，在现代艺术设计学的著作中中，认为色彩视觉心理是不同波长色彩的光信息作用于人的视觉器管，通过视觉神经传入大脑后，经过思维，与以往的记忆及经历产生联想，从而形成一系列的色彩心理反响，设计师必须学习创造适应人们普遍心理、视觉经历、审美趣味的表现形式，在使用颜色时应当充分考虑到社会文化、生产技术、经济消费、人机应用等各种关系的前提下进展综合性工作。色彩构成是一门系统的学问，容可分色彩与设计色彩认知、色彩归纳的具象与抽象表现、色彩归纳的装饰与重构、表现设计色彩功能与应用等等，色彩认知又可分色彩根本原理、色彩关系分类、色彩属性、色彩视觉现象、色彩的比照与调和、设计色彩与色彩归纳几局部，色彩归纳的具象与抽象表现可分色彩归纳的“源〞与表现技法；设计色彩功能与应用可分设计色彩的功能、设计色彩的情感传达、设计色彩的应用等等。中国艺术关于色彩，在一千多年前，南朝梁元帝萧绎在其所著的"山水松石格"中就认识到“炎绯寒碧〞中色彩的冷暖，宋词中“莺嘴叼花红溜，燕尾分波绿皱〞，“红溜〞、“绿皱〞就是互补色的运动，再如“万绿丛中一点红，动人春色不须多，〞“红了樱桃，绿了芭蕉〞等都说明了在中国绘画中一直善于把这些微妙的色彩变化抓住，然后再用这些色彩变化的感觉来控制人的心理感觉，但中国理论家们从来没有系统的进展过总结和研究。其实在现代色彩构成里，这属于色彩心理，色彩心理分为色觉心理和色彩的心理联想，联想又分为抽象联想和具象联想：色彩有冷、暖感、轻、重感软、硬感前、后感大、小感华美、质朴感色彩的活泼、庄重感兴奋与沉静感等等等等，中国人喜爱的红色、喜欢的金碧辉煌都能在其中找到找到科学依据。我们再从色彩构成的比照与调和来分析，绩"梦幻居画学简明"中云：“山水用色，变化不一，要知山石阴阳，天时明晦，参观笔法、墨法，如何应赭、应绿、应墨水、应白描，随时眼光灵变，乃为生色。〞这里“如何应赭、应绿、应墨水、应白描〞中的“应〞字，说明的是色彩间的生发关系，也就是由于色彩衬托需要有意识的布置、推导、演泽色彩的主观过程。这种色彩间的关系很多，诸如：明晦、清浊、浓淡、深浅、进退、强弱、轻重、润涩等，因而，中国画的着色被称之为“布色〞或“设色〞。比方“金〞色是明亮度极高的橙黄色，“碧〞是石青、石绿也就是蓝、绿，由偏暖的库金〔橙色〕对应偏冷的石青，这种互补色，也就是“极端的色相比照效果总是令人兴奋、生气勃勃、毅然坚决。〞此外，我们还可以从“金〞的象征、不透明、刺激、浓厚、固定沉重等特性，生发构造出“碧〞的如阴影般、透明、镇静、稀薄、流动、轻柔的感觉，反之亦然。

由此可见，用现代设计学科学完整系统地对中国传统色彩进展归纳，完全可以凸现中国传统用色的特点和思维模式，同时也提供了前人没有涉足没有研究应用到的色彩搭配方式，当今艺术家完全可以借助于现代色彩学中的色立体，如美国蒙赛尔色立体、德国奥斯特瓦尔德色立体、日本色研色立体等现代色彩体系等对中国艺术归类和借鉴，形成中国现代色彩体系。我们中国书法中就有九宫格进展训练的传统，利用九宫格进展配色，就是中国现代色彩搭配的一创新。将画面分成九个格子进展综合性配色。在配色中考虑色调的差异，以及明度、纯度及色相上的跨度，紧紧围绕色彩构成美的本质即比照协调来进展，这不仅有利于进展多方面的色彩搭配实验，还有利于创造性思维的培养。这是中国传统艺术在新的时代，向科学系统化思维转变，与现代设计相照应的例。

现代艺术设计的畴已扩展到了一切创造性的物质生产领域，包括文学、艺术等精神生产领域，融入了我们的生活、思维、观念的方方面面，而相应产生的艺术设计学科正以高速度、快节奏、多层次的方式进展开展。艺术是与时俱进的，中国传统艺术曾经起到过积极作用，但随着时代开展，已不能完全适应现代艺术开展的需求，以现代艺术设计学的开展为鉴，中国艺术从传统形态向现代形态转变，是十分必要的。

四、中国当代艺术教育之思考上文我们对中国传统艺术与现代设计学进展了比较研究，今天各种艺术思潮风起云涌，艺术家设计师们获得了前所未有的解放，自由的气息鼓舞着现代中国艺术们不断开拓进取，在这种艺术思想空前解放的环境下艺术教学也面临着新的任务，既要从西方现代艺术中吸取绘画意识和形式方法，又要继承我们优秀的传统，培养面向未来，走向世界，具有民族观念、现代意思念的专业人才。1、现代设计教学之思考艺术设计专业，旨在培养具备多种专业知识畴的设计人才。设计师仅仅是根底知识和技术根底的支持往往是不够的，还必须具备多种学科的知识和人文艺术素养。前几年，伪简约的淡出，而新中式的兴起，社会对“新中式〞的认可、时间对“新中式〞的考验，都证明了历史的东西往往更易成为经典。在长时间盲目的跟从西方后，设计师们又重新回到根本，这个根本就是我们自然的和我们的人文精神：人秉承历史、文化、艺术、生命、存在等人类永恒根本产生的精神、心理性体验。我们现在的室设计就应当遵循以人为本的设计理念，将人的生理和心理需求作为设计的出发点和归宿。现今设计的人文精神重要一环就是属于我们民族的中国传统文化，捕捉住此中国传统的人文精神，是我们未来设计的根底。处理好传统文化与现今艺术设计之间的关系，逐步形成适合国情的有中国特色的设计。努力继承中华民族的传统文化，培养具有中国特色的室设计人才。增加中国传统文化了解，帮助学生提高设计上的根本理论根底和设计思维，是我们现在艺术设计教学的根本方向，也是我们当前制定教学课程体系的方向。当前中国设计面临的问题：设计人才缺乏，好的设计师培养难。设计人员我们并不匮乏，但是设计“人才〞严重欠缺。而对优秀的设计师的需求及培养也是迫切的现实。设计市场现状说明：中国目前的设计虽然已经有了很大的提高，但是长时间跟随仿照国外甚至地区风格作品，对我们自身的设计理念产生了很大的伤害，因而我们也必须不断自省以解决我们设计的缺陷。否那么中国的设计将没有自己真正独立的地位。而如何去培养中国自己的设计师又成为我们教育工作者当前面临的更大难题而作为室设计师的摇篮—学校，设计专业教学现状却显示出需求市场与好的人才缺乏这一现状有着一定的矛盾性。同时高校设计专业的现状和存在的问题反映出对中国传统文化知识的欠缺：

从学校的课程设置情况来看：一方面教学与市场需求及整体的设计趋势衔接不严密，常常落后于我们最新推出的设计理念和设计趋势。教材和教学方式几年都不曾改变或更新。而各个艺术校因学科背景的不同，在针对环境艺术设计方向的专业课程设置，侧重的重点也有所不同，如以建筑设计为学科强项的院校侧重与建筑相关课程开设，以工业设计为强项院校的多注重造型能力课程，艺术为强项院校注重绘画类课程开设，园林设计类学院注重景观园林类课程开设。这些院校都有一个共同点，那就是大量开设根底美术类课程及与室环境设计直接相关课程，也开设一定量选修课程以培养学生综合素质。通常是根据本学院的教学优势来选择课程的开设，往往无视了市场和学生的需求。其中作为包含着大量中国传统的文化和中国传统设计知识的课程并未单独作为一门课程开设，也并未在一些课程中深入的涉及。从这些在校大专生来看，学生的学习情况与存在许多问题：仅仅专注于纠结课程设置的缺乏和不完善是不够的，根据作者在前期一份200人的调查报告的调查总结中我们可以看到：以目前的教学方式来看，学生具备一定自主学习意识，但是已经习惯了惯有的传统教学模式，缺乏主动去学习与课程不是直接相关的知识容；以目前的整个设计趋势来看，中国现在的设计是较注重传统文化底蕴的培养的，但是多数学生缺乏根本的人文素质培养，对中国传统文化缺乏认识，以及对设计密切相关的古典知识的缺乏；而作为灌输知识的高校，未曾开设相关传统文化课程，即使园林艺术设计专业的学生对我国著名的几个园林的认知也仅仅局限于书本知识，更有局部同学从未看过古典园林方面书籍，不清楚中国古典园林在国际的地位和对整个设计的影响。有少局部同学甚至完全不知道我国著名古典园林的名字。这就更迫切的要求我们应当在课程学习中增加对中国传统文化的学习，及与环境艺术设计相关的中国古典园林文化的学习。国际设计风向标显示“中国趣味〞在西方已再次复兴。这些设计环境的大趋势都影响整体室设计的潮流是不能丢弃中国传统文化的。因而，中国趣味的复兴引导设计专业开设传统艺术教育课程学习是必然。中国设计的趋势：连续2006年、2007年、2021年的设计年会都连续提及设计大师们在谈到未来设计的新趋势时，都不会忘记提我们最根本的东西，也就是我们中国设计的“根〞、当今社会的设计趋势是多变的，多元化的，是充满着各式各样的潮流的，但是几乎所有有影响力的设计师在总结这几年及未来设计开展趋势时都提及“风格〞或者诠释为一种全新的“新风格〞。在设计上绝不能盲目追赶国际潮流，而应设计具有鲜明民族特色，或者地方特色的设计。古典的民族的东西是经得起时间和群众审美的考验的，也是能持续流行不变的。如江南古典园林充分包含中国传统建筑、室、景观设计等综合容设计经典与元素，正是这些容对我们的设计所产生的直接影响，对它的充分学习和认识也是为我们在将来进展中国地域文化、中国传统文化设计提供有力的学科根底和文化背景。如环艺设计专业，中国古典园林蕴涵的容丰富而广泛，无论在我们行走期间看到四季变幻的植物，还是步移景异小巧与精巧的园区，再到她那各式各样的建筑类型，再进入到室我们看到的特色建筑构件和家具设与别致的摆设，均可以在现今的设计室设计和建筑设计中也见到它们的身影：小型庭院设计、中型大堂设计、大型四季厅的设计中，江南园林中的造景形式、植物配搭、建筑构件都被重新演义，成为新中式风格与其他流行风格营造的重头兵。在现今时尚的设计师眼中和手中，这些以往中规中矩呆在传统庭院和建筑中的构件或者、装饰件们，却成为现今最时尚的设计元素。著名的建筑与室设计大师贝律名的代表作品中，无论是引起我们曾经热捧的香山饭店还是被国际所推崇的日本MIHO博物馆还是收山之作的博物馆中江南园林最常见的建筑构件——月洞门、透窗、隔扇……等的完美运用都告诉我们古典园林元素运用到建筑与室设计是这样契合，因此室设计专业汲取江南古典园林文化营养是非常必要的。通过以上论述，传统艺术教育是培养优秀的中国设计人才的必经之路，高校艺术设计教育应对传统艺术教学高度重视，能够设置相应课程。以提高学生的综合素质，增强学生的民族文化涵。同时，此文权作抛砖引玉，引起现代设计等多艺术领域更多的重视和关注，对中国传统文化作深入地学习与了解，更好的效劳于现在多领域的设计以及社会生活中，培养出更多更优秀的高素质人才。2、当代中国画教学之思考中国传统艺术教育开展自清代中叶以后,暴露出了许多弊端。一是脱离生活,“标榜门户、相因、固步自封〞“近亲繁殖〞。二是排斥科学,不重视开展。在这样一种思潮的冲击下，现代艺术家和批评家对中国画进展了无情的批判和改造，曾经是中国人精神寄托的中国画日渐失去了欣赏群体，中国画创作失去了根基，也给中国画教学平添了许多盲目性。西方的艺术教育自20世纪著名的德国“包豪斯〞〔Bauhaus〕设计学院成立开场，培养出了一批在各个设计领域中领先的人才，包豪斯的艺术教育家们提出了“艺术与技术相结合〞的教育理念，崭新的设计理论和设计教育思想使包豪斯成为现代设计之发源地。从西方现代设计中吸取绘画意识和形式方法，使中国艺术家们向未来，走向世界，树立一种具有现代观念、当代意识。今天各种艺术思潮风起云涌，艺术家们获得了前所未有的解放，自由创作的气息鼓舞着现代中国画家们不断开拓进取，在这种艺术思想空前解放的环境下中国画教学也面临着新的任务，既要从西方现代艺术中吸取绘画意识和形式方法，又要继承我们优秀的传统，以形成一套面向未来，走向世界，创造一种具有现代观念、当代意识的科学系统又符合民族审美情趣的教学模式，在现代语境下，实现传统中国画的复兴。本文从民族精神、艺术规律、绘画模式、借鉴西方等四个方面就现代中国画教育谈谈自己的看法。⑴、吸收民族文化各个民族文化的特殊性，构成了世界文化的丰富性，我们不能排除各种文化的相互影响，但就像大风吹树木一样，只有自己的根扎稳了，才能笑迎八面来风，如果仅是在西方文化的屋檐下寻求一块栖身之地，情愿将自己的文化寄人篱下，最终只不过如水中浮萍、沙上