【默克尔钢琴曲的演奏技巧探析实例-蝴蝶为例5200字（论文）】

默克尔钢琴曲的演奏技巧分析实例—《蝴蝶》为例目录摘要 摘要：默克尔（1827-1885），德国管风琴师兼作曲家，在德国，美国和英国都有他的作品广为流传。本文以钢琴曲《蝴蝶》为研究对象，研究分析了该音乐曲谱的创作和表演。默克尔的钢琴曲作品《蝴蝶》描述了蝴蝶的优美姿势，将其飞舞时的姿态展露在人的脑海中，并表达了人类对自然界的热爱。它清新简洁，迷人不已，是浪漫主义抒情的钢琴曲调之一。

关键词：默克尔；蝴蝶；创作；演奏引言:默克尔（1827-1885），德国管风琴师兼作曲家。作品遍布德国，美国和英国。默克尔的钢琴曲《蝴蝶》描述了飞翔姿势宛若跳舞的蝴蝶的美丽，表达人类对自然界的热爱。它清新，简单，迷人，它属于浪漫主义时期抒情类的钢琴歌曲，并被记录在两套《钢琴教程》中。在今天，师范院校的钢琴教学中广泛使用到这首曲子，由此可见，人们喜欢并重视它。在钢琴演奏中必须具备一种能力就是想象力，丰富的想象力可以把演奏者曲谱中静态的谱子变成生动的画面，形成于演奏者与听众的脑海中，进而通过比较选择出最正确的触键方法，得到最适合该曲谱的音色，最后得到栩栩如生的演奏效果。该曲谱的总体节奏是生动活泼，情绪激昂，结构细致，规律对称，旋律平滑轻缓，主题素材呈现旋律化，音色效果鲜明，色彩丰富多变，体现出生动鲜明的浪漫主义音乐特色与氛围。就像是看到五颜六色的蝴蝶，上下翩飞，静静地享受阳光，春天和鲜花。春天的一切都会令人耳目一新的复苏。山间有一条小溪在静静地流淌，五颜六色的花朵互相争艳的盛开，在春日的微风中，它们展现出优雅的姿态，柳树伸展出黄绿色的新叶，在春日的微风中，它就像一群身上穿着绿色礼服在跳舞的仙女。自然就像一只蝴蝶，它又像一段五颜六色的彩虹，还像一首婉转美妙的曲子，它有许多姿势，让我们每个人都对它无比的热爱。人们用自己的方式而爱着自然，作曲家默克尔就将它谱成曲子，让它变成花丛中的蝴蝶，偏僻起舞，优美动人，来表达他对自然的热爱，显示出人类对自然的关怀。默克尔的《蝴蝶》，整首曲子节奏生动活泼。在弹奏的时候，会觉得弹奏的手指就像蝴蝶在花丛中飞舞，一会儿追逐和玩耍，一会儿有静静地停在花瓣上休息。音乐是从左手重复的两小节琵琶音开始引出的。这种重复的开头，简单、清晰，带来了冲动、渴望进入的感觉。接着从主旋律开始，一个从弱到强的八度跨越，将人们带入五彩缤纷的花海，心中扬起一抹轻松惬意的感觉，然后主旋律开始进入，两只跳舞的蝴蝶在花丛中飞舞，飞翔，玩耍，感受大自然的美丽。默克尔的钢琴曲《蝴蝶》会将人们带入无忧无虑的鲜花的海洋之中，让他们仿佛沉浸在童年的回忆中，每当他们听到或播放这首曲谱时，都会有一种难以形容的美感在心中盘旋。一、钢琴曲《蝴蝶》创作特色（一）曲式特点曲式是指音乐作品的构成方式，是一片曲谱构成的主要因素。默克尔的钢琴曲《蝴蝶》总共有61小节，整体呈现出短小精悍的特点。D大调，是整体再现的三段体曲式，6-25；8拍，差不多是小快板的速度，轻快柔和，流畅优雅，充满色彩变化，丰富的体现了浪漫主义音乐色彩，就像翩翩飞舞的蝴蝶，五颜六色，姿态优雅。基于整个歌曲结构的图示分析：由主和弦的琶音开始（引子：1-12;2小节），解释了这个作品的主要伴奏模式和主题音乐的形象，且生动地描述了蝴蝶轻柔的姿态和自由奔放的形态，令人向往。复乐段曲式（呈示乐段：3-12;18小节），在D大调中，上下两段相平行，主题音乐形象是以（8+8）的形式表现出来的，描绘一段美丽动人的旋律。一段体曲式结构（对比段落：19-12;32小节），A大调，完全展现了主题材料，整体是由主题句（8小节）和扩充句（6小节）结合组成，形成与主题的对比的情况，有承上启下的作用。乐段的完全再现（再现乐段：33-12；48小节），在D大调中，每个部分的结构特征与呈现通道完全一样，并且触键力度和情感对比度都是适量增加的，并且形成了阶梯式的效果使整体结构将音乐情绪推向高潮。结尾的规模是13个小节的长度（尾声：49-12；61小节），在d大调中，有一个结尾扩大的效果，重复深化和对比，表现出颜色的变化，并反映结局的稳定性。（二）伴奏音型特点作品的核心和灵魂是低音声部上行琶音伴奏音型。在适度突出一种音的时候，指尖力点灵巧的横向运动运用于演奏中。让每个长琶音和短琶音具有方向性和动态感，表现了自然的上升趋势。默克尔的《蝴蝶》的结构是复杂而精致的，规则和对称的。它在音乐内容标题，旋律主题和和声效果着色等方面表现了独特而丰富的浪漫主义音乐特色和氛围。通过对音乐作品的研究，论文对音乐的构成、曲谱的制作有了更深的理解和体会，并且可以对音乐的特征进行价值观认识，以便我们更好地理解默克尔的流派，演奏风格和音乐转换。只有充分理解和理解音乐作品，才能准确地表达音乐作品。二、演奏技巧的处理与分析（一）半音的跑动《蝴蝶》以主三和弦上行琶音的形式开始。它不仅阐明了作品的主要伴奏模式和主题音乐形象，而且生动地描绘了蝴蝶的优美姿势和洒脱的风度，令人神往，它在引言的介绍和预测中确实扮演了一个角色[4]。但内容丰富，应该高度重视和提炼。首先，演奏者应该使用延音踏板的半踏板桨快速轻柔地通过指尖，发挥轻盈优雅的音效，展现蝴蝶的光芒和自由奔放的姿势。部分描述是情绪化准备的。其次，表演者应该在两种措施中对待相同的声音模式，强度从弱逐渐增加，声音逐渐由浊度增加。第二项措施的处理略强于第一项措施。自然而然地想到蝴蝶的光和空置的，更高和更高的动态情景。（二）琶音与踏板的处理低音AcousticUp声乐伴奏声音模式是作品音乐的核心和灵魂。在适度强调第一声音时，手指动作和敏捷的横向移动使每个琶音演奏充满方向性和力量。上升的趋势。基于5成、7成的强度和情绪增长的对比，压力踩踏和分裂踩踏技术的组合使用半步和轻踩对比平滑优美的旋律声音。蝴蝶轻巧灵活。特别是在第10杆的表现中，演奏者应该借助踏板来增加指尖的深度，并确保手部两部分的连续性和流畅性，以获得无缝连接效果。表演者应该结合通道的句法和谐音变化，以便分割踏板，辅以重音踏板，主要是浅点，辅以重要步骤形成并呈现通道（A）。比较和强度和声音效果的变化。（三）六度、八度音程处理在旋律部分演奏八度（19至26条）和低音部分演奏六度时，演奏者应该尝试确保手臂，手腕和指法科学设计的协调。当演奏三声或六声双音旋律声部时，应使用相同的触控力。在强调这两个声音的同时保证这个短语的完整性。流畅和抒情就像两只美丽的蝴蝶。对于第十五小节中的装饰音符，表演者应确保手掌和手臂处于自然协调的状态，并尝试移动，并发挥活泼轻盈的音乐效果。它必须自然地被整合以确保短语的完整性和流畅性，并且在声音中反映其他短语。色彩与音乐心情形成鲜明对比。由于第一个三分音符处于旋律位置，第二个和弦是第一个和弦的结尾，所以应该尝试使用指尖的深度和快速弹跳来播放丰满，圆润并保持移动的声音。终止和弦时，应测试指尖的稳定深度，并发挥坚定和决定性的终止作用。对于50,54巴的低音，虽然两个和弦都有强烈的阻力和丰富的色彩，但它们属于两种不同类型的和弦，特别是在色彩方面，给人一种光影，明暗之间的区别，结构顺序，有连续的关系和重要的关系。同时，表演者确保指尖更深，人的关键是用来发挥一个完整的，厚实的声学效果，演奏者提出增加了两者之间的显着色彩效果和弦低音和由此产生的两个和弦。为了增强与主要作品的对比，充分准备了整首歌的结尾。对于52,57,58和59杆，表演者必须将这四项措施与弦连接起来，自然而然地无缝衔接，并且在四项措施中的第一拍的弱点处仔细处理根。轻盈，展现蝴蝶的轻盈与灵巧。（四）力度与情绪的处理演奏者应分别按照力量的50％到70％的比例来对待第一和第二段（a，a1），以形成力量和情绪之间的增量对比关系，并在宏观上进行控制。并处理。由于再现通道完整地再现了演出通道，加上其对总体结构中的比较通道的不利影响以及所呈现段落的识别，演奏者应保留并使用基本段落进行呈现。在演奏技巧的同时，适当增加触控键的强度和对比度，让音乐片段的复制和前两部分在整体结构上形成一种递增的关系效果，要求更情绪化的情绪，更激烈的色彩，将音乐心情推向高潮。三、总结由于钢琴演奏的不同以及各历史时期不同的风格，钢琴演奏的力度，特别是钢琴制造的进度对音色和音质的影响存在差异[5]。随着钢琴制造技术的进步，音色越来越丰富，力度不断加大。作品的艺术魅力也越来越丰富多彩。正确理解不同时代的音乐风格及其对表演和表演的理解对于作品的解读至关重要。随着钢琴制作过程的不断改进，古钢琴逐渐退出历史舞台，并以头顶和跳跃动作取而代之。由纵梁动作制成的钢琴触摸按键更大更轻，钢琴声明亮柔和，颗粒坚固。音色类似于弹拨的古钢琴[6]。这一时期的音乐风格也发生了巨大的变化。复音乐已逐渐被主流音乐所取代，并更多强调个人情感的表达。“古典时期早期的钢琴音乐（以海顿和莫扎特为代表）具有典雅精致，细腻抒情的室内音乐风格，还带有一点巴洛克风格的晚期风格。”1在海顿的钢琴音乐中，强度标志很少看到。，只偶尔会看到“p”和“f”;在莫扎特的钢琴音乐中，动态符号的使用非常频繁，并且在许多音乐作品中可以看到“ff”和“pp”标志，对比度的强度不断增加。贝多芬对力量的使用更加丰富多样。他的钢琴成绩被赋予了很大的力量，就像“SF”“SFP”力量标志一样，在“PP”之后立即有很多“FF”，甚至在“PPP”“和”FFF“。这些强项之间的对比增强了贝多芬音乐的戏剧性[7]。在贝多芬的“悲哀奏鸣曲”的第一乐章中，同样的材料表现出几种不同的优势。在第五部分的引言部分，p应该突然进入，下面的ff和p的交替出现应该是显而易见的。缓慢前进，直到占领主题的高度达到紧张状态。当第九节的SFF播放时，必须有感觉的比例，整个介绍充满了古希腊式的悲壮气氛和愤慨命运，让听众血沸腾。可以看出，古典音乐家将音乐的表现与作品的情感表现相结合，使这种强烈而弱的对比变化成为表达作品情感的有效手段。钢琴的演变和文化趋势的变化影响了力量和情绪表达的使用[8]。莫扎特正处于宫廷艺术和公民艺术的过渡时期，所以他的音乐也伴随着优雅的宫廷氛围，追求明朗而自然的控制色调，权力一般在f和p之间控制。在贝多芬时代，宫廷遗产已经消失，摆脱了宫廷的束缚，可以根据自己的意愿任意创造，强调主观感受的表达，并将人类和社会感受提升到前所未有的高度，所以在贝多芬在作品中，强度标记不仅数量众多，而且具有强烈的对比度和强烈的对比度。《蝴蝶》的第一位作曲家将精彩的想象融入作品创作中，不仅使旋律更加美丽而充满欣赏，而且使原本枯燥的练习音乐变得有趣和美妙。想象空间不再是一个不变的例程，它可以帮助表演者根据自己的想象力更轻松愉快地完成作品[9]。从练习曲的角度来看，这部作品是左撇子练习左手运动的积极习惯。精彩的想象，它可以有效地避免一定程度上的练习追求。速度和所谓的技术忽略了歌曲本身的艺术性。免费低音的按键以复杂而紧凑的方式排列，对于演奏者的手指要求高精度。科学合理的排列指法可以提高手指速度和手指触摸按键的音质;提供短语的流畅性和大跳跃的准确性;并且可以更好地表现多部分音乐的水平并有助于表达音乐的表达。默克尔的创作不同于浪漫自由和一些故意[10]。他的作品有明确的动态性能要求，但没有指法和踏板标记。表演者只能根据他描绘的图片自己处理指法和力量。在《蝴蝶》的作品中，除非你首先了解创作的起源和描绘的写照，否则八度音阶通常会变得非常厚重，音量会变得沉闷。这段音乐描绘了漂浮月光的甜美画卷。声音微弱但没有想象。用你的指尖抓住钥匙来演奏上面的主旋律。在20世纪下半叶，现代音乐的发展使得过去的钢琴音乐创作变得前所未有。“打击乐”的兴起与盛行使其实力的对比成为现代钢琴音乐的主流元素，“pppppp”以“fffff”是一系列钢琴音乐力量的变化发挥最为尖锐的，因此丰富了钢琴的表现。钢琴演奏者只有坚实的基础来控制他们的表演强度。在演奏的同时，他们还需要深刻理解音乐作品的内涵和每个时期的风格。他们将对作品有更详细的理解和处理，并将撰写作曲家的情感转化为自己对作品的独特理解，可以完美演绎钢琴音乐作品。四参考文献[1]王璐.浅谈默克尔《蝴蝶》的创作特色[J].大众文艺:学术版,2013(5):135-135.[2]贺力.舒曼钢琴曲《蝴蝶》的浪漫主义特征[J].大舞台,2012(6):57-58.[3]馬水龍:《梆笛協奏曲》作品探索與演奏詮釋[D].,2012.[4]于立刚.钢琴曲《蝴蝶》音乐分析[J].南阳师范学院学报,2004,3(7):79-80.[5]焦素娥.影像审美:理论与