初中音乐七年级下册《第四单元 表演艺术家的二度创作》教学设计

初中音乐七年级下册《第四单元表演艺术家的二度创作》教学设计

一、课程基本信息与背景分析

【基础】本教学设计针对的是人民教育出版社出版的初中音乐七年级下册第四单元中的核心学习项目——“表演艺术家的二度创作”。基于课程改革理念，本设计将这一项目视为连接音乐作品（一度创作）与音乐听众（审美接受）之间的关键桥梁。在传统的音乐教学中，学生往往只关注乐谱上的音符，而忽略了演奏（唱）家如何通过个性化的理解与技术处理，赋予乐谱以鲜活的生命力。本课旨在引导学生从“识谱”的浅层学习，走向“悟乐”的深层体验，理解音乐表演的本质是一种创造性的艺术活动。

【非常重要】本课的教学逻辑建立在“作品-表演-聆听”的三维互动模型之上。我们认为，乐谱仅是作曲家思想的符号记录，是一种“潜在的音乐”。只有当表演艺术家通过其精湛的技艺和深刻的情感体验，将这些符号转化为实际的音响时，音乐才真正“存在”。因此，本课的教学核心是引导学生通过聆听、比较、分析和实践，揭开表演艺术家“二度创作”的神秘面纱，理解其基本原则、常用手法和美学追求，从而提升学生的音乐审美能力、批判性思维能力以及初步的艺术表现力。这一项目不仅是对单元主题的深化，更是培养学生核心素养中“审美感知”和“艺术表现”的关键环节。

二、教学内容深度解析与重构

（一）教材内容的定位与拓展

教材以“表演艺术家的二度创作”为题，通常会选取同一音乐作品的不同演绎版本作为对比聆听的素材。在教学设计中，我们不能仅仅停留在“哪个版本更好听”的浅层比较上，而应深入挖掘版本差异背后的创作逻辑。因此，我对教学内容进行了重构，将其划分为三个递进的层次：

1.【基础】何为二度创作？——厘清概念，明确二度创作是介于作曲与欣赏之间的关键环节，是表演艺术家基于乐谱进行的个性化诠释与再创造。它与“一度创作”（作曲）的本质区别在于，表演者既是“再现者”，也是“创造者”。

2.【重要】二度创作的手段是什么？——从音乐本体要素出发，分析表演艺术家通过哪些技术手段来实现二度创作。这主要包括对速度（如Rubato弹性速度）、力度（如强弱对比、渐强渐弱）、音色（如触键方式、运弓方法、咬字归韵）、演奏法（如连奏与断奏、滑音与颤音）以及结构布局（如高潮的推进、段落的对比）等方面的个性化处理。

3.【非常重要】二度创作的美学原则是什么？——引导学生思考，艺术家的个性化处理是否“随心所欲”？其中是否存在共性的美学追求？例如，如何处理“原作的忠实性”与“表演的创造性”之间的关系？如何在音乐的逻辑发展与情感的充沛表达之间找到平衡？这涉及对“风格”、“韵味”、“意境”等更高层次审美范畴的理解。

（二）核心教学素材的精选

为了支撑上述教学内容，我将精选三类对比性极强的音响/视频素材：

1.民族器乐作品对比：选取经典二胡曲《二泉映月》，对比阿炳（原始版本/后人根据其录音整理）、闵惠芬、宋飞等不同演奏家的版本。【重要】引导学生关注他们在运弓的力度、揉弦的频率与幅度、乐句呼吸感的处理上，如何塑造出迥异的音乐性格——阿炳的苍劲悲凉、闵惠芬的深沉大气、宋飞的细腻内敛。

2.声乐作品对比：选取中国艺术歌曲《教我如何不想她》，对比美声唱法与民族唱法，或不同时代歌唱家（如斯义桂、刘秉义、戴玉强等）的演绎。【重要】重点聆听他们对语言（字正腔圆）的处理、声音位置的统一、情感层次的推进，理解歌唱家如何通过声音塑造不同的人物形象和情感基调。

3.西方器乐作品对比：选取巴赫《G小调赋格》或贝多芬钢琴奏鸣曲片段，对比古尔德、席夫等钢琴家的演奏版本。【拓展】可以引导学生发现，古尔德在演奏中独特的节奏处理和声部强调，甚至是哼唱的细节，都是其独特二度创作观的体现，从而拓宽学生的艺术视野。

三、学情分析与教学定位

【基础】教学对象为初中七年级学生。这一阶段的学生正处于形象思维向抽象逻辑思维过渡的时期，他们对音乐有天然的喜爱，但往往停留在“好听/不好听”的感官层面，缺乏深入分析音乐的意识和能力。他们具备了一定的音乐基础知识（如力度记号、速度记号、简单的曲式结构），但对这些要素在艺术表现中的综合运用尚缺乏系统认知。

【重要】基于此学情，本课的教学定位是：不做枯燥的理论说教，而是以“侦探破案”的趣味形式，引导学生在聆听体验中发现“二度创作”的蛛丝马迹。通过创设“音乐实验室”的情境，让学生像音乐学家一样，带着问题去聆听、去比较、去假设、去验证，最终形成自己对音乐表演的独立见解。教学难度在于，如何将复杂的、抽象的音乐美学问题，转化为符合七年级学生认知水平的、可感知、可讨论、可模仿的具体问题。

四、教学目标设定（核心素养导向）

基于课程改革的理念，本课的教学目标设定如下：

1.【审美感知】（基础/重要）通过聆听同一作品的不同演绎版本，能够敏锐地感知并辨别在速度、力度、音色、演奏法等方面的细微差异，并尝试用准确的语言描述这些差异所带来的不同审美感受。

2.【艺术表现】（重要/难点）了解二度创作的基本手法，能够参与简单的模仿与创意表现，尝试用不同的方式（如改变速度、力度）演唱或演奏简短的音乐片段，表达个人对音乐的理解。

3.【创意实践】（热点/高频考点）在比较和分析的基础上，能够对艺术家的二度创作进行简单的评价，发表自己的见解，初步建立“表演是创造性活动”的观念。鼓励学生在小组合作中，对一段未标记任何表情记号的旋律进行个性化的二度创作设计，并进行展示与阐释。

4.【文化理解】（重要）认识到音乐作品的诠释与时代背景、个人风格、民族文化息息相关，理解二度创作是音乐文化传承与创新的重要动力，尊重不同艺术家的个性化表达。

五、教学重点与难点

1.【教学重点】引导学生从音乐本体要素（速度、力度、音色、演奏法）出发，分析并理解表演艺术家实现二度创作的具体手段。

2.【教学难点】如何帮助学生跨越“感官聆听”的层面，进入“审美分析”的层面，理解二度创作不仅是技术的展现，更是情感与思想的表达，并能在实践中初步运用这些手段。

六、教学策略与方法

本课将综合运用以下教学方法，构建以学生为主体的体验式、探究式课堂：

1.【非常重要】比较聆听法：这是本课最核心的方法。通过反复对比同一作品的不同版本，将抽象的“风格”转化为具体的、可听的“差异”。

2.【重要】启发式提问法：设计一系列有梯度的问题链，引导学生层层深入思考。例如：“你听到了什么？”“这两个版本给你的感觉有什么不同？”“演奏家是用什么方法让你产生这种感觉的？”“如果是你，你会怎么处理？”

3.【重要】体验模仿法：选取短小精悍的乐句，让学生通过哼唱、模仿演奏家的动作（如指挥手势、演奏姿态），切身感受速度、力度的变化，实现“具身认知”。

4.小组合作探究法：围绕特定任务，组织学生进行小组讨论和合作创编，培养协作能力和创新精神。

5.可视化辅助法：利用音频编辑软件（如Audacity）的波形图，或将乐谱与音频同步播放，将抽象的音响变化（如力度强弱、速度快慢）进行可视化呈现，降低分析难度。

七、教学实施过程（核心环节，详细展开）

【课时安排】2课时（每课时45分钟）

第一课时：初探“二度创作”——音乐中的“异”与“同”

（一）导入环节：悬念设置，激活经验（约5分钟）

1.【活动】教师播放两段《生日快乐歌》的音频。第一段用极快的速度、断奏的方式在钢琴上弹出；第二段用缓慢的速度、连贯而深情的方式用大提琴演奏。

2.【提问】同学们，这是同一首曲子吗？（学生笑答：是《生日快乐》）为什么同一首曲子，带给我们的感受如此不同？一个像欢快的派对，一个像深情的祝福。

3.【导语】作曲家写下的是乐谱，就像是一张“设计蓝图”。而将蓝图变成真正矗立在我们面前的建筑，就需要工程师和建设者的“施工”。在音乐世界里，演奏家和歌唱家就是这些“施工者”，他们的表演过程，就是一次至关重要的“二度创作”。今天，我们就一起走进《表演艺术家的二度创作》，去探究他们究竟施展了哪些“魔法”。

（二）认知建构：概念解析与手段初识（约10分钟）

1.【基础】教师简要介绍“一度创作”（作曲家）与“二度创作”（表演艺术家）的概念，强调二者的关系是“忠实”与“创造”的辩证统一。指出乐谱只是起点，而非终点。

2.【重要】引导学生思考：“如果让你来当一回‘施工者’，你可以改变蓝图上哪些东西？”学生自由发言，教师将关键词写在黑板上：快一点、慢一点、大声、小声、柔和一点、有力一点……教师顺势将这些零散的关键词归纳为专业的音乐要素：速度、力度、音色、演奏法。指出这正是表演艺术家进行二度创作的主要“工具”。

（三）深入探究一：民族之魂——走进《二泉映月》的不同人生（约20分钟）

1.【非常重要】第一次对比聆听：初感差异。

播放阿炳原始录音片段（如有可能）和闵惠芬演奏的《二泉映月》主题乐句。

【提问】这两个版本的《二泉映月》，哪一位演奏家的情感更“外露”？哪一位听起来更“苍凉”？用两个词分别形容你的感受。

学生讨论后可能回答：闵惠芬的更“悲愤”、“激昂”，阿炳的更“苍凉”、“平静地诉说”。

2.【非常重要】第二次对比聆听：聚焦手段。

教师将主题乐句的乐谱投影出来。再次播放两个版本，但这次要求学生在乐谱上做标记。第一遍听阿炳版，用“→”标记出你觉得速度比较平稳的地方，用“p”或“f”标记力度。第二遍听闵惠芬版，同样标记。

【引导提问】对比你们做的标记，发现了什么？（引导学生发现闵惠芬在“”音上往往有更强烈的力度变化和速度的细微拉伸，即“Rubato”。）

教师总结：闵惠芬大师通过更大幅度的揉弦（改变音色）、更鲜明的力度对比（从pp到ff）、以及更自由的弹性速度，将她对命运的感慨和抗争精神注入了音乐，使得音乐更具戏剧性。而阿炳本人的演奏，则更像一位饱经沧桑的老者在月下独自沉吟，其艺术感染力同样震撼人心。

3.【难点突破】小实践：模仿与体验。

教师带领学生用“人声”模仿二胡的演奏。全班一起用“en”音哼唱主题乐句的前两个小节。第一次，要求平稳、连贯地哼唱（模拟阿炳的基调）。第二次，要求在第一拍上加入一个渐强，然后在第二拍逐渐减弱，并在长音上想象做揉弦的动作，让声音微微颤动（模拟闵惠芬的处理）。

【即时反馈】问学生：哪种方式让你觉得情感更投入？你的身体感觉有什么不同？通过亲身体验，深化对力度、音色变化与情感表达之间联系的理解。

（四）课堂小结与预习（约5分钟）

1.总结：今天我们以《二泉映月》为窗口，看到了不同表演艺术家如何运用速度、力度、音色等“工具”，为同一首作品赋予了不同的精神内涵。这就是二度创作的魅力。

2.布置预习任务：请同学们课后自主搜索并聆听《教我如何不想她》这首歌曲，找一找至少两个不同歌唱家演唱的版本，尝试用我们今天学到的方法，分析他们在演唱处理上有什么不同。为下节课的“我是小小评论家”环节做准备。

第二课时：实践“二度创作”——我是小小表演艺术家

（一）复习与反馈：我是小小评论家（约10分钟）

1.【重要】小组交流：学生以小组为单位，分享自己课后聆听《教我如何不想她》不同版本的发现。教师巡视，倾听并参与讨论。

2.【高频考点/热点】全班分享：邀请2-3个小组代表发言，分享他们的“乐评”。引导学生从咬字（字头的喷口、字腹的饱满、字尾的归韵）、声音位置（是靠前明亮还是靠后深沉）、情感处理（对“燕子你说些什么话”一句的不同语气处理）等方面进行阐述。教师对学生的分析给予肯定和深化，将感性认识上升到理性分析。

（二）深入探究二：声乐之美——诠释《教我如何不想她》（约15分钟）

1.【非常重要】聚焦对比：播放斯义桂（男低音）和某位当代男高音（如戴玉强）演唱的同一片段。

【引导性提问】斯义桂先生的声音像什么？（大提琴、深沉的大海）他的速度处理是怎样的？（相对平稳、从容）另一位男高音的声音像什么？（小号、灿烂的阳光）他的速度和高潮处有什么变化？（更富激情、速度稍快）

学生讨论得出：不同的声部、不同的音色本身就为作品定下了不同的基调。男低音的演绎更侧重于内敛的抒情和深邃的意境，男高音的演绎则更侧重于情感的迸发和戏剧性的张力。

2.【重要】探究语言之美：选取歌曲中“啊”字拖腔的部分，对比两个版本。

引导学生发现，即使是一个“啊”字，歌唱家也通过力度的起伏和音色的明暗变化，将其塑造成一条情感发展的曲线。它不仅仅是声音的延长，更是情绪的延伸。教师可带领学生用两种不同的力度变化方式（如渐强后突弱、持续渐强）来演唱这个“啊”字，感受其表达效果的差异。

（三）实践创编：给旋律注入灵魂（约15分钟）

1.【非常重要/难点】任务发布：教师给出一段从未学过、没有任何表情记号的简短旋律（例如，一段4小节的五声调式旋律，谱例呈现在黑板上）。将全班分成若干小组，每组4-5人。

任务：你们就是这个旋律的第一任“表演艺术家”。请你们小组合作，为这段旋律设计一个“二度创作”方案，并尝试用“啦”或者“唔”唱出来。设计可以从以下几个方面考虑：

速度：选择什么样的速度？中速、慢速、快速？是否需要变化？

力度：整体力度如何？哪里需要渐强？哪里需要渐弱？

音色：想要用什么样的声音来唱？是明亮欢快的，还是柔和抒情的？

演奏法：是连贯地唱（连音），还是跳跃地唱（跳音）？

最重要的是：你们想通过这样的设计，表达一种什么样的情绪或画面？

2.【热点】小组合作探究：学生热烈讨论，尝试演唱，不断调整方案。教师深入到各小组，以平等的身份参与讨论，提供建议和帮助，例如启发他们：“如果表现清晨的宁静，速度应该怎样？”“如果表现小朋友做游戏，力度和音色又该如何？”

（四）成果展示与评价（约10分钟）

1.【重要】小组展示：邀请2-3个小组上台展示他们的“二度创作”成果。要求先简要陈述他们的设计理念（我们想表达……，所以我们用了……的速度和力度），再进行演唱。

2.【高频考点】互动评价：其他小组的同学担任“大众评审团”。评价标准不是“对与错”，而是“是否合理”与“是否有创意”。

教师引导评价：“你们觉得他们小组的设计，清晰地表达了他们想表达的情绪了吗？”“他们用了什么特别的方法让你感受到了？”“如果是你，你还有什么不同的想法？”

通过这种开放式的评价，不仅肯定了每个小组的创造性劳动，也让学生在思维的碰撞中，进一步深化了对二度创作多元性和可能性的理解。

（五）全课总结与升华（约5分钟）

1.【非常重要】教师总结：通过这两节课的学习，我们不再是简单地“听”音乐，而是开始“品”音乐。我们明白了，每一部经典的音乐作品，都不仅仅是作曲家一个人的功劳，它凝结了一代又一代表演艺术家的智慧与情感。他们用自己的“二度创作”，让音乐在不同的时代、不同的人心中，焕发出新的光彩。

2.【重要】升华立意：希望同学们在未来的音乐生活中，做一个“有心”的听众，去发现不同版本背后的故事；更希望大家在唱歌、演奏时，不再只是照着乐谱“念”出来，而是大胆地加入自己的理解和情感，用自己的方式，进行属于你自己的“二度创作”。因为，每一个热爱音乐的人，都可以是表演艺术家。

八、教学评价设计

本课采用过程性评价与终结性评价相结合的方式。

1.【基础】过程性评价（占60%）：包括课堂发言的积极性与深度、小组讨论的参与度、聆听笔记的记录情况、模仿与实践环节的投入程度。教师通过观察和记录，对学生的“审美感知”和“创意实践”能力进行即时评估。

2.【重要】终结性评价（占40%）：以小组合作的“旋律创编与展示”为