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黑白摄影作品赏析高调、灰调、低调各举出至少三张著名的黑白摄影作品，要求作品名称、作品作者，并对这些作品进行评析邵家业的水天一色，画面中尽管空白占据了作品绝大部分画面，主体船只占画面的一小点，但由于前景绳索的衬托，使画面虚实相生，疏密相济，通体淡雅，具有悠远的空灵之美和清新的诗的意味，给人以心旷神怡的感觉，增加了高调作品的艺术感染力。世界影像大师韦斯顿作品赏析-作品赏析(2010-03-17 22:19:59) 沙丘的韵律 韦斯顿沙丘作品，通过沙丘的起伏和光影的变化充分再现了自然本身所蕴涵的韵律之美。这是我们至今所能看到的，以沙丘为主题的摄影作品里，用最少的元素符号和简洁的构图把沙丘的韵味表现的如此充分的杰作。黑、灰、白三元素的空间位置、分布、对比关系向来是热衷黑白摄影的人们关注的最为基础的问题。在韦斯顿的影像世界，处于中间无穷变化的灰色影调是他最感兴趣的色调，或许灰色影调的感性因素恰好吻合了韦斯顿的细腻情感。沙丘的灰色影调相当细腻，画面质感强烈，从画面前景部分沙丘表面显现的黑色线条直到中景部分仍依稀可辨，足以可见“纯影派”摄影大师的功力。 自然界的一切都在运动和变化着，而光影变化的规律性运动又是最有韵味的，用高速摄相机就能捕捉到光影变化的美妙过程。如何用静止的照片展现光影的律动，这确实是项挑战。韦斯顿先生以他精微细致的观察，终于用沙丘作品向世人呈现了这种光影的律动。他通过灰色影调和黑色影调在沙丘曲线变化中的流动，描画了这种律动的美妙，让你能在静止的画面上感受到光与影在沙丘上的舞蹈。 韦斯顿的作品之所以能展示大自然如此的神韵，是来自他高超的取景构图。我们从画面整体观察；占作品主导地位的黑色与灰色影调，在沙丘的一起一伏中交相挥舞。而画面前景部分，那细密清晰的黑色线条，层层叠叠雕刻在灰色影调的沙丘上，如水波一般蜿蜒流动，使的整幅画面洋溢着旋律的海洋。从画面构成来看，前景部分沙丘的三个主要坡面形态的的线条形态、及动感趋势不同；而光影的变化伴随着沙丘的起伏从画面的前景向远方过度的每一细节又有所不同。我们不能不惊叹，大师用简洁的构图却敏感细致的抓住了线、形、影、诸元素完美的空间布局和它们之间奇妙的黑、灰、白影调组合，传递出大自然的鬼斧神工的力量。韦斯顿的沙丘又是另一番景象。灰色占据了很大面积，作者利用光线照射明暗的不同，形成了不同的影调层次和光影效果。画面中的沙丘浪涛滚滚，高低起伏，形成的是富有音乐韵律的优美图案。一处没有人也没有植物的荒凉沙漠，都被处理的如此诗情画意，不能不说是摄影家高潮的审美构思与摄影技法的结果。蒂娜的裸体值得耐人寻味的是，韦斯顿把静物拍的赋有生命，而把生命拍的颇像静物。我们把他的甜椒作品和这幅蒂娜的裸体作一番比较就不难发现这一点。 这是一幅在世界上广为流传的人体艺术照片，这幅作品和其他女人体作品不同的最大特点；在于韦斯顿纯理性的思考和感情平和的观察视角，因而，他发现了人体造型展现的几何形之美。我们从韦斯顿许多作品早已明了，韦斯顿对均衡感和形式美有着自己独到的见解和判断，他的艺术天赋极高，知觉敏感。正是得益于他的天资使的他的蒂娜的裸体与众不同，脱颖而出。而以往大多数女人体作品的性意识较强，关注的大多则是人体之美。就目前此类作品来看，能与韦斯顿这幅蒂娜的裸体媲美的摄影作品也是凤毛麟角。可以这样说，韦斯顿超凡脱俗的观察视角也正是他的艺术格调和性情使然。 我以为“超凡脱俗”用已形容这幅作品是在恰当不过了。为了突出前景部分人体轮廓的柔美线条，韦斯顿在用光上独巨匠心，他以人物正面的用光，刻意减弱了人体的肌肉组织结构可能形成的阴影，由此以来，人体肌肤所形成的干净、柔和、明亮的浅灰色影调具有了纯净的意味，进而强化了线条所组成的几何形之美。另外我们看到，这幅作品背景部分单一的黑色影调、和前景部分纯正的浅灰色影调平分秋色，真可谓干净、利索、冷静、恰好使这幅蒂娜的裸体作品脱离了世俗的欲念，升华为纯精神的欣赏佳作。 说点题外的话，或许大家会关心这幅作品的模特儿，她后来成为了韦斯顿的妻子。附记：爱德华韦斯顿生平 爱德华韦斯顿1886年生于美国伊利诺斯州芝加哥附近的一个家境不太富裕的家庭。他十几岁上学时就渴望拥有一架照相机，为此他省吃俭用，为了省下一点车费，情愿每天上学步行10英里。十六岁那年，韦斯顿终于实现了自己久已的愿望，花11美元，买了一架照相机。他的处女作是在芝加哥华盛顿公园里拍的一幅雪景。那时的他就具有一股倔劲，站在寒冷刺骨的河水里取景，脚都冻僵了。照片刚印出来时，他激动得浑身发抖。过了几天，当心情平静下来时才发现照片还不够完美，树太黑，雪太白，缺少层次。为了追求理想中的完美境界，韦斯顿在摄影艺术领域里，开始了一场为期46年漫长的探索，直到1948年得了震颤性麻痹症，才不得不放下照相机。韦斯顿在差不多半个世纪漫长的摄影创作生涯中，主要是靠自己的努力，几乎没有受过什么专门教育。只是在他二十二岁那年，在伊利诺斯摄影学校学过六个月。在二十岁到五十岁之间，韦斯顿主要是靠开设照相馆，拍摄商业人像的收入来维持生活。 1922年，韦斯顿去过一趟纽约，见到了当时美国的摄影大师斯蒂格里茨和史川德，尽管见面的时间不长，却帮助三十六岁的韦斯顿大开眼界，使他清楚的明了今后的路该如何行走。韦斯顿在他的日记中写道：“斯蒂格里茨通过和我两小时的会面，对准了我一生的焦点。”从此，韦斯顿逐渐确立了自己的摄影风格和美学观念，作品逐渐得到了舆论的关注和重视。 1930年，韦斯顿在纽约举办了第一次个人影展。1932年，他和安塞尔亚当斯，W范迪克等志同道合的影友，组成了美国摄影史上有名的“f64小组”。“f64小组”对影调、影纹细腻的追求，在摄影发展史上具有重要的意义。世界摄影发展史中大多公认的观点：把这一摄影流派称为纯粹派摄影。f64是大照相机镜头上最小的一级光圈，这表示他们都喜欢用小光圈进行拍摄。光圈既小，曝光时间必长；曝光时间长，照相机就必须稳固在三脚架上。这种拍摄法，看起来又笨又慢，但是，精工出细活，他们拍出的照片，都有影纹清晰，层次丰富，构图严谨的特点，至今仍受到各国摄影家的重视。 1937年是五十一岁的韦斯顿摄影生涯中一个重要的年头。这一年，他获得了美国著名的古金汉姆奖金。别瞧奖金不多，才2000美元，但是，这一文艺界的荣誉落在摄影家身上却是破天荒头一遭。韦斯顿终于可以义无返顾的对他早就腻烦的照相馆人像摄影说 “Goodbye”了。从此他整个的心身投入到大自然中，进入了久已渴望的自由创作的天地，在大自然中，韦斯顿的天性得到了充分地释放。因为，韦斯顿的天性，是喜欢自然，讨厌城市；喜欢清静，讨厌喧闹的。他说：“我天生就不是一个城里人。我之所以要离开旧金山，是因为我不喜欢这个地方。我的双脚，要在大地上行走，不喜欢这个到处人挤人的地方。” 1941年韦斯顿受聘为美国著名诗人惠特曼的草叶集拍摄插图，曾到美国的南部和东部地区旅行。但是，刚开始不久，就被突然爆发的珍珠港事件打断了。 第二次世界大战以后，1946年，在韦斯顿六十岁时，纽约现代艺术博物馆为他举办了一个规模宏大的个人影展，并出版了刊有作者自传的影集。然而，“夕阳无限好，只是近黄昏”。这次大规模的影展，好象是一首乐曲的辉煌的高潮，同时也是一个无可奈何的结尾。两年之后，韦斯顿病倒了，残酷的命运剥夺了韦斯顿终生挚爱的事业，使他从此卧床不起，达十年之久。1958年元旦，七十二岁的韦斯顿终于闭上那一双发现过许多奇妙镜头的慧眼。 韦斯顿有四个儿子，其中1911年出生的次子布莱特，从十七岁起就成为他父亲的得力助手，继承了其父的事业，也成为美国的著名摄影家。第三个儿子尼尔挺能干，二十四岁时就在他爸爸中意的西海岸卡美尔的野猫山上，盖起了一幢简朴的木屋。韦斯顿从1938年起就一直住在那里。也就是说韦斯顿生命最后的二十年是在这幢简朴的木屋中度过的，他那温情质朴的天性，使他的生命和事业终归走向敦厚的大地。由于层次丰富细腻的影调强调了甜椒上重要的轮廓线条使得甜椒那几乎相似两个人性化的形体在灰色影调与黑色影调编织的梦幻世界演绎了一场世上最浪漫最温柔的情感漂浮的云甜椒图片选自网络一粒沙里有一个世界，一朵野花里有一个天堂。把无限放在你的手掌上，永恒在一刹那间收藏。英国诗人威廉 . 布莱克天真的预言 在韦斯顿看来：“云彩，人体、贝壳，辣椒、树木、石块、烟囱，都是一个整体中互相依赖和互相联系着的事物，他们都有生命。”“不论在什么东西里，都能感受到生命的节奏，这就是造化的象征。”“具有创造能力的人认出了，并且运用最适合于他的艺术手法记录下这些节奏，就能使人透过其外表，感受到内在的生命。”正如他自己所说的，为了挖掘无处不在的“生命的节奏”，甜椒的诞生竟然用了韦斯顿整整七天的工夫，这幅作品是在三十多张照片中精选出来的出世佳作。拍摄过程中，韦斯顿为了获得理想的效果，不惜投入大量的时间与精力。即使是不太重要的背景，也决不等闲视之，而是反复换用玻璃、洋铁皮、卡纸、毛料；天鹅绒等等不同的材料进行试验。这幅被舆论公认为他最有代表性的杰作之一的甜椒，就是放在洋铁皮卷成的漏斗中拍摄出来的。韦斯顿颇为得意地说：“这可真是个好主意，一个最理想的衬景，它明亮的反射光刻画并强调了甜椒上重要的轮廓线条。”“这幅作品，可以说是我从事摄影二十几年以来的一个最高成就。它比一般的甜椒有更多的内涵，抽象出了人们知觉世界以外的东西。” 是的，我们从甜椒饱满、扭动的形体上感受到了甜椒那种特有的沿着曲线运动的生命节奏。健康的生长是一切生命体中美丽的状态，而生命生长过程中的曲线运动又是最优美的，韦斯顿的甜椒作品则向我们展示了生命生长的两种美丽的形态。他用丰富的影调、强烈的质感、结实的形体、优美的曲线呈现的甜椒形态是健康的，因而也是最美的。不错，七天的努力终于有了结果，韦斯顿用他的技术手段揭示了不论在什么东西里都存在着“生命的节奏”的断言。 另外，韦斯顿的甜椒作品还有另一层更为形象的语言；由于层次丰富细腻的影调强调了甜椒上重要的轮廓线条，使得甜椒那几乎相似两个人性化的形体，在灰色影调与黑色影调编织的梦幻世界，演绎了一场世上最浪漫最温柔的情感。附记：韦斯顿摄影的特色可以用四个词描述，那就是清新、直率、自然、朴实。他以平实的目光观察周围的世界，善于在寻常的事物中发掘出事物不寻常的一面。 20年代的摄影艺术领域，可以说是绘画派的一统天下。绘画派的最大特点，就是用尽各种技术手段把照片弄得象一幅油画。翻开那个时代的摄影杂志和年鉴，触目所见，全是些矫揉造作，似画非画的东西。这种绘画性的艺术风格浸透在风景、人物、静物的创作中，成为当时摄影界的主流文化。 韦斯顿早年的创作也曾试图模仿印象派的绘画，1915年的一次现代艺术的展览促使他放弃了对摄影的绘画性的追求，从而着手探讨构成他新风格的技术和美学观点。1922年对韦斯顿来说确是有着决定意义的一年。这年，他在纽约与美国摄影界的现代摄影先驱、摄影决裂主义发起人A斯蒂格里茨有过接触，并对摄影美学进行了探讨，从中韦斯顿受益非浅，终于确立了自己的美学观点和摄影风格，成为摄影史上纯粹主义摄影流派的先锋人物。纯粹主义摄影的口号是, 把你的镜头光圈对准f / 64。他们用影纹清晰、质感强烈、影调细腻，向当时统治摄影领域的绘画性摄影宣战。 韦斯顿主张表现景物的本来面目和其内在之美。既反对在底片上涂改，也反对在照片上拼凑，在他看来那是对深奥大自然造化之物的辱没。韦斯顿也曾追随过自然主义摄影的倡导者英国摄影家H埃默森的摄影美学观点，但他又认为，摄影在选择真实世界时并非是被动的选择，只有去粗取精，才能得到“真”与“美”兼有的作品。韦斯顿的创作把当时的摄影从盲目模仿绘画的死胡同里拉了出来，并为摄影艺术风格的多样化，开拓了一片新的领域。 韦斯顿和某些著名的摄影家不一样，他的创作没有什么固定的范围，人像、工厂、湖光山色、沙丘土堆、石块贝壳、枯干老树，以至辣椒白菜都经常在他的作品中出现。用他自己的话说：“任何事物，不论出于什么原因，只要激动了我，我就拍摄它。我不是专门去物色那些不寻常的题材而是要使寻常的题材变成不寻常的作品！”所以，那些被人司空见惯的小事物在他的镜头下，竟然也有了灵性。 在摄影创作中，韦斯顿反对条框框。他说：“我不能，也从来没有被任何原则或教条捆住了手脚甚至是自己已经习惯了的那一套。” 韦斯顿的作品，之所以能给人以超然脱俗的感觉，这皆因他的精神而为。韦斯顿的一生，不贪图名利，为了把时间和精力尽量用于摄影创作，他竭力简化自己的生活。韦斯顿在日记中写道：“我不想去赚很多的钱，只要够日常生活所需，也就行了。我不是没有时间和精力去赚更多的钱但我觉得还是把它们放在摄影创作上更好些。” 欣赏韦斯顿先生作品的第一要素，就是要了解作者对黑白摄影的纯粹主义的美学主张，影纹清晰、质感强烈、影调细腻的三要素即是“纯影派”的美学主张同时也是他们的技术基础。在我们本文介绍的韦斯顿的这七幅摄影作品中，可以对这种艺术式样略见一端。韦斯顿主张“构图是最有力的观察方式” 因而在有限的镜头视野中他总能摄取自然的精华部分，他对摄影的特性及其规律的认知，以他至高的艺术品味和技术的手段给予精深的理解、运用、其程度以达到自由的境界。他对景物的明与暗、光与影落实到画面呈现的黑、灰、白、的影调关系及画面的视觉效果了若指掌，以至向我们展示的每幅画面都那么令人着迷。他对摄影规律的认知和把握使他游刃有余的把握着空间黑、灰、白影调的布局和它们之间取得的和谐，仿佛大自然受雇于他的意念并听从他的摆布。更加不可思议的是，灰色影调一旦纳入他的画面则化腐朽为神奇，瞬间变的那么的温柔和抒情。 美国最著名的摄影家安塞尔亚当斯，是韦斯顿生前最亲密的影友。他在评论韦斯顿对摄影艺术的贡献时写道：“说实在的，韦斯顿是现代为数不多的几个最有创造力的艺术家之一。他再现了大自然的本来面目，他表现出了造化的力量。他以意味深长的形象，刻画出了世上最基本的和谐与统一。人类在不断探索和寻求着最完美的精神境界，韦斯顿的作品，照亮了这一条道路。李培林的作品母亲的太阳通过低调的处理，把背景处理成黑色，把母亲的影调压暗，变成一座大山，把母亲身后的小孩遮挡减光，变成一轮在山凹处冉冉升起的“太阳”，使母亲对儿子寄予希望这一主题得到了拓展和升华。世界影像大师哈尔斯曼作品赏析作品赏析原子的达利（1948）哈尔斯曼摄 品味哈尔斯曼原子的达利提供的惊人场面，你会产生近似视觉紊乱的情态，这种紊乱显然是非常规的空间因素造成的，那些说不清楚的视觉因素及彼此毫无关系的物体，哈尔斯曼却把它们组织在同一空间，使的画面中的场景游荡着荒诞怪异的意味。从画面悬浮的物体来看，都是清一色的黑跳跃的达利和他穿着的黑色衣服、飞起的黑色椅子、腾空跳跃的三只黑猫，悬浮的黑色画架，这种违反自然现象的物体悬浮在同一个空间，恰好吻合了达利的超现实的思维状态，使得看似不真实的画面却真实的反映了人物的精神本质。处于画面中心位置的达利和他的绘画是空间唯一的确定因素，它的存在提示我们；一切的不可能在达利的世界都是真实的存在，它们一直酝酿在达利的精神世界如同火山喷发，在他的绘画中大量流泻。面对原子的达利我们不由的对自己产生怀疑，毕竟人们的思维依赖于人们的感觉器官。事实是人的肉眼是相当局限的，它的反应速度相当可悲，不信的话你可以做个小实验，你用自己的手指在眼前晃两下就会产生视差。再举一例，我们看到那些魔术师变的戏法，只要动作麻利都能逃过人们盯紧的眼睛，连苍鹰的视觉反应和视野范围都较之人类优越的多,假使人类眼睛的反应速度可以达到高速摄影机的程度，世界万象将是另一种形态了，更何况社会常规限制了人们的思维。我们对外界变化的判断是以我为中心的，由此来说我们看到的现象的真实性也是相对的。有些东西是模糊的，借助语言也未必准确，或许清醒未必真实，奇思异端却符合了事物的本质。话说回来，这已不是本文的话题了。 哈尔斯曼的这幅作品对于画面影调部分的考虑并不复杂，他用背景墙面整洁的白色影调衬托了腾空的达利、三只黑猫、画架和椅子。可以说，哈尔斯曼原子的达利大胆的艺术构思和其独特的形式表达，相当准确的传达了达利的精神内涵，这正是作品的成功之处。当然了，不能否认达利的绘画艺术形式和达利的思维方式对哈尔斯曼的启发。附记：菲利普哈尔斯曼1906年生于欧洲的拉脱维亚里加市，他的父亲是个牙医。青年时代的哈尔斯曼，曾在德国的德累斯顿学过三年机械工程，后来住在巴黎，改行搞文艺。1933年27岁时，开始从事摄影。1940年纳粹侵占巴黎的前夕，他在科学家爱因斯坦的帮助下，与