如何画好色彩静物.doc

如何画好色彩静物如何构图？构图：构图就是组织画面，把画面上要画的东西安排得好看、舒服。这种布置物象的方法，也称“布局”。它是画面的骨架结构，是作品成败的关键。形状、线条、明暗、色彩都是构成布局的因素，其中形和线的布局是主要的。构图的第一步是在画面上安排好物体的位置和大小比例，使之看上去舒适恰当。第二步是处理好画面上各种物体的完美的艺术整体，主体突出其不意，并具体有形式美感和艺术感染力。构图的基本形式有：平行垂直构图书馆、平行水平构图、平行斜线构图、对角线构图、十字架构图、三角形构图、“S”形构图、辐射线构图及圆形构图等。组织静物构图包括：选择主题、挑选合适主题的物品、摆置静物和考虑配置恰当的色彩和光线。组合物体必须有一件物体作为主体，其他的物品应围绕主体来选择和搭配。物品的形状、大小要有主次和对比。特征、色彩、明度及材料质地等要具有多样性，而又能统一和谐。在造型上曲线的、直线的、方的、圆的、纤细的、粗糙的，复杂的、简单的等物体既要有区别和对比，又要相互协调一致。构图在画面中起着举足轻重的作用，也是作画者对静物理解的体现。静物构图一身要掌握上紧下松、受光面多留、背光面少留的原则。但随着现代审美扫展和人们欣赏水平的提高，一些平视构图、全俯视构图等构图形成已逐渐被子人们座可和肯定。它打破了四平八稳的构图形式，给人以耳目一新的感觉，构的悬念和美感已成为很多画家首要的追求。如何让画水果和蔬菜？ 水果与蔬菜在静物画中是非常常见的，常用的有苹果、梨、橘子、香蕉、西瓜、桃子、石榴、番茄、包心菜、青菜、萝卜、青椒、茄子等。水果和蔬菜因其颜色鲜亮，造型各异，在静物中充当着重要的角色。一般水果蔬菜的画法是先要准确生动的外形，再从暗部往亮部一般色彩鲜亮，并有少量天光和高光，可用纯度较高的颜色直接刻画。水果、蔬菜在刻画时还应注意前后、左右、主次的空间关系，要做到前鲜、后灰，主鲜、次灰，不可不分主次。水果蔬菜的表面质感也不大相同，有光泽度强的，也有光泽度弱的，光泽度强的反光环境色影响也大，光泽度弱的反光和环境影响也弱，要细心观察、仔细比较。在画同一种水果或蔬菜的表现技法可根据画面整体技法协调，可用薄画法、厚薄结合法、小笔触画法、刮刀画法等各种画法。如何分出虚实关系？在静物写生中，主体的表现在画面中是占有相当很重要的位置的。可以说画面一切和的体的表现都是为了烘的托主体，相比之下背景的表现就显得不怎么重要了。一般地说，表现背景是根据画面主体的需要而进行的。如果主体物偏亮，背景尽量处理得暗些；反之，如果主体物色彩鲜纯，背景尽量处理的灰些；反之，如果主体物选型结实，笔触感强，背景尽量处理柔和些、笔触弱些。背景的色彩一般为比较调和的中间色为最好，如果背景色彩过于亮丽，会影响主题的效果。当遇到背景是彩色花布及图案时，尽量不要过于表现，以免喧兵夺主，一般抓住在的整体感和色彩变化就行了，还可以根据画面需要进行表现。在表现背景时尽量与背景与背景拉开距离，但还要注意与主体的相互衬映。做到主次、前后、层次分明。如何画花卉？花卉经常作为静物画的主体表现出现，静物中花卉一般有盆花、束花、散花等，常见在静物中的花卉有康乃馨、玫瑰、马蹄莲、菊花、瓜叶菊、勿忘我、满天星等。花卉的特点是娇艳、自然、生动，往往给人以兴奋激动的心情。花卉的颜色有红、黄、蓝、白、橙、紫、粉等各种颜色。在刻画花卉时先要把花卉背后的衬布或空间画完整，再用较薄的深颜色画出叶子及枝干，然后再用厚颜色从后面往前画，从次要的周围花往中心受光部的主要花画，还要注意花卉深色的叶子、枝干的余留，以强化花卉整体的空间关系，每一朵花头的朝向、大小色彩也各有不同，要时时注意主次关系和整体关系。画花卉的枝干可用较小的狼毫笔刻画，能充分表现花卉的生动自然的效果。如何把握调子？色调指的是物体或画面色彩的总倾向，即全部色彩的一种整体关系。绘画中“调子”一词是借用音乐中调子的名词，单色素描中叫明暗调子，在色彩画里就叫色彩调子。色调若以色性来色则有冷调子、中间调子、暖调子、对比调子、灰调子；以色相来分有黄调子、红调子、紫调子、绿调子、蓝调子等；以明度来分则有这调子、灰调子、暗调子等。色调也是心理客观世界的反映，不同的色调会引起不同的心理反应，具有不同的感情和象征意义。色调心理与人们的年龄、气质、地域、时代、社会制度、生活方式、审美情趣等社会因素都有密切的联系。一般红色调子象征喜庆，使人兴奋、热烈、警觉，也有恐怖、危险、血腥的感觉。黄色调象征光明、尊贵、财富，使人感到光明、轻快，也有低调、衰败的感觉。绿色调象征青春、和平、新生，使人感觉到清新、舒适、欣欣向荣，也有压抑、伤感的感觉。如何来观察静物？一般地说，写生的过程就是观察的过程。因为在写生的自始至终都需参照对象才能进行，理解了对象，才能表现对象。运用正确的观察方法进行表现，才能比较客观地反映出对象的真实面貌。色彩的可以从整体理解，整体比较和整体表现几方面进行。以静静物写生为例，首先要有整体意识并建立整体观念，全面地、相互联系地、互相比较地进行观察。比较画面的明与暗、艳与灰、冷与暖，以及主与次、前与后、大与小、轻与重、虚与实等方面，始终注意它们之间的整体关系。然后迅速敏捷地抓住画面在在的色彩倾向，确定基本色调，从整体出发进一步分析和研究局部的色彩变化。，要善于把眼睛从局部回到整体，再整体返回局部，要始终注意局部和整体的相互关系，局部的色彩彩再漂亮、再丰富也不应影响和破坏整体的色彩关系。当然，只考虑整体而缺少局部的色彩变化也是不行的，因为整体中包含着许许多多的局部，没有局部的表现也谈不上整体的效果。我们知道，静物一般是由许多物体组合而成，有高的、矮的、大的、小，方的、圆的、长的、短的、粗的、细的，硬的、软的等，它们不但造型不同，质地和感受光的程度也不同。如果不进行比较把每一个局部都刻画的一丝不苟，画面就会显得杂乱无章、没有主次、没有空间、失去整体。所以说，只有把局部的色彩关系恰恰相反当地处理在统一的整体关系中，这些局部关系才能成立。对色彩的整体观察不仅在开始作画时要注意，在深入刻画局部的时候也一刻不能忽视、检查、对照、比较；分析整体与局部的相互关系。学会眯着眼睛看局部及细微的色彩变化。如何用白色？ 水和白粉（白颜料）是水粉画中不可缺少的重要因素。水是用稀释和调和颜料的，掌握水分的分寸直接影响画面的效果。水分过多色彩的纯度相应减弱，干了以后色彩缺少鲜艳感。所以，作画一开始铺大体色时不分可以多些并意识地运用水一渗化画面，越到后则越要减少使用，最后基本不用。这样画面产生干湿，轻重，虚实的空间效果。白粉，是用来提高明度和减弱色彩纯度的，同时要注意与其他颜色配合使用，不然画面会显得苍白无力。白粉不可不用，也不能到处都用，较深的暗部和较深的物体尽量不用，纯度较高的地方尽量少用以免破坏纯度。如果所画暗部的反光环境色彩一定要通过加白粉来提高亮度，可适当先用与其颜色相符的含相粉较高的颜料进行替代，如土黄、粉绿、湖蓝、橘黄、紫罗蓝、土红等，这样既丰富了画面的色彩变化又可以避免出现粉气、灰暗、浑浊等现象。由于水粉颜料带有粉质，因此画出的色彩在干、湿不同状态下有所变化。一般情况下，画面干后色彩普遍略浅，鲜艳度也略差。如果在较厚的底色上着色。既使画的颜色魏浅很纯，待干以后颜色也会变得又深又灰。这说明，颜色里的粉质成分愈多，色彩也容易变脏、变灰。画得过厚画面也容易龟裂和脱落，不易长期保存。了解和掌握水粉的性能与规律以及作画的方式方法对画好水粉画是很有帮助的。如何进行色彩静物写生？要想画好水粉静物写生，你第一应该注意的是培养自己的色彩感觉能力，因为只有感觉到的东西，才能被准确地表现出来，水粉静物写生也同样如此 从美学角度来看，描绘静物是人们对日常生活物品审美需求的反映。静物画题材非常富于绘画性，有着独立的艺术欣赏价值。另一方面，它在绘画基础训练中又有十分独特的地位。如果说素描是造型艺术的基础，那么色彩静物写生就可以被视为色彩训练最基本的手段，学生们可以在光色相对稳定的教室里，较长时间进行深入的写生练习，从容地观察各种光影现象和色彩关系，研究各种不同物体的固有色，在不同情况下的光源色、环境色中的变化。还可以根据绘画者自身的要求和需要，任意选择对象并随意组合相应的静物内容和主题，从而组织出一个从造型到色彩都符合练习要4求的画面。所以水粉静物写生常作为各类美术院校或专业入学考试（色彩科目）的主要内容，并被列为绘画基础课的主要训练内容之一。 既然是水粉静物写生，必不可少地还要结合技法的运用来谈。事实上，水粉静物写生的技法有着相对的灵活性和多样性。如上篇所谈到的，它既可以借鉴油画的塑造手段，又可依据水彩画的表现技法，还可以将两种方法兼容并用，这就形成了水粉画在表现色彩时所具有的优势。它为人们理解和掌握色彩关系及其变化规律，提供了较为灵活和便利的条件。水粉画又有其特殊的问题，如容易出现的脏、灰、粉、生等毛病，对初学者，甚至对有了一些作画经验的人，都是很难解决的。产生这些现象的原因，有技法问题，同时也有观察方法的问题，然而主要问题多是由于作者对客观对象所产生的色彩现象缺乏一定的理解。比如，把一块很漂亮的颜色，放到一幅和谐的色彩画中去，也可能会显得脏。一块在这幅画中看起来似乎很暗很脏的颜色，放到另一幅画中却显得十分漂亮。这个例子，稍有绘画经验的人都能有所体会，关键问题就在于需要我们要用色彩关系及其变化规律的原理去理解、分析和表现客观对象的色彩。 那么，什么是色彩关系及其变化规律呢？我们都知道，自然界任何物体都存在于一定的空间之内，相互联系相互制约。色彩也是如此，任何有色物体也都存在于一定的空间之内，它们的色彩也必然与周围邻接的物体相互影响相互制约，从而形成一定的关系，这就是色彩关系。它的变化规律就是固有色与条件色的对立统一规律。 因此，理解和掌握色彩关系及其变化规律是至关重要的。它能使我们观察色彩的能力得到提高，表现出来的色彩也就会真切，同时也会使我们在色彩写生和创作中占有主动权，免于被动地模仿对象的颜色，而是按照客观对象在一定的条件下所形成的色彩关系进行描绘，也就是我们常说的画画是画关系，而不是画东西。在静物写生中还应引起我们注意的是有些质感特殊的物体，如瓷器、金属制品，它们对光源色及环境色的反射能力很强，它们所反映出来的光源色和环境色有时与被反映的物体的颜色几乎没有什么差别。还有一些如陶制品、木制品类的物体，它们对光源色及环境色的反射敏感程度很弱，有时很难辨出其受光源色及环境色的影响。这就需要我们对反射能力极强的物体要找出其固有色的因素，反射光色能力弱的物体寻找出其光源色及环境色的成分。总之，要求我们对待具体问题进行具体分析，避免只靠感觉作画。这里需要说明的是，只靠感觉作画有时也可能画得很好，但只限于写生，离开了具体对象你将束手无策。此外，单凭感觉作画常不能排除不必要的光源色及环境色对物体的影响，画面常出现色彩凌乱、光线不统一的感觉，因此，单靠感觉作画对我们来说是不可取的。什么是色彩的七种对比？ 色彩的七种对比即色相对比、明度对比、冷暖对比、补色对比、同色对比、色度对比和面积对比。 色相对比：色相对比是因色与色之间的差别而形成的对比。对比越强烈，色彩效果越鲜明，对感官刺激越大。红、黄、蓝三原色是最原始、最典型的色相对比。用冷暖来表示色彩的感觉和心理，主要源于人们的经验。“暖”色给人以热烈的气氛和温馨的感觉，“冷”色给人有凉爽和严肃的感觉。明度对比：明度对比指黑、白、灰之间的关系，也是常说的素描关系。黑、白两极之间的色阶非常明确，容易分辨。依明度关系分画面有高调、中调、低调之分。明度对比是构成色彩中层次感、体积感、空间感、重量感的重要因素，从画面层次感、空间感受的角度理解，明度关系使前景亮、远景暗；受光近的亮、受光远的暗。从体积感和重量感理解，越深的色调越重，越亮的色调越轻；层次越丰富的色调，体积感受越强，层次越简单的色调体积感越弱。冷暖对比：色彩有冷暖之分。冷色泛指蓝绿色系，暖色指红黄色系，然而冷暖对比不是绝对的，关键取决于它同更冷的还是更暖的色相来比较。冷暖对比在色彩运用当中极为重要，也是色彩的研究的关键所在。从色彩自身的功能来看，红、橙黄色使观者心跳加、血压升高，所以产生热的感觉。蓝、蓝绿、蓝紫色能使观者血压低、心跳慢，产生冷的感觉。色彩在冷暖感觉是色彩的物理、生理、心理及色彩本身综合性因素决定的。补色对比：在色相对比中，色彩互相联系衬托、互相补充，所以也叫互补色。补色对比最强的是红与绿、黄与紫、蓝与橙，其它次之。所谓补色的对比是指看到任何一种特定颜色，眼睛都会同时产生对其补色的需要。如一张白纸单独看是白纸，话红纸上会感觉含绿、放在绿色纸上会感觉含红。补色对比搭配可构成互补色调，互补色相色调的色相感比对比色相色调效果要更强烈、更丰富、更完美、更有刺激性。互补色相色调能满足视觉色相的要求，取得视觉悟生理上的平衡，既互为对立又互为需要。互补色相如与明度、纯度相配合可构成审美价值很高的色彩效果。同色对比：同色对比是色彩美学的核心。没有同色对比就没有色彩的互补规律，也没有色彩的和谐。同色对比中因纯度的强弱不同而形成对比，属“同类色对比”的色调。在观察和区别这类色彩时必须进行比较，区别出其色相的细微差别，而且注意其明度和纯度。不然，容易画得色彩雷同。一般说，不同色性和色相距离大的容易区别，而同类色接近的区分较难，通过这类训练，可以提高观察力和表现力。色度对比：色度对比也称纯度对比，即强烈和暗淡色彩之间的对比。纯度较高的色彩以原色为最纯，加入相近的同类色彩也有较高的纯度。暗淡的色彩是加入了黑、白、灰或对比色使色彩减低了纯度。由不同色相、色性、明度、纯度等色彩组成的画面，它们之间产生不同程度的对比，形成画面的整体效果，一般较为常见。但此类对比，应该把一种色相作为主导色，把一种对比作为主要对比来统一全局，防止过于分散和杂乱。由于色彩和各种对比比较复杂，需要特别加强整体观念，从整个画面的大效果出发，有比较地表现出不同层次和主次关系。面积对比：面积对比是大与小之间对比。便面积对比不能单纯从体量上进行比较，要注意色彩视觉效果的均衡问题，而均衡度又随色彩明度的变化而变化。面积对比实质上是一幅作品中所含的色彩数量的比例对比。画面色彩面积的分布会产生不同程度的强弱对比，调节面积的大小可以取得的色彩对比强弱、色彩的韵律节奏以及视觉上力的平衡。因此面积对比是具有结构性的，它是整个画面“明暗结构”和色彩结构“的重要组成部分。由于面积对比所起的重要作用，因此在构思构图时需要优先考虑。水彩画5种弊病与相应的纠正方法水彩画物质材料的特性，决定了水彩画区别于其他画种的独特表现技法和审美趣味。指导学生纠正与克服水彩作画过程中出现的种种弊端。弊病之一：脏。水彩的特性决定了其“干净”的本质，而污浊的色彩产生出黯然不洁的画面，便会失去水彩画中最动人之处。“脏”是水彩画常见的毛病，其产生原因：色彩的冷暖、纯度关系不明确，缺乏对比；乱用黑色，造成色彩污浊；用笔过度扫、刷、擦，着水色遍数过多。纠正“脏”的弊病，首先要避免对比色、补色颜料的等量相调。其次，要谨慎使用黑色或将低纯度、低明度的色彩渗透到高纯度、高明度的色块里。需要特别指出的是，通过色彩调配产生的黑色，不仅有明确的色彩倾向，而且与其他色彩相调时，可有效避免“脏”的感觉。另外，作画用笔用色要准确肯定，尽量避免过多的重叠、洗、刷、修改，否则，容易失去水彩画滋润透明的特色而色彩混浊。弊病之二：焦。透明、亮丽是水彩画的特色之一。颜色稠浓，调色不当，干画法太多是造成画面“焦”的直接原因。以水调色作画是水彩画的基本特征，水的流动、透明、渗化等特性，赋予了水彩画淋漓、润泽、明快的韵味。调色中，除依靠颜色本身的明度调配以外，用水作为媒介颜色溶化、稀释并产生明度、纯度关系的变化，形成水与色、色与色的相互渗化、融合和自然、丰富的色彩效果，是克服色多于水，颜色太浓、太稠，避免画面“焦”的关键一环。水彩颜料中的赭石、熟褐等色，如果与群青、青莲等透明色相调配，用水适当，会产生颜色的沉淀，出现美妙丰富的肌理效果。相反，避免将赭褐等色与其他透明性差的颜色随便混合，又会避免画面色彩的干“焦”之感，所以调色时务必小心，尽量单独使用或在调色上不超过三种颜色。多采用湿画法作画，可以极大地